비톨트 루토스와프스키 |
비톨트 루토스와프스키
Witold Lutosławski는 길고 다사다난한 창의적인 삶을 살았습니다. 노년기까지 그는 자신에 대한 최고의 요구와 자신의 이전 발견을 반복하지 않고 글쓰기 스타일을 업데이트하고 변경할 수 있는 능력을 유지했습니다. 작곡가가 사망한 후에도 그의 음악은 계속 활발하게 연주되고 녹음되어 쇼팽 이후 폴란드 국민 클래식인 Karol Szymanowski와 Krzysztof Penderecki에 대한 모든 존경심과 함께 Lutosławski의 주요 명성을 확인했습니다. Lutosławski의 거주지는 생애가 끝날 때까지 바르샤바에 남아 있었지만 그는 쇼팽보다 훨씬 더 국제적인 세계 시민이었습니다.
1930년대에 Lutosławski는 바르샤바 음악원에서 공부했으며 그곳에서 그의 작곡 교사는 NA Rimsky-Korsakov, Witold Malishevsky(1873–1939)의 제자였습니다. 제1914차 세계대전은 Lutosławski의 성공적인 피아니스트이자 작곡 경력을 방해했습니다. 폴란드의 나치 점령 기간 동안 음악가는 바르샤바 카페에서 피아노를 연주하는 것으로 공개 활동을 제한했으며 때로는 다른 유명한 작곡가 Andrzej Panufnik (1991-24)과 듀엣으로 활동했습니다. 이러한 형태의 음악 제작은 Lutoslawsky의 유산뿐만 아니라 피아노 듀엣을 위한 전 세계 문학에서 가장 인기 있는 작품 중 하나인 파가니니 주제에 따른 변주곡(주제 이러한 변주곡과 "파가니니의 주제에 관한" 다양한 작곡가의 다른 많은 작품들에서 독주 바이올린을 위한 파가니니의 유명한 XNUMX번 카프리스의 시작이었습니다. XNUMX년 후 Lutosławski는 널리 알려진 버전인 피아노와 관현악을 위한 변주곡을 필사했습니다.
제 1950 차 세계 대전이 끝난 후 동유럽은 스탈린주의 소련의 보호령이되었고 철의 장막 뒤에서 자신을 발견 한 작곡가들에게는 세계 음악의 주요 경향에서 고립 된 기간이 시작되었습니다. Lutoslawsky와 그의 동료들에 대한 가장 급진적인 기준점은 Bela Bartok의 작품에 대한 민속적 방향과 전간기 프랑스 신고전주의였으며, 가장 큰 대표자는 Albert Roussel(루토슬라프스키는 항상 이 작곡가를 높이 평가했습니다)과 1951중주 사이 기간의 Igor Stravinsky였습니다. 바람과 교향곡 C 장조. 사회주의 리얼리즘의 교리에 순종해야 할 필요성으로 인해 자유가 부족한 상황에서도 작곡가는 신선하고 독창적 인 작품을 많이 만들었습니다 (실내 오케스트라를위한 작은 모음곡, 1952, 소프라노 및 오케스트라를위한 실레 지아 삼부작 민속 단어 , 1947; Bukoliki) 피아노, 1954). Lutosławski 초기 스타일의 정점은 교향곡 1948번(XNUMX)과 관현악 협주곡(XNUMX)입니다. 교향곡이 루셀과 스트라빈스키의 신고전주의에 더 가깝다면(XNUMX년에 "형식주의자"로 비난받았고 폴란드에서 몇 년 동안 연주가 금지됨) 민속 음악과의 연관성은 협주곡에서 명확하게 표현됩니다. Bartók의 스타일을 생생하게 연상시키는 포크 인토네이션으로 작업하는 것은 여기서 폴란드 소재에 훌륭하게 적용됩니다. 두 악보 모두 Lutoslawski의 추가 작업에서 개발된 기능을 보여주었습니다. 기교적인 오케스트레이션, 풍부한 대조, 대칭 및 규칙적 구조의 부족(불균일한 길이의 구문, 들쭉날쭉한 리듬), 내러티브 모델에 따라 큰 형식을 구성하는 원리 상대적으로 중립적인 설명, 플롯을 전개할 때의 매혹적인 우여곡절, 고조되는 긴장과 화려한 비난.
1950년대 중반의 해동은 동유럽 작곡가들에게 현대 서양 기법을 시도할 수 있는 기회를 제공했습니다. Lutoslavsky는 그의 많은 동료들과 마찬가지로 1958음법에 단기적으로 매혹되었습니다. 새로운 비엔나 아이디어에 대한 그의 관심의 결실은 Bartók의 현악 오케스트라를 위한 장례식 음악(1957)이었습니다. 여성 목소리와 피아노를 위한 더 겸손하지만 더 독창적인 "Kazimera Illakovich의 시에 관한 다섯 노래"(XNUMX; XNUMX년 후 저자는 실내 오케스트라와 함께 여성 목소리를 위해 이 주기를 수정했습니다)는 같은 시기에 만들어졌습니다. 노래의 음악은 완전한 수직을 형성하는 음정의 비율에 의해 색상이 결정되는 XNUMX음 화음의 광범위한 사용으로 유명합니다. 이러한 종류의 화음은 XNUMX음-연속 맥락에서 사용되지 않고 독립적인 구조적 단위로 사용되며 각각 고유한 음질을 부여받으며 작곡가의 모든 후기 작업에서 중요한 역할을 합니다.
Lutosławski의 진화의 새로운 단계는 1950년대와 1960년대의 전환기에 챔버 오케스트라를 위한 베네치아 게임과 함께 시작되었습니다(이 상대적으로 작은 1961부작 작품은 XNUMX년 베니스 비엔날레에서 의뢰되었습니다). 여기에서 Lutoslavsky는 먼저 다양한 악기 부분이 완전히 동기화되지 않은 오케스트라 텍스처를 구성하는 새로운 방법을 테스트했습니다. 지휘자는 작품의 일부 섹션의 연주에 참여하지 않습니다. 그는 섹션이 시작되는 순간을 표시할 뿐이며, 그 후 각 음악가는 지휘자의 다음 신호가 나타날 때까지 자유로운 리듬으로 자신의 역할을 연주합니다. 전체적으로 작곡의 형식에 영향을 미치지 않는 이 다양한 앙상블 우연학은 때때로 "우연 대위법"이라고 불립니다(라틴어 alea에서 유래한 우연학은 일반적으로 작곡이라고 합니다. 수행된 작업의 형태나 질감이 다소 예측할 수 없는 방식). 대부분의 Lutosławski의 악보는 베네치아 게임으로 시작하여 엄격한 리듬(battuta, 즉 "[지휘자의] 지팡이 아래")으로 연주되는 에피소드와 우발적인 대위법(ad libitum – "at will")의 에피소드가 번갈아 가며 연주됩니다. 동시에 임의의 조각은 종종 정적 및 관성과 관련되어 무감각, 파괴 또는 혼돈의 이미지를 생성하고 활동적인 점진적 개발과 함께 바투타를 분할합니다.
일반적인 구성 개념에 따르면 Lutoslawsky의 작품은 매우 다양하지만(각 연속 악보에서 그는 새로운 문제를 해결하려고 노력함) 그의 성숙한 작품에서 우세한 위치는 현악 사중주에서 처음 테스트된 두 부분으로 구성된 구성 체계가 차지했습니다. (1964): 부피가 더 작은 첫 번째 단편적인 부분은 의도적인 움직임으로 가득 찬 두 번째 부분에 대한 자세한 소개를 제공하며 작업이 끝나기 직전에 절정에 이릅니다. 현악 사중주의 각 부분은 극적인 기능에 따라 "도입 악장"("입문 부분" – 영어) 및 "주 악장"("주요 부분" – 영어)이라고 합니다. 더 큰 규모에서 동일한 계획이 교향곡 1967번(1968)에서 구현되며, 첫 번째 악장은 "He'sitant"("Hesitating" - 프랑스어), 두 번째 - "직접"("직선" - 프랑스어) ). "오케스트라를 위한 책"(1970; 이 "책"은 짧은 막간으로 서로 분리된 세 개의 작은 "장"과 크고 다사다난한 마지막 "장"으로 구성됨), 첼로 협주곡은 수정되거나 복잡한 버전의 같은 계획. 오케스트라와 함께(1983), 교향곡 40번(1972). Lutosławski의 가장 긴 작품(약 XNUMX분), XNUMX개의 독주현을 위한 전주곡과 푸가(XNUMX)에서 도입부의 기능은 다양한 등장인물의 XNUMX개의 전주곡 체인에 의해 수행되는 반면, 주요 악장의 기능은 힘차게 펼쳐지는 푸가. 지칠 줄 모르는 독창성으로 변화된 두 부분으로 구성된 계획은 다양한 우여곡절이 가득한 Lutosławski의 기악 "드라마"를 위한 일종의 매트릭스가 되었습니다. 작곡가의 성숙한 작품에서 "폴란드함"의 명확한 징후를 찾을 수 없으며 신낭만주의 또는 기타 "신양식"에 대한 욕설도 찾을 수 없습니다. 그는 다른 사람의 음악을 직접 인용하는 것은 고사하고 문체 암시에 의존하지 않습니다. 어떤 의미에서 Lutosławski는 고립된 인물입니다. 아마도 이것이 XNUMX 세기의 고전이자 원칙에 입각 한 국제적인 사람으로서의 그의 지위를 결정하는 것일 것입니다. 그는 청취자에게 친숙하지만 전통 및 기타 새로운 음악의 흐름과 매우 간접적으로 연결된 자신 만의 절대적으로 독창적 인 세계를 만들었습니다.
Lutoslavsky의 성숙한 조화 언어는 매우 개별적이며 12음 콤플렉스를 사용한 선조 작업과 이들로부터 분리된 건설적인 음정 및 자음을 기반으로 합니다. 첼로 협주곡을 시작으로 Lutosławski의 음악에서 확장되고 표현력이 풍부한 멜로디 라인의 역할이 증가하고 후기 요소에서 그로테스크와 유머가 강화됩니다(오케스트라를 위한 노벨레트, 1979; 오보에, 하프 및 실내 오케스트라를 위한 이중 협주곡 피날레, 1980; 소프라노와 오케스트라를 위한 노래 주기 송꽃과 노래 이야기, 1990). Lutosławski의 화성적이고 선율적인 글쓰기는 고전적인 음조 관계를 배제하지만 음조 집중의 요소를 허용합니다. Lutosławski의 후기 주요 작품 중 일부는 낭만주의 기악의 장르 모델과 관련이 있습니다. 따라서 모든 작곡가의 오케스트라 악보 중 가장 야심 찬 교향곡 1988번은 드라마로 가득하고 대조가 풍부하며 기념비적인 1악장 단일 주제 구성의 원리가 원래 구현되었으며 피아노 협주곡(14)은 다음과 같은 라인을 계속합니다. "그랜드 스타일"의 찬란한 로맨틱 피아니즘. "사슬"이라는 일반적인 제목의 세 작품도 후기에 속합니다. "Chain-1983"(3개 악기용, 1986년) 및 "Chain-2"(오케스트라용, 1985년)에서 질감, 음색 및 선율-화음이 다른 짧은 섹션의 "연결"(부분 오버레이) 원리 특성은 필수적인 역할을 합니다( "전주곡과 푸가" 주기의 전주곡은 유사한 방식으로 서로 관련되어 있습니다). 형식 면에서 덜 특이한 것은 Chain-XNUMX(XNUMX)로, 본질적으로 XNUMX악장 바이올린 협주곡(전통적인 빠름-느림-빠름 패턴에 따라 도입부와 XNUMX악장이 번갈아 가며 나타남)으로 Lutoslawsky가 자신이 가장 좋아하는 XNUMX성부를 포기하는 드문 경우입니다. 계획.
작곡가의 성숙한 작품의 특별한 라인은 다양한 지휘자가 지휘하는 합창단과 오케스트라를 위한 "Henri Michaud의 세 편의 시"(1963), 테너와 실내악 오케스트라를 위한 4개의 파트로 된 "Weaved Words"(1965) 등 큰 성악 작품으로 표현됩니다. ), 바리톤과 오케스트라를 위한 "수면의 공간"(1975) 및 이미 언급한 XNUMX부작 "송꽃과 노래 이야기". 그들 모두는 프랑스 초현실주의 구절을 기반으로합니다 ( "Weaved Words"텍스트의 저자는 Jean-Francois Chabrin이고 마지막 두 작품은 Robert Desnos의 말로 작성되었습니다). 어린 시절부터 Lutosławski는 프랑스어와 프랑스 문화에 대한 특별한 공감을 가지고 있었고 그의 예술적 세계관은 초현실주의의 특징적인 의미의 모호함과 애매함에 가깝습니다.
Lutoslavsky의 음악은 기교의 요소가 명확하게 표현된 콘서트 광채로 유명합니다. 뛰어난 아티스트가 기꺼이 작곡가와 협력하는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그의 작품의 첫 번째 해석자 중에는 Peter Pearce(Woven Words), Lasalle Quartet(현악 사중주), Mstislav Rostropovich(첼로 협주곡), Heinz 및 Ursula Holliger(실내 오케스트라와 오보에 및 하프를 위한 이중 협주곡), Dietrich Fischer-Dieskau( "Dream Spaces"), Georg Solti(교향곡 1984번), Pinchas Zuckermann(바이올린과 피아노를 위한 파르티타, 2), Anne-Sophie Mutter(바이올린과 오케스트라를 위한 "Chain-XNUMX"), Krystian Zimerman(피아노와 오케스트라를 위한 협주곡) 우리 위도에서는 덜 알려져 있지만 절대적으로 훌륭한 노르웨이 가수 Solveig Kringelborn ( "Songflowers and Songtales"). Lutosławski 자신은 흔하지 않은 지휘자의 재능을 가지고 있었습니다. 그의 몸짓은 표현력이 뛰어나고 기능적이었지만 정확성을 위해 예술성을 희생한 적은 결코 없었습니다. 지휘 레퍼토리를 자신의 작곡으로 제한한 Lutoslavsky는 여러 국가의 오케스트라와 함께 연주하고 녹음했습니다.
Lutosławski의 풍부하고 지속적으로 성장하는 음반은 여전히 원본 녹음이 지배하고 있습니다. 그 중 가장 대표적인 것이 최근 필립스와 EMI가 발매한 더블 앨범에 수록되어 있다. 내 생각에 첫 번째(“The Essential Lutoslawski”—Philips Duo 464 043)의 가치는 주로 Holliger 배우자와 Dietrich Fischer-Dieskau가 각각 참여하는 이중 협주곡과 “수면의 공간”에 의해 결정됩니다. ; 여기에 나오는 베를린 필하모닉과의 교향곡 573833번에 대한 저자의 해석은 이상하게도 기대에 부응하지 못합니다(내가 아는 한 영국 방송 공사 심포니 오케스트라와 함께한 훨씬 더 성공적인 저자의 녹음은 CD로 전송되지 않았습니다) ). 두 번째 앨범 "Lutoslawski"(EMI Double Forte 2-1970)는 1995년대 중반 이전에 만들어진 제대로 된 관현악 작품만 수록되어 있어 더욱 고른 퀄리티를 자랑합니다. 이 녹음에 참여한 Katowice의 폴란드 라디오의 우수한 국립 오케스트라는 나중에 작곡가가 사망 한 후 2001 년부터 디스크로 출시 된 그의 오케스트라 작품의 거의 완전한 컬렉션 녹음에 참여했습니다. Naxos 회사(66280년 67189월까지 1개의 디스크가 출시됨). 이 컬렉션은 모든 찬사를 받을 자격이 있습니다. 오케스트라의 예술 감독인 안토니 비트(Antoni Wit)는 명확하고 역동적인 방식으로 지휘하고, 콘서트에서 독주 파트를 연주하는 기악 연주자와 성악가(주로 폴란드인)는 저명한 전임자들보다 열등하더라도 극소수입니다. 또 다른 주요 회사 인 Sony는 피아노 협주곡, Spaces of Sleep, Songflowers 및 Songtales뿐만 아니라 두 번째, 세 번째 및 네 번째 교향곡 (제 생각에는 덜 성공적이었습니다)의 두 장의 디스크 (SK XNUMX 및 SK XNUMX)로 발표했습니다. 이 녹음에서 로스엔젤레스 필하모닉 오케스트라는 Esa-Pekka Salonen(작곡가 자신, 일반적으로 높은 별칭을 사용하지 않는 이 지휘자를 "경이로운"XNUMX이라고 함)이 지휘하고 솔리스트는 Paul Crossley(피아노), John Shirley입니다. -Quirk(바리톤), Don Upshaw(소프라노)
유명한 회사의 CD에 녹음된 저자의 해석으로 돌아가서 첼로 협주곡(EMI 7 49304-2), 피아노 협주곡(Deutsche Grammophon 431 664-2) 및 바이올린 협주곡의 뛰어난 녹음을 언급하지 않을 수 없습니다. Chain- 2”(Deutsche Grammophon 445 576-2)는 이 세 작품을 바친 거장들, 즉 각각 Mstislav Rostropovich, Krystian Zimermann 및 Anne-Sophie Mutter의 참여로 공연되었습니다. Lutoslawsky의 작업에 아직 익숙하지 않거나 거의 익숙하지 않은 팬을 위해 먼저 이 녹음을 참조하는 것이 좋습니다. 세 협주곡 모두 음악 언어의 현대성에도 불구하고 그들은 쉽게 그리고 특별한 열정으로 듣습니다. Lutoslavsky는 원래 의미에 따라 "콘서트"라는 장르 이름을 해석했습니다. 말) 용기. 말할 필요도 없이 Rostropovich, Zimerman 및 Mutter는 진정한 챔피언 수준의 기량을 보여 주며, Lutoslavsky의 음악이 처음에는 독특하거나 낯설게 보일지라도 그 자체로 편견없는 청취자를 기쁘게 할 것입니다. 그러나 Lutoslavsky는 많은 현대 작곡가와 달리 항상 그의 음악 회사의 청취자가 낯선 사람처럼 느껴지지 않도록 노력했습니다. 모스크바 음악 학자 II Nikolskaya와의 가장 흥미로운 대화 모음에서 다음 단어를 인용 할 가치가 있습니다. 그러나 나는 가능한 한 많은 청취자와 지지자를 얻는 목표를 설정하지 않습니다. 나는 정복하고 싶지 않지만 내 청취자를 찾고 나와 같은 생각을 가진 사람들을 찾고 싶습니다. 이 목표를 어떻게 달성할 수 있습니까? 최대한의 예술적 정직성, 기술적 세부 사항에서 가장 비밀스럽고 친밀한 깊이에 이르기까지 모든 수준에서 표현의 진정성을 통해서만 가능하다고 생각합니다. 가장 고통스러운 질병 중 하나 – 외로움” .
레본 하코피안
