क्लाउड डेबसी |
कम्पोजरहरू

क्लाउड डेबसी |

क्लाउड डिबसि

जन्म मिति
22.08.1862
मृत्युको मिति
25.03.1918
पेशामा
संगीतकार
देश
फ्रान्स

म नयाँ वास्तविकताहरू खोज्न खोज्दै छु ... मूर्खहरूले यसलाई प्रभाववाद भन्छन्। C. Debussy

क्लाउड डेबसी |

फ्रान्सेली संगीतकार C. Debussy लाई अक्सर XNUMX औं शताब्दीको संगीतको पिता भनिन्छ। हरेक आवाज, तार, स्वरलाई नयाँ ढंगले सुन्न सकिन्छ, स्वतन्त्र, बहुरंगी जीवन बिताउन सकिन्छ, मौनतामा यसको एकदमै स्वर, क्रमशः रहस्यमय विलयको आनन्द लिइन्छ भन्ने कुरा उनले देखाए । धेरैले डेबसीलाई चित्रात्मक प्रभाववादसँग सम्बन्धित बनाउँदछ: मायावी, तरल-चल्ने क्षणहरूको आत्म-पर्याप्त चमक, परिदृश्यको लागि प्रेम, ठाउँको हावायुक्त थरथर। यो कुनै संयोग छैन कि Debussy संगीत मा प्रभाववाद को मुख्य प्रतिनिधि मानिन्छ। यद्यपि, उहाँ प्रभाववादी कलाकारहरू भन्दा अगाडी हुनुहुन्छ, उहाँ परम्परागत रूपहरूबाट गएको छ, उहाँको संगीत सी. मोनेट, ओ. रेनोइर वा सी. पिसारोको चित्रकला भन्दा धेरै गहिरो हाम्रो शताब्दीमा निर्देशित छ।

डेबसीले संगीत यसको प्राकृतिकता, अनन्त परिवर्तनशीलता र रूपहरूको विविधतामा प्रकृति जस्तै हो भन्ने विश्वास गरे: "संगीत भनेको प्रकृतिको सबैभन्दा नजिकको कला हो ... केवल संगीतकारहरूले रात र दिन, पृथ्वी र आकाशका सबै कविताहरू खिच्ने, पुन: सिर्जना गर्ने फाइदाहरू छन्। तिनीहरूको वातावरण र लयबद्ध रूपमा तिनीहरूको विशाल स्पंदन व्यक्त गर्दछ। प्रकृति र संगीत दुवै Debussy द्वारा एक रहस्यको रूपमा महसुस गरिन्छ, र सबै भन्दा माथि, जन्मको रहस्य, मौकाको एक मनमोहक खेलको एक अप्रत्याशित, अद्वितीय डिजाइन। तसर्थ, कलात्मक रचनात्मकताको सम्बन्धमा सबै प्रकारका सैद्धान्तिक क्लिचहरू र लेबलहरूप्रति संगीतकारको शंकास्पद र व्यंग्यात्मक दृष्टिकोण, अनैच्छिक रूपमा कलाको जीवित वास्तविकतालाई योजनाबद्ध गर्ने, बुझ्न सकिन्छ।

डेबसीले 9 वर्षको उमेरमा संगीत अध्ययन गर्न थाले र पहिले नै 1872 मा पेरिस कन्जर्भेटरीको जुनियर विभागमा प्रवेश गरे। पहिले नै संरक्षक वर्षहरूमा, उनको सोचको अपरंपरागतता प्रकट भयो, जसले सद्भाव शिक्षकहरूसँग झगडा गर्यो। अर्कोतर्फ, नौसिखिया संगीतकारले E. Guiraud (रचना) र A. Mapmontel (पियानो) को कक्षाहरूमा साँचो सन्तुष्टि प्राप्त गरे।

1881 मा, डेबसी, एक घर पियानोवादक को रूप मा, रूसी परोपकारी N. भोन मेक (पी. चाइकोव्स्की को एक महान मित्र) को साथ युरोप को यात्रा मा, र त्यसपछि, उनको निमन्त्रणा मा, रूस को दुई पटक (1881, 1882) भ्रमण गरे। यसरी रूसी संगीतको साथ डेबसीको परिचितता सुरु भयो, जसले उनको आफ्नै शैलीको गठनलाई धेरै प्रभाव पार्यो। "रूसीहरूले हामीलाई बेतुका बाधाबाट मुक्त गर्न नयाँ प्रेरणा दिनेछन्। तिनीहरूले ... क्षेत्रहरूको विस्तारलाई हेरेर एउटा झ्याल खोले। डेबस्सी टिम्ब्रेसको चमक र सूक्ष्म चित्रण, एन. रिम्स्की-कोर्साकोभको संगीतको सुरम्यता, ए बोरोडिनको हर्मोनिजको ताजापनले मोहित भए। उनले एम. मुसोर्गस्कीलाई आफ्नो मनपर्ने संगीतकार भने: "कसैले पनि हामीसँग भएको उत्कृष्टलाई धेरै कोमलता र गहिराइसँग सम्बोधन गरेन। उहाँ अद्वितीय हुनुहुन्छ र अनौठो रहिरहने छ उहाँको कलाको लागि सुदूर प्रविधिहरू बिना, बिना नियमहरू बिना। रूसी आविष्कारकको स्वर-भाषण स्वरको लचिलोपन, पूर्व-स्थापित, "प्रशासनिक" बाट स्वतन्त्रता, डेबसीको शब्दमा, फारमहरू फ्रान्सेली संगीतकारद्वारा आफ्नै तरिकामा लागू गरिएको थियो, उनको संगीतको अभिन्न विशेषता बन्यो। "बोरिसको कुरा सुन्नुहोस्। यसमा सम्पूर्ण पेलेस छ," डेबसीले एक पटक आफ्नो ओपेराको संगीत भाषाको उत्पत्तिको बारेमा भने।

1884 मा कन्जर्वेटरीबाट स्नातक गरेपछि, डेबसीले रोमको ग्रान्ड प्राइजको लागि प्रतियोगिताहरूमा भाग लिन्छ, जसले रोममा चार वर्षको सुधारको अधिकार दिन्छ, विला मेडिसीमा। इटालीमा बिताएका वर्षहरूमा (1885-87), डेबसीले पुनर्जागरण (G. Palestrina, O. Lasso) को कोरल संगीतको अध्ययन गरे, र टाढाको विगत (साथै रूसी संगीतको मौलिकता) ले नयाँ स्ट्रिम ल्यायो, अपडेट गरियो। उसको हार्मोनिक सोच। रिपोर्टको लागि पेरिसमा पठाइएका सिम्फोनिक कार्यहरू ("जुलेमा", "वसन्त") रूढिवादी "संगीत गन्तव्यका मालिकहरू" लाई खुशी भएन।

पेरिसमा निर्धारित समय भन्दा अगाडी फर्केर, डेबसी एस मल्लार्मेको नेतृत्वमा प्रतीकवादी कविहरूको सर्कलको नजिक पुग्छ। प्रतीकात्मक कविताको सांगीतिकता, आत्माको जीवन र प्राकृतिक संसार बीचको रहस्यमय जडानहरूको खोजी, तिनीहरूको आपसी विघटन - यी सबैले डेबसीलाई धेरै आकर्षित गर्यो र ठूलो मात्रामा उनको सौन्दर्यशास्त्रलाई आकार दियो। यो कुनै संयोग होइन कि संगीतकारको प्रारम्भिक कार्यहरू मध्ये सबैभन्दा मौलिक र उत्तम पी. वर्डुन, पी. बोर्जेट, पी. लुइस र सी. बाउडेलेयरका शब्दहरूमा रोमान्स थिए। तिनीहरूमध्ये केही ("अद्भुत साँझ", "मन्डोलिन") कन्जर्वेटरीमा अध्ययनको वर्षहरूमा लेखिएका थिए। प्रतीकवादी कविताले पहिलो परिपक्व आर्केस्ट्रा कार्यलाई प्रेरित गर्‍यो - प्रस्तावना "फानको दिउँसो" (1894)। Mallarmé को eclogue को यो सांगीतिक चित्रण मा, Debussy को अनौठो, सूक्ष्म रूप देखि nuanced आर्केस्ट्रा शैली को विकास।

प्रतीकवादको प्रभाव डेबसीको मात्र ओपेरा पेलेस एट मेलिसान्डे (१८९२-१९०२) मा पूर्ण रूपमा महसुस भएको थियो, जसलाई एम. मेटरलिंकको नाटकको गद्य पाठमा लेखिएको थियो। यो एक प्रेम कथा हो, जहाँ, संगीतकारका अनुसार, पात्रहरूले "विवाद गर्दैनन्, तर आफ्नो जीवन र भाग्यलाई सहन्छ।" डेबसी यहाँ जस्तै, रचनात्मक रूपमा आर वाग्नर, ट्रिस्टन र आइसोल्डका लेखकसँग तर्क गर्छन्, उनी आफ्नै ट्रिस्टान पनि लेख्न चाहन्थे, यद्यपि उनको युवावस्थामा उनी वाग्नरको ओपेरालाई असाध्यै मन पराउँथे र यसलाई हृदयबाट थाहा थियो। Wagnerian संगीतको खुला जुनूनको सट्टा, यहाँ एक परिष्कृत ध्वनि खेलको अभिव्यक्ति हो, संकेत र प्रतीकहरूले भरिएको। "संगीत अव्यक्तको लागि अवस्थित छ; म चाहान्छु कि उसलाई गोधूलीबाट बाहिर निस्कियोस्, जस्तो थियो, र केही क्षणमा गोधूलिमा फर्कियोस्; ताकि उनी सधैं नम्र रहोस्, ”डेबसीले लेखे।

पियानो संगीत बिना Debussy को कल्पना गर्न असम्भव छ। संगीतकार आफै एक प्रतिभाशाली पियानोवादक (साथै एक कन्डक्टर) थियो; फ्रान्सेली पियानोवादक एम. लङले सम्झना गरे, "उनी लगभग सधैं सेमीटोनमा बजाउँछन्, कुनै तीखोपन बिना, तर चोपिनले जस्तै पूर्णता र ध्वनिको घनत्व संग। यो चोपिनको हावापानीबाट थियो, पियानो कपडाको आवाजको स्थानियता जुन डेबसीले आफ्नो रंगीन खोजहरूमा भगाए। तर त्यहाँ अर्को स्रोत थियो। Debussy को संगीतको भावनात्मक स्वरको संयम, समानताले अप्रत्याशित रूपमा यसलाई पुरातन पूर्व-रोमान्टिक संगीतको नजिक ल्यायो - विशेष गरी रोकोको युगका फ्रान्सेली हार्पसिकोर्डिस्टहरू (F. Couperin, JF Rameau)। "सुइट बर्गामास्को" र पियानोको लागि सुइट (प्रेल्युड, मिनुएट, पासपियर, साराबन्दे, टोकाटा) का पुरातन विधाहरूले नियोक्लासिकवादको विचित्र, "प्रभाववादी" संस्करण प्रतिनिधित्व गर्दछ। Debussy कुनै पनि शैलीको सहारा गर्दैन, तर प्रारम्भिक संगीतको आफ्नै छवि सिर्जना गर्दछ, बरु यसको "पोर्ट्रेट" भन्दा यसको छाप।

कम्पोजरको मनपर्ने विधा कार्यक्रम सुइट (अर्केस्ट्रा र पियानो) हो, विविध चित्रहरूको श्रृंखला जस्तै, जहाँ स्थिर परिदृश्यहरू द्रुत गतिमा, प्राय: नृत्य लयहरूद्वारा सेट गरिन्छ। त्यस्ता आर्केस्ट्रा "नोक्टर्न" (1899), "द सी" (1905) र "इमेजेज" (1912) को लागि सुइटहरू छन्। पियानोको लागि, "प्रिन्टहरू", "छविहरू", "बालको कुना" को 2 नोटबुकहरू, जुन डेबसीले आफ्नी छोरीलाई समर्पित गरेका छन्। प्रिन्टहरूमा, संगीतकारले पहिलो पटक विभिन्न संस्कृति र मानिसहरूको सांगीतिक संसारमा प्रयोग गर्ने प्रयास गर्दछ: पूर्वको ध्वनि छवि ("प्यागोडा"), स्पेन ("ग्रेनाडामा साँझ") र आन्दोलनले भरिएको परिदृश्य, फ्रेन्च लोक गीतको साथ प्रकाश र छायाँको खेल ("वर्षामा बगैंचा")।

प्रस्तावनाको दुई नोटबुकमा (1910, 1913) संगीतकारको सम्पूर्ण लाक्षणिक संसार प्रकट भएको थियो। The Girl with the Flaxen Hair र The Heather को पारदर्शी वाटर कलर टोनहरू The Terrace Haunted by Moonlight मा साउन्ड प्यालेटको समृद्धिले विपरित छन्, प्रिल्युड Aromas and Sounds in the Evening Air मा। पुरातन किंवदंती सनकन क्याथेड्रलको महाकाव्य ध्वनिमा जीवनमा आउँछ (यही हो जहाँ मुसोर्गस्की र बोरोडिनको प्रभाव विशेष गरी उच्चारण गरिएको थियो!) र "डेल्फियन नर्तकहरू" मा संगीतकारले मन्दिरको गम्भीरता र मूर्तिपूजक कामुकताको साथ अनुष्ठानको एक अद्वितीय प्राचीन संयोजन फेला पार्छ। संगीत अवतार को लागी मोडेल को छनोट मा, Debussy पूर्ण स्वतन्त्रता प्राप्त गर्दछ। उही सूक्ष्मताको साथ, उदाहरणका लागि, उसले स्पेनिश संगीतको संसार (द अल्हम्ब्रा गेट, द इन्टरप्टेड सेरेनेड) भित्र छिर्छ र अमेरिकी मिन्स्ट्रेल थिएटर (जनरल लभिन द एक्सेन्ट्रिक, द मिन्स्ट्रेल्स) को आत्मा (केक वाकको लय प्रयोग गरेर) पुन: सिर्जना गर्दछ। )।

प्रस्तावनामा, Debussy ले आफ्नो सम्पूर्ण सांगीतिक संसारलाई संक्षिप्त, केन्द्रित रूपमा प्रस्तुत गर्दछ, यसलाई सामान्यीकरण गर्छ र धेरै सन्दर्भमा यसलाई अलविदा भन्छ - दृश्य-संगीत पत्राचारको आफ्नो पुरानो प्रणालीको साथ। र त्यसपछि, उनको जीवनको अन्तिम 5 वर्षमा, उनको संगीत, अझ जटिल बन्दै गएको छ, विधाको क्षितिज विस्तार गर्दछ, केहि प्रकारको नर्भस, मनमोहक विडंबना यसमा महसुस गर्न थाल्छ। स्टेज विधाहरूमा रुचि बढ्दै। यी ब्यालेहरू ("कम्मा", "खेलहरू", 1912 मा वी. निजिन्स्की र एस. डायघिलेभको समूहले मञ्चन गरेका थिए, र बच्चाहरूको लागि कठपुतली ब्याले "टोय बक्स", 1913), इटालियन भविष्यवादी जी को रहस्यको लागि संगीत। d'Annunzio "सेन्ट सेबास्टियनको शहीद" (1911)। ब्यालेरिना इडा रुबिन्स्टाइन, कोरियोग्राफर एम. फोकिन, कलाकार एल बाकस्टले रहस्यको निर्माणमा भाग लिए। पेलेसको सिर्जना पछि, डेबसीले बारम्बार नयाँ ओपेरा सुरु गर्ने प्रयास गरे: उनी ई. पो (डेभिल इन द बेल टावर, द फल अफ द हाउस अफ एशर) को कथाहरू द्वारा आकर्षित भए, तर यी योजनाहरू साकार भएनन्। संगीतकारले च्याम्बर ensembles को लागी 6 सोनाटाहरू लेख्ने योजना बनायो, तर 3 सिर्जना गर्न सफल भयो: सेलो र पियानो (1915), बाँसुरी, भियोला र वीणा (1915) र भायोलिन र पियानो (1917) को लागि। एफ चोपिनका कार्यहरू सम्पादन गर्दा डेबसीलाई ट्वेलभ एट्युड्स (१९१५) लेख्न प्रेरित गरियो, जुन महान् संगीतकारको सम्झनामा समर्पित थियो। डेबसीले आफ्नो अन्तिम कामहरू सिर्जना गरे जब उहाँ पहिले नै गम्भीर बिरामी हुनुहुन्थ्यो: 1915 मा उहाँले शल्यक्रिया गर्नुभयो, त्यसपछि उहाँ दुई वर्ष भन्दा बढी बाँचे।

डेबसीका केही रचनाहरूमा, प्रथम विश्वयुद्धका घटनाहरू प्रतिबिम्बित थिए: "वीर लुलाबी" मा, गीत "घरविहीन बच्चाहरूको जन्म" मा, अधूरो "ओड टु फ्रान्स" मा। केवल शीर्षकहरूको सूचीले संकेत गर्दछ कि हालका वर्षहरूमा नाटकीय विषयवस्तु र छविहरूमा बढ्दो चासो भएको छ। अर्कोतर्फ, संसारको संगीतकारको दृष्टिकोण थप विडंबनापूर्ण हुन्छ। हास्य र विडंबना सधैं बन्द छ र, जस्तै यो थियो, Debussy को स्वभाव कोमलता को पूरक, छापहरु को लागी उनको खुलापन। तिनीहरूले आफूलाई संगीतमा मात्र होइन, तर संगीतकारहरू, पत्रहरूमा र आलोचनात्मक लेखहरूमा पनि राम्रो उद्देश्यका साथ बयानहरूमा प्रकट गरे। 14 वर्षको लागि Debussy एक पेशेवर संगीत आलोचक थियो; यस कामको नतिजा पुस्तक थियो "श्री। Krosh - Antidilettante" (1914)।

युद्धपछिका वर्षहरूमा, डेबस्सी, I. Stravinsky, S. Prokofiev, P. Hindemith जस्ता रोमान्टिक सौन्दर्यशास्त्रका निर्दयी विनाशकहरूसँग, धेरैले हिजो प्रभाववादीको प्रतिनिधिको रूपमा बुझेका थिए। तर पछि, र विशेष गरी हाम्रो समयमा, फ्रान्सेली आविष्कारकको ठूलो महत्त्व स्पष्ट हुन थाल्यो, जसले Stravinsky, B. Bartok, O. Messiaen मा प्रत्यक्ष प्रभाव पारेको थियो, जसले सोनोर प्रविधिको प्रत्याशित गर्यो र सामान्यतया, नयाँ अर्थ। सांगीतिक स्थान र समय को - र यो नयाँ आयाम मा जोड दिए मानवता कलाको सारको रूपमा।

के जेनकिन


जीवन र रचनात्मक मार्ग

बाल्यकाल र अध्ययन को वर्ष। Claude Achille Debussy को जन्म 22 अगस्त 1862 मा सेन्ट-जर्मेन, पेरिस मा भएको थियो। उनका आमाबाबु - क्षुद्र बुर्जुवा - संगीत मन पराउथे, तर वास्तविक व्यावसायिक कलाबाट टाढा थिए। प्रारम्भिक बाल्यकालको अनियमित संगीत छापले भविष्यका संगीतकारको कलात्मक विकासमा थोरै योगदान पुर्‍यायो। यी मध्ये सबैभन्दा उल्लेखनीय ओपेरामा दुर्लभ भ्रमणहरू थिए। केवल नौ वर्षको उमेरमा डेबसीले पियानो बजाउन सिक्न थाले। क्लाउडको असाधारण क्षमताहरू पहिचान गर्ने उनीहरूको परिवारको नजिकको पियानोवादकको आग्रहमा, उनका आमाबाबुले उनलाई 1873 मा पेरिस कन्जर्वेटरीमा पठाए। 70 औं शताब्दीको 80s र XNUMXs मा, यो शैक्षिक संस्था युवा संगीतकारहरूलाई सिकाउने सबैभन्दा रूढिवादी र नियमित विधिहरूको गढ थियो। पेरिस कम्युनका संगीत कमिसर साल्भाडोर डेनियल पछि, जसलाई यसको पराजयका दिनहरूमा गोली हानिएको थियो, कन्जर्भेटरीका निर्देशक संगीतकार एम्ब्रोइस थोमस थिए, जो संगीत शिक्षाको मामिलामा धेरै सीमित थिए।

कन्जर्भेटरीका शिक्षकहरूमा पनि उत्कृष्ट संगीतकारहरू थिए - एस फ्रैंक, एल डेलिब्स, ई गिरो। आफ्नो क्षमताको सबै भन्दा राम्रो गर्न, तिनीहरूले पेरिसको संगीत जीवनमा हरेक नयाँ घटनालाई समर्थन गरे, प्रत्येक मौलिक प्रदर्शन र रचना प्रतिभा।

पहिलो वर्षको लगनशील अध्ययनले Debussy वार्षिक solfeggio पुरस्कार ल्यायो। सोलफेगियो र संगत कक्षाहरूमा (सद्भावमा पियानोको लागि व्यावहारिक अभ्यास), पहिलो पटक, नयाँ हार्मोनिक मोडहरूमा उनको रुचि, विभिन्न र जटिल लयहरू प्रकट भयो। हर्मोनिक भाषाका रंगीन र रंगीन सम्भावनाहरू उनको अगाडि खुल्छन्।

Debussy को पियानोवादक प्रतिभा अत्यन्तै छिटो विकसित भयो। पहिले नै आफ्नो विद्यार्थी वर्षहरूमा, उनको खेल यसको भित्री सामग्री, भावनात्मकता, सूक्ष्मता को सूक्ष्मता, दुर्लभ विविधता र ध्वनि प्यालेट को समृद्धि द्वारा प्रतिष्ठित थियो। तर उनको प्रदर्शन शैलीको मौलिकता, फैशनेबल बाह्य सद्गुण र प्रतिभाबाट रहित, कन्जर्भेटरीका शिक्षकहरू वा डेबसीका साथीहरू बीचमा उचित मान्यता पाउन सकेन। पहिलो पटक, उनको पियानोवादी प्रतिभा मात्र 1877 मा Schumann को सोनाटा को प्रदर्शन को लागी एक पुरस्कार सम्मानित गरिएको थियो।

संरक्षक शिक्षणका विद्यमान विधिहरूसँग पहिलो गम्भीर झगडा सद्भाव कक्षामा डेबसीसँग हुन्छ। Debussy को स्वतन्त्र हार्मोनिक सोचले सद्भावको क्रममा शासन गर्ने परम्परागत प्रतिबन्धहरूसँग राख्न सकेन। केवल संगीतकार E. Guiraud, जससँग Debussy ले रचनाको अध्ययन गर्यो, वास्तवमा आफ्नो विद्यार्थीको आकांक्षासँग प्रभावित भयो र कलात्मक र सौन्दर्य दृष्टिकोण र संगीत स्वादमा उहाँसँग एकमत पाए।

पहिले नै डेबसीको पहिलो स्वर रचनाहरू, 70 को दशकको अन्त र 80 को दशकको सुरुमा (पल बोर्जेटका शब्दहरूमा "अद्भुत साँझ" र विशेष गरी "मन्डोलिन" पॉल भेर्लेनको शब्दहरूमा) ले उनको प्रतिभाको मौलिकता प्रकट गर्‍यो।

कन्जर्वेटरीबाट स्नातक हुनु अघि नै, डेबसीले रूसी परोपकारी एनएफ भोन मेकको निमन्त्रणामा पश्चिमी युरोपको आफ्नो पहिलो विदेश यात्रा गरे, जो धेरै वर्षदेखि PI चाइकोव्स्कीका नजिकका साथीहरूको संख्यामा थिए। 1881 मा डेबसी भोन मेकको घर कन्सर्टमा भाग लिन पियानोवादकको रूपमा रूस आए। रूसको यो पहिलो यात्रा (त्यसपछि उनी त्यहाँ दुई पटक गए - 1882 र 1913 मा) रूसी संगीतमा संगीतकारको ठूलो चासो जगाए, जुन उनको जीवनको अन्त्यसम्म कमजोर भएन।

1883 देखि, Debussy रोम को भव्य पुरस्कार को लागी प्रतियोगिताहरु मा एक संगीतकार को रूप मा भाग लिन थाले। अर्को वर्ष उनलाई यो क्यान्टाटा द प्रोडिगल सनको लागि सम्मानित गरियो। यो काम, जसले धेरै तरिकामा अझै पनि फ्रान्सेली गीत ओपेराको प्रभावलाई धारण गर्दछ, व्यक्तिगत दृश्यहरूको वास्तविक नाटक (उदाहरणका लागि, लेहको एरिया) को लागि बाहिर खडा छ। डेबसीको इटालीमा बसाइ (१८८५-१८८७) उनको लागि फलदायी सावित भयो: उनले 1885 औं शताब्दी (प्यालेस्ट्रिना) को पुरानो कोरल इटालियन संगीत र एकै समयमा वाग्नरको कामसँग परिचित भए (विशेष गरी, संगीतको साथ। नाटक "ट्रिस्टान र आइसोल्ड")।

एकै समयमा, इटालीमा Debussy को रहन को अवधि फ्रान्स को आधिकारिक कलात्मक सर्कल संग एक तेज संघर्ष द्वारा चिह्नित गरिएको थियो। एकेडेमी अघि पुरस्कार विजेताहरूको प्रतिवेदन पेरिसमा विशेष निर्णायक द्वारा विचार गरीएको कामको रूपमा प्रस्तुत गरिएको थियो। संगीतकारका कार्यहरूको समीक्षा - सिम्फोनिक ओड "जुलेमा", सिम्फोनिक सुइट "स्प्रिंग" र क्यान्टाटा "द रोजेन वन" (पेरिसमा आइपुग्दा पहिले नै लेखिएको) - यस पटक डेबसीको अभिनव आकांक्षा र जडताको बीचमा एउटा दुर्गम खाडल फेला पारियो। सबैभन्दा ठूलो कला संस्था फ्रान्समा शासन गरे। संगीतकारलाई "अनौठो, बुझ्न नसकिने, अव्यावहारिक" गर्ने जानाजानी इच्छाको आरोप लगाइएको थियो, "संगीतको रंगको अतिरंजित भावना", जसले उसलाई "सही रेखाचित्र र फारमको महत्त्व" बिर्सन्छ। Debussy लाई "बंद" मानव आवाज र F-sharp प्रमुख को कुञ्जी प्रयोग गरेको आरोप लगाइएको थियो, कथित रूपमा सिम्फोनिक कार्यमा अस्वीकार्य। एकमात्र निष्पक्ष, सायद, उनको काममा "फ्लैट टर्न र बेनालिटी" को अनुपस्थितिको बारेमा टिप्पणी थियो।

Debussy द्वारा पेरिसमा पठाइएका सबै रचनाहरू अझै पनि कम्पोजरको परिपक्व शैलीबाट टाढा थिए, तर तिनीहरूले पहिले नै अभिनव विशेषताहरू देखाइसकेका थिए, जसले मुख्य रूपमा रंगीन हार्मोनिक भाषा र आर्केस्ट्रामा आफूलाई प्रकट गर्यो। डेबसीले पेरिसमा आफ्ना एक साथीलाई लेखेको पत्रमा नवीनताको लागि आफ्नो इच्छा स्पष्ट रूपमा व्यक्त गरे: "म मेरो संगीतलाई धेरै सहि फ्रेमहरूमा बन्द गर्न सक्दिन ... म मौलिक काम सिर्जना गर्न काम गर्न चाहन्छु, र सबै समय एकै ठाउँमा नपर्नुहोस्। बाटोहरु…”। इटालीबाट पेरिस फर्केपछि, डेबसीले अन्ततः एकेडेमीसँग ब्रेक गरे।

९० को दशक। रचनात्मकता को पहिलो फूल। कलामा नयाँ प्रचलनहरू नजिक पुग्ने इच्छा, कला जगतमा उनीहरूको जडान र परिचितहरू विस्तार गर्ने इच्छाले डेबसीलाई 80 को दशकको उत्तरार्धमा 80 औं शताब्दीको उत्तरार्धका प्रमुख फ्रान्सेली कवि र प्रतीकवादीहरूको वैचारिक नेताको सैलूनमा पुर्‍यायो। - स्टेफान मल्लर्मे। "मङ्गलबार" मा मल्लार्मेले उत्कृष्ट लेखकहरू, कविहरू, कलाकारहरूलाई भेला गरे - आधुनिक फ्रान्सेली कलामा सबैभन्दा विविध प्रवृत्तिका प्रतिनिधिहरू (कवि पल भेर्लेन, पियरे लुइस, हेनरी डे रेग्नियर, कलाकार जेम्स ह्विस्टलर र अन्य)। यहाँ Debussy ले लेखकहरू र कविहरूलाई भेटे, जसका कार्यहरूले 90-50 को दशकमा सिर्जना गरिएका उहाँका धेरै स्वर रचनाहरूको आधार बनाए। तिनीहरूमध्ये बाहिर खडा छन्: "मन्डोलिन", "एरिट्स", "बेल्जियन परिदृश्य", "वाटर कलर्स", "मूनलाइट", पल भेर्लेनको शब्दहरू, "सङ्ग्स अफ बिलिटिस" पियरे लुइसका शब्दहरू, "फाइभ पोम्स" सबैभन्दा ठूलो फ्रान्सेली कवि 60 को शब्दहरू — चार्ल्स बाउडेलेयरको XNUMXs (विशेष गरी "बाल्कोनी", "इभेनिङ हार्मोनिज", "एट द फाउन्टेन") र अन्य।

यी कार्यहरूको शीर्षकहरूको एक साधारण सूचीले पनि साहित्यिक पाठहरूको लागि संगीतकारको पूर्वनिर्धारितताको न्याय गर्न सम्भव बनाउँछ, जसमा मुख्य रूपमा परिदृश्य मोटिफहरू वा प्रेम गीतहरू समावेश छन्। काव्यात्मक संगीत छविहरूको यो क्षेत्र डेबसीको लागि आफ्नो क्यारियर भर मनपर्ने हुन्छ।

आफ्नो कामको पहिलो अवधिमा स्वर संगीतलाई दिइएको स्पष्ट प्राथमिकतालाई प्रतीकवादी कविताको लागि संगीतकारको जुनूनले ठूलो हदसम्म व्याख्या गरेको छ। प्रतीकात्मक कविहरूको पदहरूमा, डेबस्सीलाई उहाँको नजिकका विषयहरू र नयाँ कलात्मक प्रविधिहरू द्वारा आकर्षित गरिएको थियो - संक्षिप्त रूपमा बोल्ने क्षमता, अलंकारिक र पथोसको अनुपस्थिति, रंगीन अलंकारिक तुलनाहरूको प्रचुरता, कविताको लागि नयाँ दृष्टिकोण, जसमा संगीत शब्दहरूको संयोजन समातिन्छ। प्रतीकवादको यस्तो पक्ष उदास पूर्वाभासको अवस्था व्यक्त गर्ने इच्छा, अज्ञातको डर, डेबसीलाई कहिल्यै कब्जा नगरेको।

यी वर्षका अधिकांश कार्यहरूमा, डेबसीले आफ्ना विचारहरूको अभिव्यक्तिमा प्रतीकात्मक अनिश्चितता र अधोरेखित दुवैबाट बच्न प्रयास गर्छन्। यसको कारण राष्ट्रिय फ्रान्सेली संगीतको लोकतान्त्रिक परम्पराहरूप्रति वफादारी हो, संगीतकारको सम्पूर्ण र स्वस्थ कलात्मक प्रकृति (यो कुनै संयोग होइन कि उसले प्रायः भेर्लेनको कविताहरूलाई जनाउँछ, जसले पुरानो मास्टरहरूको काव्यात्मक परम्परालाई जटिल रूपमा संयोजन गर्दछ। स्पष्ट विचार र शैलीको सरलताको लागि तिनीहरूको इच्छा, समकालीन कुलीन सैलूनहरूको कलामा निहित परिष्करणको साथ)। आफ्नो प्रारम्भिक स्वर रचनाहरूमा, डेबसीले विद्यमान संगीत विधाहरू - गीत, नृत्यसँग जडान कायम राख्ने यस्ता संगीतमय छविहरूलाई मूर्त रूप दिने प्रयास गर्छन्। तर यो जडान अक्सर देखा पर्दछ, जस्तै Verlaine मा, केहि उत्कृष्ट परिष्कृत अपवर्तन मा। Verlaine को शब्दहरु को लागी रोमान्स "मन्डोलिन" हो। रोमान्सको धुनमा, हामी "चान्सोनियर" को भण्डारबाट फ्रान्सेली शहरी गीतहरूको स्वर सुन्छौं, जुन उच्चारण बिना उच्चारण गरिन्छ, जस्तै "गाउँदै"। पियानो संगतले मन्डोलिन वा गिटारको एक विशेषता झटका, प्लक-जस्तो आवाज बताउँछ। "खाली" पाँचौंको तार संयोजन यी उपकरणहरूको खुला तारको आवाजसँग मिल्दोजुल्दो छ:

क्लाउड डेबसी |

यस कार्यमा पहिले नै, डेबसीले आफ्नो परिपक्व शैलीको विशिष्ट प्रकारका केही रंगीन प्रविधिहरू प्रयोग गर्दछन् - समाधान नगरिएका व्यञ्जनहरूको "श्रृङ्खला", प्रमुख ट्राइडहरूको मौलिक तुलना र टाढाको कुञ्जीहरूमा तिनीहरूको विपरितहरू,

९० को दशक भनेको स्वर मात्र नभई पियानो संगीत (“सुइट बर्गामास”, “लिटिल सुइट” फर पियानो चार हात), चेम्बर-इन्स्ट्रुमेन्टल (स्ट्रिङ क्वार्टेट) र विशेष गरी सिम्फोनिक संगीतको क्षेत्रमा डेबसीको रचनात्मक फस्टाउने पहिलो अवधि थियो। यस समयमा, दुईवटा महत्त्वपूर्ण सिम्फोनिक कार्यहरू सिर्जना गरिएका छन् - प्रस्तावना "फानको दिउँसो" र "निशान")।

1892 मा स्टेफेन मल्लार्मेको कविताको आधारमा "आफ्टरनून अफ ए फाउन" को प्रस्तावना लेखिएको थियो। मल्लार्मेको कामले मुख्यतया सुन्दर अप्सराहरूको बारेमा तातो दिनमा सपना देख्ने पौराणिक प्राणीको उज्यालो चित्रणले संगीतकारलाई आकर्षित गर्यो।

प्रस्तावनामा, मल्लर्मेको कवितामा जस्तै, त्यहाँ कुनै विकसित कथानक छैन, कार्यको गतिशील विकास छैन। रचनाको मुटुमा निहित छ, संक्षेपमा, "लङ्गुर" को एक मधुर छवि, "क्रिपिङ" क्रोमेटिक स्वरमा निर्मित। डेबसीले आफ्नो आर्केस्ट्रा अवतारको लागि लगभग सबै समय उही विशिष्ट वाद्य यन्त्र प्रयोग गर्दछ - कम दर्तामा बाँसुरी:

क्लाउड डेबसी |
क्लाउड डेबसी |

प्रस्तावनाको सम्पूर्ण सिम्फोनिक विकास विषयवस्तुको प्रस्तुतीकरण र यसको आर्केस्ट्रेशनको बनावटमा भिन्नता आउँछ। स्थिर विकास छवि को प्रकृति द्वारा जायज छ।

काम को संरचना तीन भाग छ। प्रस्तावनाको सानो मध्य भागमा मात्र, जब अर्केस्ट्राको स्ट्रिङ समूहद्वारा नयाँ डायटोनिक विषयवस्तु बनाइन्छ, के सामान्य चरित्र अधिक तीव्र, अभिव्यक्त हुन्छ (प्रस्तावनामा गतिशीलता आफ्नो अधिकतम स्वरमा पुग्छ। ff, सम्पूर्ण अर्केस्ट्राको टुट्टी मात्र प्रयोग गरिन्छ)। पुनरुत्थान बिस्तारै हराउँदै गएको साथ समाप्त हुन्छ, जस्तै यो थियो, "लांगुर" को विषयवस्तु विघटन।

Debussy को परिपक्व शैली को विशेषताहरु यस कार्य मा मुख्यतया अर्केस्ट्रेशन मा देखा पर्यो। अर्केस्ट्रा समूहहरूको चरम भिन्नता र समूहहरू भित्रका व्यक्तिगत वाद्ययन्त्रहरूको भागहरूले विभिन्न तरिकामा आर्केस्ट्रा रङहरू संयोजन गर्न र संयोजन गर्न सम्भव बनाउँछ र तपाईंलाई उत्कृष्ट नक्साहरू प्राप्त गर्न अनुमति दिन्छ। यस कार्यमा आर्केस्ट्रा लेखनका धेरै उपलब्धिहरू पछि डेबसीका धेरैजसो सिम्फोनिक कार्यहरूको विशिष्ट बने।

1894 मा "Faun" को प्रदर्शन पछि मात्र संगीतकार Debussy पेरिस को व्यापक संगीत सर्कल मा बोल्यो। तर अलगाव र कलात्मक वातावरण को केहि सीमाहरु जसमा Debussy सम्बन्धित थियो, साथै उनको रचना को शैली को मौलिक व्यक्तित्व, संगीतकार को संगीत को कन्सर्ट मंच मा देखा पर्नबाट रोक्यो।

1897-1899 मा सिर्जना गरिएको Nocturnes चक्र जस्तै Debussy द्वारा एक उत्कृष्ट सिम्फोनिक कार्य पनि, एक संयमित मनोवृत्ति संग भेटियो। "Nocturnes" मा जीवन-वास्तविक कलात्मक छविहरूको लागि डेबसीको तीव्र इच्छा प्रकट भएको थियो। Debussy को सिम्फोनिक कार्यमा पहिलो पटक, जीवन्त विधाको चित्रकला (Nocturnes को दोस्रो भाग - "उत्सव") र रंगहरूमा धनी प्रकृतिका छविहरू (पहिलो भाग - "क्लाउड्स") ले एक जीवन्त सांगीतिक अवतार प्राप्त गर्यो।

९० को दशकमा, डेबसीले आफ्नो मात्र पूरा भएको ओपेरा, पेलेस एट मेलिसन्डेमा काम गरे। संगीतकार लामो समयदेखि आफ्नो नजिकको प्लट खोज्दै थिए (उनले कर्नेलको त्रासदी "सिड" मा आधारित ओपेरा "रोड्रिगो र जिमेना" मा काम सुरु गरे र त्यागे। काम अधूरा रह्यो, किनकि डेबसीले घृणा गर्थे (उनको आफ्नै शब्दमा) "कार्य लागू", यसको गतिशील विकास, भावनाहरूको प्रभावकारी अभिव्यक्तिमा जोड दियो, साहसी रूपमा नायकहरूको साहित्यिक छविहरू रेखांकित गरियो।) र अन्तमा बेल्जियमका प्रतीकवादी लेखक मौरिस मेटरलिंक "Pelléas et Mélisande" को नाटकमा बस्यो। यो काममा बाहिरी कार्य एकदमै कम छ, यसको स्थान र समय कमै परिवर्तन हुन्छ। सबै लेखकको ध्यान पात्रहरूको अनुभवमा सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक सूक्ष्मताहरूको स्थानान्तरणमा केन्द्रित छ: गोलो, उनकी पत्नी मेलिसान्डे, गोलोको भाइ पेलेस। यस कामको कथानकले डेबसीलाई आकर्षित गर्‍यो, उनका शब्दहरूमा, यस तथ्यले कि यसमा "पात्रहरूले बहस गर्दैनन्, तर जीवन र भाग्यलाई सहन्छ।" सबटेक्स्टको प्रचुरता, विचारहरू, "आफैलाई" जस्तै, संगीतकारलाई आफ्नो आदर्श वाक्य महसुस गर्न सम्भव बनायो: "संगीत त्यहाँबाट सुरु हुन्छ जहाँ शब्द शक्तिहीन हुन्छ।"

डेबसीले ओपेरामा मेटरलिंकका धेरै नाटकहरूको मुख्य विशेषताहरू मध्ये एकलाई कायम राखे - अपरिहार्य घातक निन्दा अघि पात्रहरूको घातक विनाश, व्यक्तिको आफ्नै खुशीमा अविश्वास। Maeterlinck को यस कार्यमा, XNUMX औं र XNUMX औं शताब्दीको पालोमा पूँजीवादी बुद्धिजीवीहरूको एक महत्वपूर्ण भागको सामाजिक र सौन्दर्यवादी विचारहरू जीवन्त रूपमा मूर्तरूपमा थिए। रोमेन रोलान्डले आफ्नो पुस्तक "म्युजिशियन्स अफ आवर डेज" मा नाटकको एकदमै सही ऐतिहासिक र सामाजिक मूल्याङ्कन दिए: "मेटरलिंकको नाटकको विकास भएको वातावरण एक थकित नम्रता हो जसले रकको शक्तिमा बाँच्ने इच्छा दिन्छ। कुनै पनि कुराले घटनाहरूको क्रम परिवर्तन गर्न सक्दैन। [...] कोही पनि उसले चाहेको कुराको लागि, उसले माया गरेको कुराको लागि जिम्मेवार हुँदैन। [...] तिनीहरू किन बाँच्छन् र किन जान्छन्। यो नियतिवाद, युरोपको आध्यात्मिक अभिजात वर्गको थकानलाई प्रतिबिम्बित गर्दै, डेबसीको संगीतले चमत्कारपूर्ण रूपमा व्यक्त गरेको थियो, जसले यसमा यसको आफ्नै कविता र कामुक आकर्षण थप्यो ... "। Debussy, एक निश्चित हदसम्म, प्रेम र ईर्ष्या को वास्तविक त्रासदी को सांगीतिक मूर्त रूप मा सूक्ष्म र संयमित गीतवाद, इमानदारी र सत्यता संग नाटक को निराश निराशावादी स्वर नरम गर्न सफल भयो।

ओपेरा को शैलीगत नवीनता धेरै हदसम्म यो गद्य मा लेखिएको तथ्य को कारण हो। Debussy को ओपेरा को भोकल भागहरु सूक्ष्म छायाहरु र बोलचाल फ्रान्सेली भाषण को बारीकियों को समावेश गर्दछ। ओपेराको मधुर विकास क्रमिक (लामो अन्तरालमा जम्प बिना), तर अभिव्यक्त मधुर-घोषणात्मक रेखा हो। कैसुरासको प्रशस्तता, असाधारण लचिलो लय र प्रदर्शन स्वरमा बारम्बार परिवर्तनहरूले संगीतकारलाई संगीतको साथ लगभग हरेक गद्य वाक्यांशको अर्थ सही र उपयुक्त रूपमा व्यक्त गर्न अनुमति दिन्छ। ओपेराको नाटकीय क्लाइमेटिक एपिसोडहरूमा पनि मेलोडिक लाइनमा कुनै पनि महत्त्वपूर्ण भावनात्मक वृद्धि अनुपस्थित छ। कार्यको उच्चतम तनावको क्षणमा, डेबसी आफ्नो सिद्धान्तमा सत्य रहन्छ - अधिकतम संयम र भावनाहरूको बाह्य अभिव्यक्तिहरूको पूर्ण अनुपस्थिति। यसैले, पेलेसले मेलिसन्डेलाई आफ्नो प्रेम घोषणा गरेको दृश्य, सबै ओपेरेटिक परम्पराहरूको विपरीत, कुनै प्रभाव बिना प्रदर्शन गरिएको छ, मानौं "आधा कानाफूसी" मा। Mélisande को मृत्यु को दृश्य उही तरिका मा हल गरिएको छ। ओपेरामा त्यहाँ धेरै दृश्यहरू छन् जहाँ डेबसीले आश्चर्यजनक रूपमा सूक्ष्म अर्थमा मानव अनुभवहरूको विभिन्न छायाहरूको जटिल र समृद्ध दायराको साथ व्यक्त गर्न सफल भए: दोस्रो कार्यमा झरनाको औंठीसहितको दृश्य, मेलिसन्डेको कपालको दृश्य। तेस्रो, चौथोमा झरनाको दृश्य र पाँचौं कार्यमा मेलिसन्डेको मृत्युको दृश्य।

ओपेरा ३० अप्रिल १९०२ मा कमिक ओपेरामा मञ्चन गरिएको थियो। उत्कृष्ट प्रदर्शनको बावजुद, ओपेराले व्यापक दर्शकहरूसँग वास्तविक सफलता पाएन। आलोचना सामान्यतया अनुपयुक्त थियो र पहिलो प्रदर्शन पछि आफैलाई तीव्र र असभ्य आक्रमण गर्न अनुमति दियो। केही प्रमुख संगीतकारहरूले मात्र यस कामको योग्यताको प्रशंसा गरेका छन्।

पेलेसलाई मञ्चन गरिसकेपछि, डेबसीले ओपेराहरू पहिलो भन्दा फरक शैली र शैलीमा रचना गर्न धेरै प्रयासहरू गरे। लिब्रेटो एडगर एलन पो - द डेथ अफ द हाउस अफ इशर र द डेभिल इन द बेल टावरमा आधारित परी कथाहरूमा आधारित दुई ओपेराका लागि लेखिएको थियो - स्केचहरू बनाइएका थिए, जसलाई संगीतकारले आफ्नो मृत्युको केही समय अघि नै नष्ट गरे। साथै, शेक्सपियरको त्रासदी किंग लियरको कथानकमा आधारित ओपेरा सिर्जना गर्ने डेबसीको मनसाय साकार भएन। Pelléas et Mélisande को कलात्मक सिद्धान्तहरू त्यागेर, Debussy ले आफूलाई फ्रेन्च शास्त्रीय ओपेरा र थिएटर नाटकीयताको परम्पराको नजिक अन्य ओपेरा विधाहरूमा भेट्टाउन सकेन।

1900-1918 - Debussy को रचनात्मक फूलको शिखर। सांगीतिक-आलोचनात्मक गतिविधि। पेलेसको उत्पादन हुनुभन्दा केही समय अघि, डेबसीको जीवनमा एउटा महत्त्वपूर्ण घटना घट्यो - 1901 बाट उनी एक पेशेवर संगीत समीक्षक बने। उनको लागि यो नयाँ गतिविधि 1901, 1903 र 1912-1914 मा बीच-बीचमा अघि बढ्यो। Debussy को सबैभन्दा महत्त्वपूर्ण लेख र कथनहरु उहाँ द्वारा 1914 मा पुस्तक "श्री. क्रोश एक शौकिया विरोधी हो।" आलोचनात्मक गतिविधिले Debussy को सौन्दर्य दृष्टिकोण, उनको कलात्मक मापदण्ड को गठन मा योगदान गर्यो। यसले हामीलाई मानिसहरूको कलात्मक गठनमा कलाको कार्यहरूमा, शास्त्रीय र आधुनिक कलाप्रतिको आफ्नो दृष्टिकोणमा रचनाकारको धेरै प्रगतिशील विचारहरूको न्याय गर्न अनुमति दिन्छ। एकै समयमा, यो विभिन्न घटनाहरूको मूल्याङ्कन र सौन्दर्य निर्णयहरूमा केही एकतर्फी र असंगतता बिना छैन।

डेबसीले समकालीन आलोचनामा हावी हुने पूर्वाग्रह, अज्ञानता र विचलितताको कडा विरोध गर्दछ। तर डेबसीले संगीत कार्यको मूल्याङ्कन गर्दा विशेष औपचारिक, प्राविधिक विश्लेषणमा पनि आपत्ति जनाएका छन्। उहाँले आलोचनाको मुख्य गुण र मर्यादाको रूपमा रक्षा गर्नुहुन्छ - "इमान्दार, सत्य र हार्दिक छापहरू" को प्रसारण। Debussy को आलोचना को मुख्य कार्य फ्रान्स को आधिकारिक संस्थाहरु को "शिक्षावाद" को बिरूद्ध लडाई छ। उनले ग्रैंड ओपेराको बारेमा तीखो र कास्टिक, धेरै हदसम्म निष्पक्ष टिप्पणीहरू राख्छन्, जहाँ "शुभकामनाहरू जिद्दी औपचारिकताको बलियो र अविनाशी पर्खालको बिरूद्ध ध्वस्त हुन्छन् जसले कुनै पनि प्रकारको उज्यालो किरणलाई प्रवेश गर्न अनुमति दिँदैन।"

उहाँका सौन्दर्य सिद्धान्त र विचारहरू डेबसीका लेखहरू र पुस्तकहरूमा अत्यन्त स्पष्ट रूपमा व्यक्त गरिएका छन्। सबैभन्दा महत्त्वपूर्ण मध्ये एक उहाँ वरपरको संसारमा रचनाकारको उद्देश्य रवैया हो। उहाँले प्रकृतिमा संगीतको स्रोत देख्नुहुन्छ: "संगीत प्रकृतिको सबैभन्दा नजिक छ ..."। "रात र दिन, पृथ्वी र आकाशको कवितालाई अँगाल्ने सुअवसर संगीतकारहरूले मात्र पाएका छन् - प्रकृतिको भव्य थरथरको वातावरण र लयलाई पुन: सिर्जना गर्ने।" यी शब्दहरूले निस्सन्देह कलाका अन्य रूपहरू बीच संगीतको विशेष भूमिकामा संगीतकारको सौन्दर्य दृष्टिकोणको निश्चित एक-पक्षीयता प्रकट गर्दछ।

एकै समयमा, डेबसीले तर्क गरे कि कलालाई सीमित संख्यामा श्रोताहरूको लागि पहुँचयोग्य विचारहरूको साँघुरो घेरामा सीमित हुनु हुँदैन: "संगीतकारको कार्य मुट्ठीभर "प्रबुद्ध" संगीत प्रेमी वा विशेषज्ञहरूको मनोरञ्जन गर्नु होइन।" XNUMX औं शताब्दीको सुरुमा फ्रान्सेली कलामा राष्ट्रिय परम्पराहरूको ह्रासको बारेमा डेबसीका कथनहरू आश्चर्यजनक रूपमा समयसापेक्ष थिए: "फ्रान्सेली संगीतले विश्वासघाती रूपमा अभिव्यक्तिको स्पष्टता जस्ता फ्रान्सेली चरित्रका विशिष्ट गुणहरूबाट टाढा लैजाने मार्गहरू पछ्याएकोमा अफसोस गर्न सक्छ। , परिशुद्धता र रूप को कम्पोजर।" एकै समयमा, Debussy कला मा राष्ट्रिय सीमाहरु को विरुद्ध थियो: "म कला मा मुक्त विनिमय को सिद्धान्त संग राम्रोसँग परिचित छु र मलाई थाहा छ कि यसले के मूल्यवान परिणामहरु लाई नेतृत्व गरेको छ।" फ्रान्समा रूसी संगीत कलाको उनको उत्कट प्रचार यस सिद्धान्तको उत्कृष्ट प्रमाण हो।

प्रमुख रूसी संगीतकारहरू - बोरोडिन, बालाकिरेभ, र विशेष गरी मुसोर्गस्की र रिम्स्की-कोर्साकोभ - 90 को दशकमा डेबस्सीले गहिरो अध्ययन गरेका थिए र उनको शैलीका केही पक्षहरूमा निश्चित प्रभाव थियो। रिम्स्की-कोर्साकोभको आर्केस्ट्रा लेखनको प्रतिभा र रंगीन चित्रणबाट डेबसी सबैभन्दा प्रभावित भए। "कुनै कुराले विषयवस्तुको आकर्षण र अर्केस्ट्राको चकित पार्न सक्दैन," रिम्स्की-कोर्साकोभको अन्टार सिम्फनीको बारेमा डेबसीले लेखे। डेबसीको सिम्फोनिक कार्यहरूमा, त्यहाँ रिम्स्की-कोर्साकोभको नजिक आर्केस्ट्रेशन प्रविधिहरू छन्, विशेष गरी, "शुद्ध" टिम्बरहरूको लागि पूर्वनिर्धारित, व्यक्तिगत उपकरणहरूको विशेष विशेषता प्रयोग, इत्यादि।

Mussorgsky को गीतहरु र ओपेरा बोरिस गोडुनोभ मा, Debussy संगीत को गहिरो मनोवैज्ञानिक प्रकृति को सराहना गरे, एक व्यक्ति को आध्यात्मिक संसार को सबै समृद्धि व्यक्त गर्ने क्षमता। "कोही पनि हामीमा सबैभन्दा राम्रो, थप कोमल र गहिरो भावनाहरूमा फर्केको छैन," हामी संगीतकारको कथनहरूमा पाउँछौं। पछि, Debussy को धेरै भोकल रचनाहरूमा र ओपेरा Pelléas et Mélisande मा, कसैले Mussorgsky को अत्यन्त अभिव्यक्तिपूर्ण र लचिलो मेलोडिक भाषाको प्रभाव महसुस गर्न सक्छ, जसले मधुर पाठको सहयोगमा जीवित मानव बोलीको सूक्ष्मतम छायाहरू व्यक्त गर्दछ।

तर डेबसीले सबैभन्दा ठूलो रूसी कलाकारहरूको शैली र विधिको मात्र केही पक्षहरू बुझे। उनी मुसोर्गस्कीको काममा प्रजातान्त्रिक र सामाजिक अभियोगात्मक प्रवृत्तिहरूबाट परेनन्। रिम्स्की-कोर्साकोभको ओपेराको गहिरो मानवीय र दार्शनिक रूपमा महत्त्वपूर्ण कथानकहरूबाट डेबसी टाढा थिए, यी रचनाकारहरू र लोक उत्पत्तिहरू बीचको निरन्तर र अविभाज्य सम्बन्धबाट।

Debussy को आलोचनात्मक गतिविधि मा आन्तरिक असंगति र केहि एकपक्षीयता को विशेषताहरु को ऐतिहासिक भूमिका र Handel, Gluck, Schubert, Schumann जस्ता रचनाकारहरु को काम को कलात्मक महत्व को स्पष्ट कम आकलन मा प्रकट भएको थियो।

आफ्नो आलोचनात्मक टिप्पणीहरूमा, डेबसीले कहिलेकाहीं आदर्शवादी स्थितिहरू लिए, तर्क गरे कि "संगीत एक रहस्यमय गणित हो, जसका तत्वहरू अनन्ततामा संलग्न छन्।"

लोक रंगमञ्च सिर्जना गर्ने विचारको समर्थनमा धेरै लेखहरूमा बोल्दै, डेबसीले "उच्च कला केवल आध्यात्मिक अभिजात वर्गको भाग्य हो।" प्रजातान्त्रिक विचार र प्रख्यात कुलीन वर्गको यो संयोजन XNUMX औं र XNUMX औं शताब्दीको मोडमा फ्रान्सेली कलात्मक बुद्धिजीवीहरूको लागि धेरै विशिष्ट थियो।

1900s संगीतकार को रचनात्मक गतिविधि मा उच्चतम चरण हो। यस अवधिमा Debussy द्वारा सिर्जना गरिएका कार्यहरूले रचनात्मकतामा नयाँ प्रवृतिहरू र सबै भन्दा पहिले, प्रतीकवादको सौन्दर्यशास्त्रबाट डेबसीको प्रस्थानको कुरा गर्दछ। विधाका दृश्यहरू, सांगीतिक चित्रहरू र प्रकृतिका तस्बिरहरूले संगीतकारलाई थप आकर्षित गरेको छ। नयाँ विषयवस्तु र कथानकसँगै नयाँ शैलीका विशेषताहरू उनको काममा देखापर्छन्। यसको प्रमाण "ग्रेनाडामा एक साँझ" (1902), "गार्डेन इन द रेन" (1902), "आनन्दको टापु" (1904) जस्ता पियानो कार्यहरू हुन्। यी रचनाहरूमा, डेबसीले संगीतको राष्ट्रिय उत्पत्तिसँग बलियो सम्बन्ध फेला पार्छ ("एन इभनिङ इन ग्रेनाडा" - स्पेनिस लोककथाको साथ), नृत्यको एक प्रकारको अपवर्तनमा संगीतको विधाको आधार सुरक्षित गर्दछ। तिनीहरूमा, संगीतकारले पियानोको टिम्बर-रंगीन र प्राविधिक क्षमताहरूको दायरा विस्तार गर्दछ। उसले एकल ध्वनि तह भित्र गतिशील रंगहरूको उत्कृष्ट ग्रेडेशनहरू प्रयोग गर्दछ वा तीव्र गतिशील विरोधाभासहरू जुक्सटापोज गर्दछ। यी रचनाहरूमा लयले कलात्मक छवि सिर्जना गर्न बढ्दो अभिव्यक्त भूमिका खेल्न थाल्छ। कहिलेकाहीँ यो लचिलो, नि: शुल्क, लगभग सुधारात्मक हुन्छ। उही समयमा, यी वर्षहरूको कार्यहरूमा, डेबसीले सम्पूर्ण कार्य वा यसको ठूलो खण्ड (ए माइनरमा प्रस्तावना, "वर्षामा बगैंचा", "ग्रेनाडामा साँझ", जहाँ हबनेराको लय सम्पूर्ण रचनाको "मूल" हो)।

यस अवधिका कार्यहरू जीवनको आश्चर्यजनक रूपमा पूर्ण-रक्तयुक्त धारणाद्वारा छुट्याइएका छन्, साहसपूर्वक रूपरेखा, लगभग दृश्यात्मक रूपमा देखिएका, एक सामंजस्यपूर्ण रूपमा संलग्न छविहरू। यी रचनाहरूको "प्रभाववाद" केवल रंगको उच्च अर्थमा, रंगीन हार्मोनिक "चमक र दागहरू" को प्रयोगमा, टिम्ब्रेसको सूक्ष्म खेलमा। तर यो प्रविधि छवि को संगीत धारणा को अखण्डता को उल्लङ्घन गर्दैन। यसले मात्र थप बल्ज दिन्छ।

900s मा Debussy द्वारा बनाईएको सिम्फोनिक कार्यहरू मध्ये, "समुद्र" (1903-1905) र "छविहरू" (1909) बाहिर खडा छन्, जसमा प्रसिद्ध "Iberia" समावेश छ।

सुइट "समुद्र" मा तीन भागहरू हुन्छन्: "बिहानदेखि दिउँसोसम्म समुद्रमा", "छालहरूको खेल" र "समुद्रसँग हावाको कुराकानी"। समुद्रका तस्बिरहरूले सधैं विभिन्न प्रवृतिहरू र राष्ट्रिय विद्यालयहरूको रचनाकारहरूको ध्यान आकर्षित गरेको छ। पश्चिमी युरोपेली संगीतकारहरू द्वारा "सामुद्रिक" विषयवस्तुहरूमा प्रोग्रामेटिक सिम्फोनिक कार्यहरूको असंख्य उदाहरणहरू उद्धृत गर्न सकिन्छ (मेन्डेलसोहन द्वारा ओभरचर "फिंगलको केभ", वाग्नर द्वारा "द फ्लाइङ डचम्यान" को सिम्फोनिक एपिसोडहरू, आदि)। तर समुद्रका तस्बिरहरू रूसी संगीतमा विशेष गरी रिमस्की-कोर्साकोभ (सिम्फोनिक चित्र साड्को, उही नामको ओपेरा, शेहेराजाडे सुइट, ओपेरा द टेल अफ द टेलको दोस्रो कार्यको अन्तर्वार्तामा) सबैभन्दा स्पष्ट र पूर्ण रूपमा महसुस गरिएको थियो। जार साल्टन),

रिम्स्की-कोर्साकोभको अर्केस्ट्रल कार्यहरू भन्दा फरक, डेबसीले आफ्नो काममा कथानक होइन, तर चित्रात्मक र रंगीन कार्यहरू मात्र सेट गर्दछ। दिनको विभिन्न समयमा समुद्रमा हुने प्रकाशको प्रभाव र रंगको परिवर्तन, समुद्रका विभिन्न अवस्था–शान्त, उत्तेजित र आँधीलाई संगीतको माध्यमबाट बताउन खोज्छन् । समुद्रका चित्रहरूको रचनाकारको धारणामा, त्यहाँ कुनै पनि त्यस्तो उद्देश्यहरू छैनन् जसले तिनीहरूको रंगलाई गोधूलि रहस्य दिन सक्छ। Debussy चम्किलो सूर्यको प्रकाश, पूर्ण-रक्त रङको प्रभुत्व छ। संगीतकारले साहसी भई दुवै नृत्य लय र बृहत् महाकाव्य चित्रण प्रयोग गर्दछ राहत संगीत छविहरू व्यक्त गर्न।

पहिलो भागमा, बिहानीमा समुद्रको बिस्तारै शान्त ब्यूँझने, अल्छी घुम्ने छालहरू, तिनीहरूमा पहिलो सूर्यकिरणको चमकको चित्र छ। यस आन्दोलनको आर्केस्ट्रा शुरुवात विशेष गरी रंगीन छ, जहाँ टिम्पानीको "रस्टल" को पृष्ठभूमिमा, दुई वीणाको "ड्रिप" अक्टेभहरू र उच्च दर्तामा "फ्रोजन" ट्रेमोलो भायोलिनहरू, ओबोबाट छोटो मधुर वाक्यांशहरू। छालहरूमा सूर्यको चमक जस्तै देखिन्छ। नृत्य तालको उपस्थितिले पूर्ण शान्ति र काल्पनिक चिन्तनको आकर्षणलाई तोड्दैन।

कामको सबैभन्दा गतिशील भाग तेस्रो हो - "समुद्रसँग हावाको कुराकानी"। भागको सुरुमा शान्त समुद्रको गतिहीन, जमेको चित्रबाट, पहिलोको सम्झना दिलाउने, आँधीबेहरीको तस्वीर प्रकट हुन्छ। Debussy ले गतिशील र तीव्र विकासको लागि सबै संगीत साधनहरू प्रयोग गर्दछ - मेलोडिक-लयमिक, गतिशील र विशेष गरी आर्केस्ट्रा।

आन्दोलनको शुरुवातमा, संक्षिप्त रूपहरू सुनिन्छन् जुन बास ड्रम, टिम्पानी र टम-टमको मफ्ल्ड सोनोरिटीको पृष्ठभूमिमा डबल बेसहरू र दुई ओबोहरूका साथ सेलोसहरू बीचको संवादको रूपमा लिइन्छ। अर्केस्ट्राको नयाँ समूहहरूको क्रमिक जडान र सोनोरिटीमा एक समान वृद्धिको अतिरिक्त, डेबसीले यहाँ तालबद्ध विकासको सिद्धान्त प्रयोग गर्दछ: अधिक र अधिक नयाँ नृत्य लयहरू प्रस्तुत गर्दै, उसले धेरै तालहरूको लचिलो संयोजनको साथ कामको कपडालाई संतृप्त गर्दछ। ढाँचाहरू।

सम्पूर्ण रचनाको अन्त्यलाई समुद्री तत्वको आनन्दको रूपमा मात्र होइन, तर समुद्र, सूर्यको लागि एक उत्साही भजनको रूपमा मानिन्छ।

"समुद्र" को लाक्षणिक संरचनामा, आर्केस्ट्राको सिद्धान्तहरूले, सिम्फोनिक टुक्रा "इबेरिया" को उपस्थिति तयार गर्‍यो - डेबसीको सबैभन्दा महत्त्वपूर्ण र मौलिक कार्यहरू मध्ये एक। यो स्पेनी मानिसहरूको जीवन, तिनीहरूको गीत र नृत्य संस्कृतिसँग यसको निकटतम सम्बन्धसँग प्रहार गर्दछ। 900 को दशकमा, डेबसी स्पेनसँग सम्बन्धित विषयहरूमा धेरै पटक फर्के: "ग्रेनाडामा एक साँझ", "गेट अफ द अल्हम्ब्रा" र "द इंटरप्टेड सेरेनेड" को प्रस्तावना। तर "इबेरिया" संगीतकारहरूको उत्कृष्ट कार्यहरू मध्ये एक हो जसले स्पेनी लोक संगीतको अपरिहार्य वसन्त (ग्लिन्का "अरागोनिज जोटा" र "म्याड्रिडमा नाइट्स", "स्पेनिश क्याप्रिकियो" मा रिम्स्की-कोर्साकोभ, "कारमेन" मा बिजेट, "बोलेरो" र एक ट्रायोमा घुमाउनुहोस्, स्पेनिश संगीतकारहरू डे फल्ला र अल्बेनिजको उल्लेख नगर्नुहोस्)।

"इबेरिया" मा तीन भागहरू छन्: "स्पेनको सडक र सडकहरूमा", "रातको सुगन्धहरू" र "बिदाको बिहान"। दोस्रो भागले Debussy को प्रकृतिको मनपर्ने चित्र चित्रहरू प्रकट गर्दछ, स्पेनिश रातको विशेष, मसालेदार सुगन्धले भरिएको, संगीतकारको सूक्ष्म चित्रवादको साथ "लेखिएको", झिलमिलाहट र हराउने छविहरूको द्रुत परिवर्तन। पहिलो र तेस्रो भागले स्पेनमा मानिसहरूको जीवनको चित्रहरू चित्रण गर्दछ। विशेष गरी रंगीन तेस्रो भाग हो, जसमा धेरै संख्यामा विभिन्न गीत र नृत्य स्पेनिश धुनहरू छन्, जसले एक अर्कालाई द्रुत रूपमा परिवर्तन गरेर रंगीन लोक बिदाको जीवन्त चित्र सिर्जना गर्दछ। सबैभन्दा ठूलो स्पेनिश संगीतकार डे फाल्लाले इबेरियाको बारेमा यसो भने: "सम्पूर्ण कामको मुख्य उद्देश्यको रूपमा गाउँको प्रतिध्वनि ("सेभिल्लाना") सफा हावामा वा थरथरी प्रकाशमा फड्किरहेको देखिन्छ। अन्डालुसियन रातहरूको मादक जादू, उत्सवको भीडको जीवन्तता, जुन गिटारवादक र ब्यान्डुरिस्टहरूको "समूह" को तारको आवाजमा नाचिरहेको छ ... - यो सबै हावामा घुमाउरो छ, अब नजिकै आउँदैछ, त्यसपछि हट्दैछ। , र हाम्रो निरन्तर ब्यूँझिरहेको कल्पनाशक्तिलाई यसको समृद्ध सूक्ष्मताहरूका साथ तीव्र अभिव्यक्तिपूर्ण संगीतको शक्तिशाली गुणहरूले अन्धो बनाएको छ।"

Debussy को जीवनको अन्तिम दशक पहिलो विश्व युद्धको प्रकोप सम्म लगातार रचनात्मक र प्रदर्शन गतिविधि द्वारा अलग छ। अस्ट्रिया-हंगेरीको कन्डक्टरको रूपमा कन्सर्ट यात्राहरूले विदेशमा संगीतकार ख्याति ल्याए। सन् १९१३ मा रूसमा उहाँलाई विशेष रूपमा न्यानो स्वागत गरिएको थियो। सेन्ट पिटर्सबर्ग र मस्कोमा भएका कन्सर्टहरू निकै सफल थिए। धेरै रूसी संगीतकारहरूसँग डेबसीको व्यक्तिगत सम्पर्कले रूसी संगीत संस्कृतिमा उनको लगावलाई अझ बलियो बनायो।

युद्धको सुरुवातले डेबसीमा देशभक्तिको भावना बढ्यो। छापिएका कथनहरूमा, उसले आफूलाई जोडदार रूपमा बोलाउँछ: "क्लाउड डेबसी एक फ्रान्सेली संगीतकार हुन्।" यी वर्षका धेरै कार्यहरू देशभक्तिको विषयवस्तुबाट प्रेरित छन्: "वीर लुलाबी", गीत "घरविहीन बच्चाहरूको क्रिसमस"; दुई पियानोको सूटमा "सेतो र कालो" डेबसीले साम्राज्यवादी युद्धको भयावहताको आफ्नो छाप व्यक्त गर्न चाहन्थे। ओड टु फ्रान्स र क्यान्टाटा जोन अफ आर्क अवास्तविक रह्यो।

हालैका वर्षहरूमा डेबसीको काममा, एकले विभिन्न विधाहरू फेला पार्न सक्छ जुन उसले पहिले सामना गरेको थिएन। च्याम्बर भोकल संगीतमा, डेबसीले फ्रान्कोइस भिलोन, चार्ल्स अफ अर्लिन्स र अन्यको पुरानो फ्रान्सेली कविताको लागि आत्मीयता फेला पार्छ। यी कविहरूसँग, उनी विषयको नवीकरणको स्रोत खोज्न चाहन्छन् र एकै समयमा पुरानो फ्रान्सेली कलालाई श्रद्धांजलि दिन चाहन्छन् जुन उसले सधैं माया गरेको छ। च्याम्बर इन्स्ट्रुमेन्टल संगीतको क्षेत्रमा, डेबसीले विभिन्न वाद्ययन्त्रहरूको लागि छ वटा सोनाटाको चक्रको कल्पना गर्दछ। दुर्भाग्यवश, उनले केवल तीनवटा लेख्न सफल भए - सेलो र पियानो (1915) को लागि एक सोनाटा, बाँसुरी, वीणा र भियोला (1915) को लागी एक सोनाटा र भायोलिन र पियानो (1916-1917) को लागी एक सोनाटा। यी रचनाहरूमा, डेबसीले सोनाटा रचनाको सट्टा सुइट रचनाको सिद्धान्तहरूको पालना गर्दछ, जसले गर्दा XNUMX औं शताब्दीका फ्रान्सेली संगीतकारहरूको परम्परालाई पुनर्जीवित गर्दछ। एकै समयमा, यी रचनाहरूले नयाँ कलात्मक प्रविधिहरू, उपकरणहरूको रंगीन रंग संयोजन (बांसुरी, वीणा र भियोलाको लागि सोनाटामा) को लागि निरन्तर खोजको प्रमाण दिन्छ।

पियानो कार्यमा आफ्नो जीवनको अन्तिम दशकमा डेबसीको कलात्मक उपलब्धिहरू विशेष गरी उत्कृष्ट छन्: "बालको कुना" (1906-1908), "खेलौना बक्स" (1910), चौबीस प्रस्तावना (1910 र 1913), "छ प्राचीन Epigraphs" चार हातमा (1914), बाह्र अध्ययन (1915)।

पियानो सुइट "बालको कुना" डेबसीकी छोरीलाई समर्पित छ। एक कडा शिक्षक, एक पुतली, सानो गोठालो, एक खेलौना हात्ती - आफ्नो सामान्य छविहरु मा एक बच्चा को आँखा मार्फत संगीत मा संसार प्रकट गर्ने इच्छा Debussy लाई व्यापक रूपमा दैनिक नृत्य र गीत विधाहरू, र व्यावसायिक संगीतको विधाहरू दुवै प्रयोग गर्दछ। एक विचित्र, व्यंग्यात्मक रूप मा - "द एलिफ्यान्ट्स लुलाबी" मा एक लोरी, "द लिटिल शेफर्ड" मा गोठालोको धुन, एक केक-वाक नृत्य जुन त्यस समयमा फैशनेबल थियो, उही नामको नाटकमा। तिनीहरूको छेउमा, "Doctor Gradus ad Parnassum" मा एक सामान्य अध्ययनले Debussy लाई नरम क्यारिकेचरको माध्यमबाट एक पेडन्ट-शिक्षक र एक बोर विद्यार्थीको छवि सिर्जना गर्न अनुमति दिन्छ।

Debussy को बाह्र etudes पियानो शैली को क्षेत्र मा उनको लामो-समय प्रयोगहरु संग जोडिएको छ, पियानो प्रविधि को नयाँ प्रकार को खोज र अभिव्यक्ति को माध्यम। तर यी कार्यहरूमा पनि, उहाँले विशुद्ध रूपमा virtuoso मात्र होइन, तर ध्वनि समस्याहरू पनि समाधान गर्न प्रयास गर्नुहुन्छ (दसौं ढाँचा भनिन्छ: "विपरीत सोनोरिटीहरूको लागि")। दुर्भाग्यवश, डेबसीका सबै स्केचहरूले कलात्मक अवधारणालाई मूर्त रूप दिन सकेनन्। तीमध्ये केही रचनात्मक सिद्धान्तमा हावी छन्।

पियानोको लागि उनको प्रस्तावना को दुई नोटबुक Debussy को सम्पूर्ण रचनात्मक मार्ग को लागी एक योग्य निष्कर्ष मान्नुपर्छ। यहाँ, जस्तै यो थियो, कलात्मक विश्वव्यापी दृष्टिकोण, रचनात्मक विधि र रचनाकार को शैली को सबै भन्दा विशेषता र विशिष्ट पक्षहरू केन्द्रित थिए। चक्रमा डेबसीको कामको लाक्षणिक र काव्यात्मक क्षेत्रको पूर्ण दायरा समावेश छ।

आफ्नो जीवनको अन्तिम दिन सम्म (उनी मार्च 26, 1918 मा जर्मन द्वारा पेरिस बमबारी को समयमा मृत्यु भयो), एक गम्भीर बीमारी को बावजूद, Debussy आफ्नो रचनात्मक खोज रोकेन। उसले नयाँ विषयवस्तु र प्लटहरू फेला पार्छ, परम्परागत विधाहरूमा फर्कन्छ, र तिनीहरूलाई विचित्र तरिकामा रिफ्रेक्ट गर्दछ। यी सबै खोजहरू डेबसीमा कहिले पनि आफैंमा अन्त्य हुँदैनन् - "नयाँको लागि नयाँ।" अन्य समकालीन संगीतकारहरूको कामको बारेमा हालैका वर्षहरूको काम र आलोचनात्मक कथनहरूमा, उनले सामग्रीको अभाव, फारमको जटिलता, संगीत भाषाको जानाजानी जटिलता, XNUMXth को अन्तमा पश्चिमी यूरोपको आधुनिकतावादी कलाका धेरै प्रतिनिधिहरूको विशेषताको अथक विरोध गर्दछ। र प्रारम्भिक XNUMX औं शताब्दी। उनले सहि टिप्पणी गरे: "सामान्य नियमको रूपमा, फारम र भावनालाई जटिल बनाउने कुनै पनि मनसायले लेखकसँग भन्नु केही छैन भनेर देखाउँदछ।" "संगीत हरेक पटक गाह्रो हुन्छ जब यो त्यहाँ छैन।" संगीतकारको जीवन्त र रचनात्मक दिमागले अथक रूपमा संगीत विधाहरू मार्फत जीवनसँग जडान खोज्छ जुन सुक्खा अकादमिकता र पतनशील परिष्कारले दबाइएन। यो संकटकालमा पूँजीवादी वातावरणको निश्चित वैचारिक सीमितताका कारण उनीजस्ता ठूला कलाकारहरूको पनि सिर्जनात्मक रुचीको संकीर्णताका कारण यी आकांक्षाहरूले डेबसीबाट वास्तविक निरन्तरता पाउन सकेनन्।

B. Ionin

  • Debussy को पियानो काम →
  • Debussy को सिम्फोनिक कार्यहरू →
  • फ्रान्सेली संगीत प्रभाववाद →

रचनाहरू:

ओपेरा - रोड्रिग र जिमेना (१८९१-९२, अन्त्य भएन), पेलेस र मेलिसान्डे (एम. मेटरलिंक पछि गीतात्मक नाटक, १८९३-१९०२, सन् १९०२ मा मञ्चन गरिएको, ओपेरा कमिक, पेरिस); ब्याले - खेलहरू (Jeux, lib. V. Nijinsky, 1912, post. 1913, tr Champs Elysees, Paris), Kamma (Khamma, 1912, पियानो स्कोर; Ch. Kouklen द्वारा आयोजित, फाइनल प्रदर्शन 1924, Paris), Toy Box (La) boîte à joujoux, Children's ballet, 1913, arranged for 2 fp., A. Caplet द्वारा orchestrated, c. 1923); एकल कलाकार, गायक र अर्केस्ट्राका लागि - ड्यानियल (क्यान्टाटा, 1880-84), वसन्त (प्रिन्टेम्प्स, 1882), कल (आह्वान, 1883; संरक्षित पियानो र भोकल पार्ट्स), प्रोडिगल सन (ल'एनफन्ट प्रोडिग, लिरिकल सीन, 1884), डायना इन द फरेस्ट (क्यान्टा। , T. de Banville, 1884-1886, समाप्त नभएको, The Chosen One (La damoiselle élue, lyric poem, अंग्रेजी कवि DG Rossetti द्वारा कविताको कथानकमा आधारित), जी। सरराजिन, 1887-88), Ode to France (Ode à la France, cantata, 1916-17, समाप्त भएन, Debussy को मृत्यु पछि MF Gaillard द्वारा स्केचहरू पूरा गरी छापिएका थिए); आर्केस्ट्रा को लागी - The Triumph of Bacchus (divertimento, 1882), Intermezzo (1882), Spring (Printemps, symphonic suite at 2 o'clock, 1887; Debussy, फ्रेन्च कम्पोजर र कन्डक्टर A. Busset, 1907 को निर्देशन अनुसार पुन: व्यवस्थित गरिएको) , Prelude to the Afternoon of a Faun (Prélude à l'après-midi d'un faune, S. Mallarme, 1892-94 द्वारा उही नाम को eclogue मा आधारित), Nocturnes: Clouds, Festivities, Sirens (Nocturnes: Nuages) , Fêtes; Sirènes, with Women's choir; 1897-99 ), The Sea (La mer, 3 सिम्फोनिक स्केच, 1903-05), छविहरू: Gigues (Caplet द्वारा सम्पन्न आर्केस्ट्रा), Iberia, Spring Dances (छवि: Gigues, Ibéria, Rondes de printemps, 1906-12); वाद्य र अर्केस्ट्राको लागि — सेलोको लागि सुइट (इन्टरमेजो, c. 1880-84), पियानोको लागि फ्यान्टासिया (1889-90), स्याक्सोफोनको लागि र्‍याप्सोडी (1903-05, अधूरा, जेजे रोजर-डुकास, पब्लिक 1919 द्वारा पूरा), नृत्य (वीणाको लागि स्ट्रिङ अर्केस्ट्रा, 1904), फर्स्ट र्‍यापसोडी फर क्लैरिनेट (1909-10, मूलतः क्लैरिनेट र पियानोको लागि); च्याम्बर वाद्य ensembles - पियानो ट्रायो (G-dur, 1880), स्ट्रिङ क्वार्टेट (g-moll, op. 10, 1893), सोनाटा फर फ्लूट, viola र वीणा (1915), सेलो र पियानो (d-moll, 1915), सोनाटा भायोलिन र पियानोको लागि (g-moll, 1916); पियानो 2 हात को लागी - जिप्सी नृत्य (डान्से बोहेमीन, १८८०), टु अरेबेस्क (१८८८), बर्गामास सुइट (१८९०-१९०५), ड्रीम्स (रेवेरी), बल्लाड (बलाडे स्लेभ), नृत्य (स्टायरियन टारान्टेला), रोमान्टिक वाल्ट्ज, नोक्टर्न, माजुर्का (सबै ६) नाटकहरू - 1880), सुइट (1888), प्रिन्ट्स (1890), आइल्याण्ड अफ जोय (L'isle joyeuse, 1905), मास्क (मास्क, 6), छविहरू (छविहरू, 1890st श्रृंखला, 1901; दोस्रो श्रृंखला, 1903), बाल कुना (बालको कुना, पियानो सुइट, 1904-1904), चौबीस प्रिल्युड्स (पहिलो नोटबुक, 1; दोस्रो नोटबुक, 1905-2), हिरोइक लोरी (बर्सियस हेरोइक, 1907; आर्केस्ट्रा संस्करण, 1906 08, 1) र अन्य; पियानो 4 हात को लागी - Divertimento र Andante cantabile (c. 1880), सिम्फनी (h-moll, 1 घण्टा, 1880, मस्कोमा फेला परेको र प्रकाशित, 1933), Little Suite (1889), स्कटिश मार्च अन अ फोक थिम (Marche écossaise sur un thème populaire) , 1891, Debussy द्वारा सिम्फोनिक अर्केस्ट्राको लागि पनि ट्रान्सक्रिप्ट गरिएको छ), सिक्स एन्टिक एपिग्राफ्स (सिक्स एपिग्राफ एन्टिक, 1914), आदि।; २ पियानो ४ हातका लागि – लिन्डराज (लिन्डराज, १९०१), सेतो र कालोमा (En blanc et noir, suite of 1901 pieces, 3); बाँसुरीको लागि - प्यानको बाँसुरी (सिरिन्क्स, १९१२); क्याप्पेला गायकहरूको लागि - चार्ल्स डी'ओर्लिन्सका तीन गीतहरू (1898-1908); आवाज र पियानो को लागी - गीत र रोमान्स (टी. डे बनभिल, पी. बोर्गेट, ए. मुसेट, एम. बाउचर, सी. 1876 द्वारा गीत), तीन रोमान्स (एल. डे लिस्ले द्वारा गीत, 1880-84), बाउडेलेयर द्वारा पाँच कविता (1887) - 89), बिर्सिएको एरिएट्स (Ariettes ubliées, P. Verlaine द्वारा लिरिक्स, 1886-88), दुई रोमान्स (वर्ड्स by Bourget, 1891), थ्री मेलडीज (वर्ड्स by Verlaine, 1891), Lyric prose (proses lyriques, lyrics by D. , 1892-93), गीतहरू अफ बिलाइटिस (चान्सन्स डे बिलिटिस, पी. लुइस द्वारा गीत, 1897), थ्री सॉन्ग्स अफ फ्रान्स (ट्रोइस चान्सन्स डे फ्रान्स, सी. ओरलिन्स र टी. हर्मिट द्वारा गीत, 1904), तीन गीतहरू गीत। F. Villon (1910), S. Mallarmé द्वारा तीन कविता (1913), अब आश्रय नभएका बच्चाहरूको क्रिसमस (Noël des enfants qui n'ont plus de maison, Debussy द्वारा गीत, 1915), आदि; नाटक थिएटर प्रदर्शन को लागी संगीत - किंग लियर (स्केच र स्केच, 1897-99), द मार्टर्डम अफ सेन्ट सेबास्टियन (जी. डी'अनुन्जियो, 1911 द्वारा उही नामको ओरेटोरियो-रहस्यको लागि संगीत); transcriptions - KV Gluck, R. Schumann, C. Saint-Saens, R. Wagner, E. Satie, PI Tchaikovsky (ब्याले "स्वान लेक" बाट 3 नृत्यहरू), आदि द्वारा कार्यहरू।

जवाफ छाड्नुस्