소나타 |

이탈. 소나타, 소나레에서 – 소리로

독주 또는 실내악 협주곡의 주요 장르 중 하나. 음악. Classic S.는 일반적으로 많은 부품으로 생산됩니다. 빠른 극단 부분(첫 번째 – 이른바 소나타 형식)과 느린 중간 부분으로; 때때로 미뉴에트 또는 스케르초도 사이클에 포함됩니다. 오래된 변종(트리오 소나타)을 제외하고 S.는 일부 다른 실내악 장르(트리오, 2중주, XNUMX중주 등)와 달리 XNUMX명 이하의 연주자를 포함합니다. 이러한 규범은 고전주의 시대에 형성되었습니다(비엔나 고전 학교 참조).

"S."라는 용어의 등장 독립운동 당시로 거슬러 올라간다. 인스트럭션 장르. 처음에는 S.를 wok이라고 불렀습니다. 악기와 함께 또는 자체적으로 조각. 인스트럭션 그러나 여전히 웍과 밀접하게 연결된 작품. 글쓰기 방식이 가장 중요했습니다. 간단한 wok 전사. 연극. 인트로. "S"라는 용어를 재생합니다. 13세기에 이미 발견되었습니다. 더 널리 "소나타"또는 "소나도"라고 불리는 것은 decomp에서 스페인의 후기 르네상스 (16 세기) 시대에만 사용되기 시작했습니다. tablature(예를 들어, L. Milan의 El Maestro, 1535; E. Valderrabano의 Sila de Sirenas, 1547), 그 다음 이탈리아. 종종 이중 이름이 있습니다. – canzona da sonar 또는 canzona per sonar(예: y H. Vicentino, A. Bankieri 및 기타).

콘. 16세기 이탈리아(F. Maskera의 작품에서 수석 수색), "S."라는 용어에 대한 이해 독립 기관의 지정으로. 연극(wok. 연극과 같은 칸타타와 반대). 동시에, 특히 con. 16 – 구걸. 17세기에 "S."라는 용어가 사용되었습니다. 형태와 기능이 가장 다양한 분야에 적용됩니다. 에세이. 때때로 S.는 instr이라고 불렸다. 교회 예배의 일부(Banchieri의 소나타에서 "Alla devozione" – "경건한 성격으로" 또는 "Graduale"이라는 제목은 주목할 만합니다. K. Monteverdi의 이 장르의 작품 중 하나의 이름은 "Sonata sopra Sancta Maria"입니다. – “성모 마리아의 소나타 전례”), 오페라 서곡(예: MA Honor의 오페라 The Golden Apple 도입, S. – Il porno d'oro, 1667). 오랫동안 "S.", "교향곡" 및 "콘서트"라는 명칭 사이에 명확한 구분이 없었습니다. 17세기 초반(초기 바로크)까지 소나타 다 키에사(Church. S.)와 소나타 다 카메라(실, 전면 S.)의 2가지 유형의 S.가 형성되었습니다. 처음으로 이러한 명칭은 T. Merula(1637)의 "Canzoni, overo sonate Concertate per chiesa e camera"에서 발견됩니다. Sonata da chiesa는 다성음에 더 의존했습니다. 형식, 소나타 다 카메라는 호모포닉 창고의 우세와 춤 가능성에 대한 의존으로 구별됩니다.

처음에는. 이른바 17세기. 바소 콘티누오 반주가 있는 2명 또는 3명의 연주자를 위한 트리오 소나타. 그것은 16세기의 다성음악의 과도기적 형식이었다. 솔로 S. 17-18 세기. 공연중. 현재 S.의 작곡은 현악기가 선두 자리를 차지하고 있습니다. 그들의 큰 멜로디와 함께 활을 휘감은 악기. 기회.

2층에서. 17세기에는 S.가 부분적으로 분해되는 경향이 있습니다(보통 3-5개). 이중선 또는 특수 지정으로 서로 구분됩니다. 5부 주기는 G. Legrenzi의 많은 소나타로 표현됩니다. 예외적으로 단일 파트 S.도 발견됩니다(Sat: Sonate da Organo di varii autori, ed. Arresti). 가장 일반적인 것은 일련의 부품이 있는 4-파트 사이클입니다: 느림 – 빠름 – 느림 – 빠름(또는: 빠름 – 느림 – 빠름 – 빠름). 첫 번째 느린 부분 - 소개; 그것은 일반적으로 모방 (때로는 동음이의 창고)을 기반으로하며 즉흥 연주가 있습니다. 문자, 종종 점선 리듬을 포함합니다. 두 번째 빠른 부분은 푸가이고 세 번째 느린 부분은 일반적으로 사라반드의 정신에 따라 동음이의입니다. 결론. 빠른 부분도 푸가입니다. 카메라 소나타는 무용에 대한 자유로운 연구였습니다. 스위트룸과 같은 방: allemande – courant – sarabande – gigue(또는 gavotte). 이 계획은 다른 춤으로 보완될 수 있습니다. 부속.

소나타 다 카메라의 정의는 종종 이름으로 대체되었습니다. – "스위트", "파르티타", "프랑스어. 서곡", "주문" 등. 17세기 독일의 상품이 있습니다. 두 가지 유형의 S. (D. Becker, I. Rosenmüller, D. Buxtehude 및 기타)의 특성을 결합한 혼합 유형. 교회로. S. 춤에 가까운 부분(gigue, minuet, gavotte)을 실내로 침투시킵니다. S. 때때로 이것은 두 유형의 완전한 합병으로 이어졌습니다(GF Teleman, A. Vivaldi).

부품은 S.에서 주제를 통해 결합됩니다. 연결(특히 C. op. 3 No 2 Corelli에서와 같이 극단 부분 사이), 조화로운 음조 계획(메인 키의 극단 부분, 보조 키의 중간 부분)의 도움으로 때로는 프로그램 설계의 도움(S. "성경 이야기" Kunau).

2층에서. 17세기에는 트리오 소나타와 함께 바이올린을 위한 S.가 지배적인 위치를 차지했습니다. 이 악기는 이 시기 가장 먼저 꽃을 피우는 악기입니다. 장르 sk. S.는 G. Torelli, J. Vitali, A. Corelli, A. Vivaldi, J. Tartini의 작업에서 개발되었습니다. 많은 작곡가들이 1층을 가지고 있습니다. 18세기(JS Bach, GF Teleman 등) 부분을 확대하고 그 수를 2 또는 3으로 줄이는 경향이 있습니다. 이는 일반적으로 교회의 느린 부분 2개 중 하나를 거부하기 때문입니다. S.(예: IA Sheibe). 파트의 템포와 특성의 표시가 더 상세해집니다("Andante", "Grazioso", "Affettuoso", "Allegro ma non troppo" 등). 클라비에의 발달된 부분이 있는 바이올린을 위한 S.는 JS 바흐에 처음 등장한다. 이름 "FROM." 솔로 클라비에 작품과 관련하여 I. Kunau가 처음으로 사용했습니다.

초기 고전 시대(18세기 중반)에 S.는 점차 가장 풍부하고 복잡한 실내악 장르로 인식됩니다. 1775년에 IA Schultz는 S.를 "모든 문자와 모든 표현을 포괄하는" 형식으로 정의했습니다. DG Türk는 1789년에 다음과 같이 말했습니다. FW Marpurg에 따르면, S.에는 반드시 "Allegro, Adagio, Presto 등과 같은 지정에 의해 주어진 템포에 8~1764개의 연속적인 곡이 있습니다." 새롭게 등장한 해머액션 피아노처럼 클라비에 피아노가 최전선에 섰다. (첫 번째 샘플 중 하나 - S. op. 3 Avison, 1751), 하프시코드 또는 클라비코드(북부 및 중독의 대표자용 - WF Bach, KFE Bach, KG Nefe, J. Benda, EV Wolf 및 기타 – 클라비코드는 가장 좋아하는 악기였습니다). C. Basso Continuo를 동반하는 전통은 사라져 가고 있습니다. 중간 유형의 클라비에 피아노가 확산되고 있으며, 하나 또는 두 개의 다른 악기, 가장 자주 바이올린 또는 기타 선율 악기(C. Avison, I. Schobert의 소나타 및 WA 모차르트의 일부 초기 소나타), 특히 파리와 런던에서. S.는 고전을 위해 만들어졌습니다. clavier와 c.-l의 필수 참여로 이중 구성. 선율 악기(바이올린, 플루트, 첼로 등). 첫 번째 샘플 중 - S. op. 4 지아르디니(1759), S. op. XNUMX 펠레그리니(XNUMX).

S.의 새로운 형태의 출현은 주로 다성에서 전환에 의해 결정되었습니다. 푸가 웨어하우스에서 호모포닉으로. 고전 소나타 알레그로는 특히 D. Scarlatti의 3부 소나타와 CFE Bach의 500부 소나타, 그리고 그의 동시대 작곡가인 B. Pasquini, PD Paradisi 등에서 집중적으로 형성됩니다. 이 은하계의 대부분의 작곡가의 작품은 잊혀지고 D. Scarlatti와 CFE Bach의 소나타만 계속 연주됩니다. D. Scarlatti는 3개 이상의 S.(종종 Essercizi 또는 하프시코드의 곡이라고 함)를 썼습니다. 그들은 철저함, 선조 마감, 다양한 모양과 유형으로 구별됩니다. KFE 바흐는 고전을 확립합니다. 2부 S. 주기의 구조(소나타 주기 형식 참조). 이탈리아 마스터, 특히 GB Sammartini의 작업에서 종종 알레그로 – 메뉴에토의 XNUMX부 주기를 발견했습니다.

"S."라는 용어의 의미 초기 고전 시대에는 완전히 안정적이지 않았습니다. 때때로 그것은 instr의 이름으로 사용되었습니다. 연극 (J. Carpani). 영국에서 S.는 종종 "Lesson"(S. Arnold, op. 7)과 솔로 소나타, 즉 멜로디의 S.와 동일시됩니다. 악기(바이올린, 첼로), 바소 콘티누오(P. Giardini, op.16), 프랑스 – 하프시코드를 위한 작품 포함(JJC Mondonville, op. 3), 비엔나 – 전환 포함(GK Wagenseil, J. Haydn), 밀라노에서 – 야상곡과 함께(GB Sammartini, JK Bach). 때때로 소나타 다 카메라(KD Dittersdorf)라는 용어가 사용되었습니다. 얼마 동안 교회의 S.도 그 중요성을 유지했습니다(모차르트의 17개의 교회 소나타). 바로크 전통은 선율의 풍부한 장식(Benda)과 거장 비유적 구절(M. Clementi)의 도입, 예를 들어 순환의 특징에도 반영됩니다. F. Durante의 소나타에서 첫 번째 푸가 부분은 종종 지그의 성격으로 쓰여진 두 번째 부분과 반대됩니다. 오래된 모음곡과의 연결은 S.(Wageenseil)의 중간 부분이나 끝 부분에 미뉴에트를 사용하는 것에서도 분명합니다.

초기 고전 테마. S.는 종종 모방 폴리포니의 특징을 유지합니다. 예를 들어, 창고는 장르의 발전에 대한 다른 영향(주로 오페라 음악의 영향)으로 인해 이 시기의 특징적인 동음이의성 주제를 가진 교향곡에 대조됩니다. 규범 클래식. S. 마침내 J. Haydn, WA ​​Mozart, L. Beethoven, M. Clementi의 작품에서 구체화됩니다. 극도로 빠른 움직임과 느린 중간 부분이 있는 3파트 주기는 S.의 전형이 됩니다(표준적인 4파트 주기의 교향곡과 대조적으로). 이 순환 구조는 오래된 C. da chiesa 및 solo instr로 돌아갑니다. 바로크 콘서트. 사이클의 선두 자리는 첫 번째 부분이 차지합니다. 그것은 거의 항상 모든 고전 인스트루먼트 중 가장 발전된 소나타 형식으로 작성됩니다. 형태. 예를 들어 fp에서와 같은 예외도 있습니다. 모차르트의 소나타 A-dur(K.-V. 1)의 첫 번째 부분은 변주곡의 형태로 작성되었으며, 자신의 C. Es-dur(K.-V. 331)에서는 첫 번째 부분이 아다지오(adagio)입니다. 두 번째 부분은 느린 속도, 서정적이고 사색적인 성격으로 인해 첫 번째 부분과 크게 대조됩니다. 이 부분은 구조 선택에서 더 큰 자유를 허용합니다. 복잡한 282부 형식, 소나타 형식 및 다양한 변형(무 전개, 에피소드 포함) 등을 사용할 수 있습니다. 종종 미뉴에트가 두 번째 부분으로 도입됩니다( 예: C. Esdur, K.-V. 3, A-dur, K.-V. 282, Mozart, Haydn의 경우 C-dur). 일반적으로 주기에서 가장 빠른 세 번째 악장(Presto, allegro vivace 및 가까운 템포)은 활성 특성을 가진 첫 번째 악장에 접근합니다. 피날레의 가장 전형적인 형식은 론도와 론도 소나타이며 덜 자주 변주곡(바이올린과 피아노를 위한 C. Es-dur, 모차르트의 K.-V. 331; 피아노를 위한 하이든의 C. A-dur)입니다. 그러나 481 fp에서와 같은 사이클 구조에서 벗어나는 것도 있습니다. 하이든의 소나타 52(초기)은 3부, 8은 XNUMX부이다. 유사한 주기는 일부 skr의 특징이기도 합니다. 모차르트의 소나타.

관심의 중심에 있는 고전적인 시대에는 피아노를 위한 S.가 있는데, 이는 모든 곳에서 오래된 유형의 현을 대체합니다. 키보드 악기. S.는 decomp에도 널리 사용됩니다. 반주가 있는 악기 fp., 특히 Skr. S. (예를 들어, Mozart는 47 skr을 소유하고 있습니다. C).

S. 장르는 32 fps, 10 scr을 만든 Beethoven과 함께 최고점에 도달했습니다. 그리고 5개의 첼로 S. 베토벤의 작품에서는 조형적인 내용이 풍부해지고 드라마가 구현된다. 충돌, 충돌 시작이 날카로워집니다. 그의 S. 중 많은 수가 기념비적인 비율에 도달합니다. 고전주의 예술의 특징인 형식의 세련미와 표현의 집중화와 함께 베토벤의 소나타도 훗날 낭만주의 작곡가들이 채택하고 발전시킨 특징을 보여준다. 베토벤은 종종 교향곡과 4중주 부분의 순서를 재현하는 2부 순환 형식으로 S.를 씁니다. 소나타 알레그로는 느린 서정입니다. 악장 – 미뉴에트(또는 스케르초) – 피날레(예: 피아노를 위한 S. op. 1 No. 2, 3, 7, op. 28, op. 2). 중간 부분은 때로는 역순으로 배열되고 때로는 느린 가사로 배열됩니다. 그 부분은 보다 유동적인 템포의 부분으로 대체됩니다(allegretto). 그러한 순환은 많은 낭만주의 작곡가들의 S.에 뿌리를 내릴 것입니다. 베토벤은 또한 54부 S.(피아노포르테를 위한 S. op. 90, op. 111, op. 26)와 자유로운 파트 시퀀스(변주 악장 – 스케르초 – 장례 행진 – 피아노 피날레)가 있는 솔로이스트도 있습니다. 작품 27, Op.C. quasi una fantasia op.1 No 2 and 31, C. op. 3 No 2, 3위는 스케르초, ​​101위는 미뉴에트). 베토벤의 마지막 S.에서는 순환의 긴밀한 융합과 해석의 더 큰 자유를 향한 경향이 강화됩니다. 부분들 사이에 연결이 도입되고, 한 부분에서 다른 부분으로의 연속적인 전환이 이루어지며, 푸가 섹션이 주기에 포함됩니다(S. op. 106, 110, 1의 마지막 부분, S. op. 111의 첫 번째 부분에 있는 fugato). 첫 번째 부분은 때때로 주기에서 선두 위치를 잃고, 마지막 부분은 종종 무게 중심이 됩니다. decomp에서 이전에 들리던 주제에 대한 회상이 있습니다. 주기의 일부(S. op. 101, 102 No 1). 수단. 베토벤의 소나타에서는 13악장에 대한 느린 도입부도 역할을 하기 시작합니다(op. 78, 111, 3). 베토벤의 노래 중 일부는 낭만주의 작곡가의 음악에서 널리 개발된 소프트웨어 요소가 특징입니다. 예를 들어 피아노를 위한 S.의 81파트. op. XNUMXa가 호출됩니다. '이별', '이별', '돌아가기'.

고전주의와 낭만주의 사이의 중간 위치는 F. Schubert와 KM Weber의 소나타에 의해 점유됩니다. 베토벤의 4부(드물게 3부) 소나타 주기를 기반으로 하는 이 작곡가들은 작곡에 특정한 새로운 표현 방법을 사용합니다. 멜로디 연주는 매우 중요합니다. 시작, 민요 요소(특히 주기의 느린 부분에서). 서정시. 문자는 fp에서 가장 명확하게 나타납니다. 슈베르트의 소나타.

낭만적 인 작곡가의 작업에서 클래식 음악의 추가 개발과 변형이 발생합니다. (주로 베토벤의) 유형 S.를 새로운 이미지로 포화시킵니다. 특징은 장르 해석의 개별화, 낭만주의 정신의 해석입니다. 시. 이 기간 동안 S.는 instr의 주요 장르 중 하나의 위치를 ​​​​유지합니다. 작은 형식(예: 가사가 없는 노래, 야상곡, 전주곡, 에뛰드, 특징적인 곡)에 의해 다소 밀려나기는 하지만 음악. F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, J. Brahms, E. Grieg 등이 지진의 발전에 큰 공헌을 했습니다. 그들의 지진학적 구성은 삶의 현상과 갈등을 반영함으로써 장르의 새로운 가능성을 보여줍니다. S. 이미지의 대비는 부분 내에서 그리고 서로의 관계에서 선명해집니다. 더 많은 주제에 대한 작곡가의 욕구도 영향을 받습니다. 일반적으로 낭만주의는 고전을 고수하지만주기의 통일성. 3부(예: 멘델스존의 피아노포르테 op. 6과 105를 위한 S., 바이올린을 위한 S., 브람스의 피아노포르테 op. 78 및 100) 및 4부(예: 피아노포르테 op. 4, 35를 위한 S. 및 58 Chopin, S. for Schumann) 주기. FP의 시퀀스 중 일부는 주기의 일부를 해석하는 데 있어 독창성이 뛰어납니다. 브람스(S. op. 2, 5부작 S. op. 2). 낭만적인 영향. 시는 한 부분으로 된 S.의 출현으로 이어집니다(첫 번째 샘플 – Liszt의 피아노포르테를 위한 XNUMX개의 S.). 규모와 독립성 측면에서 소나타 형식의 섹션은 사이클의 일부에 접근하여 소위 형성합니다. 한 부품 주기는 부품 사이의 흐릿한 선이 있는 지속적인 개발 주기입니다.

FP에서 리스트 소나타의 통합 요소 중 하나는 프로그램 방식입니다. 단테의 신곡, S. "단테를 읽은 후"(구조의 자유는 환상곡 소나타라는 명칭으로 강조됨), 괴테의 파우스트 이미지와 함께 – S. h-moll (1852-53).

Brahms와 Grieg의 작품에서 눈에 띄는 장소는 바이올린 S. 낭만적 인 S. 장르의 가장 좋은 예입니다. 음악은 바이올린과 피아노를 위한 소나타 A-dur에 속합니다. S. Frank, 첼로와 피아노를 위한 2개의 S. 브람스. 다른 악기를 위한 악기도 만들어지고 있습니다.

에서. 19 - 구걸. 서구 국가의 20세기 S. 유럽은 잘 알려진 위기를 겪고 있습니다. V. d'Andy, E. McDowell, K. Shimanovsky의 소나타는 흥미롭고 사고와 언어 면에서 독립적입니다.

많은 수의 S. decomp. 악기는 M. Reger가 작성했습니다. 특히 관심을 끄는 것은 오르간을 위한 그의 2 S.로, 클래식에 대한 작곡가의 지향이 드러났습니다. 전통. Reger는 또한 첼로와 피아노포르테를 위한 4개의 S., 피아노포르테를 위한 11개의 S를 소유하고 있습니다. 프로그래밍에 대한 성향은 McDowell의 소나타 작품의 특징입니다. fp에 대한 그의 S. 모두 4개. 프로그램 자막입니다("Tragic", 1893; "Heroic", 1895; "Norwegian", 1900; "Celtic", 1901). 덜 중요한 것은 K. Saint-Saens, JG Reinberger, K. Sinding 등의 소나타입니다. 그들의 고전을 되살리려고 시도합니다. 원칙은 예술적으로 설득력 있는 결과를 제공하지 못했습니다.

S. 장르는 초반에 독특한 특징을 갖게 된다. 20세기 프랑스 음악. 프랑스 G. Fauré, P. Duke, C. Debussy(바이올린과 피아노를 위한 S., 첼로와 피아노를 위한 S., 플루트, 비올라와 하프를 위한 S.)와 M. Ravel(바이올린과 피아노포르테를 위한 S. , 바이올린과 첼로를 위한 S., 피아노포르테를 위한 소나타). 이 작곡가들은 S.를 인상파를 포함하여 새로운 것으로 포화시킵니다. 비 유적, 표현의 독창적 인 방법 (이국적 요소의 사용, 모달 조화 수단의 풍부).

18세기와 19세기 러시아 작곡가들의 작품에서 S.는 두드러진 위치를 차지하지 않았습니다. 이때 S.의 장르는 개별 실험으로 대표된다. DS Bortnyansky의 cembalo를 위한 악기와 IE Khandoshkin의 솔로 바이올린과 베이스를 위한 악기는 양식적 특징이 초기 서유럽 고전 악기에 가깝습니다. 및 비올라(또는 바이올린) MI Glinka(1828), 고전에서 지속됨. 정신, 그러나 억양이 있습니다. 러시아인과 밀접한 관련이 있는 정당. 민요 요소. 국가적 특징은 Glinka의 가장 저명한 동시대인의 S., 주로 AA Alyabyeva(피아노가 있는 바이올린을 위한 S., 1834)에서 두드러집니다. 방어 피아노를 위한 4 S.의 저자인 AG Rubinshtein은 바이올린과 피아노를 위한 S.(1859-71)와 3 S. 장르에 경의를 표했습니다. (1851-76), 비올라와 피아노를 위한 S. (1855) 및 2p. 첼로와 피아노를 위한 (1852-57). 러시아어 장르의 후속 개발에 특히 중요합니다. 음악에는 피아노 S.가 있습니다. op. 37 PI 차이코프스키와 피아노를 위한 2 S.. AK Glazunov, "큰"로맨틱한 S.

19세기와 20세기의 전환기에. 장르에 대한 관심 S. y rus. 작곡가가 크게 늘었다. 장르 개발의 밝은 페이지는 FP였습니다. AN Scriabin의 소나타. 여러 면에서 낭만을 이어갑니다. 전통(프로그래밍 가능성에 대한 중력, 주기의 통일성)을 고려하여 Scriabin은 독립적이고 독창적인 표현을 제공합니다. Scriabin의 소나타 창의성의 참신함과 독창성은 비 유적 구조와 음악 모두에서 나타납니다. 언어, 장르의 해석. 스크리아빈 소나타의 프로그램적 성격은 철학적이며 상징적입니다. 캐릭터. 그들의 형태는 다소 전통적인 다중 파트 주기(1st – 3rd S.)에서 단일 파트(5th – 10th S.)로 진화합니다. 이미 두 부분이 밀접하게 관련되어 있는 스크리아빈의 4번 소나타는 XNUMX악장 피아노포르테 형식에 가깝습니다. 시. 리스트의 XNUMX악장 소나타와 달리 스크리아빈의 소나타는 XNUMX악장 순환 형식의 특징이 없습니다.

S.는 NK Medtner의 작업에서 크게 업데이트되었으며 to-rum은 14 fp에 속합니다. 바이올린과 피아노를 위한 S.와 3S. Medtner는 대부분 프로그램적이거나 서정적인 특징을 지닌 다른 장르의 기능을 활용하여 장르의 경계를 확장합니다("Sonata-elegy" op. 11, "Sonata-remembrance" op. 38, "Sonata-fairy tale" op. 25). , "소나타-발라드 » op. 27). 그의 '소나타 성악' 작품이 특별한 자리를 차지하고 있다. 41.

2fps의 SV 라흐마니노프. S.는 특히 위대한 낭만주의의 전통을 발전시킵니다. C. 러시아어로 된 주목할만한 사건. 음악 인생의 시작. 20세기 강철 2 첫 번째 S. for fp. 넵. Myaskovsky, 특히 2부작 XNUMXnd S.는 Glinkin Prize를 수상했습니다.

20세기의 다음 수십 년 동안 새로운 표현 수단의 사용은 장르의 외양을 변화시킵니다. 여기서 6C는 분해를 나타낸다. B. Bartok의 악기는 리듬과 양식의 특징이 독창적이며 연주자를 업데이트하는 경향을 나타냅니다. 작곡(2 fps 및 타악기를 위한 S.). 이 최신 경향은 다른 작곡가들도 뒤따릅니다(트럼펫, 호른, 트롬본의 경우 S., F. Poulenc 및 기타). 고전 이전의 일부 형태를 되살리려는 시도가 이루어지고 있습니다. S. (P. Hindemith의 6개의 오르간 소나타, E. Krenek의 비올라와 바이올린을 위한 솔로 S. 및 기타 작품). 장르의 신고전주의적 해석의 첫 번째 예 중 하나 - 피아노를 위한 2nd S. IF 스트라빈스키(1924). 수단. 현대 음악의 자리는 A. Honegger(다양한 악기의 경우 6C.), Hindemith(거의 모든 악기의 경우 C. 30C)의 소나타가 차지합니다.

장르에 대한 현대적인 해석의 뛰어난 예는 올빼미에 의해 만들어졌습니다. 작곡가, 주로 SS Prokofiev(피아노 9명, 바이올린 2명, 첼로). 현대 S.의 발전에서 가장 중요한 역할은 FP가 담당했습니다. 프로코피예프의 소나타. 모든 창의성이 명확하게 반영됩니다. 작곡가의 길 - 낭만과의 연결에서. 샘플(1차, 3차 C.)에서 현명한 성숙(8차 C)까지. Prokofiev는 고전에 의존합니다. 3부 및 4부 주기의 규범(1부 3부 및 17부 C 제외). 고전적 오리엔테이션. 그리고 프리클래식. 사고의 원리는 고대 무용의 사용에 반영됩니다. 18~6세기 장르. (gavotte, minuet), toccata 형식뿐만 아니라 섹션의 명확한 묘사. 그러나 극적의 구체성, 선율과 하모니의 참신함, 피아노의 독특한 특성 등 본래의 특징이 지배적이다. 미술 애호가. 작곡가의 작업에서 가장 중요한 정점 중 하나는 드라마를 결합한 전쟁 기간의 "소나타 8화음"(1939th – 44th pp., XNUMX-XNUMX)입니다. 고전과 이미지의 충돌. 형태의 정제.

DD Shostakovich(피아노, 바이올린, 비올라, 첼로용 2개)와 AN Aleksandrov(피아노용 피아노 14개)가 피아노 음악의 발전에 크게 기여했습니다. FP도 유명합니다. DB Kabalevsky의 소나타와 소나타, AI Khachaturian의 소나타.

50~60년대. 소나타 창의성 분야에서 새로운 특징적인 현상이 나타난다. S.는 소나타 형식으로 주기의 한 부분을 포함하지 않고 소나타의 특정 원칙만 구현합니다. FP의 경우 S.입니다. P. 불레즈, "준비된" 피아노를 위한 "소나타와 막간". J. 케이지. 이 작품의 저자는 S.를 주로 instr로 해석합니다. 플레이. 이것의 전형적인 예는 K. Penderecki의 첼로와 오케스트라를 위한 C.입니다. 비슷한 경향이 많은 올빼미의 작업에 반영되었습니다. 작곡가(BI Tishchenko, TE Mansuryan 등의 피아노 소나타).

참조 : Gunet E., Scriabin의 1914개의 소나타, "RMG", 47년, 1939번; Kotler N., Liszt의 소나타 h-moll, 그의 미학에 비추어, "SM", 3, 1953번; 크렘레프 유. A., 베토벤의 피아노 소나타, M., 1960; Druskin M., 1961-1962세기 스페인, 영국, 네덜란드, 프랑스, ​​이탈리아, 독일의 Clavier 음악, L., 1962; Kholopova V., Kholopov Yu., Prokofiev의 피아노 소나타, M., 1; Ordzhonikidze G., Prokofiev의 피아노 소나타, M., 1966; Popova T., Sonata, M., 1970; Lavrentieva I., 베토벤의 후기 소나타, Sat. In: 음악 형식의 질문, vol. 2, M., 1972; Rabey V., 바이올린 독주를 위한 JS Bach의 소나타와 파르티타, M., 1972; Pavchinsky, S., 일부 베토벤 소나타의 비유적 내용 및 템포 해석, in: Beethoven, vol. 1973, M., 13; Schnittke A., Prokofiev의 피아노 소나타 주기에 있는 혁신의 일부 기능, in: S. Prokofiev. 소나타와 연구, M., 1974; Meskhishvili E., Scriabin 소나타의 극작에 관하여, 수집: AN Skryabin, M., 36; Petrash A., 바흐 앞의 솔로 활 소나타와 모음곡과 그의 동시대 사람들의 작품, in: Questions of Theory and Aesthetics of Music, vol. 1978, L., XNUMX; Sakharova G., At the origins of the sonata, in: Features of sonata formation, “Proceedings of the GMPI im. 그네신”, vol. XNUMX, M., XNUMX.

조명도 참조하십시오. 기사 소나타 형식, 소나타 순환 형식, 뮤지컬 형식.

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