음악 형식 |
그리스어 morpn, lat. 형식 - 외모, 이미지, 윤곽선, 외모, 아름다움; 독일어 형식, 프랑스어 형식, 이탈리아어. 형태, eng. 모양, 모양
내용
I. 용어의 의미. 어원 II. 형식과 내용. 성형의 일반 원칙 III. 1600년 이전의 음악 형식 IV. 다성 음악 형식 V. 현대의 동음 음악 형식 VI. 20세기의 음악 형식 VII. 음악 형식에 대한 가르침
I. 용어의 의미. 어원. 용어 F. m.” 여러 가지 방법으로 적용됩니다. 값: 1) 구성 유형; def. 구성 계획(더 정확하게는 BV Asafiev에 따르면 "형식 계획")을 고려합니다. 작품(PI Tchaikovsky에 따르면 "작곡 형식", 예를 들어 룬도, 푸가, 모테트, 발라타, 부분적으로 장르 개념, 즉 음악 유형에 접근); 2) 음악. 내용의 구체화(선율적 모티프, 하모니, 박자, 다성 음악, 음색 및 기타 음악 요소의 전체론적 구성). 이 두 가지 주요 의미 외에도 "F. 중." (음악 및 미학적 철학적) 다른 사람들이 있습니다. 3) 뮤즈의 개별적인 독특한 사운드 이미지. 조각(이 작품에만 내재된 의도의 특정한 건전한 실현; 예를 들어 하나의 소나타 형식을 다른 모든 형식과 구별하는 것; 형식 형식과 달리 반복되지 않는 주제 기반에 의해 달성됩니다. 다른 작품 및 개별 개발, 과학적 추상화를 제외하고 라이브 음악에는 개별 F. m.)만 있습니다. 4) 미적. 음악 작곡의 순서(부분 및 구성 요소의 "하모니"), 미적 제공. 음악의 위엄. 구성(MI Glinka에 따르면 "형태는 아름다움을 의미합니다..."의 통합 구조의 가치 측면); F. m 개념의 긍정적 가치 품질. 반대에서 발견됩니다 : "형태"- "무형"( "변형"- 형태의 왜곡, 형태가없는 것은 미학적으로 결함이 있고 추한 것입니다). 5) 세 가지 주요 중 하나. 응용 음악 이론 섹션. 과학 (조화 및 대위법과 함께), 그 주제는 F. m. 가끔은 음악. 형식은 뮤즈의 구조라고도 합니다. 찌르다. (그 구조) 모든 제품보다 작고 비교적 완전한 음악 조각. 작곡은 음악의 형식이나 구성 요소의 일부입니다. op., 전체로서의 모양뿐만 아니라 구조(예: 조형 형성, 종지, 전개 - "문장의 형식", "형식"으로서의 마침표, "임의의 조화로운 형식" - PI 차이코프스키, "일부 일종의 케이던스라고 합시다.” – GA Laroche, “현대 음악의 특정 형태에 대해” – VV Stasov). 어원학적으로 라틴어 형식 – 어휘. 메인을 제외한 그리스 morgn의 트레이싱 페이퍼. 의미 "외모", "아름다운" 외모의 개념(Euripides eris morpas에서 – 아름다운 외모에 대한 여신 간의 논쟁). 위도 단어 forma – 모양, 모양, 이미지, 모양, 모양, 아름다움(예: Cicero에서 forma muliebris – 여성의 아름다움). 관련 단어: formose – 날씬한, 우아한, 아름다운; 형식 - 예쁘다; 럼 주. frumos와 포르투갈어. formoso – 아름다운, 아름다운 (Ovid에는 “formosum anni tempus” – “아름다운 계절”, 즉 봄이 있습니다). (Stolovich LN, 1966 참조.)
Ⅱ. 형식과 내용. 성형의 일반 원칙. "형태"의 개념은 분해에서 상관 관계가 될 수 있습니다. 쌍: 형태와 물질, 형태와 물질 재료는 구성의 구성 요소(선율, 조화로운 구성, 음색 발견 등)이며 형태는 이 재료로 구성되는 조화로운 순서), 형식과 내용, 형식과 무형식입니다. 주요 용어가 중요합니다. 한 쌍의 형식 – 내용 (일반적인 철학적 범주로서 "내용"의 개념은 물질과 형식의 상호 의존의 맥락에서 해석한 GVF Hegel에 의해 도입되었으며 범주로서의 내용은 둘 다 포함합니다. 제거된 형식 Hegel, 1971, pp. 83-84). 마르크스주의 예술 이론에서 형식(F. m. 포함)은 이 한 쌍의 범주에서 고려되며, 여기서 내용은 현실의 반영으로 이해됩니다.
음악의 내용 – 내선. 작업의 영적 측면; 음악이 표현하는 것. 센터. 음악 개념. 콘텐츠 - 음악. idea(관능적으로 구현된 음악적 사고), muz. 이미지(느낌과 정신 상태에 대한 음악적 묘사뿐만 아니라 "그림", 이미지와 같이 음악적 느낌에 직접적으로 개방되는 총체적으로 표현된 캐릭터). 주장의 내용은 고상하고 위대한 것에 대한 열망으로 가득 차 있습니다(1월 8일자 PI Tchaikovsky가 AI Alferaki에게 보낸 편지). 음악 콘텐츠의 가장 중요한 측면 – 아름다움, 아름다움, 미적. 미학으로서의 음악의 이상적이고 부류적인 요소. 현상. 마르크스주의 미학에서 아름다움은 사회의 관점에서 해석됩니다. 미학으로서의 인간의 실천. 이상은 인간 자유의 보편적 실현에 대한 감각적으로 숙고된 이미지입니다(LN Stolovich, 1891; S. Goldentricht, 1956, p. 1967; 또한 Yu. B. Borev, 362, p. 1975-47). 또한, 뮤즈의 구성. 콘텐츠에는 음악이 아닌 이미지와 특정 장르의 음악이 포함될 수 있습니다. 작품에는 오프 뮤직이 포함됩니다. 요소 - wok의 텍스트 이미지. 음악(오페라를 포함한 거의 모든 장르), 무대. 극장에서 구현 된 행동. 음악. 예술의 완성도를 위해. 이데올로기적으로 풍부한 감각적 감동과 흥미진진한 내용, 이상적으로 발전된 예술이라는 두 가지 측면의 발전이 모두 필요한 작업입니다. 형태. 둘 중 하나가 부족하면 미학에 부정적인 영향을 미칩니다. 작품의 장점.
음악의 형식(미학적 및 철학적 의미에서)은 건전한 요소, 수단, 관계 시스템의 도움으로 콘텐츠의 건전한 실현, 즉 음악 콘텐츠가 표현되는 방식(그리고 무엇에 의해)입니다. 보다 정확하게는 F. m. (이런 의미에서) 문체입니다. 그리고 장르에 따라 결정되는 음악 요소의 복합체(예: 축하의 대중 인식을 위해 설계된 찬송가의 경우; 오케스트라의 지원을 받아 합창단이 연주하도록 의도된 멜로디 노래의 단순함과 화려함), 정의하다. 그들의 조합과 상호 작용(리듬적인 움직임의 선택된 특성, 조화로운 음색, 형태의 역동성 등), 전체론적 조직, 정의됨. 음악 기술. 작곡 (기술의 가장 중요한 목적은 음악 작곡의 "일관성", 완벽함, 아름다움의 확립입니다). 모든 것이 표현될 것입니다. '스타일'과 '기술'이라는 일반화 개념에 의해 다루어지는 음악의 수단은 전체론적 현상, 즉 특정 음악에 투영됩니다. 작곡, F. m.
형식과 내용은 불가분의 일체로 존재한다. 뮤즈의 작은 디테일조차 없습니다. 표현의 하나 또는 다른 조합으로 반드시 표현되지는 않는 콘텐츠. (예를 들어, 가장 미묘하고 표현할 수 없는 단어는 음색의 특정 위치 또는 각각에 대해 선택된 음색에 따라 코드 사운드의 음영을 표현합니다). 그리고 그 반대의 경우에도 가장 "추상적인"기술적 인 기술은 없습니다. c.-l의 표현 역할을 하지 않는 방법, 내용의 구성 요소(예: 각 변주에서 정경 간격의 연속적인 확장 효과, 각 변주에서 귀로 직접 인식되지 않는 효과, 숫자 그 중 나머지 없이 12으로 나눌 수 있는 "Goldberg Variations"에서 JS Bach는 전체 변주 주기를 구성할 뿐만 아니라 작품의 내적 영적 측면에 대한 아이디어에 들어갑니다. 음악에서 형식과 내용의 불가분성은 다른 작곡가의 동일한 선율의 편곡을 비교할 때 명확하게 나타납니다(예: 오페라 Ruslan의 페르시아 합창단과 Glinka의 Lyudmila와 I. Strauss의 행진곡이 동일한 선율로 쓰여진 행진 참조). 주제) 또는 변주(예: I. Brahms의 B-dur 피아노 변주, 주제가 GF Handel에 속하고 Brahms의 음악 소리가 첫 번째 변주에 있음). 동시에 형식과 내용의 통일성에서 내용은 동적으로 움직이는 주요 요소입니다. 그는 이 연합에서 결정적인 역할을 합니다. 새로운 내용을 구현할 때 형식과 내용 사이에 부분적인 불일치가 발생할 수 있습니다. 새로운 내용이 이전 형식의 틀 내에서 완전히 발전하지 못하는 경우(예: 바로크 리듬 기법과 다성음의 기계적 사용 중에 이러한 모순이 형성됩니다. 현대 음악에서 XNUMX음 선율적 주제를 발전시키기 위한 형식). 정의하면서 형태를 새로운 내용에 맞추어 모순을 해소한다. 오래된 형태의 요소가 사라집니다. F. m의 통일성 그리고 내용은 음악가의 마음 속에서 서로의 상호 투영을 가능하게 합니다. 그러나 형식 요소의 조합에서 비 유적 내용을 "읽고" F.m의 관점에서 생각하는 지각자의 능력과 관련하여 콘텐츠 속성을 형식으로(또는 그 반대로) 자주 발생하는 전송. , 형식과 내용의 동일성을 의미하지 않습니다.
음악. 다른 사람들과 마찬가지로 소송. art-va의 유형은 진화로 인해 모든 구조적 층에서 현실의 반영입니다. 초등학교의 낮은 형태에서 높은 형태로의 발달 단계. 음악은 내용과 형식의 통일체이기 때문에 내용과 형식 모두에서 현실을 반영한다. 음악의 '진리'로서의 음악적 아름다움에는 미학적 가치 속성과 무기물이 결합되어 있다. 세계 (측정, 비례, 비례, 부분의 대칭, 일반적으로 관계의 연결 및 조화, 우주론. 음악에 의한 현실 반영의 개념은 피타고라스 학파와 플라톤에서 보에티우스, J. 칼리노, 나. 케플러와 M. 현재의 메르센; 센티미터. 카이저 H., 1938, 1943, 1950; 로세프 A. F., 1963-80; 로세프, 셰스타코프 V. P., 1965), 그리고 살아있는 존재의 세계("호흡"과 살아있는 억양의 따뜻함, 뮤즈의 생애주기를 시뮬레이션하는 개념. 음악의 탄생 형태로 발전. 생각, 성장, 상승, 정상 도달 및 완성. 음악의 "생명주기"의 시간으로 음악 시간의 해석. "유기체"; 이미지로서의 내용과 살아있는 통합 유기체로서의 형태, 특히 인간 - 역사적 개념. 사회적 - 영적 세계(건전한 구조에 생기를 불어넣는 연관 영적 하위 텍스트의 의미, 윤리적 지향. 그리고 미학적 이상, 역사적 인간의 영적 자유의 구체화. 그리고 음악의 조형적, 이념적 내용의 사회적 결정론, 그리고 F. 중.; "사회적으로 결정된 현상으로서의 음악 형식은 무엇보다도 억양의 과정에서 음악의 사회적 발견의 형식으로 알려져 있습니다." - Asafiev B. V., 1963, p. 21). 아름다움의 단일 품질로 병합, 콘텐츠의 모든 레이어 기능, 즉 o., "인간화"된 두 번째 자연의 전달 형태로 현실을 반영합니다. 뮤지컬 Op., 예술적으로 역사적 반영. 그리고 미학적 기준으로서의 미의 이상을 통해 사회적으로 결정된 현실. 평가, 따라서 우리가 알고 있는 방식인 "객관화된" 아름다움, 예술 작품으로 판명되었습니다. 그러나 형식과 내용의 범주에서 현실의 반영은 주어진 현실을 음악으로 옮기는 것만이 아닙니다(예술에서 현실의 반영은 그것 없이 존재하는 것의 복제일 뿐입니다). 인간의 의식은 “객관 세계를 반영할 뿐만 아니라 그것을 창조한다”(레닌 V. I., PSS, 5판, t. 29, p. 194) 예술과 마찬가지로 음악은 변혁적이고 창의적인 영역입니다. 인간 활동, 새로운 현실을 창조하는 영역 (영적, 미적, 예술적. 값)이 보기에서 반영된 개체에 존재하지 않습니다. 따라서 천재, 재능, 창의성과 같은 개념의 예술 (현실 반영의 한 형태)의 중요성과 구식의 후진 형태에 대한 투쟁, 새로운 것을 창조하기위한 투쟁의 내용 모두에서 나타납니다. 음악과 F. 엠 그러므로 F. 엠 항상 이념적 e. 도장을 찍습니다. 세계관), 그러나 b. h 직접적인 언어적 정치-이념 없이 표현된다. 공식 및 비 프로그램 instr. 음악 – 일반적으로 k.-l 없이. 논리적 개념적 형태. 사회-역사적 음악에 대한 반성. 연습은 표시된 자료의 급진적인 처리와 관련이 있습니다. 변형은 음악적 비유적 내용이나 F. 엠 반영된 현실과 다를 수 있습니다. 공통된 의견은 현대의 가장 저명한 지수 중 하나 인 Stravinsky의 작품에 있다는 것입니다. 모순의 현실은 20 세기의 현실을 충분히 명확하게 반영하지 못했다고 주장하며 자연주의적이고 기계적입니다. 예술에서의 역할에 대한 오해에 대한 "반성"의 범주를 이해합니다. 전환 계수를 반영합니다. 예술을 창조하는 과정에서 반사된 대상의 변형에 대한 분석. V가 제공한 작품
모든 스타일(예를 들어 바로크 시대의 비엔나 고전과 같은 특정 고전 스타일이 아님)과 관련된 형태 구축의 가장 일반적인 원칙은 F. m. 어떤 형태로든 따라서 자연스럽게 매우 일반화됩니다. 모든 F. m.의 이러한 가장 일반적인 원칙. 음악의 깊은 본질을 사고의 한 유형으로 특성화합니다(음향 이미지에서). 따라서 다른 유형의 사고(우선, 논리적으로 개념적이며 예술, 음악과 관련하여 완전히 이질적인 것으로 보일 수 있음)와의 광범위한 유추. F. m. 20세기 유럽의 음악 문화(이러한 입장은 고대 세계에서 음악(“멜로스”)이 운문과 춤과 일체로 생각되었던 때나 서유럽 음악에서 1600년까지 즉, 기악이 될 때까지 존재할 수 없었습니다. 독립적인 범주의 음악적 사고, 그리고 20세기의 사고를 위해서만 주어진 시대의 형성에 대한 문제를 제기하는 것으로 우리 자신을 제한하는 것은 불가능해졌습니다.)
모든 F. m의 일반 원칙. 각 문화에서 뮤즈의 성격에 따라 하나 또는 다른 유형의 콘텐츠에 대한 조건성을 제안합니다. 일반적으로 소송, 그의 istorich. 특정 사회적 역할, 전통, 인종 및 국가와 관련된 결정론. 독창성. 모든 F. m. 뮤즈의 표현이다. 생각; 따라서 F. m 사이의 근본적인 연결. 그리고 음악 카테고리. 수사학(섹션 V에서 추가 참조, 멜로디 참조). 생각은 자율적-음악적(특히 현대 유럽 음악에서)이거나 텍스트와 연결되어 있는 춤일 수 있습니다. (또는 행진) 움직임. 모든 음악. 아이디어는 정의의 틀 내에서 표현됩니다. 인토네이션 빌딩, 뮤직 익스프레스. 사운드 자료(리듬, 피치, 음색 등). 음악을 표현하는 수단이 되는 것. 생각, 억양 FM의 재료는 기본적으로 다음과 같은 기본 구분을 기반으로 구성됩니다. 반복 대 비반복(이런 의미에서 생각의 시간적 전개에서 소리 요소의 결정적인 배열로서의 FM은 근접 리듬임); 다른 F. m. 이와 관련하여 - 다양한 유형의 반복. 마지막으로 F. m. (비록 정도는 다르지만) 뮤즈 표현의 정교함, 완벽함입니다. 생각(F. m.의 미학적 측면).
III. 1600년 이전의 음악 형식. 음악 음악의 초기 역사를 연구하는 문제는 음악 개념이 암시하는 현상의 본질의 진화로 인해 복잡해집니다. L. Beethoven, F. Chopin, PI Tchaikovsky, AN Scriabin의 예술적 의미의 음악은 고유한 F. m.과 함께 고대 세계에 전혀 존재하지 않았습니다. 4세기에 Augustine의 논문 "De musica libri sex"에서 음악에 대한 설명은 scientia bene modulandi로 정의됩니다. "잘 조절하는 과학" 또는 "정확한 형성에 대한 지식"은 박자, 리듬, 운문, 정지점 및 숫자의 교리를 설명하는 것으로 구성됩니다(현대적인 의미의 F. m.은 여기에서 전혀 논의되지 않습니다).
F. m의 이니셜 소스 기본적으로 리듬("태초에 리듬이 있었다" - X. Bülow)에 있으며, 이는 맥박, 호흡, 계단, 행렬의 리듬과 같은 다양한 생명 현상에서 음악으로 직접 전달되는 규칙적인 박자를 기반으로 한 것으로 보입니다. , 노동 과정, 게임 등(Ivanov-Boretsky MV, 1925; Kharlap MG, 1972 참조), 그리고 "자연적인" 리듬의 미학. 원래 말하기와 노래 사이의 연결에서(“말하기와 노래하기는 처음에 하나였습니다” – Lvov HA, 1955, p. 38) 가장 기본적인 F. m. ("F. m. number one")이 발생했습니다 – 노래, 순전히 시적인 운문 형식을 결합한 노래 형식. 노래 형식의 주요 특징: 절과의 명시적(또는 잔여) 연결, 연, 균일한 리듬. (발에서) 선의 기초, 연으로의 선 조합, 운율 체계, 큰 구성의 평등을 향한 경향(특히 - 4 + 4 유형의 직각도를 향함); 또한, 종종 (더 발전된 노래 fm에서) fm에 두 단계의 존재가 있습니다 – 개요 및 전개-결말. 뮤즈. 노래 음악의 가장 오래된 예 중 하나의 예는 Table Seikila(1세기 AD(?))입니다. Art. 고대 그리스 양식, 컬럼 306; 고래 참조. 멜로디(기원전 1천년(?)):
의심할 여지 없이 기원과 기원. 모든 민족의 민속에서 노래 형식의 발전. P. m의 차이 노래는 장르의 다양한 존재 조건(각각 노래의 직접적인 삶의 목적)과 다양한 미터법에서 나옵니다., 리듬. 그리고 시의 구조적 특징, 리듬. 무용 장르의 공식(나중에 120세기 인도 이론가 샤른가데바의 13가지 리듬 공식). 이것과 관련하여 "장르 리듬"이 형성의 주요 요소인 특성이라는 일반적인 의미가 있습니다. 기호 정의. 장르(특히 춤, 행진곡), 반복되는 리듬. 수식을 준 주제로. (동기) 요인 F. m.
수세기. 유럽 F. m. 모노딕 fm과 폴리포닉(주로 다성, 섹션 IV 참조)이라는 두 개의 큰 그룹으로 나뉩니다.
에프엠 모노디는 주로 그레고리오 성가로 표현됩니다(그레고리오 성가 참조). 장르적 특징은 텍스트의 정의 의미와 특정 목적과 함께 컬트와 관련이 있습니다. 전례 음악. 일상 생활은 후기 유럽의 음악과 구별됩니다. 감각 적용("기능적") 문자. 뮤즈. 자료는 비인격적이며 개별적이지 않은 특성을 가지고 있습니다(멜로딕 전환은 한 멜로디에서 다른 멜로디로 전환될 수 있습니다. 멜로디의 저자가 없음을 나타냄). monodich를 위한 교회의 이데올로기적 설치에 따라. 에프엠 음악에 대한 언어의 지배의 전형이다. 이것은 표현에 의존하는 박자와 리듬의 자유를 결정합니다. 텍스트의 발음, 무게 중심이 없는 것처럼 FM 윤곽의 특징적인 "부드러움", 언어 텍스트의 구조에 대한 종속, 모노딕과 관련된 FM 및 장르의 개념 . 음악은 의미가 매우 가깝습니다. 가장 오래된 모노딕. 에프엠 시작에 속합니다. 1천년. 비잔틴 악기(장르) 중에서 가장 중요한 것은 송가(노래), 시편, 트로파리온, 찬송가, 콘타키온, 정경(비잔틴 음악 참조)이다. 그것들은 정교함을 특징으로 합니다(다른 유사한 경우와 마찬가지로 발달된 전문 작곡 문화를 나타냄). 비잔틴 F. m의 샘플:
익명의. Canon 19, Ode 9(III plagal 모드).
나중에 이 비잔틴 F. m. 이름을 받았습니다. "술집".
서유럽 단조 표현의 핵심은 시편 음색에 기초한 시편의 암송 연주인 psalmodia입니다. 4세기경 시편의 일부로. 세 가지 주요 시편이 기록됩니다. 에프엠 – 화답(가급적 낭독 후), 후렴 및 시편 자체(직접 시, 화답 및 후렴 형식은 포함하지 않음). 시편 F. m.의 예는 Art. 중세 프렛. 시편. 에프엠 두 문장의 마침표로 명확하지만 아직 멀었지만 유사성을 나타냅니다(전체 종지 참조). 그런 모노딕. F. m.은 litany, hymn, versicule, magnicat뿐만 아니라 sequence, prose, tropes와 같이 나중에 발생했습니다. 일부 F. m. 미사 외부의 그날의 교회 예배의 일부였습니다. – 찬송가, 후렴이 있는 시편, 화답자, 확대경(그들 외에, 저녁기도, 초대, 야상곡, 후렴이 있는 찬가)이 포함됩니다. 공식에서. Gagnepain B., 1968, 10; 예술도 참조하십시오. 교회 음악.
더 높고 기념비적인 모노딕. 에프엠 – 질량(질량). 현재 개발된 미사 FM은 일반 부분(ordinarium missae – 교회 연도의 날과 무관하게 미사를 계속해서 부르는 그룹)과 고유한 미사에 – 변수) 컬트 일상 장르의 목적에 따라 엄격하게 규제됩니다. 올해의 날에 헌정된 찬송가).
로마 미사 형식의 일반적인 계획(로마 숫자는 미사 형식을 4개의 큰 부분으로 나누는 전통적인 방식을 나타냄)
고대 그레고리오 미사에서 발전된 철학은 20세기까지 이어지는 시대에도 어떤 형태로든 그 중요성을 유지했습니다. 일상적인 부분의 형태: Kyrie eleison은 세 부분으로 구성되며(상징적 의미를 가짐) 각 느낌표도 세 번 작성됩니다(구조 옵션은 aaabbbece 또는 aaa bbb a 1 a1 a1; aba ede efe1; aba cbc dae). . 소문자 P. m. Gloria는 동기 주제의 가장 중요한 원칙 중 하나를 매우 일관되게 사용합니다. 구조: 단어의 반복 – 음악의 반복(Gloria의 18개 부분에서 Domine, Qui tollis, tu solus라는 단어의 반복). 피.엠. 글로리아(옵션 중 하나에서):
나중에(1014년) 로마 미사의 일부가 된 Credo는 Gloria와 유사한 소문자 F.m.으로 지어졌습니다. 피.엠. Sanestus는 또한 텍스트에 따라 만들어졌습니다. Hosanna m excelsis라는 단어의 반복에 따르면 두 부분으로 구성되어 있으며 두 번째 부분은 가장 자주 사용됩니다. Agnus Dei는 텍스트 구조로 인해 aab, abc 또는 aaa의 세 부분으로 구성됩니다. F. m의 예. 모노딕. 그레고리오 미사에 대해서는 2열을 참조하십시오.
에프엠 그레고리오 선율 - 추상적이지 않고 순수한 음악의 장르와 분리될 수 있습니다. 구조가 아니라 텍스트와 장르(텍스트 뮤지컬 형식)에 의해 결정되는 구조입니다.
F. m. 서유럽. 교회 모노딕. 음악 - 기타 러시아어. 에프엠 그들 사이의 유추는 미학에 관한 것입니다. F.m.의 전제 조건, 장르와 내용의 유사성, 음악. 요소(리듬, 멜로디 라인, 텍스트와 음악의 상관관계). 다른 러시아인에게서 우리에게 내려온 해독 가능한 샘플. 음악은 17세기와 18세기의 필사본에 포함되어 있지만, 그 악기는 의심할 여지 없이 가장 오래된 기원입니다. 이들 F. m의 장르적 측면. Op.의 컬트 목적에 의해 결정됩니다. 그리고 텍스트. 장르와 F. m의 가장 큰 세분화. 서비스 유형에 따라: 미사, 마틴, 저녁 예배; Compline, 자정 사무실, 시간; All-Night Vigil은 Great Vespers와 Matins의 결합입니다(그러나 비 음악적 시작은 F. m.의 결합 요소였습니다). 일반화된 텍스트 장르와 철학(스티케라, 트로파리온, 콘타키온, 안티폰, 테오토키온(교조론자), litanies)은 유사한 비잔틴 철학과 유형학적 유사성을 보여줍니다. 합성 F. m. 정경(Canon (2) 참조)이기도 합니다. 그 외에도 특별한 그룹은 구체적인 텍스트 장르(및 이에 따라 fm)로 구성됩니다. 축복, "모든 호흡", "먹을 가치가 있습니다", "조용한 빛", 진정제, 케루빅. 그들은 서유럽의 텍스트-장르-형식과 같은 독창적인 장르와 F.m.입니다. 음악 – Kyrie, Gloria, Te Deum, Magnificat. P.m 개념의 융합. 텍스트와(그리고 장르와 함께) 특성 중 하나입니다. 고대 F. m.의 원리; 텍스트, 특히 그 구조는 FM의 개념에 포함됩니다(FM은 텍스트를 줄로 나누는 방식을 따릅니다).
Gregorian Mass din Feriis per anann"(프렛은 로마 숫자로 표시됨).
많은 경우 기초(재료) F. m. 성가(Metallov V., 1899, pp. 50-92 참조)이며, 사용 방법은 변이(다른 러시아 멜로디의 성가 구조의 자유로운 변이에서, 그들의 F. m. 유럽 합창 사이의 차이점 중 하나) , 합리적인 구조 정렬을 향한 경향이 특징적임). 곡의 콤플렉스는 주제입니다. F. m의 일반적인 구성의 기초. 큰 구성에서 F. m의 일반적인 윤곽. 작곡(비음악) 기능: 시작 – 중간 – 끝. 다양한 유형의 F. m. 메인을 중심으로 분류됩니다. 대조되는 유형의 F. m. – 합창과 통해. 코러스 F. m. 다음 쌍의 다양한 사용을 기반으로 합니다. 절 – 후렴(제약은 업데이트될 수 있음). 후렴 형식(삼중, 즉 세 가지 다른 후렴)의 예는 큰 znamenny 성가 "Bless, my soul, Lord"(Obikhod, part 1, Vespers)의 멜로디입니다. 에프엠 텍스트의 반복과 비반복, 멜로디의 반복과 비반복의 상호 작용과 함께 "라인 - 코러스"(SP, SP, SP 등) 시퀀스로 구성됩니다. 크로스 커팅 F. m. 때때로 전형적인 서유럽인을 피하려는 분명한 욕구가 특징입니다. 합리적으로 건설적인 악기 구성 방법의 음악, 정확한 반복 및 반복; 가장 발달 된 F, m. 이 유형의 구조는 비대칭이며 (급격한 비 사각형을 기반으로 함) 급증하는 무한대가 우선합니다. F.m의 원리 무제한입니다. 선형성. F. m의 건설적인 기초. in through 형식은 텍스트와 관련하여 여러 부분 행으로 나누는 것입니다. 큰 십자 절단 형태의 샘플은 Fyodor Krestyanin(11세기)의 16개의 가스펠 스티케라입니다. MV Brazhnikov가 수행한 F. m.에 대한 분석은 그의 책 "Fyodor Krestyanin", 1974, p. 156-221. "음악 작품 분석", 1977, p. 84-94.
중세와 르네상스의 세속 음악은 단어와 멜로디의 상호 작용을 기반으로 여러 장르와 악기를 개발했습니다. 이들은 다양한 유형의 노래와 춤입니다. F. m.: 발라드, 발라타, 빌라니코, 비렐레, 칸초(칸조), 라, 론도, 로트루엥, 에스타피 등(Davison A., Apel W., 1974, NoNo 18-24 참조). 그들 중 일부는 완벽하게 시적입니다. F. m.의 중요한 요소인 형식은 시적 외부에 있습니다. 텍스트는 구조를 잃습니다. 그런 F. m의 본질. 텍스트와 음악 반복의 상호 작용에 있습니다. 예를 들어 론도 형식(여기서는 8줄):
8라인 론도의 다이어그램: 줄 번호: 1 2 3 4 5 6 7 8 시(론도): AB c A de AB(A, B는 후렴) 음악(및 운): abaaabab
G. 드 마초. 1번 론도 "Doulz viaire".
초기 P.m.의 말과 움직임에 대한 의존은 16세기와 17세기까지 지속되었지만, 점차적으로 방출되는 과정, 즉 구조적으로 정의된 유형의 구성이 결정화되는 과정이 중세 후반부터 세속 장르에서 처음으로 관찰되었습니다. , 그런 다음 교회 장르 (예 : 15-16 세기의 모테트, 대중의 모방 및 정식 F. m.).
새로운 형태의 강력한 원천은 본격적인 유형의 뮤즈로서 다성음악의 출현과 부상이었습니다. 프레젠테이션(Organum 참조). Fm의 동시성(Polyphony)이 확립되면서 이전에는 들어보지 못한 Fm의 "수직적" 측면인 새로운 차원의 음악이 탄생했습니다.
9세기에 유럽 음악에 자리를 잡은 후 폴리포니는 점차 주류가 되었습니다. 음악 직물의 유형, 뮤즈의 전환을 표시합니다. 새로운 차원으로 생각합니다. polyphony의 틀 안에서 새로운 polyphonic이 나타났습니다. 르네상스 fm의 대다수가 형성된 기호 아래에 있는 편지(섹션 IV 참조). 폴리포니와 폴리포니. 글쓰기는 중세 후기와 르네상스 시대에 주로 미사, 모테트, 마드리갈과 같은 음악 형식과 극단, 절, 지휘, 고켓, 다양한 유형의 세속 가곡과 같은 음악 형식을 만들어 냈습니다. 및 춤 형식, diferencias(및 기타 변주 fm), quadlibet(및 유사한 장르 형식), 기악 칸초나, 라이서카르, 환상, 카프리치오, tiento, 기악 전주곡 fm – 서문, 억양(VI), toccata(pl.에서 명명된 F m., Davison A., Apel W., 1974 참조). 점진적이지만 꾸준히 개선하는 art F. m. – G. Dufay, Josquin Despres, A. Willart, O. Lasso, Palestrina. 그들 중 일부 (예 : Palestrina)는 F. m.의 건설에 구조적 개발 원칙을 적용하며, 이는 생산이 끝날 때까지 구조적 복잡성이 증가하는 것으로 표현됩니다. (그러나 동적 효과는 없음). 예를 들어, Palestrina "Amor"의 마드리갈(컬렉션 "Palestrina. Choral Music", L., 15)은 16번째 라인이 올바른 fugato로 그려지고 다음 1973개의 모방이 되는 방식으로 구성됩니다. 점점 더 자유롭게, XNUMXth는 화음 창고에서 유지되며, 정규적으로 마지막 하나를 모방하여 시작하는 것은 구조적 반복과 유사합니다. 비슷한 아이디어 F. m. Palestrina의 motets에서 일관되게 수행됩니다 (다중 합창단 F. m.에서 후렴 도입의 리듬은 구조적 발전의 원칙을 따릅니다).
IV. 다성 음악 형식. 폴리포닉 F. m. 세 가지 주요 사항에 추가하여 구별됩니다. F. m의 측면 (장르, 텍스트 - wok. 음악 및 수평) 하나 더 - 수직(동시에 들리는 서로 다른 음성 간의 상호 작용 및 반복 시스템). 명백하게, 동시성(polyphony)은 항상 존재했습니다("... 현이 하나의 선율을 방출하고 시인이 다른 멜로디를 작곡할 때, 그들이 협화음과 반대음을 달성할 때 ..." - 플라톤, "법률", 812d; 참조 또한 유사-플루타르코스, "On Music", 19), 그러나 그것은 뮤즈의 요소가 아니었다. 생각하고 형성합니다. F. m의 발전에 특히 중요한 역할. 그것으로 인해 발생하는 서유럽의 polyphony (9 세기부터)는 수직적 측면에 급진적 인 수평과 동등한 권리의 가치를 부여했으며 (Polyphony 참조) 특별한 새로운 종류의 F. m이 형성되었습니다. – 다성음. 미학적으로나 심리적으로 다성음. 에프엠 음악의 두 가지(또는 몇 가지) 구성 요소의 합동 소리. 생각하고 대응이 필요합니다. 지각. 따라서, 다성음의 발생. 에프엠 음악의 새로운 측면의 발전을 반영합니다. 이 음악 덕분입니다. 소송은 새로운 미학을 얻었다. Op.를 포함하여 그의 위대한 업적이 가능하지 않았을 가치. 호모프. 창고(Palestrina, JS Bach, BA Mozart, L. Beethoven, PI Tchaikovsky, SS Prokofiev의 음악). 동음이의어 참조.
폴리포닉의 형성과 번영의 주요 채널. 에프엠 특정 대위법의 발전에 의해 놓여진다. 작문 기술과 목소리의 독립성과 대조, 주제의 출현 및 강화 방향으로 이동합니다. 정교화(주제 차별화, 수평적 뿐만 아니라 수직적 주제 전개, 주제화를 통한 경향), 특정 대위법의 추가. 에프엠 (대성적으로 설명된 일반 F. m.의 유형으로 축소할 수 없음 – 노래, 춤 등). 다양한 폴리포닉의 시작부터. 에프엠 그리고 다각형. 역사적으로 문자(부르동, 다양한 유형의 이성, 복제 초, 오스티나토, 모방 및 정경, 화음 및 후음 구조)에서 구성의 시작점은 화음, 반대 구두점이 있는 음성의 병렬 지휘, 주어진 주요 음성을 정확히 복제하는 것입니다. vox(cantus) principalis(. Organum 참조), cantus firmus(“법정 멜로디”). 우선, 그것은 소위 유기체 유형 중 가장 초기입니다. 평행 (9-10 세기)뿐만 아니라 나중에 gimel, foburdon. Aspect 폴리포닉. 에프엠 다음은 Ch의 기능적 구분입니다. 목소리(나중에 soggetto, “Subjectum oder Thema” – Walther JG, 1955, S. 183, “theme”)와 이에 반대하는 반대, 그리고 그들 사이의 상호작용 감각은 동시에 다성음악의 수직적 측면을 예상합니다. . 에프엠 (예를 들어, 9세기 논문에서 부르동과 간접, 그 다음에는 "자유로운" 오르가늄, 나중에는 contrapunctus simplex 또는 aequalis라고 불리는 "메모에 대한 메모" 기술에서 특히 두드러집니다.) "Musica enchiriadis", "Scholia enchiriadis". 논리적으로, 다음 개발 단계는 실제 폴리포닉의 확립과 관련이 있습니다. 둘 이상의 동시성에서 대조되는 반대 형태의 구조. 일부 유형의 다성에서 부르동 원리를 부분적으로 사용하는 목소리 (멜리스마 오르간에서). 대위법 교회 노래에서 파리 학파의 초기 모테트와 절의 단순한 대위법에서 cantus firmus의 편곡과 변주. 세속적 장르 등
폴리포니의 미터화는 리듬에 대한 새로운 가능성을 열었습니다. 음성의 대조를 통해 다성음에 새로운 모습을 부여했습니다. F. 엠 합리주의적인 메트로리듬(모달리듬, 월경리듬; 참조. Modus, Mensural 표기법) F. 엠 점차적으로 특이성을 얻습니다. 유럽 음악에게 완벽한(더욱 정교해진) 합리주의의 조합입니다. 숭고한 영성과 깊은 감정을 가진 건설. 새로운 F의 개발에 중요한 역할. 엠 파리 학교에 속해 있었고, 그 다음에는 다른 학교에 속해 있었습니다. 프랑스. 12~14세기 작곡가. 약. 1200년, 파리학파의 절에서 F. 엠 (짧은 리드미컬한 공식의 도움으로, 아이소리듬을 예상합니다. 탈레아, 모테트 참조; 예: 조항(Benedicamusl Domino, cf. 데이비슨 A., 아펠 W., v. 1, p. 24 - 25). 동일한 기법이 13세기의 XNUMX부 및 XNUMX부 모테의 기초가 되었습니다. (예: 파리 학교 Domino fidelium의 motets – Domino 및 Dominator – Esce – Domino, ca. 1225, 같은 책, p. 25 - 26). 13세기의 모테트에서. XNUMX월을 통해 반대의 주제화 과정을 펼칩니다. 선, 피치, 리드미컬한 반복의 일종. 수치, 심지어 동시에 시도. 연결 차이 멜로디(참조. «En non Diu! – Quant voi larose espanie – 파리 학교의 Ejus in oriente; 패리시 K., 올레 J., 1975, p. 25 - 26). 결과적으로 강한 리드미컬한 대비는 날카로운 폴리메트리를 유발할 수 있습니다(Rondo B. Cordier "Amans ames", ca. 1400년, Davison A., Apel W., v. 1, p. 51). 리드미컬한 대조에 따라 decomp 프레이즈의 길이에 불일치가 있습니다. 목소리(대위법 구조의 기초); 음성의 독립성은 텍스트의 다양성에 의해 강조됩니다(게다가 예를 들어 텍스트가 다른 언어로 있을 수도 있습니다. 테너와 모테투스의 라틴어, 트리플럼의 프랑스어, 351열의 예를 참조하십시오. 대위법이 변하는 대위법의 오스티나토 주제로서 테너 선율을 한 번 이상 반복하면 가장 중요한 다성음악 중 하나가 생성됩니다. F. 엠 – Basso osstinato의 변형(예: 프랑스어. 모트 13 다. “만세, 고귀한 동정녀 – 하나님의 말씀 – 진리”, cm. 울프 J., 1926, S. 6 - 8). 리듬 구식 공식의 사용은 음높이와 리듬 매개변수의 분리 및 독립이라는 아이디어로 이어졌습니다(언급된 테너 모테트 "Ejus in oriente"의 첫 번째 부분, 1-1 및 7-7절; 기악 테너 모테트 "In seculum"은 리드미컬한 오스티나토 동안 피치 라인을 제13 모드의 제1 오르도 공식과 동일한 관계로 재측정하는 것과 같은 관계로, 두 부분 형식의 두 부분이 있습니다. 데이비슨 A., 아펠 W., v. 1, p. 34 - 35). 이 발전의 정점은 아이소리듬이었습니다. F. 엠 14-15세기(Philippe de Vitry, G. 드 마초, Y. 치코니아, G. Dufay 및 기타). 프레이즈에서 확장된 멜로디로의 리듬 공식의 가치가 높아지면서 테너에 일종의 리듬 패턴이 생긴다. 테마는 탈리아입니다. 테너에서의 오스티나토 연주는 F. 엠 등리듬. (티. e. isorhythm.) 구조(아이소리듬 – 멜로디의 반복. 목소리만 리드미컬하게 전개. 수식, 고층 콘텐츠가 변경됨). ostinato에 반복은 결합될 수 있습니다 – 동일한 테너에서 – 일치하지 않는 높이의 반복 – 색상(색상, 약 등가 리듬. F. 엠 사포노프 M 참조. A., 1978, p. 23-35, 42-43). 16세기 이후(A. Willart) 등리듬. F. 엠 사라지고 20세기에 새로운 삶을 찾습니다. O의 리듬 모드 기법에서. Messiaen(비례 캐논. "5경 ..."의 XNUMX, 시작, p.
다성음악의 수직적 측면의 발전. 에프엠 제외합니다. 모방 기법과 정경, 그리고 이동식 대위법의 형태로 반복의 발전이 중요했다. 이후 광범위하고 다양한 작문 기술 및 형식 부서가 되면서 모방(및 정경)은 가장 구체적인 다성음의 기초가 되었습니다. 에프엠 역사적으로 가장 초기의 모조품. 정식 F. m. 그것은 또한 osstinato와 관련이 있습니다 - 소위의 사용. 두 부분 또는 세 부분으로 구성된 구성의 정확한 반복이지만 그것을 구성하는 멜로디만 한 목소리에서 다른 목소리로 전달되는 목소리 교환(예: 영어 rondelle "Nunc sancte nobis spiritus", 2nd half) 12세기, "Musik in Geschichte und Gegenwart", Bd XI, Sp. 885 참조, Odington의 De speculatione musice에서 rondelle "Ave mater domini", 1300년 또는 1320년경, Coussemaker, "Scriptorum… ", t 1, 247a). 크리스마스 쿼드러플 Viderunt(c. 1200)에서 파리 학교 Perotin(목소리 교환 기법도 사용)의 마스터는 분명히 의식적으로 이미 연속 모방을 사용하고 있습니다. 테너). 이러한 유형의 모방의 기원. 기술은 osstinato F. m의 강성에서 출발합니다. 이를 기반으로 순전히 표준입니다. 형태 - 회사(13-14세기, canon company와 rondel-exchange의 조합은 유명한 영어 "Summer Canon", 13 또는 14세기), 이탈리아어로 표시됩니다. kachcha("사냥", 사냥 또는 사랑의 줄거리, 형태 – 계속 3성 목소리가 있는 17성 대포) 및 프랑스어. shas(또한 "사냥" - 한 목소리로 된 14성 대포). 캐논의 형식은 다른 장르에서도 찾아볼 수 있다(마쇼의 1번 발라드, 샤 형태, 마쇼의 17번 론도 “Ma fin est mon 시작”, 아마도 역사적으로 캐논 캐논의 첫 번째 예일 것입니다. 텍스트: "나의 끝은 나의 시작입니다.", 12번째 르 마쇼는 36개의 18음성 canons-shas의 주기입니다. 따라서 캐논은 특별한 폴리포닉으로 사용됩니다. 에프엠 다른 장르와 분리되어 있으며 P. m. F. m.의 목소리 수 경우가 매우 컸습니다. Okegem은 24 음성 캐논 몬스터 "Deo gratias"(그러나 실제 음성의 수는 1420을 초과하지 않음)로 인정됩니다. 가장 다성적인 카논(26개의 실제 음성 포함)은 Josquin Despres(모테트 "Qui 서식지 in adjutorio"에서)에 속합니다. 피.엠. 1420-26년 뒤파이의 모테트 "Inclita maris"에서, 분명히 최초의 비례 정경; 그의 샹송에서 "Bien veignes vous", 1400-2년경, 아마도 확대에서 첫 번째 캐논). 확인. 15 모조품 F. m. 아마도 kachcha를 통해 motet으로 - Ciconia, Dufay에서; 또한 F. m. 샹송의 미사 부분; XNUMX층으로. XNUMX세기 F. m.
그러나 "캐논"(캐논)이라는 용어는 15-16세기에 사용되었습니다. 특별한 의미. 저자의 발언(Inscriptio)은 일반적으로 고의적으로 혼란스럽고 어리둥절하며 정경("어둠 속에서 작곡가의 의지를 드러내는 규칙", J. Tinktoris, "Diffinitorium musicae"; Coussemaker, "Scriptorum …”, t. 4, 179 b ) 하나의 기보된 성부(또는 그 이상, 예를 들어 P. de la Rue의 전체 1937성 미사 – "Missa o salutaris nostra")에서 어떻게 두 가지가 파생될 수 있는지를 나타냅니다. 하나의 기보된 음성에서 파생됨); 신비한 캐논을 참조하십시오. 따라서 캐논 비문이 있는 모든 제품은 F. m입니다. 추론 가능한 음성으로 (다른 모든 F.m.은 원칙적으로 그러한 암호화를 허용하지 않는 방식으로 구성됩니다. 즉, 문자 그대로 관찰 된 "신원 원칙"에 기반하지 않습니다. BV Asafiev라는 용어 ). L. Feininger에 따르면 네덜란드 대포의 유형은 다음과 같습니다. 복합 또는 복합(다중) 직접; 비례(월경); 선형(단선; Formalkanon); 반전; elision (Reservatkanon). 이에 대한 자세한 내용은 Feininger LK, 1624이라는 책을 참조하십시오. 유사한 "비문"이 나중에 S. Scheidt("Tabulatura nova", I, 1747), JS Bach("Musikalisches Opfer", XNUMX)에서 발견됩니다.
15-16세기의 여러 대가들의 작품. (Dufay, Okeghem, Obrecht, Josquin Despres, Palestrina, Lasso 등) 다양한 다성음악을 선보입니다. 에프엠 (엄격한 쓰기), DOS. 모방과 대조, 동기 발달, 선율적인 목소리의 독립성, 단어와 구절의 대위법, 이상적으로 부드럽고 예외적으로 아름다운 조화(특히 미사 및 모테트의 웍 장르에서).
Ch 추가. 다성 형식(푸가)도 Samui F. m의 발전 사이의 불일치로 표시됩니다. 다른 한편으로는 개념과 용어. 의미상 푸가(fugue)(달리기, 이탈리아어 consequenza)라는 단어는 사냥(hunting), 인종(race)이라는 단어와 관련이 있으며, 초기(14세기부터) 이 용어는 유사한 의미로 사용되었습니다. 캐논 (비문 캐논에서도 : " fuga in diatessaron"및 기타). Tinctoris는 푸가를 "목소리의 정체성"으로 정의합니다. "canon"의 의미에서 "fugue"라는 용어의 사용은 17세기와 18세기까지 지속되었습니다. 이 관행의 나머지 부분은 "fuga canonica" - "정규"라는 용어로 간주될 수 있습니다. 둔주곡". instr의 여러 부서에서 캐논으로 푸가의 예. 음악 – X. Gerle의 "Musica Teusch"에서 4개의 현악기("바이올린")를 위한 "Fuge"(1532, Wasielewski WJ v., 1878, Musikbeilage, S. 41-42 참조). R. 16세기 전체(Tsarlino, 1558), 푸가의 개념은 fuga legate("일관된 푸가", canon, 나중에는 fuga totalis)와 fuga sciolta("분할 푸가", 나중에 fuga partialis, 모방의 계승)로 나뉩니다. 표준 섹션(예: abсd 등 .. P.); 마지막 오후 푸가의 사전 형식 중 하나입니다. 유형에 따른 푸가토 체인: abcd; 소위. 주제(a, b, c 등)의 차이가 텍스트의 변경으로 인한 모테트 형식. 이러한 "소문자" F. m. 복잡한 푸가는 주제의 조합이 없다는 것입니다. 17세기에 fuga sciolta(partialis)가 실제 푸가로 바뀌었습니다(Fuga totalis, 또한 legata, integra는 17-18세기에 캐논으로 알려지게 되었습니다). 기타 여러 장르와 F. m. 16세기. 모테트(푸가), 라이서카르(여러 모테 구성의 모테 원리가 이전된 푸가 형식, 아마도 F. m.에 가장 가까운 푸가), 판타지, 스페인어의 새로운 유형의 방향으로 발전했습니다. tiento, 모방 다성음 칸초네. instr에 푸가를 추가하려면 음악(이전 연결 요소가 없는 경우, 즉 텍스트의 통일성)에서는 주제에 대한 경향이 중요합니다. 중앙 집중화, 즉 한 멜로디의 우월성을 의미합니다. 주제(보컬과 반대되는 다중 어두운) – A. Gabrieli, J. Gabrieli, JP Sweelinck(푸가의 전신에 대해서는 책을 참조하십시오. Protopopov VV, 1979, p. 3-64).
17세기에 이르러 오늘날 다성음악과 관련된 주요 음악을 형성했습니다. 에프엠 – 푸가(모든 종류의 구조와 형식), 캐논, 다성 변주(특히, Basso osstinato에 대한 변주), 다성. (특히, 합창) 편곡 (예를 들어, 주어진 cantus firmus에), 다성. 사이클, 다성 전주곡 등. 이 시기의 다성 F.의 발전에 중대한 영향을 미친 것은 새로운 장단조 하모닉 시스템(주제 업데이트, FM의 주요 요소로 음조 변조 요소 지명, 개발 동음파-고조파 유형의 쓰기 및 해당 F.m.). 특히 푸가(및 유사한 다성 fm)는 17세기의 지배적인 모달 형식에서 발전했습니다. (변조가 아직 다성 F.m의 기초가 아닌 경우, 예를 들어 Scheidt의 Tabulatura nova, II, Fuga contraria a 4 Voc.; I, Fantasia a 4 Voc. super loson ferit o lasso, Fuga quadruplici) cf. 형식의 음조 대비가 있는 음조("바흐") 유형. 부품(종종 병렬 모드). 들어오지 못하게 하다. 폴리포니의 역사에서 중요한 의미. 에프엠 JS Bach의 작업은 주제성, 주제에 대한 장조음 체계의 자원의 효율성 확립으로 그들에게 새로운 생명을 불어넣었습니다. 개발 및 형성 과정. 바흐는 대위법 F. m. 새로운 클래식. 메인에서와 같이 외관. 유형, 후속 폴리포니는 의식적으로 또는 무의식적으로 지향됩니다(P. Hindemith, DD Shostakovich, RK Shchedrin까지). 당시의 일반적인 경향과 그의 전임자들이 발견한 새로운 기법을 반영하여, 그는 다성음악의 새로운 원리를 주장하는 범위, 강도 및 설득력에서 동시대인(훌륭한 GF 헨델 포함)을 훨씬 능가했습니다. 에프엠
JS Bach 이후에는 동음파 F. m이 지배적 위치를 차지했습니다. (동음이의어 참조). 사실 폴리포닉. 에프엠 때로는 새롭고 때로는 특이한 역할 (Rimsky-Korsakov의 오페라 "The Tsar 's Bride"의 첫 번째 막에서 "Sweeter than Honey"합창단의 경비원의 fughetta)으로 사용되어 극적 동기를 얻습니다. 캐릭터; 작곡가들은 그것들을 특별하고 특별한 표현이라고 부릅니다. 수단. 대체로 이것은 다성음의 특징입니다. 에프엠 러시아어로. 음악(예: MI Glinka, "Ruslan and Lyudmila", 1막의 혼미한 장면의 캐논; Borodin의 연극 "In Central Asia"와 "Pictures at a Exhibition"의 연극 "Two 유대인"의 대조 동시성 " 무소르그스키, 차이코프스키의 오페라 "외젠 오네긴" 1장면의 "적" 대포 등).
V. 현대의 동음이의 음악 형식. 소위 시대의 시작. 새로운 시간(17-19세기)은 뮤즈의 발전에 있어 급격한 전환점을 표시했습니다. 생각과 F. m. (새로운 장르의 출현, 세속 음악의 지배적인 중요성, 장조-단조 음조 체계의 지배). 사상 및 미학 분야에서 새로운 예술 방법이 발전했습니다. 생각 - 세속 음악에 대한 호소. 내용, 리더로서의 개인주의 원칙의 주장, 내부의 폭로. 개인의 세계 ( "솔리스트가 주요 인물이되었습니다", "인간의 생각과 감정의 개별화"- Asafiev BV, 1963, p. 321). 중앙 음악의 중요성에 대한 오페라의 부상. 장르 및 instr. 음악 – 협연 원칙의 주장(바로크 – J. Gandshin의 말에서 "콘서트 스타일"의 시대)이 가장 직접적으로 관련되어 있습니다. 개인의 이미지를 그 안에 전달하고 미학의 초점을 나타냅니다. 새로운 시대의 열망(오페라의 아리아, 협주곡의 독주, 호모포닉 패브릭의 선율, 미터의 무거운 소절, 키의 토닉, 작곡의 주제, 음악 음악의 집중화) — "독창성", "특이점", 음악적 사고의 다양한 층에서 다른 사람에 대한 지배의 다면적이고 증가하는 표현). 14-15세기에 형성의 순수한 음악적 원리의 자율성을 향해 이미 더 일찍(예를 들어, 16-17세기의 iso-rhythmic motet에서) 나타난 경향. 자질로 이어졌다. 점프 - 그들의 독립성, 가장 직접적으로 드러난 것은 자율적인 명령의 형성에서 드러났습니다. 음악. 순수한 음악의 원리. (세계 음악사에서 처음으로) 단어와 움직임에서 독립된 조형은 instr을 만들었습니다. 처음에는 성악(이미 17세기에 – 기악 칸초네, 소나타, 협주곡에서)과 권리 면에서 음악이 동등했고, 그 다음에는 성형 작업이 냄비에 투입되었습니다. 자율적인 음악에 따른 장르. F. m의 법칙 (JS 바흐, 비엔나 고전, 19세기 작곡가에서). 순수한 음악의 식별. F. m의 법칙 세계 음악의 절정의 업적 중 하나입니다. 음악에서 이전에 알려지지 않은 새로운 미학적, 정신적 가치를 발견한 문화.
fm과 관련하여 새로운 시대의 시대는 1600-1750년(조건부 – 바로크, 베이스 장군의 지배)과 1750-1900년(비엔나 고전과 낭만주의)의 두 기간으로 명확하게 구분됩니다.
F. m의 성형 원리 바로크: 전체 형식 b. 시간, 하나의 감정의 표현이 보존되므로 F. m. 동질적 주제주의가 우세하고 파생적 대조의 부재, 즉 이 주제에서 다른 주제가 파생된 것이 특징입니다. 바흐와 헨델 음악의 속성, 장엄함은 여기에서 오는 견고함, 형식 부분의 거대함과 관련이 있습니다. 이것은 또한 다이내믹을 사용하여 VF m.의 "테라스형" 다이내믹스를 결정합니다. 대조, 유연하고 역동적인 크레센도 부족; 마치 미리 정해진 단계를 통과하는 것처럼 전개되는 것이 아니라 생산에 대한 아이디어. 주제 소재를 다룰 때 다성음의 영향이 강합니다. 문자 및 다성 형식. 장조-단조 음조 체계는 (특히 바흐의 시대에) 그 조형적 특성을 점점 더 많이 드러냅니다. 화음과 음조의 변화는 새로운 힘을 제공합니다. F. m의 내부 이동 수단. 다른 키에서 자료를 반복할 수 있는 가능성과 정의에 따른 전체적인 움직임 개념. 음조의 원은 음조 형식의 새로운 원칙을 만듭니다(이런 의미에서 음조는 새로운 시간의 F.m.의 기초입니다). Arensky의 “Guidelines… 형태"이며 하모니는 음조 하모니를 의미합니다. 바로크 양식의 fm(파생적 비유적 및 주제별 대비 없음)은 fm의 가장 단순한 구성 유형을 제공하므로 "원"의 인상을 주므로 음조의 다른 단계에서 카덴자를 통과합니다. 예를 들면 다음과 같습니다.
전공: I — V; VI – III – IV – I 단조: I – V; III – VII – VI – IV – I T-DS-T 원리에 따라 시작과 끝에서 토닉 사이의 키가 반복되지 않는 경향이 있습니다.
예를 들어, 콘서트 형식(특히 A. Vivaldi, JS Bach, Handel과 함께 소나타 및 바로크 콘서트에서 연주됨, 고전-낭만 음악의 기악 주기에서 소나타 형식의 역할과 유사한 역할):
주제 — 그리고 — 주제 — 그리고 — 주제 — 그리고 — 주제 T — D — S — T (I – 막간, – 변조, 예 – 바흐, 브란덴부르크 협주곡 1악장).
바로크의 가장 널리 퍼진 악기는 호모포닉(더 정확하게는 푸가가 없는 악기)과 다성 악기(섹션 IV 참조)입니다. 메인 호모포닉 F. m. 바로크:
1) 개발을 통한 형태(instr. music에서 주요 유형은 prelude, in wok. – recitative); 샘플 – J. Frescobaldi, 오르간 서문; 헨델, d-moll의 클라비에 모음곡, 전주곡; 바흐, 오르간 토카타 라단조, BWV 565, 전주곡, 푸가 전;
2) 작은(단순한) 형식 – 바(반복 및 무반복, 예를 들어 F. Nicolai의 노래 "Wie schön leuchtet der Morgenstern"("새벽 별이 얼마나 아름답게 빛날까", 바흐의 1번 칸타타 및 기타 op.)), 14부, XNUMX부 및 다부 형식(후자의 예는 Bach, Mass in h-moll, NoXNUMX); 웍. 음악은 종종 다 카포 형식을 만납니다.
3) 복합(복잡한) 형태(작은 것들의 조합) – 복잡한 XNUMX, XNUMX 및 다부분; 콘트라스트-컴포지트(예: JS 바흐의 오케스트라 서곡의 첫 부분), 다카포 형식은 특히 중요합니다(특히 바흐에서).
4) 변주와 합창 적응;
5) 론도(13-15세기의 론도와 비교 - 같은 이름의 F. m.의 새로운 악기);
6) 오래된 소나타 형식, 하나는 어둡고 (배아에서는 발달) 두 어둡다. 각각은 불완전(47부) 또는 완전(XNUMX부)입니다. 예를 들어, D. Scarlatti의 소나타에서; 완전한 하나의 어두운 소나타 형식 – Bach, Matthew Passion, No XNUMX;
7) 콘서트 형식(미래의 고전 소나타 형식의 주요 출처 중 하나)
8) 다양한 종류의 웍. 그리고 인스트럭션. 순환 형식(특정 음악 장르이기도 함) – 수난, 미사(오르간 포함), 오라토리오, 칸타타, 협주곡, 소나타, 모음곡, 전주곡 및 푸가, 서곡, 특수한 형식의 형식(바흐, "음악 제공", "예술 푸가"), "주기의 순환"(Bach, "The Well-Tempered Clavier", 프랑스 모음곡);
9) 오페라. (1977년 “음악 작품 분석” 참조)
에프엠 고전-낭만. 기간, 인본주의의 초기 단계에 반영된 to-rykh의 개념. 유럽의 아이디어. 계몽주의와 합리주의, 그리고 19세기. 개인주의적 낭만주의("낭만주의는 인격의 신격화에 지나지 않는다" - IS Turgenev), 음악의 자율화 및 미학의 사상은 자율적 뮤즈의 가장 높은 표현이 특징입니다. 형성의 법칙, 중앙 집중식 단일성과 역동성의 원칙의 우선성, F. m.의 의미론적 분화의 제한, 부분의 발달 완화. F. m.의 고전적인 낭만주의를 위해. F. m의 최적 유형의 최소 수 선택의 전형이기도 합니다. (그들 사이에 뚜렷한 차이점이 있음) 다른 매개 변수의 최적성과 유사한 동일한 구조 유형 (단일의 다양성 원칙)의 비정상적으로 풍부하고 다양한 구체적인 구현으로 F. m. (예를 들어, 고조파 시퀀스 유형의 엄격한 선택, 음조 계획 유형, 특징적인 질감 그림, 최적의 오케스트라 구성, 직각을 향한 미터법 구조, 동기 부여 개발 방법), 음악을 경험하는 최적의 강렬한 느낌. 시간, 시간적 비율의 미묘하고 정확한 계산. (물론 150년의 역사적 기간이라는 틀 안에서 F.m.의 비엔나-고전적 개념과 낭만주의적 개념의 차이도 상당하다.) F. m의 개발 개념. (베토벤의 소나타 형식) . 에프엠 높은 예술적, 미적, 철학적 아이디어의 표현과 뮤즈의 육즙이 많은 "세속적인" 성격을 결합합니다. 비유적(또한 음악적 재료의 전형적인 특징과 함께 민속-일상 음악의 흔적을 지닌 주제적 재료; 이것은 19세기의 주 편곡에 적용됨).
일반 논리적 고전 로맨틱 원칙. 에프엠 정의에 반영된 음악 분야의 모든 사고 규범의 엄격하고 풍부한 구현입니다. F. m 부분의 의미 기능. 여느 사고와 마찬가지로 뮤지컬도 사유의 대상, 소재(은유적 의미에서 주제)를 가지고 있습니다. 사고는 음악적 논리로 표현됩니다. "주제에 대한 토론"("음악 형식은 음악 자료에 대한 "논리적 토론"의 결과입니다." – Stravinsky IF, 1971, p. 227), 이는 예술로서의 음악의 시간적, 비 개념적 특성으로 인해 , F.m을 나눕니다. 두 개의 논리적 부서 – 음악 프레젠테이션으로 나뉩니다. 생각과 그 발전("토론"). 차례로, 논리적 음악 개발. 생각은 "고려"와 다음 "결론"으로 구성됩니다. 따라서 논리적 단계로서의 개발. F. m의 발전 실제 개발 및 완료의 두 하위 부문으로 나뉩니다. 고전적인 F. m. 세 가지 주요 발견. 부품의 기능(Asafiev triad initium – motus – terminus에 해당, Asafiev BV, 1963, pp. 83-84 참조; Bobrovsky VP, 1978, pp. 21-25) – 설명(사고의 설명), 개발(실제 발달)과 최종(생각의 진술)는 서로 복잡하게 연관되어 있습니다.
(예를 들어, 단순한 1947부 형식, 소나타 형식으로.) 세 가지 기본 사항에 추가하여 미세하게 차별화된 F.m. 부분의 보조 기능이 발생합니다 - 도입(주제의 초기 프레젠테이션에서 분기되는 기능), 전환 및 결론(완료 기능에서 분기하여 이를 두 가지로 나누는 기능 - 생각의 확인 및 결론). 따라서 F. m. 여섯 가지 기능만 가지고 있다(cf. Sposobin IV, 26, p. XNUMX).
인간 사고의 일반 법칙의 표현으로서, F. m. 사고의 합리적-논리적 영역에서 사고 표현 부분의 기능과 공통점을 드러내며, 이에 상응하는 법칙은 고대 수사학(웅변) 교리에서 설명됩니다. 고전의 여섯 섹션의 기능. 수사학(Exordium – 도입, Narratio – 내레이션, Propositio – 주요 입장, Confutatio – 도전, Confirmatio – 진술, Conclusio – 결론)은 구성과 순서에서 F. m의 기능과 거의 일치합니다. (FM의 주요 기능이 강조 표시됩니다. m.):
Exordium – 소개 Propositio – 프레젠테이션(주제) Narratio – 전환으로서의 발전 Confutatio – 대조 부분(개발, 대조 주제) 확인 – 반복 Conclusio – 코드(추가)
수사학적 기능은 다양한 방식으로 나타날 수 있습니다. 수준(예를 들어, 소나타 설명과 전체 소나타 형식을 전체적으로 다룹니다). 수사학의 섹션 기능과 F. m의 부분의 광범위한 일치. decomp의 깊은 통일성을 증언합니다. 그리고 겉보기에 서로 멀리 떨어져 있는 생각 유형.
기타. 얼음 요소(사운드, 음색, 리듬, 코드" 멜로디. 억양, 멜로디 라인, 다이내믹. 뉘앙스, 템포, 아고직, 톤 기능, 케이던스, 텍스처 구조 등 명.) 뮤즈입니다. 재료. 케이에프. 엠 (광의의 의미에서) 음악에 속합니다. 뮤즈의 표현 측면에서 고려한 자료의 구성. 내용. 음악 시스템에서 조직은 음악의 모든 요소가 아닙니다. 재료는 동등하게 중요합니다. 클래식-로맨틱의 프로파일링 측면. F. 엠 - F의 구조의 기초로서의 조성. 엠 (센티미터. 음조, 모드, 멜로디), 박자, 동기 구조(참조. Motif, Homophony), 대위법 기본. 라인(homof. F. 엠 일반적으로 t. 씨. 등고선 또는 메인, 두 가지 음성: 멜로디 + 베이스), 주제 및 하모니. 음조의 형성적 의미는 (위 사항에 더하여) 단일 음조에 대한 공통된 매력에 의해 안정적인 음조 주제를 모으는 것으로 구성됩니다(참조. 아래 예의 다이어그램 A). 미터의 형성적 의미는 관계(metric. 대칭) 작은 입자 F. 엠 (녀석. 원리: 두 번째 사이클은 첫 번째에 응답하여 두 개의 사이클을 생성하고, 두 번째 두 번째 사이클은 첫 번째에 응답하여 네 개의 사이클을 생성하고, 두 번째 네 번째 사이클은 첫 번째에 응답하여 여덟 개의 사이클을 생성합니다. 따라서 고전 낭만주의에 대한 직각도의 근본적인 중요성. F. m.), 따라서 F의 작은 구조를 형성합니다. 엠 - 구, 문장, 마침표, 유사한 중간 부분 및 주제 내 반복 고전 박자는 또한 한 종류 또는 다른 종류의 종지의 위치와 최종 동작의 강도를 결정합니다(문장 끝의 준결말, 마침표 끝의 완전한 결론). 동기(더 큰 의미에서, 또한 주제적) 발달의 형성적 의미는 대규모 mus라는 사실에 있습니다. 생각은 그 핵심에서 나온다. 의미론적 핵심(일반적으로 초기 동기 그룹 또는 더 드물게는 초기 동기)은 입자의 다양한 수정된 반복(다른 화음, 다른 화음의 동기 반복)을 통해 발생합니다. 단계 등 조화, 선의 간격 변화, 리듬의 변화, 증가 또는 감소, 순환, 단편화 - 동기 개발의 특히 적극적인 수단이며 가능성은 초기 동기를 다른 동기로 변형할 때까지 확장됩니다. 동기). Arensky A를 참조하십시오. C, 1900, p. 57-67; 소핀 나. V., 1947, p. 47 - 51. 동기 발달은 동음이의어 F에서 재생됩니다. 엠 대위법에서 주제와 그 입자의 반복과 거의 같은 역할. F. 엠 (예 : 푸가). 동음이의어 F에서 대위법의 조형적 가치. 엠 수직적 측면의 생성에서 나타납니다. 거의 동음이의어 F. 엠 전체에 걸쳐 (적어도) 극단적인 목소리 형태의 두 부분 조합으로, 이 스타일의 다성 음악의 규범을 준수합니다(다성 표현의 역할이 더 중요할 수 있음). 컨투어 투 보이스 샘플 – V. A. 모차르트, 교향곡 in g-moll No 40, minuet, ch. 테마. 주제주의와 조화의 조형적 중요성은 주제 표현의 밀접하게 짜여진 배열과 일종의 불안정한 발달, 연결, 실행 구성(주제로 "접는" 최종 및 주제적으로 "결정화" 도입 부분)의 상호 관련된 대조에서 나타납니다. ), 음조 안정 및 변조 부분; 또한 주요 주제의 구조적으로 모놀리식 구성과 더 "느슨한" 이차 구성(예: 소나타 형식)을 각각 대조하고 다양한 유형의 음조 안정성(예: Ch의 조화. 측면의 부드러운 구조와 결합된 음조의 확실성과 통일성, 코다에서 강장제로의 감소). 미터가 F를 생성하는 경우.
주요 클래식-로맨틱 악기의 일부 다이어그램의 경우(구조의 더 높은 요소의 관점에서, T, D, p는 건반의 기능 지정, 변조입니다. 직선은 안정적인 구조, 곡선은 불안정) 894열 참조.
나열된 메인의 누적 효과. 고전적 낭만주의의 요소. 에프엠 차이코프스키 교향곡 5번 중 안단테 칸타빌레의 예에서 볼 수 있습니다.
계획 A: 전체 ch. Andante의 첫 번째 부분의 주제는 토닉 D-dur를 기반으로 하고, 두 번째 테마 추가의 첫 번째 연주는 토닉 Fis-dur에 있으며, 그 다음 둘 다 토닉 D-dur에 의해 조절됩니다. 구성표 B(장 주제, 구성표 C 참조): 다른 1마디는 1마디에 응답하고, 보다 연속적인 2마디 구성은 결과 3마디에 응답하고, 종지로 닫히는 XNUMX마디 문장은 다음과 같이 응답합니다. 더 안정적인 케이던스를 가진 또 다른 유사한 것. 방식 B: 메트릭 기반. 구조 (도식 B) 동기 개발 (단편이 표시됨)은 XNUMX 마디 동기에서 비롯되며 멜로디의 변경과 함께 다른 하모니로 반복하여 수행됩니다. 라인(aXNUMX) 및 메트로 리듬(aXNUMX, aXNUMX).
계획 G: 대위법. F.m.의 기초, consoner의 권한을 기반으로 한 올바른 2-음성 연결. 목소리의 움직임의 간격과 대조. 계획 D: 주제별 상호 작용. 고조파. 요인은 F. m을 형성합니다. 작품 전체의 형식(유형은 에피소드가 있는 복잡한 1부 형식으로, 전통적인 고전 형식에서 큰 첫 번째 부분의 내부 확장을 향한 "일탈"이 있음).
F. m의 파트를 위해 구조적 기능을 수행하려면 그에 따라 구축되어야 합니다. 예를 들어, Prokofiev의 "고전 교향곡"의 Gavotte의 두 번째 주제는 복잡한 8부 형식의 전형적인 삼중주로서 문맥 밖에서도 인식됩니다. 1947 fp의 박람회의 두 가지 주요 주제. 베토벤의 소나타는 반대 순서로 표현할 수 없습니다. 즉, 메인은 측면으로, 측면은 메인으로 표시됩니다. F. m.의 구조적 기능을 나타내는 부분 구조의 패턴이라고합니다. 음악의 표현 유형. 자료 (Sposobina의 이론, 27, pp. 39-4). Ch. 발표, 중간 및 최종의 세 가지 유형의 프레젠테이션이 있습니다. 박람회의 주요 징후는 주제로 표현되는 움직임의 활동과 결합 된 안정성입니다. 단일성(하나 또는 몇 개의 동기 개발), 음조 단일성(편차가 있는 하나의 키, 끝에 작은 변조, 전체의 안정성을 훼손하지 않음), 구조적 단일성(문장, 마침표, 규범적 종지, 구조 4 + 2, 2 + 1 + 1 + 2 + 9 및 고조파 안정성 조건에서 유사); 그림 B, 막대 16-XNUMX 참조. 중앙값 유형 (또한 발달)의 표시는 불안정, 유동성, 조화롭게 달성됩니다. 불안정성(T에 의존하지 않고 다른 기능, 예를 들어 D에 의존, 시작은 T로 시작하지 않음, 강장제를 피하고 밀어냄, 변조), 주제. 단편화(주요 구성의 부분 선택, 주요 부분보다 작은 단위), 구조적 불안정성(문장 및 마침표 부족, 순서, 안정적인 종지 부족). 끝내다. 프리젠테이션의 유형은 반복된 종지, 종지 추가, T의 오르간 포인트, S로의 편차 및 주제의 중단에 의해 이미 달성된 강장제를 확인합니다. 발달, 구조의 점진적인 단편화, 지속 또는 반복 강장제로 발달의 감소. 코드(예: Mussorgsky, 오페라 "Boris Godunov"에서 코러스 코드 "Glory to you, the Creator of the Almighty"). F. m에 대한 의존 미학으로서의 민속 음악. F. m.의 구조적 기능의 고도의 발전과 결합된 새로운 시대의 음악 설치. 그리고 그에 해당하는 음악의 표현 유형. 자료는 일관된 악기 시스템으로 구성되며, 극단은 노래(미터법 관계의 지배에 기반)와 소나타 형식(주제 및 음조 개발에 기반)입니다. 메인의 일반 체계. 고전 낭만주의 유형. 에프엠:
1) 악기 체계의 출발점(예를 들어 르네상스의 고음율 악기와 달리)은 일상 음악에서 직접 옮겨온 가곡 형식(주요 구조 유형은 단순 XNUMX부 및 단순 XNUMX- 부분은 ab, aba를 형성하며 다이어그램 A)에서 더 나아가 냄비에서만 볼 수 있는 것이 아닙니다. 장르뿐만 아니라 instr에도 반영됩니다. 미니어처(프렐류드, 쇼팽, 스크리아빈의 에튀드, 라흐마니노프, 프로코피예프의 작은 피아노 작품). F. m.의 추가 성장과 합병증, nar.의 형태에서 발산. 노래는 동일한 주제를 반복(변경)하고, 다른 주제를 도입하고, 내부적으로 부분을 복잡하게 하는 세 가지 방식으로 수행됩니다(기간을 "더 높은" 형식으로 성장, 중간을 구조로 분할: 이동 – 주제- 배아 - 복귀 이동, 역할 테마에 추가 자율화 - 배아). 이런 식으로 노래 형식은 더 발전된 형식으로 올라갑니다.
2) 쌍(AAA…) 및 변형(А А1 А2…) 형태, osn. 주제의 반복에.
3) 차이. XNUMX개 및 다중 주제 복합("복잡한") 형식 및 론도 유형. 가장 중요한 합성 F. m. 복잡한 세 부분으로 구성된 ABA입니다(다른 유형은 복잡한 두 부분으로 구성된 AB, 아치형 또는 동심원 ABBCBA, ABCDCBA이고 다른 유형은 ABC, ABCD, ABCDA임). 론도(AVASA, AVASAVA, ABACADA)의 경우 테마 사이에 전환 부분이 있는 것이 일반적입니다. 론도에는 소나타 요소가 포함될 수 있습니다(론도 소나타 참조).
4) 소나타 형식. 출처 중 하나는 단순한 2부 또는 428부 형식의 "발아"입니다(예: Mozart Quartet Es-dur의 미뉴에트인 Sakha의 Well-Tempered Clavier 1권의 f-moll 전주곡 참조) , K.-V 5, 차이코프스키 교향곡 3번 안단테 칸타빌레 XNUMX부의 전개 없는 소나타 형식은 주제가 대조되는 단순 XNUMX악장 형식과 유전적 관련이 있다.
5) 템포, 문자 및 (종종) 박자의 대비를 기반으로 개념의 단일성에 따라 위에서 언급 한 큰 단일 부분 F. 미터는 다중 부분 순환으로 접혀 단일 부분으로 병합됩니다. 대조 복합 형식(후자의 샘플 – Glinka의 Ivan Susanin, No 12, 2중주 ; "Great Viennese Waltz"의 형식, 예를 들어 Ravel의 안무시 "Waltz"). 나열된 유형화된 음악 형식 외에도 혼합 및 개별화된 자유 형식이 있으며, 가장 자주 특별한 아이디어와 관련된, 아마도 프로그래밍 방식(F. Chopin, 475nd ballad; R. Wagner, Lohengrin, Introduction; PI Tchaikovsky, symphony .Fantasy " Tempest”) 또는 무료 판타지 장르의 랩소디(WA Mozart, Fantasia c-moll, K.-V. XNUMX). 그러나 자유 형식에서는 형식이 지정된 형식의 요소가 거의 항상 사용되거나 특수하게 해석되는 일반 F. m.
오페라 음악은 연극-극과 순수 음악이라는 두 가지 조형 원칙의 적용을 받습니다. 한 원칙 또는 다른 원칙의 우세에 따라 오페라 음악 작곡은 세 가지 기본 원칙을 중심으로 그룹화됩니다. 유형: 번호가 매겨진 오페라(예: 오페라 "피가로의 결혼", "돈 조반니"의 모차르트), 음악. 드라마(R. Wagner, "Tristan and Isolde"; C. Debussy, "Pelleas and Mélisande"), 혼합 또는 합성 유형(MP Mussorgsky, "Boris Godunov"; DD Shostakovich, "Katerina Izmailov"; SS Prokofiev, "전쟁과 평화"). 오페라, 드라마, 뮤지컬 드라마 참조. 혼합형 오페라 형식은 무대 연속성의 최적 조합을 제공합니다. 둥근 FM을 사용한 동작 이러한 유형의 FM의 예는 무소르그스키의 오페라 Boris Godunov(무대 동작의 형식과 관련하여 흥겹고 극적인 요소의 예술적으로 완벽한 분배)의 선술집 장면입니다.
VI. 20세기의 음악 형식 에프엠 20p 조건부로 두 가지 유형으로 나뉩니다. 하나는 오래된 작곡을 보존하는 것입니다. 유형 – 복잡한 1부로 구성된 fm, 론도, 소나타, 푸가, 판타지 등(AN Scriabin, IF Stravinsky, N. Ya. Myaskovsky, SS Prokofiev, DD Shostakovich, P. Hindemith, B. Bartok, O. Messiaen 작성) , 새로운 비엔나 학교의 작곡가 등), 보존되지 않은 다른 것 (C. Ives, J. Cage, 새로운 폴란드 학교의 작곡가, K. Stockhausen, P. Boulez, D. Ligeti, 일부 소련 작곡가와 함께) – LA Grabovsky, SA Gubaidulina, EV Denisov, SM Slonimsky, BI Tishchenko, AG Schnittke, R K. Shchedrin 및 기타). 20층에서. 2세기 최초의 F. m이 지배하는 20층. 두 번째 역할을 크게 증가시킵니다. 20세기의 새로운 하모니의 발전, 특히 음색, 리듬 및 직물 구성에 대한 다른 역할과 결합하여 리듬 음악의 오래된 구조적 유형을 크게 쇄신할 수 있습니다(Stravinsky, The Rite of Spring, 전체 음악 언어 시스템의 갱신과 관련하여 재고된 AVASA 계획을 사용한 Great Sacred Dance의 마지막 론도). 급진적인 내부 F. m. 이전 구조 유형과의 연결이 그와 같이 인식되지 않을 수 있기 때문에 새로운 것과 동일시될 수 있습니다(예를 들어, orc. , 그러나 orc.는 음파 기술 때문에 그렇게 인식되지 않습니다. 소나타 형식의 일반적인 음조 op.와 다른 음파 op.의 F.m. 따라서 F. m의 연구를위한 "기술"(쓰기)의 핵심 개념. XNUMX세기 음악에서. ( "기술"의 개념은 사용 된 사운드 재료와 그 속성, 조화, 쓰기 및 형식 요소에 대한 아이디어를 결합합니다).
20세기의 음조(더 정확하게는 신조, 음조 참조) 음악에서. 전통적인 F. m. 주로 새로운 유형의 하모니카로 인해 발생합니다. 새로운 고조파 속성에 해당합니다. 기능적 관계의 재료. 그래서 1화 6부에서. 프로코피예프 전통 소나타. Ch.의 "단단한" 구조와 대조됩니다. 부분과 "느슨한"(매우 안정적이지만) 측면 부분은 ch의 강한 A-dur tonic의 대비로 볼록하게 표현됩니다. 테마와 측면의 부드러운 베일드 파운데이션(hdfa 코드). F. m의 구호 새로운 고조파에 의해 달성됩니다. 뮤즈의 새로운 내용으로 인한 구조적 수단. 소송. 상황은 모달 기법(예: Messiaen의 희곡 "Calm Complaint"의 3부 형식) 및 소위와 유사합니다. 자유로운 무조성(예를 들어, 하프와 현을 위한 RS Ledenev의 작품, 16중주, op. 6 No XNUMX, 중심 자음 기법으로 수행됨).
20세기 음악에서는 다성음악의 르네상스가 일어나고 있습니다. 사고와 다성. 에프엠 대조. 편지와 오래된 대위법 F. m. 소위의 기초가되었습니다. 신고전주의 (bh 네오 바로크) 방향 ( "하모니가 점차 음색 연결을 잃어 버리는 현대 음악의 경우 대위법 형식의 연결 힘이 특히 중요해야합니다"-Taneev SI, 1909). 오래된 F. m을 채우는 것과 함께. (푸가, 캐논, 파사칼리아, 변주 등) 새로운 억양으로. 내용(힌데미트, 쇼스타코비치, B. 바르톡, 부분적으로 스트라빈스키, 셰드린, A. 쇤베르크 등)에서 다성음에 대한 새로운 해석. 에프엠 (예를 들어, Stravinsky의 XNUMX중주에 있는 "Passacaglia"에서는 ostinato 주제의 선형, 리듬 및 대규모 불변성의 신고전주의 원리가 관찰되지 않습니다. 주기의 단일 주제는 직렬-다성음과 유사합니다.
Serial-dodecaphonic 기법(Dodecaphony, Serial 기법 참조)은 원래 (Novovensk 학교에서) "무조성"에서 잃어버린 대규모 고전을 쓸 기회를 복원하기 위한 것이었습니다. 에프엠 사실, 신고전주의에서 이 기술을 사용하는 편리함. 목적이 다소 의심스럽습니다. 준음조 및 음조 효과는 직렬 기법을 사용하여 쉽게 얻을 수 있지만(예를 들어 Schoenberg의 모음곡 op. 25의 미뉴에트 트리오에서 es-moll의 음조는 명확하게 들을 수 있습니다. 전체 모음에서 유사한 Bach 시간 주기를 지향합니다. , 연속 행은 두 개의 연속 행에서 각각 초기 및 마지막 소리인 e와 b 소리에서만 그려지므로 여기에서 바로크 모음의 단조로움을 모방하지만 마스터가 반대하는 것은 어렵지 않습니다. "음조적으로" 안정되고 불안정한 부분, 변조-조옮김, 주제 및 기타 음조 구성 요소의 반복, 신고전주의의 특징인 내부 모순(새로운 억양과 음조 F. m.의 오래된 기법 사이). 형성, 여기에 특별한 힘으로 영향을 미칩니다. (일반적으로 강장제와의 연결 및 이에 기반한 반대는 여기서 달성할 수 없거나 인공적이며, 이는 고전-로맨틱과 관련하여 마지막 예의 계획 A에 표시됨. F. m.) F. m의 샘플 . 새로운 억양, 조화의 상호 대응. 양식, 쓰기 기술 및 양식 기술은 A. Webern에 의해 달성됩니다. 예를 들어 교향곡 op. 1 그는 신고전파에 대한 직렬 전도의 형성 속성에만 의존하지 않습니다. 기원, 캐논, 준 소나타 피치 비율에 따라, 그리고 이 모든 것을 재료로 사용하여 F. m의 새로운 수단의 도움으로 그것을 형성합니다. - 음높이와 음색, 음색과 구조 사이의 연결, 음높이-음색-리듬의 다면적 대칭. 직물, 간격 그룹, 사운드 밀도 등의 분포에서 동시에 선택 사항이 된 성형 방법을 포기합니다. 새로운 F.M. 미학을 전달합니다. 순결, 숭고, 침묵, 성례전의 효과. 광채와 동시에 각 소리의 떨림, 깊은 진심.
음악을 작곡하는 직렬 도데카폰 방식으로 특별한 종류의 다성 구조가 형성됩니다. 연속기법으로 만들어진 F.m.은 각각 다성적(多聲的)인 질감을 가지고 있는지 여부에 관계없이 본질적으로 다성적이거나 최소한 기본 원리에 따른다. 에프엠 (예를 들어, 베베른 교향곡 op. 2의 21번째 부분에 있는 캐논, 열 530-31의 예인 Art. Rakohodnoe 운동 참조; SM Slonimsky의 "Concerta-buff"의 첫 번째 부분에서, 피아노 모음곡, 쇤베르크 op. 1) 또는 준 호모포닉(예: 베베른의 칸타타 "눈의 빛" op. 25의 소나타 형식; K. Karaev의 교향곡 26번 1부; 론도) – 쇤베르크 3중주 마지막 부분의 소나타). Webern의 작업에서 주요. 오래된 폴리포닉의 특징. 에프엠 새로운 측면 추가(음악적 매개변수의 해방, 다성적 구조에 대한 참여, 고음, 주제 반복, 음색의 자율적 상호 작용, 리듬, 음역 관계, 조음, 역동성, 예를 들어 피아노의 3부 변주 참조) op.2, orc.variations op.27), 폴리포닉의 또 다른 수정을 위한 길을 닦았습니다. 에프엠 – 직렬화에서 직렬성을 참조하십시오.
Sonoristic 음악에서는 Sonorism 참조)이 우세하게 사용됩니다. 개별화되고 자유로운 새로운 형식(AG Schnittke, Pianissimo; EV Denisov, 피아노 트리오, 주요 구조 단위가 "한숨"인 첫 번째 부분은 비대칭적으로 다양하며 새로운 비고전적 1부분 형식을 구축하기 위한 재료 역할을 합니다. , A. Vieru, "Eratosthenes의 체", "Clepsydra").
원점의 다성 F. m. 20세기, osn. 동시에 들리는 뮤즈의 대조적인 상호 작용에 대해. 구조(별도 및 동시에 연주할 수 있는 Bartok의 Microcosmos의 145a 및 145b번, 동일한 기능을 가진 D. Millau의 14중주 15 및 2번, 공간적으로 분리된 XNUMX개의 오케스트라를 위한 K. Stockhausen의 그룹). 폴리포닉 선명도를 제한합니다. 직물의 음성(레이어)의 독립성의 원리는 직물의 비유적 표현으로, 일반 소리의 일부를 일시적으로 일시적으로 분리하고 이에 따라 동시에 복수의 조합을 허용합니다. 조합(V. Lutoslavsky, 교향곡 XNUMX번, "오케스트라를 위한 책").
새롭고 개별화된 악기(현대 악기의 신고전주의적 유형과 대조적으로 작품의 "계획"이 작곡의 주제인 경우)가 전자 음악을 지배합니다(예: Denisov의 "Birdsong"). 모바일 F. m. (한 성능에서 다른 성능으로 업데이트됨) 일부 유형의 alea-toric에서 찾을 수 있습니다. 음악(예: 스톡하우젠의 피아노 작품 XI, 불레즈의 피아노 소나타 3번). 에프엠 60-70년대. 혼합 기법이 널리 사용됩니다(RK Shchedrin, 피아노 협주곡 2번 및 3번). 소위. 반복적(또는 반복적) F.m., 그 구조는 다중 반복을 기반으로 합니다. b. 초등 음악 시간. 자료(예를 들어, VI Martynov의 일부 작품에서). 무대 장르의 분야에서 – 해프닝.
VII. 음악 형식에 대한 가르침. F의 교리 엠 뎁으로. 응용 이론 음악학의 한 분야로 18세기에 이 이름으로 생겨났습니다. 그러나 그 역사는 형식과 물질, 형식과 내용의 관계라는 철학적 문제의 발전과 병행하며, 뮤즈 교리의 역사와 일치한다. 작곡, 그리스에서 고대 세계의 시대로 거슬러 올라갑니다. 원자론자(Democritus, 5세기. 기원전. BC) 및 플라톤(그는 "계획", "형태", "유형", "이념", "에이도스", "관점", "이미지"의 개념을 개발했습니다. 참조. 로세프 A. F., 1963, p. 430-46 및 기타; 자신의, 1969, p. 530-52 및 기타). 형태(“eidos”, “morphe”, “logos”)와 물질(형태와 내용의 문제와 관련)에 대한 가장 완전한 고대 철학적 이론은 아리스토텔레스(물질과 형태의 통일성에 대한 관념; 물질과 형태 사이의 관계의 위계질서. 여기서 가장 높은 형태는 신들이다. 정신; 센티미터. 아리스토텔레스, 1976). F의 과학과 유사한 교리. m., 스페셜로 개발 된 melopei의 프레임 워크 내에서 개발되었습니다. 음악 이론가 분야, 아마도 Aristoxenus (하반부. 4인치); 센티미터. Cleonides, Janus S., 1895, p. 206-207; Aristides Quintilian, "De musica libri III"). "멜로피에 대하여" 섹션의 익명의 Bellerman III는 (음악과 함께) 설명합니다. 삽화) “리듬”과 멜로디에 대한 정보. 그림(Najock D., 1972, p. 138-143), Vol. e. 오히려 F의 요소에 대해. m. 약 F보다 엠 삼위일체로서의 음악이라는 고대 개념의 맥락에서 천국은 주로 시와 관련하여 생각되었습니다. 형태, 연의 구조, 절. 단어와의 연결(이 점에서 Ph.D의 자율적인 교리가 부족합니다. 엠 현대적 의미에서) F의 교리의 특징이기도 하다. 엠 중세와 르네상스. 시편, Magnificat, 미사 찬송(참조, 섹션 III) 등 이 시대의 장르 F. 엠 본질적으로 본문과 전례에 의해 미리 결정되었습니다. 특별한 조치가 필요하지 않았습니다. F에 대한 자율 교리. 엠 예술에서. 텍스트가 F의 일부인 세속적 장르. 엠 순수한 뮤즈의 구조를 결정했습니다. 공사도 상황은 비슷했다. 또한 음악 이론에 명시된 모드의 공식. 논문, 특히 소절은 일종의 "모범 멜로디" 역할을 했으며 decomp에서 반복되었습니다. 같은 음색에 속하는 제품. 규칙 다중 목표. 편지("Musica enchiriadis"에서 시작, 끝. 9 c.) 보충 F. 주어진 멜로디로 구현됩니다. m.: 그들은 또한 박사의 교리로 거의 간주될 수 없습니다. 엠 현재 의미에서. 따라서 밀라노 논문 "Ad Organum faciendum"(c. 1100), "musical-technical" 장르에 속합니다. 음악에서 작동합니다. 작곡(오르가늄을 "만드는" 방법), 메인 이후. 정의(organum, copula, diaphony, Organizatores, 목소리의 "친족" – affinitas vocum), 자음 기법, 다섯 가지 "조직화 방법"(modi organizandi), 즉 e. 음악과 함께 오르간 대위법의 "구성"에서 다양한 유형의 자음 사용. 예; 주어진 XNUMX성 구조의 섹션은 이름이 지정됩니다(고대 원칙에 따라: 시작 – 중간 – 끝): 프리마 복스 – 중간 음성 – 궁극적인 음성. 또한 ch에서 수. 15 "마이크로로그"(ca. 1025-26) Guido d'Arecco(1966, s. 196 - 98). F의 교리에 엠 발생한 설명도 가깝습니다. 장르. 논문에서 J. 드 그로헤오(De musica, ca. 1300)는 이미 르네상스 방법론의 영향을 받은 것으로 다른 많은 것에 대한 광범위한 설명을 포함하고 있습니다. 장르와 F. m .: cantus gestualis, cantus Coronatus(또는 지휘자), versicle, rotunda 또는 rotundel(rondel), responsory, stantipa(estampi), 유도, motet, organum, goket, 미사 및 그 부분(Introitus, Kyrie, Gloria 등) . .), 초청장, Venite, 후렴, 찬송. 그들과 함께 박사 구조의 세부 사항에 대한 데이터가 있습니다. 엠 – "포인트"에 대해(섹션 F. m.), 파트 F의 결론 유형. 엠 (arertum, clausuni), F의 부품 수. 엠 Groheo가 "F. m.” 또한 현대 음악과 유사한 의미에서: formaemusicales(Grocheio J. ~의, p. 130; 센티미터. 도 들어갑니다. E의 기사 아리스토텔레스, Grocheio J. ~의, p. 14 - 16). Aristotle(그의 이름이 두 번 이상 언급됨)에 이어 Groheo는 "형태"를 "물질"과 연관시킵니다(p. 120) 및 "물질"은 "고조파"로 간주됩니다. 소리”와 “형태”(여기서 자음의 구조)는 “숫자”(p. 122 러시아어 당. — 그로헤오 Y. 어디, 1966, p. 235, 253). F에 대한 유사한 다소 상세한 설명. 엠 예를 들어 V를 제공합니다. 논문 "De speculatione musice"의 Odington: 고음, 오르가눔, 론델, 지휘, 코풀라, 모테, 고케; 음악에서 그는 XNUMX성 및 XNUMX성 악보의 예를 제시합니다. 대위법의 가르침에서 대위법의 기술과 함께. 저작물(예: Y. 틴토리사, 1477; N. 비센티노, 1555년; 제이. Tsarlino, 1558) 일부 다성음 이론의 요소를 설명합니다. 양식, 예. canon(원래는 목소리를 교환하는 기술에서 – rondelle과 Odington, “rotunda 또는 rotundel”과 Groheo), 14세기부터. Liege의 Jacob이 언급한 "푸가"라는 이름으로; Ramos de Pareja도 설명했습니다. 센티미터. 파레카, 1966, p. 346-47; Tsarlino 근처, 1558, 같은 책, p. 476 - 80). 이론적으로 푸가 형식의 발전은 주로 17-18세기에 이루어집니다. (특히 J. M. 보논치니, 1673; 그리고. G. 월터, 1708; 그리고. 과. 푹사, 1725; 그리고. A. 샤이베(oc. 1730), 1961; 나. 매터슨, 1739년; 에프. 에. 마르푸르가, 1753-54; 나. F. 키른베르거, 1771-79; 그리고. G.
F. m의 이론에. 16-18세기. 수사학의 교리에 기초한 각 부분의 기능에 대한 이해가 주목할만한 영향을 미쳤다. 고대 후기와 중세 직전에 그리스 박사(기원전 5세기)에서 시작된 수사학은 “1963가지 교양”(septem artes Liberales)의 일부가 되었으며, 여기서 “과학의 과학”과 접하게 되었습니다. 음악"("... 수사학은 표현 언어 요소로서의 음악과 관련하여 매우 영향력이 있을 수 밖에 없었습니다. "- Asafiev BV, 31, p. 1592). 수사학의 부서 중 하나인 Dispositio("배열", 즉, 구성 계획 op.)는 F. m.의 교리에 해당하는 범주로 정의를 나타냅니다. 부품의 구조적 기능(섹션 V 참조). 뮤즈의 아이디어와 구조에. cit. 및 기타 음악 부서도 F. m에 속합니다. 수사학 – Inventio(음악적 사고의 "발명"), Decoratio(음악 수사학적 인물의 도움으로 "장식"). (음악 수사학, 참조: Calvisius S., 1599; Burmeister J., 1612; Lippius J., 1650; Kircher A., 1926; Bernhard Chr., 1701; Janowka Th. B., 1955; Walther JG, 1739 ; Mattheson J., 1975; Zakharova O., 1739.) 음악의 관점에서. 수사학(부분의 기능, 배치) Mattheson은 정확하게 F. m을 분석합니다. B. Marcello의 아리아에서 (Mattheson J., 1968); 음악적으로. 수사학에서 소나타 형식이 처음 설명되었습니다(Ritzel F., XNUMX 참조). 헤겔은 물질, 형식 및 내용의 개념을 구별하여 후자의 개념을 광범위한 철학적, 과학적 사용에 도입하고 (그러나 객관적 관념론적 방법론에 기초하여) 깊은 변증법을 부여했습니다. 설명은 그것을 예술, 음악의 교리("미학")의 중요한 범주로 만들었습니다.
F.m.의 새로운 과학, 그 자체. F. m.의 교리에 대한 의미는 18-19세기에 개발되었습니다. 18세기의 여러 작품에서. 박자의 문제("박자의 교리"), 동기 발달, 뮤즈의 확장 및 분열에 대해 조사합니다. 구성, 문장 구조 및 마침표, 가장 중요한 동음이의어 인스트루먼트의 일부 구조. F. m., 설립된 담당자 개념 및 용어(Mattheson J., 1739; Scheibe JA, 1739; Riepel J., 1752; Kirnberger J. Ph., 1771-79; Koch H. Ch., 1782-93; Albrechtsberger JG, 1790). 콘. 18 – 구걸. 19세기 동음이의어 F. m의 일반 체계. F. m에 대한 개요 및 통합 작업. 그들의 일반 이론과 구조적 특징, 음조 조화를 자세히 다룹니다. 구조(19세기의 가르침에서 – Weber G., 1817-21; Reicha A., 1818, 1824-26; Logier JB, 1827). 고전적인 AB Marx는 F. m.의 통합된 교리를 제시했습니다. 그의 "음악에 대한 가르침. 작곡”(Marx AV, 1837-47)은 작곡가가 음악 작곡 기술을 마스터하는 데 필요한 모든 것을 다룹니다. 에프엠 맑스는 "내용의 표현 … 맑스의 동음이의어 F. m. 음악의 "기본 형식"에서 비롯됩니다. 사상(동작, 문장, 마침표)은 F. m.
호모포닉 F. m의 주요 유형: 노래, 론도, 소나타 형식. 맑스는 론도의 다섯 가지 형식을 분류했습니다(이들은 19세기 – 20세기 초 러시아 음악학과 교육 실습에서 채택되었습니다).
(론도 형식의 예: 1. 베토벤, 22번 피아노 소나타, 1부; 2. 베토벤, 1번 피아노 소나타, 아다지오; 3. 모차르트, 론도 아몰; 4. 베토벤, 2-5번 피아노 소나타, 피날레 1. 베토벤 , 피아노 소나타 1번, 피날레.) 고전의 구성에서. 에프엠 맑스는 모든 음악에서 2분할의 "자연" 법칙의 작용을 주요 법칙으로 보았다. 디자인: 3) 주제. 노출(ust, tonic); 1900) 움직이는 부분(모션, 감마) 변조; 6) 반복 (휴식, 강장제). F.m으로 표현되는 "내용의 의미", "아이디어"의 진정한 예술의 중요성을 인식한 Riemann. (Riemann H., (1901), S. 1342), 후자는 또한 “작품의 일부를 한 조각으로 모으는 수단으로 해석됩니다. 그 결과 "일반적인 미학. 원리”를 그는 “특수 음악의 법칙. 건설”(G. Riemann, “음악 사전”, M. – 라이프치히, 1343, p. 1907-84). 리만은 뮤즈들의 상호작용을 보여주었다. F. m의 형성 요소 (예: "피아노 연주 교리서", M., 85, pp. 1897-1902). Riemann(참조 Riemann H., 1903, 1918-19, 1892-1898; Riemann G., 1806, 1853), 소위 말하는 것에 의존합니다. iambic 원리(cf. Momigny JJ, XNUMX 및 Hauptmann M., XNUMX)는 고전의 새로운 교리를 만들었습니다. 메트릭, 각 주기에 특정 메트릭이 있는 정사각형 XNUMX개 주기. 남들과 다른 가치:
(가벼운 홀수 측정의 값은 그들이 이끄는 무거운 측정에 따라 다릅니다). 그러나 미터법적으로 안정적인 부분의 구조적 패턴을 불안정한 부분(이동, 전개)으로 고르게 퍼뜨리기 때문에 Riemann은 고전의 구조적 대조를 고려하지 않았습니다. 에프엠 G. Schenker는 고전의 형성을 위한 음조, 강장제의 중요성을 깊이 입증했습니다. F. m.은 기본 음조 핵심에서 통합 음악의 "계층"으로 올라가는 F. m.의 구조적 수준 이론을 만들었습니다. 작곡 (Schenker H., 1935). 그는 또한 기념비적인 전체론적 분석 경험을 소유하고 있습니다. 작품(Schenker H., 1912). 고전을 위한 조화의 조형적 가치의 문제의 심화 발전. fm은 A. Schoenberg에게 제공했습니다(Schönberg A., 1954). 20 세기 음악의 새로운 기술 개발과 관련하여. P. m에 대한 교리가 있었습니다. 그리고 뮤즈. 도데카포니(Krenek E., 1940; Jelinek H., 1952-58 등), 양식 및 새로운 리듬에 기반한 작곡 구조. 기술(Messiaen O., 1944; 또한 일부 중세 시대의 재개에 대해 말하고 있습니다. F. m. – 할렐루야, Kyrie, 시퀀스 등), 전자 작곡(참조 "Die Reihe", I, 1955) , new P . 중. (예를 들어, Stockhausen 이론에서 소위 열린 통계적 모멘트 P. m. – Stockhausen K., 1963-1978; 또한 Boehmer K., 1967). (Kohoutek Ts., 1976 참조.)
러시아에서는 F. 엠 N.의 "Music Grammar"에서 유래했습니다. 가장 중요한 F에 대한 설명을 제공하는 AP Diletsky(1679-81). 엠 그 시대의 다각형 기술. 문자, 부분의 기능 F. 엠 ("모든 협주곡에는" "시작, 중간, 끝"이 있어야 합니다. – Diletsky, 1910, p. 167), 구성 요소 및 요소("padyzhi", vol. e. 카덴차; "상승" 및 "하강"; "이중 규칙"(즉. e. org point), "countercurrent"(대위점; 그러나 점선 리듬을 의미함) 등). F의 해석에서 엠 Diletsky는 뮤즈 범주의 영향을 느낍니다. 수사학 (해당 용어는 "처분", "발명", "엑소디움", "증폭"으로 사용됨). F의 교리 엠 최신 의미로 2층에 있습니다. 19 – 구걸. 20 cc I.의 "음악 작곡에 대한 완전한 안내서"의 세 번째 부분. Gunke(1863) – “On the Forms of Musical Works” – 많은 응용 F. 엠 (푸가, 론도, 소나타, 협주곡, 교향시, 에튀드, 세레나데, ed. 춤 등), 예시적인 구성 분석, 일부 "복잡한 형식"에 대한 자세한 설명(예: 소나타 형식). 2부에서는 폴리포닉이 나옵니다. 기술, 설명 osn. 다성음. F. 엠 (푸가, 캐논). 실용적인 구성으로. 위치에서 짧은 "기악 및 성악 형식 연구에 대한 안내서"는 A. C. 아렌스키(1893-94). F의 구조에 대한 깊은 생각. m., 고조파와의 관계. 체계와 역사적 운명은 S. 과. 타네예프(1909, 1927, 1952). F의 시간 구조의 원래 개념. 엠 만든 G. E. 원뿔(기저. 작품 – "음악 유기체의 발생학 및 형태학", 원고, 음악 문화 박물관. M. 과. 글린카; 센티미터. 역시 코너스 G. E., 1932, 1933, 1935). F. 교리의 여러 개념과 용어. 엠 B가 만든 L. Yavorsky (사전 테스트, 3/XNUMX 분기 변경, 결과 비교). V의 작품에서 M. Belyaev "대위법의 교리와 음악 형식의 교리에 대한 간략한 설명"(1915)은 F의 후속 개념에 영향을 미쳤습니다. 엠 올빼미 음악학에서는 론도 형식에 대한 새로운(단순화된) 이해가 제공됩니다(Ch. 주제 및 에피소드 수), "노래 형식"의 개념이 제거되었습니다. B. 에. 책에서 Asafiev. "과정으로서의 음악적 형식"(1930-47)은 F. 엠 역사와 관련된 억양 과정의 발전. 사회적 결정 요인으로서의 음악 존재의 진화. 현상(F. 엠 억양에 무관심한 것처럼. 재료 속성 계획은 "형식과 내용의 이원론을 부조리의 지점으로 가져왔다" - Asafiev B. V., 1963, p. 60). 음악의 내재적 속성(incl. 그리고 F. m.) – 사회 구조에 의해 구현이 결정되는 가능성 (p. 95). 고대(여전히 피타고라스 학파; 참조. 보브로프스키 V. P., 1978, p. 21-22) 시작, 중간 및 끝의 통일체로서의 삼인조의 아이디어, Asafiev는 모든 F의 형성 과정에 대한 일반화된 이론을 제안했습니다. m., 간결한 공식 initium – motus – terminus로 발달 단계를 표현합니다(참조. 섹션 V). 연구의 주요 초점은 음악의 변증법에 대한 전제 조건을 결정하는 것입니다. 형성, 내부 교리의 발전. 역학 F. 엠 ("빙. 과정으로서의 형태”), 이는 “침묵” 형태-계획에 반대합니다. 따라서 Asafiev는 F. 엠 “양면” – 형태-과정과 형태-구성(p. 23); 그는 또한 F의 형성에서 가장 일반적인 두 가지 요소의 중요성을 강조합니다. 엠 – 모든 F를 분류하는 정체성과 대조 엠 어느 한쪽의 우위에 따라(Vol. 1, 섹션 3). 구조 F. Asafiev에 따르면 m.은 청취자 인식의 심리학에 초점을 맞추는 것과 관련이 있습니다(Asafiev B. V., 1945). 기사에서 V. A. 오페라에 관한 주커맨 N. A. Rimsky-Korsakov "Sadko"(1933) 음악. 찌르다. 처음으로 "전체론적 분석" 방법으로 고려되었습니다. 주요 클래식 설정과 일치합니다. 메트릭 이론은 F에 의해 해석됩니다. 엠 지에서 L. 카투아라(1934-36); 그는 "두 번째 종류의 troche"(미터법 형식 ch. 1부 8부 fp. 베토벤의 소나타). 과학적 Taneyev의 방법에 따라 S. C. Bogatyrev는 이중 정경(1947)과 가역 대위법(1960) 이론을 개발했습니다. 과. 에. Sposobin(1947)은 F. m., 형성에서 조화의 역할을 탐구했습니다. A. 에게. Butskoy(1948)는 F. m., 내용과 표현의 비율의 관점에서. 전통을 하나로 모으는 음악의 수단. 이론가. 음악학과 미학(p. 3-18), 음악분석의 문제에 연구자의 관심을 집중시켰다. 작품(p. 5). 특히, Butskoy는 이 표현의 의미에 대한 질문을 제기합니다. 의미의 가변성으로 인한 음악 수단(예: 증가. 트라이어드, p. 91-99); 그의 분석에서는 발현을 결합하는 방법이 사용됩니다. 효과(내용)를 표현하는 수단의 복합체(p. 132-33 및 기타). (비교: Ryzhkin I. Ya., 1955.) Butsky의 책은 이론을 만드는 경험입니다. "음악 분석의 기초. 작품” – 전통을 대체하는 과학 및 교육 분야. F의 과학 엠 (보브로프스키 V. P., 1978, p. 6) 그러나 매우 가깝습니다(그림 참조). 음악 분석). 레닌그라드 작가의 교과서에서 ed. 유 N. Tyulin(1965, 1974)은 "포함"(단순한 XNUMX부 형식), "다부 후렴 형식", "서론 부분"(소나타 형식의 측면 부분) 및 고급 형식의 개념을 도입했습니다. 론도의 종류를 더 자세히 분류했습니다. L의 작품에서 A. 마젤과 V. A. Zuckerman(1967)은 F. 엠 (대부분 – 음악의 재료) 내용과 일치(p. 7), 뮤지컬 표현. 자금(이를 포함하여 토호리는 F에 대한 가르침에서 거의 고려되지 않습니다. m., – 역학, 음색) 및 청취자에게 미치는 영향(참조. 참조: Zuckerman W. A., 1970), 전체론적 분석 방법이 자세히 설명되어 있습니다(p. 38-40, 641-56; 추가 – 분석 샘플), Zuckerman, Mazel 및 Ryzhkin이 30년대에 개발했습니다. Mazel(1978)은 음악학과 뮤즈의 융합 경험을 요약했다. 음악 분석의 실천에서의 미학. 작동합니다. V의 작품에서 에. Protopopov는 대조 합성 형태의 개념을 도입했습니다(참조. 그의 작품 "Contrasting Composite Forms", 1962; Stoyanov P., 1974), 변형 가능성. 형식(1957, 1959, 1960 등), 특히 “제XNUMX안의 형식”이라는 용어가 도입된 다성음의 역사. 17-20세기의 문자와 다성음 형식. (1962, 1965), 용어 "대다성 형식". Bobrovsky(1970, 1978)는 F. 엠 기능적(여기서 기능은 "연결의 일반 원칙") 및 구조적(구조는 "일반 원칙을 구현하는 특정 방법", 1978, p . 13). 일반적인 발달의 세 가지 기능에 대한 (Asafiev의) 아이디어는 "충동"(i), "움직임"(m) 및 "완료"(t) (p. 21). 함수는 일반 논리, 일반 구성 및 구체적으로 구성(p. 25 - 31). 저자의 원래 아이디어는 각각 기능(영구 및 이동)의 조합인 "구성. 편차", "구성. 변조" 및 "구성.
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유. H. 콜로포프
