오케스트라 |
그리스 orxestra에서 - 고대 극장의 원형, 후기 반원형 플랫폼에서, 리드미컬한 움직임을 만들고 비극과 희극의 합창이 그들의 역할을 노래했던 orxeomai에서 - 나는 춤을 춥니다.
음악 작품의 공동 연주를 위해 다양한 악기를 연주하는 음악가 그룹.
서까지. 18세기 "오"라는 단어. 고대로 이해됨. 음악가의 위치와 관련하여 의미합니다(Walther, Lexikon, 1732). I. Mattheson "재발견된 오케스트라"("Das neu-eröffnete Orchestre", 1713)의 작품에서만 "O."라는 단어. 오래된 의미와 함께 새로운 의미를 얻었습니다. 현대는 JJ 루소가 음악 사전(Dictionnaire de la musique, 1767)에서 처음 정의했습니다.
몇 가지 O.의 분류 원칙이 있습니다. 주요 원칙은 instr에 따른 O.의 나눗셈입니다. 구성. 다른 그룹의 악기(교향곡 O., estr. O.)와 동종 악기(예: 현악 오케스트라, 금관악기, O. 타악기)를 포함한 혼합 작곡을 구별합니다. 균질한 작곡에는 고유한 구분이 있습니다. 예를 들어 현악기는 활 또는 뽑아낸 악기로 구성될 수 있습니다. 바람 O.에서 동질 구성이 구별됩니다. 구리 구성("갱") 또는 혼합, 목관 악기, 때로는 타악기가 추가됩니다. O. 박사의 분류 원칙은 뮤즈 임명에서 시작됩니다. 관행. 예를 들어, 군악대 estr이 있습니다. O. 특별한 유형의 O.는 다수로 표시됩니다. 냇. 앙상블과 O. Nar. 구성이 균질하고 (domrovy O.) 혼합 된 악기 (특히 만돌린과 기타로 구성된 나폴리 오케스트라, taraf). 그들 중 일부는 전문가가 되었습니다(VV Andreev가 만든 Great Russian Orchestra, AI Petrosyants가 조직한 O. Uzbek 민속 악기 및 기타). O. 냇을 위해. 예를 들어 아프리카와 인도네시아의 악기는 타악기가 우세한 작곡이 특징입니다. gamelan, O. 드럼, O. 실로폰. 유럽 국가에서 가장 높은 형태의 공동 교육. 연주는 교향곡이 되었다. O., 활, 관악기 및 타악기로 구성됩니다. 모든 현악 파트는 교향곡으로 연주됩니다. O. 전체 그룹(최소 XNUMX명의 음악가); 이 O.는 instr과 다릅니다. 각 음악가가 otd를 연주하는 앙상블. 파티.
교향곡의 역사. O.는 16-17세기로 거슬러 올라갑니다. 고대, 중세, 르네상스 시대에 대규모 도구 집단이 더 일찍 존재했습니다. 15-16세기에. 축하합니다. 사례를 수집했습니다. 앙상블, to-rye에는 모든 종류의 악기가 포함되었습니다. 그러나 17세기까지 c. 정기적으로 활동하는 앙상블은 없었습니다. 음악 공연은 축제 및 기타 행사에 맞춰 진행되었습니다. 현대에서의 O.의 모습. 이 단어의 의미는 16-17세기에 등장한 것과 관련이 있습니다. 오페라, 오라토리오, 솔로 웍과 같은 새로운 장르의 호모포닉 음악. O.가 성악의 기악 반주 기능을 수행하기 시작한 콘서트. 동시에 O.와 같은 집단은 종종 다른 이름을 지었습니다. 예, 이탈리아어. 작곡가 16 – 구걸. 17세기에는 "콘서트"(예: "Concerti di voci e distromenti" y M. Galliano), "채플", "합창단" 등의 용어로 가장 자주 표시되었습니다.
O.의 발전은 많은 사람들에 의해 결정되었습니다. 재료와 예술. 요인. 그 중 가장 중요한 3가지: 오크의 진화. 악기(새로운 것의 발명, 오래된 것의 개선, 음악 연습에서 오래된 악기의 소멸), 오크의 발전. 공연(새로운 연주 방식, 무대 위나 오크 구덩이에서 뮤지션의 위치, O.의 매니지먼트)은 오크 자신의 역사와 연결된다. 집단, 그리고 마지막으로 오크의 변화. 작곡가 마음. 따라서 O.의 역사에서 재료와 음악의 미학은 밀접하게 얽혀 있습니다. 구성 요소. 따라서 O.의 운명을 고려할 때 우리는 계측이나 오크의 역사를 의미하지 않습니다. 스타일, O. 개발의 재료 구성 요소 수. 이와 관련하여 O.의 역사는 조건부로 세 기간으로 나뉩니다. O. 약 1600 년에서 1750 년까지; 가. 2층. 18 – 구걸. 20세기(대략 1차 세계 대전이 시작되기 전인 1914-18년); O. 20세기(제XNUMX차 세계 대전 이후).
O. 기간 17 – 1층. 18세기 르네상스부터 O.는 음색과 테시투라 선택 면에서 풍부한 악기를 물려받았습니다. 오크 분류의 가장 중요한 원칙. 17세기 초의 도구는 다음과 같습니다. 1) 물리적 도구의 분할. A. Agazzari와 M. Pretorius가 제안한 현과 바람의 소리가 나는 본체의 특성; 후자는 또한 드럼을 선택했습니다. 그러나 Pretorius에 따르면, 예를 들어 현의 연관성은 음색과 소리 생성이 얼마나 다른지에 상관없이 "늘어진 현이 있는" 모든 악기(비올, 바이올린, 리라, 류트, 하프, 트럼펫, 모노코드, 클라비코드 , cembalo 등 2) 크기에 따라 결정된 테시투라에 따라 동일한 유형 내에서 기구의 분리. 이것이 인간의 목소리(소프라노, 알토, 테너, 베이스)에 해당하는 4가지, 때로는 더 많은 테시투라 변종을 포함하는 균질한 악기군이 생겨난 방법입니다. 그것들은 "음악 과학 코드"("Syntagma musicum", 파트 II, 2년)의 파트 1618에 있는 악기 표에 나와 있습니다. 16-17세기 전환기의 작곡가. 따라서 그들은 현악기, 관악기 및 타악기의 가지 계열을 가졌습니다. 현악군 중에는 비올(고음, 알토, 큰 베이스, 더블 베이스, 특수 품종 – viol d'amour, baritone, viola-bastard), 거문고(da braccio 포함), 바이올린(4현 고음, 테너, 베이스, 3현 프랑스어 – 포셰트, 작은 고음은 17도 더 높게 조정됨), 류트(류트, 테오르보, 아르킬류트 등). 플루트 악기(세로 방향 플루트 제품군)는 관악기에서 일반적이었습니다. 이중 리드가 있는 악기: 플루트(저음 연주에서 고음 파이프에 이르는 폭격기 그룹), 비뚤어진 뿔 – krummhorns; embouchure 악기: 나무와 뼈 아연, 트롬본 decomp. 크기, 파이프; 타악기(팀파니, 종 세트 등). Wok-instr. 테시투라 원리에 확고하게 기반을 둔 XNUMX세기 작곡가의 생각. 고음 테시투라의 모든 목소리와 악기, 알토, 테너 및 베이스 테시투라의 악기는 한 목소리로 결합되었습니다(그 부분은 한 줄에 녹음되었습니다).
16-17 세기 직전에 신흥의 가장 중요한 특징. homophonic 스타일뿐만 아니라 homophonic-polyphonic. 문자(JS Bach, GF Handel 및 기타 작곡가), Basso continue(일반 저음 참조); 이와 관련하여 멜로디와 함께. 이른바 목소리와 악기(바이올린, 비올라, 각종 관악기)가 등장했다. 연속 그룹. 도구의 구성은 변경되었지만 그 기능(저음 및 수반되는 다각형 하모니 연주)은 변경되지 않았습니다. 오페라 발전의 초기 기간(예: 이탈리아 오페라 학교)에서 컨티뉴오 그룹에는 오르간, 쳄발로, 류트, 테오르보, 하프가 포함되었습니다. 2층에서. 17세기에는 도구의 수가 급격히 감소했습니다. 바흐, 헨델, 프랑스 작곡가 시대. 고전주의는 건반 악기(교회 음악에서는 오르간, 쳄발로, 세속 장르에서는 XNUMX개 또는 XNUMX개의 쳄발로, 때로는 오페라에서는 오르보)와 베이스 - 첼로, 더블 베이스(Violono), 종종 바순.
O. 1층용. 17세기는 여러 가지 이유로 인해 작곡의 불안정성을 특징으로 합니다. 그 중 하나는 악기 선택 및 그룹화에서 르네상스 전통의 개정입니다. 계측이 근본적으로 업데이트되었습니다. 그들은 음악을 떠났다. 류트, 비올, 바이올린으로 대체된 연습 - 더 강한 음색의 악기. 폭격기는 마침내 베이스 포머에서 개발된 바순과 고음 파이프에서 재구성된 오보에에게 자리를 내주었습니다. 아연이 없어졌습니다. 세로 플루트는 사운드 파워 면에서 그들을 능가하는 횡방향 플루트로 대체됩니다. 테시투라 품종의 수가 감소했습니다. 그러나 이 과정은 18세기에도 끝나지 않았습니다. 예를 들어, 바이올린 피콜로, 첼로 피콜로, 류트, 비올라 다 감바, 비올 다무르와 같은 현은 종종 바흐 오케스트라에 나타납니다.
Dr. 작곡이 불안정한 이유는 adv에서 도구를 무작위로 선택했기 때문입니다. 오페라 하우스나 대성당. 일반적으로 작곡가들은 일반적으로 인정되는 안정적인 작곡이 아니라 정의된 O.의 작곡을 위해 음악을 작곡했습니다. 극장이나 사립. 예배당. 처음에는. 17세기 악보의 제목 페이지에는 “buone da cantare et suonare”(“노래와 연주에 적합”)라는 문구가 자주 새겨졌습니다. 때때로 악보나 표제지에 이 극장에 있던 구성이 고정되어 있었는데, 그가 궁정을 위해 쓴 몬테베르디의 오페라 오르페오(1607)의 악보에서도 그랬다. 만토바의 극장.
새로운 미학과 관련된 도구 변경. 요청, 내부 변경에 기여했습니다. 조직 O. 오크의 점진적인 안정화. 작곡은 주로 현대의 기원을 따라갔습니다. 우리에게 오크의 개념. 음색과 다이나믹에 관련된 악기를 결합한 그룹. 속성. 다양한 크기의 바이올린으로 음색이 균일한 현악 그룹의 구별은 주로 연주 연습에서 발생했습니다(1610년 파리의 활을 든 오페라 "왕의 바이올린 24개"에서 처음으로). 1660-85년에 샤를 24세의 왕실 예배당은 XNUMX개의 바이올린으로 구성된 악기인 파리 모델에 따라 런던에서 조직되었습니다.
비올과 류트(바이올린, 비올라, 첼로, 더블 베이스)가 없는 현악 그룹의 결정화는 17세기 오페라의 가장 중요한 정복으로 주로 오페라의 창의성에 반영되었습니다. 퍼셀의 오페라 디도와 아이네아스(Dido and Aeneas)(1689)는 협주곡이 있는 활을 든 하프를 위해 작성되었습니다. 관악기의 트리오 추가 – Lully(1673)의 Cadmus와 Hermione. 목관악기와 금관악기는 아직 바로크 정교회에서 형태를 갖추지 못했지만, 클라리넷(플루트, 오보에, 바순) 외에 모든 주요 목관악기가 이미 O에 도입되고 있다. JB Lully의 악보에서 관악 트리오 2개의 오보에(또는 2개의 플루트)와 바순, F. Rameau의 오페라("Castor and Pollux, 1737)에서 플루트, 오보에, 바순과 같은 불완전한 목관악 그룹이 나열됩니다. 바흐의 오케스트라에서 17세기 악기에 대한 그의 고유한 매력. 관악기의 선택에도 영향을 미쳤습니다. 오보에의 오래된 변종인 오보에 다모레, 오보에 다 카치아(현대 영국 호른의 원형)는 바순 또는 2개의 플루트 및 바순과 함께 사용됩니다. 금관 악기의 조합은 르네상스 형식의 앙상블(예: Scheidt의 Concertus Sacri에서 아연과 3개의 트롬본)에서 지역 금관 타악기 그룹(Bach의 Magnificat에서 3개의 트럼펫과 팀파니, 자신의 칸타타에 팀파니와 호른이 있는 3개의 트럼펫)으로 발전합니다. 205). 수량. O.의 구성은 그 당시에 아직 구체화되지 않았습니다. 문자열. 그룹은 때때로 작고 불완전한 반면 관악기의 선택은 종종 무작위였습니다(표 1 참조).
1층부터. 18세기 분단이 이루어졌다. 음악의 사회적 기능, 공연 장소, 청중과 관련된 작곡. 작곡을 교회, 오페라 및 콘서트로 나누는 것도 교회, 오페라 및 실내악 스타일의 개념과 관련이 있습니다. 각 작곡에서 악기의 선택과 수는 여전히 크게 변동했습니다. 그럼에도 불구하고 오페라 오페라(헨델의 오라토리오도 오페라 하우스에서 공연됨)는 종종 콘서트보다 관악기로 더 포화되었습니다. dif와 관련하여. 플롯 상황에서 현, 플루트 및 오보에, 트럼펫 및 팀파니와 함께 트롬본이 자주 사용되었습니다(몬테베르디의 오르페우스의 지옥 장면에서는 아연과 트롬본의 앙상블이 사용되었습니다). 때때로 작은 플루트가 도입되었습니다(Handel의 "Rinaldo"). 17세기의 마지막 21분의 XNUMX에. 뿔이 나타납니다. 교회로. O. 반드시 오르간(연속 그룹 또는 콘서트 악기)이 포함됩니다. 교회로. O.에서 op. 바흐와 함께 현악기, 목관악기(플루트, 오보에), 때때로 팀파니가 있는 파이프, 호른, 트롬본, 합창단의 두 배 성악(칸타타 XNUMX번)이 자주 연주됩니다. 교회에서와 마찬가지로 오페라 O. 피조물에서도 마찬가지입니다. 이 역할은 바이올린, 첼로, 플루트, 오보에 등 독창을 동반하는 의무 악기(Obligate 참조)가 담당했습니다.
O.의 콘서트 구성은 전적으로 음악을 연주하는 장소와 성격에 달려 있습니다. 축하합니다. 조언 바로크 식 (대관식, 결혼식), 전례와 함께 대성당. 음악 소리 instr. 법원에서 공연하는 콘서트와 팡파르. 음악가.
세속적 사생활 콘서트는 오페라 하우스와 야외에서 열렸습니다. 가장 무도회, 행렬, 불꽃놀이, "물 위", 그리고 가족의 성이나 궁전 홀에서 열렸습니다. 이러한 모든 유형의 콘서트에는 27월이 필요합니다. 작곡 O. 및 출연자 수. 1749년 56월 9일 런던의 그린 파크에서 연주된 헨델의 "불꽃을 위한 음악"에서 관악기와 타악기만(최소 9개의 악기); 콘서트 버전에서는 작곡가인 Foundling Hospital에서 한 달 후 연주되었으며, 24개의 트럼펫, 12개의 호른, 6개의 오보에, 1721개의 바순, 타악기, 또한 현악기를 사용했습니다. 실제 conc의 개발에서. O. 가장 큰 역할은 그로스 협주곡, 독주 협주곡, 오크와 같은 바로크 시대의 장르에서 수행되었습니다. 모음곡. 사용 가능한 구성에 대한 작곡가의 의존도(일반적으로 작은 구성)는 여기에서도 두드러집니다. 그럼에도 불구하고, 이 틀 내에서도 작곡가는 종종 동음-다성 콘서트의 실내악 스타일과 관련된 특별한 거장과 음색 작업을 설정합니다. 기초. 이것들은 바흐의 XNUMX개의 브란덴부르크 협주곡(XNUMX)이며, 각각은 바흐가 정확히 나열한 솔로이스트-연주자의 개별 구성을 가지고 있습니다. 어떤 경우에는 작곡가가 decomp를 표시했습니다. 작곡의 변형(A. Vivaldi).
생물. 바로크 시대의 오케스트라 구조는 다중 합창단 음악의 스테레오포닉(현대적 의미에서) 원리의 영향을 받았습니다. 소리의 공간적 병치에 대한 아이디어는 17세기에 채택되었습니다. 합창단 출신. 16세기의 대위법 다성음악. 여러 합창단의 위치. 그리고 인스트럭션. 큰 대성당의 합창단에있는 예배당은 소리의 공간 분할 효과를 만들었습니다. 이 관행은 G. Gabrieli가 일했던 베니스의 산마르코 대성당에서 널리 사용되기 시작했으며 S. Scheidt 및 기타 작곡가뿐만 아니라 그와 함께 공부한 G. Schutz에게도 친숙했습니다. 다합창단 전통의 극단적인 표현 wok.-instr. 이 편지는 1628년 잘츠부르크 대성당에서 O. Benevoli가 공연한 축제 미사였습니다. 이 미사에는 8개의 합창단이 필요했습니다(동시대인에 따르면 12개까지 있었음). 다중 합창단 개념의 영향은 컬트 폴리포닉에만 반영된 것이 아닙니다. 음악(Bach의 Matthew Passion은 2개의 합창단과 2개의 오페라를 위해 작곡됨)뿐만 아니라 세속 장르에서도 사용됩니다. 협주곡의 원리는 전체 연주자들을 디컴프를 연주하는 두 개의 불평등한 그룹으로 나누는 것입니다. 기능: Concertino – 독창자 그룹과 Concerto Grosso(큰 협주곡) – 동반 그룹은 O. oratorio, Opera(Handel)에서도 사용되었습니다.
1600-1750년 기간의 O. 음악가의 성향은 위에서 언급한 모든 경향을 반영합니다. 18세기의 이론가들이 제시한 도표와 판화로 판단할 수 있는 한, O. 음악가의 위치는 나중에 사용된 위치와 현저하게 다릅니다. 오페라 하우스의 음악가 숙박, conc. 홀이나 대성당에는 개별 솔루션이 필요했습니다. 오페라 오페라의 중심은 밴드마스터의 샹발로와 그 근처에 위치한 현악 베이스(첼로와 더블 베이스)였습니다. 밴드마스터의 오른쪽에는 현이 있었다. 왼쪽에 있는 악기 – 관악기(목관악기 및 호른), cembalo와 함께 두 번째 근처에서 수집됨. 문자열도 여기에 위치했습니다. 베이스, 오르보, 바순, 두 번째 쳄발로와 함께 연속 그룹을 형성합니다.
18세기 오페라 오케스트라에서 음악가의 위치. (책에서: Quantz J., Versuch einer Anweisung, die Flöte traversiere zu spielen, Berlin, p. 134).
깊이(오른쪽)에는 파이프와 팀파니를 놓을 수 있습니다. 콘서트 구성에서 솔로이스트는 밴드마스터 근처 전경에 있어 음의 균형에 기여했습니다. 이러한 좌석 배치의 특이성은 여러 공간적으로 분리된 사운드 콤플렉스를 형성하는 악기의 기능적 조합이었습니다. . 이러한 구조에는 다단계 관리가 필요했습니다. 일부 연주자들은 반주하는 참발로를 따랐고, O.는 전체적으로 밴드마스터의 참발로를 따랐다. 이중 제어 방법도 널리 사용되었습니다(전도 참조).
가. 2층. 18 – 구걸. 20세기 O. 이 기간, 그러한 분해를 다룬다. 비엔나 고전파, 낭만주의, 낭만주의 극복 등의 문체 현상. 트렌드, 인상주의 등 서로 닮지 않은 많은 사람들이 자신의 것을 가지고있었습니다. 그러나 국립학교의 발전은 하나의 공통된 과정을 특징으로 합니다. 오크의 발전입니다. 호모포닉 고조파를 기반으로 수직으로 텍스처의 명확한 분할과 불가분하게 연결된 장치. 생각. 그것은 오크의 기능적 구조에서 표현을 찾았다. 패브릭(멜로디, 베이스, 지속적인 하모니, 오크 페달, 대위법, 형상의 기능을 강조). 이 과정의 기초는 비엔나 뮤즈 시대에 마련되었습니다. 고전. 그 끝에 오크가 생성되었습니다. 장치 (악기 구성 및 내부 기능 구성 측면에서 모두)는 러시아 낭만주의와 작곡가의 추가 발전을위한 출발점이되었습니다. 학교.
성숙도의 가장 중요한 표시는 동음파 조화입니다. 오크의 동향. 음악적 사고 – 3분기에 시들어 갑니다. 18세기의 바소 콘티누오 그룹은 쳄발로와 오르간의 기능을 동반하는 오크 고유의 역할이 커지면서 충돌하게 되었습니다. 조화. 점점 더 많은 외계인 오크. 동시대 사람들은 또한 하프시코드의 음색을 상상했습니다. 그럼에도 불구하고 새로운 장르인 교향곡에서 베이스 연속음(chembalo) 기능을 수행하는 건반 악기는 여전히 매우 일반적입니다. 일부 교향곡(J. Stamitz, A. Fils, K. Cannabih)에서는 초기에 J. Haydn의 교향곡. 교회로. 음악에서 Basso Continuo 기능은 90년대까지 살아남았습니다. 18세기(모차르트의 레퀴엠, 하이든의 미사).
비엔나 고전 작곡가의 작품. 학교는 처음부터 O.의 교회, 극장 및 실내 구성으로의 분할을 재고하고 있습니다. 19세기에 "Church O."라는 용어가 사용되었습니다. 실제로 사용하지 않게되었습니다. "chamber"라는 단어는 오크에 반대되는 앙상블에 적용되기 시작했습니다. 성능. 동시에 오페라의 오페라 앙상블과 콘서트 앙상블 사이의 구별이 매우 중요해졌습니다. 오페라 O.의 구성이 이미 18세기라면. 도구의 완전성과 다양성으로 구별되며, 그 다음에는 실제 농도로 구분됩니다. 교향곡의 장르와 독주 협주곡 자체뿐만 아니라 작곡도 초기 단계에 있었고 L. Beethoven으로만 끝났습니다.
O.의 작곡의 결정화는 기기의 갱신과 병행하여 진행되었습니다. 2층에서. 미학의 변화로 인한 18세기. 음악의 이상. 관행이 사라졌다. 악기 – 테오르보, 비올, 오보에 다모레, 세로 플루트. O의 음색과 테시투라 스케일을 풍부하게 하는 새로운 악기가 설계되었습니다. 80년대 오페라의 편재성. 18세기에는 I. Denner가 디자인한 클라리넷(c. 1690)을 받았습니다. 교향곡에 클라리넷 도입. O. 시작으로 종료되었습니다. 19세기 목제 정신의 형성. 여러 떼. 클라리넷의 알토 변종인 바셋 호른(corno di Bassetto)은 짧은 기간 동안 번영했습니다. 낮은 영혼을 찾고 있습니다. 베이스 작곡가들은 콘트라바순(하이든의 오라토리오)으로 눈을 돌렸습니다.
2층에서. 18세기 작곡가는 여전히 O의 사용 가능한 구성에 직접적으로 의존했습니다. 일반적으로 초기 고전의 구성. O. 1760-70년대. 2개의 오보에, 2개의 호른 및 현으로 축소. 그것은 유럽에서 통일되지 않았습니다. O. 현 내부의 악기 수. 여러 떼. 조언 O., Krom에는 12개 이상의 현이 있습니다. 악기는 큰 것으로 간주되었습니다. 그럼에도 불구하고 2층에 있습니다. 음악의 민주화와 관련하여 18세기. O.의 안정적인 구성에 대한 필요성이 커졌습니다. 이때 새로운 상수 O., pl. 그 중 나중에 널리 알려지게 되었습니다. O. 파리의 "영적 콘서트"(스피리추얼 콘서트), 라이프치히의 O. 게반트하우스(1781), 파리 음악원의 O. 오브바 콘서트(1828). (표 2 참조)
러시아에서는 O. 생성의 첫 번째 단계가 하반기에만 수행되었습니다. 2세기 17년, adv. 모스크바에 t-ra는 외국인을 초대했습니다. 음악가. 처음에는. 1672세기 표트르 18세는 러시아에 연대 음악을 도입했습니다(군사 음악 참조). 30대. 18세기 러시아인과 함께 안뜰에서 연극과 콘서트 생활이 전개됩니다. 1731년에 상트페테르부르크에 최초의 법원이 설립되었습니다. O., 외국으로 구성. 음악가 (그와 함께 러시아 학생들이있었습니다). 오케스트라에는 현악기, 플루트, 바순, 트롬본이 없는 금관악기, 팀파니, 클라비-샴발로(총 40명까지)가 포함되었습니다. 1735년에 이탈리아인이 상트페테르부르크에 초대되었습니다. F. Araya가 이끄는 오페라 극단, 러시아인 O. adv. 음악가. 2층에서. 18세기 adv. O.는 "첫 번째 O의 카메라 음악가"라는 두 그룹으로 나뉩니다. (주 2-1791 명, 반주자 K. Canobbio에 따르면) 및 "두 번째 O. 음악가는 같은 볼룸입니다"(47 명, 반주자 VA Pashkevich). 첫 번째 O.는 거의 전적으로 외국인으로 구성되었으며 두 번째는 러시아인이었습니다. 음악가. 농노가 널리 퍼졌습니다. 그들 중 일부는 매우 전문적이었습니다. NP Sheremetev의 오케스트라(Ostankino와 Kuskovo의 영지, 43명의 음악가)는 큰 명성을 얻었습니다.
교향곡에서. L. 베토벤의 작품은 마침내 교향곡의 "고전" 또는 "베토베니아" 작곡을 결정화했습니다. A: 현, 목관악기(플루트 2개, 오보에 2개, 클라리넷 2개, 바순 2개), 호른 2개(3 또는 4개), 트럼펫 2개, 팀파니 2개(2세기 후반에는 작은 악기로 분류되었습니다. 구성 기호 O.). 19번 교향곡(9)으로 베토벤은 현대적인 의미에서 교향곡의 대규모 작곡을 위한 토대를 마련했습니다. A: 현, 목관 악기와 추가 악기 쌍(1824개의 플루트와 작은 플루트, 2개의 오보에, 2개의 클라리넷, 2개의 바순 및 콘트라바순), 2개의 호른, 4개의 트럼펫, 2개의 트롬본(3번 교향곡의 피날레에서 처음 사용됨), 팀파니 , 삼각형, 심벌즈, 베이스 드럼. 거의 동시에. (5) F. 슈베르트의 "미완성 교향곡"에도 1822개의 트롬본이 사용되었습니다. 3세기 오페라 오페라에서. 무대 상황과 관련하여 conc에 포함되지 않은 악기가 포함되었습니다. 기호 A의 구성: 피콜로, 콘트라바순. 타악기 그룹에서는 팀파니 외에 리드미컬하게 나른다. 기능, 지속적인 연관성이 나타났으며 동양 에피소드(소위 터키어 또는 "Janissary 음악")에서 가장 자주 사용됨: 베이스 드럼, 심벌즈, 삼각형, 때로는 작은 북(Gluck의 "Iphigenia in Tauris", "The 세라글리오로부터의 납치' 모차르트) . 부서에서 어떤 경우에는 종(Glcckenspiel, 모차르트의 마술 피리), tam-toms(고세카의 미라보의 죽음을 위한 장례식 행진, 18)가 나타납니다.
19세기 초반. 정신의 근본적인 개선으로 표시됩니다. 잘못된 억양, 반음계 부족과 같은 단점을 제거한 악기. 금관 악기의 저울. 플루트, 그리고 나중에는 다른 목주. 악기에는 밸브 메커니즘(T. Boehm의 발명)이 장착되어 있었고, 천연 뿔과 파이프에는 밸브 메커니즘이 장착되어 있어 음계를 반음계로 만들었습니다. 30대. A. Sachs는 베이스 클라리넷을 개선하고 새로운 악기(색스혼, 색소폰)를 설계했습니다.
O.의 발전에 대한 새로운 자극은 낭만주의에 의해 주어졌습니다. 프로그램 음악, 풍경 및 환상의 번성. 오페라의 요소, 오크에 대한 검색이 전면에 나왔습니다. 색과 드라마. 음색 표현력. 동시에 작곡가(KM Weber, P. Mendelssohn, P. Schubert)는 처음에 오페라 쌍 구성의 틀 안에 머물렀습니다(오페라에서 다양성이 포함된: 작은 플루트, 영국 호른 등). O.의 자원을 경제적으로 사용하는 것은 MI Glinka에 내재되어 있습니다. 그의 O.의 색채 부는 문자열을 기반으로 달성됩니다. 관악 그룹 및 쌍(추가 악기 포함); 그는 호른과 파이프에 트롬본을 부착합니다(3개, 드물게 1개). G. Berlioz는 O.의 새로운 가능성을 사용하기 위해 결정적인 조치를 취했습니다. 드라마, 사운드의 스케일에 대한 증가된 요구를 제시하면서 Berlioz는 O의 구성을 크게 확장했습니다. Fantastic Symphony(1830)에서 그는 현을 늘렸습니다. 악보에 있는 연주자의 정확한 수를 나타내는 그룹: 최소 15개의 제15 및 10개의 제11 바이올린, 9개의 비올라, 2개의 첼로, 4개의 더블 베이스. 이 작전에서. 그의 강조된 프로그래밍 가능성과 관련하여 작곡가는 이전의 오페라와 콘서트의 엄격한 구분에서 벗어났습니다. 기호를 입력하여 구성합니다. O. 색상이 매우 특징적입니다. 계획 도구, 영어로. 호른, 작은 클라리넷, 하프(2), 종. 구리 그룹의 크기가 증가하여 3개의 호른, 2개의 트럼펫 및 2개의 트롬본 외에도 XNUMX개의 코넷-어-피스톤 및 XNUMX개의 오피클레이데스(나중에 튜바로 대체됨)가 포함되었습니다.
R. Wagner의 작업은 O. Koloristich의 역사에서 한 시대가 되었습니다. 이미 로엔그린에 있는 질감의 밀도를 찾고 노력한 결과 오크가 증가했다. 최대 3중 구성(보통 2개의 플루트 또는 3개의 플루트와 작은 플루트, 2개의 오보에 또는 3개의 오보에와 잉글리시 호른, 2개의 클라리넷 또는 3개의 클라리넷과 베이스 클라리넷, 2개의 바순 또는 4개의 바순과 콘트라바순, 3개의 호른, 3개의 트럼펫, 1840 트롬본, 베이스 튜바, 드럼, 현). 4년대에 근대의 형성을 완성했다. 2개의 호른, 3-3개의 트럼펫, XNUMX개의 트롬본 및 튜바를 포함하는 구리 그룹(바그너가 파우스트 서곡과 오페라 탄호이저에서 처음 도입). "Nibelung의 반지"에서 O.는 뮤즈의 가장 중요한 구성원이되었습니다. 드라마. 라이트모티프의 특성과 드라마 탐색에서 음색의 주역. 표현과 역동성. 소리의 힘으로 인해 작곡가는 독점적으로 차별화된 음색 스케일을 O.에 도입했습니다(목관악기와 파이프의 테시투라 품종 추가). 따라서 O.의 구성은 XNUMX배로 증가했습니다. 바그너는 그의 주문에 따라 설계된 프렌치 호른(또는 "바그너") 튜바 XNUMX중주로 구리 그룹을 강화했습니다(튜바 참조). 거장 오크 기법에 대한 작곡가의 요구가 급격히 증가했습니다. 음악가.
Wagner가 설명한 경로(교향곡 장르에서 A. Bruckner가 부분적으로 계속)가 유일한 경로는 아닙니다. 러시아 작곡가 중 I. Brahms, J. Bizet, S. Frank, G. Verdi의 작품에서 동시에. 학교는 오케스트라의 "고전적인" 라인을 더욱 발전시키고 많은 낭만주의를 재고했습니다. 트렌드. PI 차이코프스키 오케스트라에서 심리학적 탐구. 음색의 표현력은 오크의 매우 경제적인 사용과 결합되었습니다. 자금. 확장 오크를 거부합니다. 교향곡의 장치(종종 3개의 플루트 포함), 작곡가는 프로그램 작품에서만, 후기 오페라와 발레에서는 보어로 바뀌었다. 오크 색상. 팔레트(예: 잉글리시 호른, 베이스 클라리넷, 하프, The Nutcracker의 셀레스타). NA Rimsky-Korsakov의 작업에서 다른 작업은 환상적입니다. 채색, 시각 효과로 인해 작곡가는 O.K 보충의 주요 음색과 특징적인 음색을 모두 (쌍-삼중 구성을 넘어서지 않고) 널리 사용하게 되었습니다. 작은 클라리넷, 알토 종류의 플루트와 트럼펫이 악기에 추가되었으며 장식 및 장식 기능을 수행하는 타악기의 수가 증가했으며 건반이 도입되었습니다(Glinka 전통에 따라 – fp. 및 오르간). 러시아인이 채택한 NA Rimsky-Korsakov의 오케스트라 해석. 젊은 세대의 작곡가들(AK Glazunov, AK Lyadov, IF Stravinsky의 창의성 초기)은 오크 영역에 영향을 미쳤습니다. 색상 및 서유럽의 작품. 작곡가 – O. Respighi, M. Ravel.
20세기 음색 사고의 발전에 중요한 역할. C. Debussy의 오케스트라가 연주했습니다. 색상에 대한 관심이 높아짐에 따라 테마의 기능이 분리된 것으로 이전되었습니다. 동기 또는 질감 배경 및 색채. 직물의 요소와 포니치에 대한 이해. 측면 O.를 폼 팩터로 사용합니다. 이러한 경향이 오크의 미묘한 차이를 결정지었다. 송장.
Wagnerian 경향의 추가 발전은 19-20세기로 접어들었습니다. 소위 슈퍼 오케스트라의 여러 작곡가(G. Mahler, R. Strauss; Mlada의 Rimsky-Korsakov, AN Scriabin, 그리고 Stravinsky in The Rite of Spring)의 형성에 이르기까지 O. 말러와 스크리아빈의 8중 구성은 그들의 세계관을 표현하기 위해 웅장한 오케스트라 구성에 의존했습니다. 개념. 이러한 경향의 정점은 연기자였다. 말러 교향곡 8번의 구성(2명의 독창자, XNUMX개의 혼합 합창단, 소년 합창단, 강화된 현이 있는 대형 교향곡 O.의 XNUMX개 구성, 다수의 타악기 및 장식용 악기, 오르간).
19세기의 타악기는 안정적인 협회를 형성하지 못했습니다. 20세기 초반까지 타악기 장식 그룹은 눈에 띄게 확장되었습니다. 팀파니 외에도 크고 작은 북, 탬버린, 심벌즈, 삼각형, 캐스터네츠, 톰톰, 벨, 글로켄슈필, 실로폰이 포함되었습니다. 하프(1 및 2), 첼레스타, 피아노포르테 및 오르간은 종종 큰 O.에 포함되지만 덜 자주 - "행사를 위한 악기": 딸랑이, 관악기, 클래퍼보드 등. 중간에. 그리고 죄. 19세기에 새로운 오크가 계속 형성됩니다. 앙상블: 뉴욕 필하모닉 오케스트라(1842); 파리 오케스트라 기둥(1873); 바이로이트 바그너 페스티벌 오케스트라(1876); 보스턴 오케스트라(1881); 파리의 라무뢰 오케스트라(1881); 상트페테르부르크의 궁정 오케스트라("궁정 음악 합창단")(1882, 현재 O. 레닌그라드 필하모닉 학술 교향곡).
19세기 O.에서는 바로크 시대의 O.와 대조적으로 단성가주의가 우세합니다. 그러나 Berlioz의 음악에서 다중 합창단은 다시 응용 프로그램을 찾았습니다. 확대된 대규모 교향곡을 위해 작곡된 베를리오즈의 "진혼곡" 중 Tuba mirum. O., 연주자는 교향곡의 5개 그룹으로 나뉩니다. O. 및 사원 모서리에 위치한 4 그룹의 구리 악기. 오페라(모차르트의 Don Giovanni로 시작)에서도 이러한 경향이 나타났습니다. 솔로 "무대 뒤에서"또는 "위층에서"(바그너). 공간의 다양성. 연주자의 배치는 G. Mahler의 오케스트라에서 개발을 찾았습니다.
2층에 있는 뮤지션 O.의 좌석 배치에서. 18세기, 심지어 19세기에도. 바로크 양식의 특징인 음색 콤플렉스의 분해 및 분리가 부분적으로 보존되어 있습니다. 그러나 이미 1775년에 IF Reichardt는 음색의 혼합 및 병합이 본질인 좌석의 새로운 원칙을 제시했습니다. 제19바이올린과 제1바이올린은 한 줄로 지휘자의 좌우에 위치했고, 비올라는 두 부분으로 나누어 다음 줄인 스피릿을 구성했다. 도구는 깊이 그 뒤에 배치되었습니다. 이를 바탕으로 오크의 위치는 나중에 나왔다. 20층과 XNUMX층에 퍼져있는 뮤지션들. XNUMX세기 이후에 "유럽식" 좌석 배치라는 이름을 얻었습니다. 첫 번째 바이올린 – 지휘자의 왼쪽, 두 번째 바이올린 – 오른쪽, 비올라와 첼로 – 뒤 뒤, 목관 악기 – 지휘자의 왼쪽, 황동 – 오른쪽(오페라에서) 또는 두 줄로: 첫 번째 목제, 뒤에서 – 구리(콘서트에서), 뒤 – 드럼, 더블 베이스(위 그림 참조).
O. 20세기에. (1차 세계 대전 1914-18 이후).
20세기는 새로운 형태의 공연을 제시했습니다. 연습 O. 전통과 함께. 라디오 및 텔레비전 오페라와 스튜디오 오페라는 오페라와 콘서트 콘서트로 등장했습니다. 그러나 라디오와 오페라 오페라와 교향악 콘서트의 차이점은 기능적인 것 외에도 음악가의 좌석 배치에 있습니다. 교향곡. 세계에서 가장 큰 도시의 도시는 거의 완전히 통일되어 있습니다. 그리고 점수는 Op에 대한 최소 문자열 수를 계속 표시하지만. 작은 O., 큰 교향곡으로 연주할 수도 있습니다. O. 20세기에는 80-100명(때로는 더 많은) 음악가로 구성된 팀이 포함됩니다.
20세기에는 O 조성의 2가지 진화 경로가 결합됩니다. 그 중 하나는 전통의 발전과 관련이 있습니다. 큰 상징. A. 작곡가들은 계속해서 1938곡의 구성을 사용합니다(P. Hindemith, "Artist Mathis", 15; DD Shostakovich, Symphony No. 1972, 1925). 큰 장소는 종종 추가로 인해 확장 된 트리플 구성으로 채워졌습니다. 악기(M. 라벨, 오페라 "어린이와 마술", 1940년; SV 라흐마니노프, "교향곡 춤", 6년; SS Prokofiev, 교향곡 1947번, 10년; DD 쇼스타코비치, 교향곡 번호 1953, 2년; V. Lutoslavsky, 1967, 1925). 종종 작곡가들은 1967중 작곡도 사용합니다(A. Berg, 오페라 Wozzeck, 2; D. Ligeti, Lontano, 1967; BA Tchaikovsky, 교향곡 XNUMX번, XNUMX).
동시에 20세기 초의 새로운 이데올로기 및 문체 경향과 관련하여 실내악 오케스트라가 등장했습니다. 많은 증상에서. 그리고 wok.-symp. 작곡은 대형 교향곡의 일부만 사용합니다. O. - 소위. O의 비규범적이거나 개별화된 구성. 예를 들어, 스트라빈스키의 "시편 교향곡"(1930)에서 전통적으로. 클라리넷, 바이올린 및 비올라가 대량으로 압수됩니다.
20세기에 타악기 그룹의 급속한 발전이 특징적이며, 토라이는 스스로를 본격적인 오크로 선언했습니다. 협회. 20~30대. 때리다. 악기는 리듬, 색채뿐만 아니라 주제도 맡기 시작했습니다. 기능; 그들은 질감의 중요한 구성 요소가 되었습니다. 이와 관련하여 드럼 그룹은 처음으로 독립을 받았습니다. 상징의 의미. O., 처음에는 비 규범 및 챔버 구성의 O.에서. 예를 들면 Stravinsky의 Story of a Soldier(1918), Bartok의 현악, 타악기와 Celesta를 위한 음악(1936)이 있습니다. 타악기가 우세하거나 이들을 위한 작곡이 등장했습니다. 예를 들어 Stravinsky의 Les Noces(1923)에는 독창자와 합창단 외에 4대의 피아노와 6대의 타악기 그룹이 포함되어 있습니다. Varèse(1931)의 "Ionization"은 타악기(연주자 13명)만을 위해 작성되었습니다. 타악기 그룹은 정의되지 않은 악기가 지배합니다. 음높이 중 같은 유형의 서로 다른 악기(큰 북이나 심벌즈, 징, 나무 블록 등)가 널리 보급되었습니다. 모든 R. 특히 2층. 20세기 히트. 이 그룹은 규범적(Messiaen의 "Turangalila", 1946-48)과 O.의 비규범적 작곡(Orff의 "Antigone", 1949, "Colors of the Heavenly City” 피아노 독주, 3대의 클라리넷, 3대의 실로폰 및 금속 타악기를 위한 Messiaen의 1963년; Penderecki의 Luke Passion, 1965년). 부서에서 타악 그룹 자체도 증가했습니다. 1961년에는 스트라스부르에서 특별 행사가 조직되었습니다. 타악기 앙상블(140개의 악기 및 다양한 소리가 나는 물체).
O.의 음색 스케일을 풍부하게 하려는 욕망은 에피소드로 이어졌다. 기호에 포함. O. 전동 공구. 1928년에 만들어진 "마르테노 파동"(A. Honegger, "Joan of Arc at the Stake", 1938년; O. Messiaen, "Turangalila"), 일렉트로늄(K. Stockhausen, "Prozession", 1967), 이온( B. Tishchenko, 교향곡 1번, 1961). 재즈 작곡을 O.. 60-70년대에 포함시키려는 시도가 이루어지고 있습니다. 테이프 녹음은 소리의 구성 요소 중 하나로 O.의 장치에 도입되기 시작했습니다(EV Denisov, The Sun of the Incas, 1964). K. Stockhausen(Mixtur, 1964)은 O.의 구성 확장을 "라이브 전자 제품"으로 정의했습니다. 교향곡의 음색 갱신에 대한 갈망과 함께. O. 도구와 otd의 부활을 향한 경향이 있습니다. O. 바로크의 원리. 1세기 20/20분기부터 오보에 다모레(C. Debussy, "Spring Dances"; M. Ravel, "Bolero"), 바셋 호른(R. Strauss, "Electra"), viol d'amour(G. Puccini, "Chio - Chio-san"; SS Prokofiev, "로미오와 줄리엣"). 15세기의 복원과 관련하여. 르네상스의 음악 도구와 16-1966세기 도구는 눈에 띄지 않았습니다. (M. Kagel, "르네상스 악기를 위한 음악", 23년, 1976명의 연주자가 포함됨, A. Pärt, "Tintinnabuli", 20년). O. 1908세기. 반성과 분산 구성의 원리를 찾았습니다. Ch. Ives는 The Question Left Unanswered(4)에서 O.의 구성 중 일부를 변경했습니다. L. Kupkovich의 Ozveny에서는 악보에 의해 규정된 O. 그룹 내에서 작곡을 자유롭게 선택할 수 있습니다. O의 입체음향 개념이 더욱 발전되었습니다. O.의 공간 분할의 첫 번째 실험은 Ives에 속합니다("The Question Left Unanswered", 교향곡 70번). 3년대. 복수의 음원은 diff에 의해 달성된다. 방법. 오크 전체의 분열. K. Stockhausen은 여러 "합창단" 또는 "그룹"(이전과 다른 의미로 - 음색이 아니라 공간적 의미)당 미사를 사용했습니다(1957 O.의 경우 "그룹", 4년, 1960O. 및 합창의 경우 "카페"). , 109). O. "그룹"(3 명)의 구성은 U 자 모양으로 배열 된 1967 개의 동일한 단지 (각각 자체 지휘자가 있음)로 나뉩니다. 관중석은 오케스트라 사이에 형성된 공간이다. 1966. 오페라 The Last Shot(88, BA Lavrenyov의 이야기 The Forty-First를 기반으로 함)에서 Mattus는 오크에 위치한 1970개의 O.를 사용했습니다. 구덩이, 관객 뒤와 무대 뒤. J. Xenakis는 "Terretektor"(2)에서 대형 교향악단의 연주자 1972명을 중앙의 지휘자와 관련하여 광선과 같은 방식으로 배치했습니다. 관객은 O. 주변뿐만 아니라 콘솔 사이에 서서 음악가와 믹싱합니다. M. Kagel(XNUMX)의 "Klangwehr"과 AG Schnittke(XNUMX)의 교향곡 XNUMX번에서 "움직이는 스테레오포니"(연주 중 악기로 음악가의 움직임)를 사용합니다.
테이블 3.
O. 뮤지션을 위한 개별 좌석 배치가 사용 시 사용됩니다. op. 비 규범적 구성; 이 경우 작곡가는 악보에 적절한 표시를 합니다. O.를 1층의 단일 모노코릭 컴플렉스로 정상적으로 사용하는 동안. 20세기에 위에서 설명한 "유럽식" 좌석 배치가 존재했습니다. 1945년부터 L. Stokowski가 도입한 소위 "소위" 시스템이 널리 도입되기 시작했습니다. 아메르. 좌석. 1번과 2번 바이올린은 지휘자의 왼쪽에, 첼로와 비올라는 오른쪽, 더블베이스는 그 뒤에, 관악기는 중앙에, 현 뒤에는 드럼, 피아노 연주자가 있습니다. 왼쪽.
고음역 "Amer"에서 현의 사운드에 더 큰 견고성을 제공합니다. 일부 지휘자의 의견에 따르면 좌석 배치가 없는 것은 아니며 거부됩니다. 측면(예: 서로 멀리 위치한 첼로와 더블베이스의 기능적 접촉 약화). 이와 관련하여 음악가 O. 교향곡 작업의 "유럽"위치를 복원하려는 경향이 있습니다. O. 스튜디오 조건(라디오, 텔레비전, 녹음)에서는 여러 가지 세부 사항을 제시합니다. 좌석 요구 사항. 이러한 경우 사운드 밸런스는 지휘자뿐만 아니라 톤마스터에 의해 조절됩니다.
20세기에 O.가 경험한 변화의 바로 그 급진성은 그가 여전히 창조력의 살아있는 도구라는 사실을 증언합니다. 작곡가의 의지를 반영하고 규범적 구성과 업데이트된(비규범적) 구성 모두에서 지속적으로 결실을 맺습니다.
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IA 바르소바
