연극 음악 |

연극 음악 - 드라마 공연을 위한 음악. 무대에 참여하는 다른 유형의 예술과 합성되는 극장. 드라마의 구현. 음악은 극작가가 제공할 수 있으며 일반적으로 줄거리에 의해 동기가 부여되며 일상적인 장르(신호, 팡파르, 노래, 행진, 춤)를 넘지 않습니다. 뮤즈. 감독과 작곡가의 요청으로 공연에 도입된 에피소드는 일반적으로 보다 일반화된 성격을 가지며 직접적인 플롯 동기가 없을 수 있습니다. 티엠 현역 극작가이다. 큰 의미 및 형성적 중요성의 요소; 그녀는 감정적 인 분위기를 조성하고 DOS를 강조 할 수 있습니다. 연극의 아이디어(예: 괴테의 드라마 Egmont의 음악에서 베토벤의 승리의 교향곡, 푸쉬킨의 모차르트와 살리에리에서 모차르트 레퀴엠의 음악), 행동의 시간과 장소를 지정하고, 캐릭터를 특성화하고, 영향 퍼포먼스의 템포와 리듬, 메인 하이라이트. 절정, 억양을 통해 연주에 통일성을 부여합니다. 개발 및 기조연설. 극작가의 기능에 따르면 음악은 무대에서 일어나는 일과 조화를 이룰 수도 있고(음악적 자음 배경) 대조될 수도 있다. 무대의 범위를 벗어난 음악을 구별하십시오. 액션(서곡, 인터미션, 헤드피스) 및 무대 내. 음악은 공연을 위해 특별히 작성되거나 이미 알려진 작곡의 단편으로 구성될 수 있습니다. 숫자의 규모는 조각에서 여러 개에 이르기까지 다양합니다. 주기 또는 otd. 큰 교향곡에 사운드 콤플렉스(소위 악센트). 에피소드. 티엠 작곡가는 극의 장르, 극작가의 스타일, 행위가 일어나는 시대, 감독의 의도에 따라 자신의 의도를 일치시켜야 한다.

t의 역사. m. 종교에서 물려받은 가장 오래된 유형의 연극으로 거슬러 올라갑니다. 그들의 합성의 의식 행동. 문자. 고대와 고대 동쪽에서. 드라마, 음악, 대등한 춤. 다른 그리스어로. 디티람브에서 생겨난 비극, 뮤즈. 기초는 합창단이었다. 악기 반주 합창: 들어갑니다. 합창단의 노래(패러디), 중앙. 노래(스타시마), 결론. 합창단 (eksod), 춤을 동반하는 합창단 (emmeley), 가사. 배우와 합창단의 대화 불만 (kommos). 인도의 클래식. 극장은 뮤지컬 드라마가 선행되었습니다. 침대 극장의 종류. 공연: 릴라(음악 무용 드라마), 카타칼리(무언극), 약샤가나(춤, 대화, 낭독, 노래의 결합) 등 나중에 공업. 극장은 음악과 춤을 지켰다. 자연. 고래 극장의 역사에서 주연은 혼합 연극 뮤즈에 속합니다. 표현; 음악과 드라마의 합성은 주요 극장 중 한 곳에서 독특한 방식으로 수행됩니다. 중세의 장르 - 자주. 자주에서는 한 캐릭터를 중심으로 액션이 집중되어 각 막에서 여러 캐릭터를 수행했습니다. 주어진 상황에 대해 정식화된 특별한 곡에 대한 아리아. 이런 종류의 아리아는 일반화의 순간, 감정의 집중입니다. 전압. 일본에서는 오래된 유형의 극장에서. 표현은 특히 bugaku(8세기) – predv. 가가쿠 음악과 함께하는 공연(일본 음악 참조). 노(14~15세기), 조루리(16세기), 가부키(17세기)에서 음악도 중요한 역할을 합니다. 특정 목소리로 된 텍스트의 발음을 끌어내는 선언적 멜로디 기반으로 만들어진 연극은 없습니다. 우표. 합창단은 행동에 대해 논평하고, 대화를 수행하고, 내레이션을 하고, 춤을 반주합니다. 도입부는 방랑의 노래(미유키)이며, 절정에는 사색의 춤(유겐)이 공연됩니다. 조루리에서 - 오래된 일본어. 인형극 – 가수이자 내레이터는 나르의 정신으로 무언극과 함께 성가를 부릅니다. 샤미센 반주에 의한 서사시. 가부키 극장에서는 텍스트도 노래하고 공연은 나르 오케스트라가 반주합니다. 도구를 제공합니다. 연기와 직접적으로 관련된 음악은 가부키에서 "데가타리"라고 불리며 무대에서 연주됩니다. 음향 효과 (genza ongaku) ​​​​​​​​자연의 소리와 현상을 상징적으로 묘사합니다 (나지만 두드리는 소리는 비 또는 물 튀는 소리를 전달하고, 특정 노크는 눈이 내렸다는 것을 나타내고, 특수 판에 타격은 모양을 의미합니다. 달 등), 그리고 음악가 – 공연자는 대나무 막대의 스크린 뒤에 배치됩니다. 극의 시작과 끝에서 큰 북(의례악)이 울리고, 막이 오르내릴 때 '기'판이 연주되고, '세라쥬'의 순간에 특별한 음악이 연주된다-풍경 무대 위로 올려집니다. 가부키에서 음악은 중요한 역할을 합니다. 무언극(담마리)과 춤의 반주.

중세 시대. 기력. 유럽, 극장이 있는 곳. 고대의 유산은 망각에 맡겨졌다, 교수. 드라마를 발전시켰다. 아. 교회 소송에 따라. 9-13세기에. 가톨릭 교회에서 성직자는 제단 위도 앞에서 연주했습니다. 전례 드라마; 14-15세기에. 전례 드라마는 국립에서 성전 밖에서 수행되는 대화로 신비로 발전했습니다. 언어. 세속적인 환경에서 음악은 출현하는 동안 울려 퍼졌습니다. 축제, 가장 무도회 행렬, 나르. 표현. 교수로부터. 세속적인 중세 시대를 위한 음악. 공연은 Adam de la Halle의 "The Game of Robin and Marion"을 보존했는데, 여기서 작은 노래 번호(비렐, 발라드, 론도)가 번갈아 가며 wok입니다. 대화, instr과의 춤. 호위.

르네상스 시대, 서유럽. 예술은 고대의 전통으로 바뀌었습니다. 극장; 비극, 희극, 목가적인 것이 새로운 땅에서 번성했습니다. 일반적으로 그들은 멋진 뮤즈와 함께 무대에 올랐습니다. 우화적 막간. 그리고 신화. wok으로 구성된 콘텐츠. 마드리갈 스타일의 숫자와 춤(A. della Viola의 음악과 함께 하는 Chintio의 연극 "Orbecchi", 1541년; ​​C. Merulo의 음악과 함께 Dolce의 "Trojanki", 1566년; A. Gabrieli의 음악과 함께 Giustiniani의 "Oedipus", 1585년) ; C. 몬테베르디의 음악과 함께 타소의 "Aminta", 1628). 이 기간 동안 음악(레치타티보, 아리아, 춤)이 출현하는 동안 자주 울렸습니다. 가장 무도회, 축제 행렬(예: 이탈리아어 Canti, Trionfi). 16세기에 다각형을 기반으로 합니다. madrigal 스타일은 특별한 합성을 발생했습니다. 장르 - 마드리갈 코미디.

영어는 T의 역사에서 가장 중요한 단계 중 하나가 되었습니다. m. 16세기 극장 W. 셰익스피어와 그의 동시대인 - 극작가 F. 보몬트와 J. 플레처 – 영어로. Elizabethan 시대의 극장은 소위 안정적인 전통을 발전 시켰습니다. 부수적인 음악 – 작은 플러그인 뮤즈. 드라마에 유기적으로 포함된 숫자. 셰익스피어의 희곡은 노래, 발라드, 춤, 행렬, 팡파르 인사, 전투 신호 등의 공연을 규정한 작가의 말들로 가득하다. 그의 비극에 대한 많은 음악과 에피소드가 가장 중요한 극작을 수행합니다. 기능(오필리아와 데스데모나의 노래, 햄릿의 장례 행진, 코리올라누스, 헨리 XNUMX세, 로미오와 줄리엣의 캐풀렛 무도회에서 춤). 이 시기의 작품은 다수의 뮤지컬 무대 공연이 특징입니다. 무대에 따라 특별한 악기 선택을 포함한 효과. 상황: 프롤로그와 에필로그에서 고위급 인물이 나올 때 팡파르가 울렸고, 천사, 귀신 등 초자연적 존재가 등장했다. 힘 – 트럼펫, 전투 장면에서 – 드럼, 양치기 장면에서 – 오보에, 사랑 장면에서 – 플루트, 사냥 장면에서 – 호른, 장례식 행렬에서 – 트롬본, 가사. 노래는 류트를 동반했다. "글로브" t-re에서는 저자가 제공한 음악 외에도 도입부, 휴식 시간이 있었고 종종 텍스트가 음악(멜로드라마)을 배경으로 발음되었습니다. 작가의 생애 동안 셰익스피어의 공연에서 연주된 음악은 보존되지 않았습니다. 영어 에세이에만 알려져 있습니다. 유신 시대 (2 세기 후반)의 저자. 이때 영웅이 극장을 지배했습니다. 드라마와 가면. 영웅 장르의 공연. 드라마는 음악으로 가득 차 있었다. 구두 텍스트는 실제로 뮤즈를 하나로 묶었습니다. 재료. 영국에서 유래한 가면. 17세기에 종교개혁 기간에 공공극장으로 옮겨져 장엄한 분업의 성격을 유지했습니다. 가면의 정신으로 16세기에 많은 것들이 다시 만들어졌습니다. 셰익스피어의 희곡(J. 배니스터와 M. 로크는 "한여름 밤의 꿈"을 기반으로 한 "요정 여왕"과 G. 퍼셀). 영어에서 두드러진 현상. T. m. 이 시간의 작품은 G. 퍼셀. 그의 작품 대부분은 T. m. 그러나 뮤즈의 독립성으로 인해 그들 중 많은 수가 있습니다. 연극과 최고의 음악이 오페라(예언자, 요정여왕, 폭풍우 등의 작품을 세미 오페라라고 함)에 가까워지고 있습니다. 나중에 영국 토양은 새로운 합성 물질을 형성했습니다. 장르 - 발라드 오페라. 제작자 J. 게이와 J. Pepusch는 Nar의 노래와 대화 장면의 교대로 "거지의 오페라"(17)의 극작을 만들었습니다. 정신. 영어로. 드라마도 G. F.

스페인에서는 nat의 개발 초기 단계입니다. 고전 드라마는 연극과 뮤즈가 혼합된 에클로그(양치기의 짧은 서사시) 및 희극뿐만 아니라 랩프레젠테이션(성스러운 공연) 장르와 관련이 있습니다. 찌르다. 노래 공연, 시 낭송, 춤, 전통이 zarzuelas에서 계속되었습니다. 가장 큰 스페인 예술가의 활동은 이러한 장르의 작업과 연결됩니다. 시인과 작곡가. X. 델 엔시나(1468-1529). 2층에서. Lope de Vega와 P. Calderon의 드라마에서 16-17세기에는 합창단과 발레 공연이 공연되었습니다.

프랑스에서는 레시타티보, 합창단, 인스트루먼트. J. Racine과 P. Corneille의 고전주의 비극에 대한 에피소드는 M. Charpentier, JB Moreau 등이 작성했습니다. JB Molière와 JB Lully의 공동 작업 - 코미디-발레("결혼은 비자발적으로", "엘리스의 공주", "Mr. de Pursonyak", "Georges Dandin" 등). 대화식 대화는 여기에서 레시타티보, 아리아, 춤으로 번갈아 나타납니다. 프랑스 전통의 출구(엔트레). 조언 발레(ballet de cour) 1층. 17 세기

18세기 프랑스에서 최초의 제품이 등장했습니다. 멜로 드라마 장르에서 – 가사. O. Coignet의 음악으로 1770년에 공연된 Rousseau의 무대 "Pygmalion"; 그 뒤를 이어 Venda의 Ariadne auf Naxos(1774)와 Pygmalion(1779), Nefe의 Sofonisba(1782), Mozart의 Semiramide(1778, 보존되지 않음), Fomin의 Orpheus(1791), Deaf and a Beggar(1802)가 뒤따랐습니다. ) 및 Holcroft의 The Mystery(1807).

2층까지. 연극을 위한 18세기 음악. 공연은 종종 드라마의 내용과 가장 일반적으로 연결되어 있었고 한 공연에서 다른 공연으로 자유롭게 이동할 수 있었습니다. 독일 작곡가이자 이론가인 I. Scheibe는 "Critischer Musicus"(1737-40)에서, G. Lessing은 "Hamburg Dramaturgy"(1767-69)에서 무대에 대한 새로운 요구 사항을 제시했습니다. 음악. “초기 교향곡은 연극 전체와 연결되어야 하며, 전작의 끝과 다음 행동의 시작이 있는 휴식 시간… 음악을 작곡할 때 주인공과 극의 주요 아이디어를 파악하고 안내를 받습니다.”(I. Sheibe). “우리 희곡의 오케스트라는 고대 합창단을 어떤 식으로든 대체하기 때문에 감정가들은 오랫동안 음악의 본질이 … 연극의 내용과 더 일관성을 유지하기를 바라는 바램을 표명해 왔습니다. 레싱). 티엠 WA Mozart(1779년 Gebler의 드라마 "Tamos, King of Egypt")와 J. Haydn(극 "Alfred, 또는 King - 애국자" Bicknell, 1796); 그러나 괴테의 에그몽(1810)에 대한 L. 베토벤의 음악은 일반적으로 극의 중요한 순간의 내용을 전달하는 일종의 연극인 연극의 운명에 가장 큰 영향을 미쳤다. 대규모의 완전한 형식 교향곡의 중요성이 높아졌습니다. 에피소드(서곡, 인터미션, 피날레)는 공연과 분리되어 마지막에 공연될 수 있습니다. 무대("Egmont"의 음악에는 괴테의 "Songs of Clerchen", 멜로드라마 "Death of Clerchen", "Egmont's Dream"도 포함됨).

티엠 19 세기. 베토벤이 설명한 방향으로 발전했지만 낭만주의의 미학 조건에서 발전했습니다. 제품 중 1층. F. Schubert의 19세기 음악에서 G. von Chezy(1823)의 "Rosamund", C. Weber의 "Turandot"에서 F. Schiller(1809) 및 Wolff(1821)의 "Preziosa" 번역, F Mendelssohn에서 Hugo의 "Ruy Blas", 셰익스피어의 "A Midsummer Night's Dream"(1843), Racine의 "Oedipus in Colon" 및 "Atalia"(1845), R. Schumann에서 "Manfred" Byron(1848-51) . 괴테의 파우스트에서 음악에는 특별한 역할이 할당됩니다. 저자는 많은 수의 웍을 처방합니다. 그리고 인스트럭션. 방 – 합창단, 노래, 춤, 행진곡, 대성당의 장면을 위한 음악과 군대의 발푸르기스의 밤. 전투 장면을 위한 음악. 대부분의 수단. 괴테의 파우스트와 관련된 아이디어인 음악 작품은 G. Berlioz에 속합니다("파우스트의 1829개 장면", 19년, 나중에 오라토리오 "파우스트의 비난"으로 변환됨). 장르 국내 nat의 생생한 예. 티엠 1874 세기. – Grieg의 "Peer Gynt"(G. Ibsen의 드라마, 75-1872) 및 Bizet의 "Arlesian"(A. Daudet의 드라마, XNUMX).

19-20세기 전환기에. T. m에 대한 접근에서. 새로운 경향을 제시했다. 이 시대의 뛰어난 감독들(KS Stanislavsky, VE Meyerhold, G. Craig, O. Falkenberg 등)은 conc의 음악을 포기했습니다. 유형, 요구되는 특별한 사운드 색상, 틀에 얽매이지 않는 악기, 뮤즈의 유기적 포함. 드라마 에피소드. 이 시대의 감독극은 새로운 형태의 극장에 생기를 불어넣었다. 드라마의 특성뿐만 아니라 이 작품의 특징까지 고려한 작곡가. 20세기에는 두 가지 경향이 상호 작용하여 음악을 드라마에 더 가깝게 만듭니다. 그 중 첫 번째는 드라마에서 음악의 역할이 강화된 것이 특징이다. 공연(K. Orff, B. Brecht, 수많은 뮤지컬 작가의 실험), 두 번째는 뮤즈의 연극화와 관련이 있습니다. 장르(오르프의 무대 칸타타, 스트라빈스키의 결혼식, A. 호네거의 연극 오라토리오 등). 음악과 드라마를 결합하는 새로운 형태의 탐색은 종종 특별한 합성의 생성으로 이어집니다. 연극 및 음악 장르 (스트라빈스키의 "병사 이야기"는 "읽고 연주하고 춤을 추는 동화"이고 그의 "오이디푸스 렉스"는 독자와 함께하는 오페라 오라토리오이며 오르프의 "영리한 소녀"는 큰 대화 장면이있는 오페라)뿐만 아니라 오래된 합성 형태의 부활. 극장: 골동품. 비극(고대 그리스 극장에서 텍스트 발음 방식을 과학적으로 복원하려는 시도로 오르프의 "안티고네"와 "오이디푸스"), 마드리갈 희극(스트라빈스키의 "이야기", 부분적으로 오르프의 "카툴리 카르미나"), 세기. 미스터리(오르프의 “그리스도의 부활”, 호네거의 “주에 걸린 잔 다르크”), 전례. 드라마(브리튼의 비유 "동굴 행동", "탕자", 부분적으로 "칼류 강"). 멜로드라마의 장르는 발레, 무언극, 합창과 독창, 멜로디 선언(Emmanuel의 Salamena, Roussel의 The Birth of the World, Onegger의 Amphion과 Semiramide, Stravinsky의 Persephone)을 결합하여 계속 발전하고 있습니다.

20세기의 많은 저명한 음악가들은 T. m.이라는 장르에서 집중적으로 작업합니다. 프랑스에서는 이것들이 공동 작업입니다. "Six"의 구성원 (J. Cocteau 텍스트의 저자에 따르면 "The Newlyweds of the Eiffel Tower", 1921 - "고대 비극과 현대 콘서트 가극단, 합창단 및 뮤직 홀 번호의 조합"), 기타 집단 공연(예: J. Ibert, D. Millau, D. Lazarus, J. Auric, A. Roussel의 음악이 있는 "The Queen Margot" Bourdet) 및 극장. 찌르다. Honegger(C. Laronde의 "Dance of Death", 성서 드라마 "Judith" 및 "King David", Sophocles의 "Antigone" 음악 등); 독일의 극장. 오르프의 음악(위에서 언급한 작품, 풍자 희극 The Sly Ones 외에도 타악기의 앙상블을 동반한 텍스트는 리드미컬하며 셰익스피어의 합성 희곡 A Midsummer Night's Dream) 및 극장 음악 B. Brecht. 뮤즈. Brecht의 공연 디자인은 무대에서 일어나는 일의 현실에 대한 환상을 파괴하도록 설계된 "소외"효과를 만드는 주요 수단 중 하나입니다. 브레히트의 계획에 따르면, 음악은 강렬하게 진부하고 가벼운 장르의 노래 번호(종, 발라드, 합창단)로 구성되어야 하며, 여기에는 문자가 삽입되어 있으며 구두 텍스트는 작가의 생각을 집중적으로 표현합니다. 독일의 저명한 협력자들이 Brecht와 협력했습니다. 음악가 — P. Hindemith(강의적 연극), C. Weil(Threepenny Opera, Mahagonny Opera 스케치), X. Eisler(Mother, Roundheads and Sharpheads, Galileo Galilei, Dreams Simone Machar 등), P. Dessau(“ 어머니 용기와 그녀의 아이들", "세주안의 착한 남자" 등).

T. m. 19 – 1층. 20세기 - J. 시벨리우스(폴의 "기독교인의 왕", Maeterlinck의 "펠레아스와 멜리산드", 셰익스피어의 "폭풍우"), K. 드뷔시(미스터리 G. D'Annunzio "성 세바스찬의 순교") 및 R. Strauss(G. von Hofmannsthal의 자유 무대 각색에서 Molière의 연극 "귀족의 상인"을 위한 음악). 50~70년대. 20세기 O. Messiaen은 극장(Martenot의 파도에 대한 드라마 "Oedipus"의 음악, 1942), E. Carter(Sophocles "Philoctetes"의 비극을 위한 음악, 셰익스피어의 "베니스의 상인"), V. Lutoslavsky("Macbeth" 및 "The Merry Wives of Windsor" Shakespeare, "Sid" Corneille - S. Wyspiansky, "Bloody Wedding" 및 "The Wonderful Shoemaker" F. Garcia Lorca 등), 전자 및 콘크리트 작가 A. Coge("겨울과 사람 없는 목소리 » J. Tardieu), A. Thirier("Scheherazade"), F. Arthuis("J. Vautier와 싸우는 성격 주변 소음") 등의 음악

러시아어 T. m. 오랜 역사를 가지고 있습니다. 고대에는 부푼이 연주하는 대화 장면에 하프, 돔라 및 뿔을 연주하는 "악마의 노래"가 수반되었습니다. 나르에서. 부푼 공연("Ataman", "Mavrukh", "Comedy about Tsar Maximilian" 등)에서 비롯된 드라마는 러시아어로 들렸습니다. 노래와 인스트럭션 음악. 교회에서 발전된 정통 음악의 장르. 전례 행위 – “발 씻기”, “난로 행위” 등(15세기). 17-18세기에. 소위 말하는 풍부한 음악 디자인은 달랐습니다. 아리아, 교회 합창단이있는 학교 드라마 (극작가 – S. Polotsky, F. Prokopovich, D. Rostovsky). style, 세속적 배관, 애도, instr. 번호. Comedy Choromina(1672년 설립)는 바이올린, 비올라, 플루트, 클라리넷, 트럼펫, 오르간으로 구성된 대규모 오케스트라를 가지고 있었습니다. 표트르 대제 시대부터 축하 행사가 퍼졌습니다. 드라마의 교대를 기반으로 한 연극 공연(프롤로그, 칸타타). 장면, 대화, 아리아가 있는 독백, 합창단, 발레. 주요 러시아인(OA Kozlovsky, VA Pashkevich)과 이탈리아 작곡가가 디자인에 참여했습니다. 19세기까지 러시아에서는 오페라와 드라마가 구분되지 않았습니다. 극단; 부분적으로 이러한 이유로 동안 계속됩니다. 시간, 혼합 장르가 여기에 널리 퍼졌습니다 (오페라 발레, 보드빌, 합창단과 함께하는 코미디, 뮤지컬 드라마, "음악"드라마, 멜로 드라마 등). 수단. 러시아 역사에서 역할. 티엠 러시아인을 크게 준비시킨 "음악에 대한"비극과 드라마를 연주했습니다. 19세기의 고전 오페라 OA Kozlovsky, EI Fomin, SI Davydov의 음악에서 고대의 비극까지. 그리고 신화. 이야기와 러시아어. VA Ozerov, Ya의 애국 드라마. 19세기 대영웅극의 오페라. 문제, 큰 합창단의 형성이 일어났습니다. 그리고 인스트럭션. 형식(합창단, 서곡, 휴식 시간, 발레); 일부 공연에서는 레치타티보, 아리아, 노래와 같은 오페라 형식이 사용되었습니다. 러시아어 기능. 냇. 스타일은 합창단에서 특히 생생합니다(예: SN Glinka의 Natalya the Boyar's Daughter와 AN Titov의 음악). 증상 에피소드는 스타일적으로 비엔나 고전의 전통에 인접합니다. 학교와 초기 낭만주의.

1층에서. 약 19세기 AN Verstovsky, 15 AMD 제품 (예를 들어 푸쉬킨의 집시를 위한 음악은 VA Karatygin이 1832년, Beaumarchais의 The Marriage of Figaro, 1829년) 18세기 전통에 따라 여러 개의 무대 칸타타를 만들었습니다. (예를 들어, "A Singer in the Camp of Russia Warriors" 가사의 VA Zhukovsky, 1827), AA Alyabyev(셰익스피어의 The Tempest, 1827에 기반한 AA Shakhovsky의 마법처럼 낭만적인 공연을 위한 음악, 푸쉬킨의 "Rusalka", 1838년) ; 푸시킨의 동명의 시, 1828년), AE Varlamov(예: 셰익스피어의 햄릿을 위한 음악, 1837년)의 텍스트를 기반으로 한 멜로드라마 "코카서스의 죄수". 그러나 대부분 1층에 있습니다. 19세기 음악은 이미 알려진 제품에서 선택되었습니다. 다른 저자와 제한된 범위에서 공연에 사용되었습니다. 러시아어로 된 새로운 기간. 19세기 극장은 "Ivan Susanin"(1840) 직후에 쓰여진 NV Kukolnik "Prince Kholmsky"의 드라마 음악으로 MI Glinka를 열었습니다. 서곡과 인터미션에서 드라마의 주요 순간의 비유적인 내용은 교향곡을 발전시킵니다. 포스트 베토벤 tm의 원리 Glinka의 드라마를 위한 3개의 작은 작품도 있습니다. 극장 – Bakhturin(1836)의 드라마 "Moldavian Gypsy"의 합창단과 함께 한 노예의 아리아, orc. Myatlev의 "Tarantella"(1841)의 도입 및 합창단, Voikov의 "Bought Shot"(1854) 연극에 대한 영국인의 XNUMX 쌍.

루스. 티엠 2 층. 19세기는 AN Ostrovsky의 극작과 크게 관련되어 있습니다. 러시아인의 감정가이자 수집가. 나르. 노래에서 Ostrovsky는 종종 노래를 통해 특성화 기술을 사용했습니다. 그의 연극은 오래된 러시아어처럼 들렸다. 노래, 서사시 성가, 비유, 쁘띠 부르주아 로맨스, 공장 및 감옥 노래, 기타. – PI 차이코프스키의 The Snow Maiden(19세)을 위한 음악, 오페라, 발레, 드라마가 결합된 볼쇼이 극장의 공연을 위해 제작되었습니다. 극단. 이는 음악이 풍부하기 때문입니다. 에피소드와 장르의 풍부함, 공연을 오페라에 더 가깝게 만듭니다(서론, 인터벌, 숲 속의 한 장면을 위한 교향곡 에피소드, 합창단, 멜로드라마, 노래). "봄동화"의 줄거리는 민요 소재(여운, 동요, 무용)의 참여가 필요했습니다.

MI Glinka의 전통은 MA Balakirev에 의해 셰익스피어의 리어 왕(1859-1861, 서곡, 중간 휴식, 행렬, 노래, 멜로드라마), 차이코프스키 - 셰익스피어의 햄릿(1891) 등을 위한 음악에서 계속되었습니다. ("햄릿"의 음악에는 서정적-극적 교향곡의 전통에 따른 일반화된 프로그램 서곡과 멜로드라마, 오필리아의 노래, 무덤 파는 사람, 장례 행진곡, 팡파르 등 16개의 숫자가 포함되어 있습니다).

다른 러시아인의 작품에서. 19세기 작곡가 AS Dargomyzhsky의 발라드에서 Dumas père(1848)의 "Catherine Howard"에 이르는 음악과 음악에서 Calderon(1866)의 "The Schism in England"에 이르는 그의 두 곡, ed. AN Serov의 음악부터 AK Tolstoy의 "Death of Ivan the Terrible"(1867), Gendre의 "Nero"(1869), MP Mussorgsky의 민중 합창단(사원의 장면)에 이르기까지 소포클레스 "오이디푸스 렉스"(1858-61), EF 나프라브니크의 드라마용 음악. AK Tolstoy "Tsar Boris"(1898)의시, Vas의 음악. S. Kalinnikov가 같은 제작에 참여했습니다. 톨스토이(1898).

19-20세기 전환기에. 티엠에서 대대적인 개혁이 있었습니다. KS Stanislavsky는 우리가 극작가가 지시한 뮤즈에게만 우리 자신을 국한시키자고 제안한 최초의 사람 중 한 명입니다. 오케스트라를 무대 뒤로 옮기는 숫자 때문에 작곡가는 감독의 아이디어에 "익숙해질" 것을 요구했습니다. 이 유형의 첫 공연을 위한 음악은 AS Arensky(인터미션, 멜로 드라마, 셰익스피어의 The Tempest at Maly T-re, AP Lensky, 1905년 공연) 합창단, VE Meyerhold가 포스트에 올린 AK Glazunov(Lermontov의 가장 무도회), 1917년, 춤 외에 무언극, Nina의 로맨스, Glazunov의 교향곡 에피소드, Glinka의 Waltz-Fantasy, 그의 로맨스 The Venetian Night가 사용됩니다. 처음에는. 20세기 톨스토이의 끔찍한 이반의 죽음, AT Grechaninov의 음악과 함께한 Ostrovsky의 The Snow Maiden, AN Koreshchenko의 음악과 함께 하는 셰익스피어의 열두 번째 밤, 셰익스피어의 Macbeth와 NN Cherepnin의 음악과 함께 하는 어부와 물고기 이야기. 감독의 결단과 음악의 통일성. IA Sats의 음악과 함께하는 모스크바 예술극장 공연 디자인이 달랐다.

모스크바 예술극장이 공연의 완성도를 위해 음악의 역할을 제한했다면 A. Ya. Tairov, KA Mardzhanishvili, PP Komissarzhevsky, VE Meyerhold, EB Vakhtangov는 합성 극장의 아이디어를 옹호했습니다. Meyerhold는 공연에 대한 감독의 악보를 음악의 법칙에 따라 구성된 작곡으로 간주했습니다. 그는 음악이 공연에서 태어나고 동시에 그것을 형성해야 한다고 믿었고 대위법을 찾고 있었습니다. 음악과 무대 계획의 융합(DD Shostakovich, V. Ya. Shebalin 및 기타 작업 참여). Povarskaya의 Studio Theatre에서 Maeterlinck가 제작한 The Death of Tentagil(1905, IA Sats 작곡)에서 Meyerhold는 전체 공연을 음악에 기반을 두려고 했습니다. Griboedov의 연극 "Woe from Wit"를 기반으로 한 "Woe to the mind"(1928), 그는 JS Bach, WA ​​Mozart, L. Beethoven, J. Field, F. Schubert의 음악으로 상연했습니다. 포스트에서. AM Fayko의 희곡 "Teacher Bubus" 음악(F. 쇼팽과 F. 리스트의 희곡의 약 40 fps)은 마치 무성영화처럼 계속해서 울려 퍼졌습니다.

다수의 공연 20 - 초기의 음악 디자인의 특수성. 30대는 감독 결정의 실험적 성격과 관련이 있습니다. 예를 들어, 1921년 Tairov는 Kamerny T-re에서 셰익스피어의 "로미오와 줄리엣"을 그로테스크한 ​​허풍, 강조된 연극성, 심리적인 것을 대체하는 "사랑 비극적 스케치"의 형태로 상연했습니다. 경험; 이에 따라 AN Aleksandrov의 공연 음악에는 가사가 거의 없었습니다. 라인, 가면의 코미디 분위기가 우세했다. 이러한 종류의 예는 T-re im에서 Shakespeare의 Hamlet을 위한 Shostakovich의 음악입니다. 예. 게시물에 Vakhtangov. NP Akimova(1932): 감독은 "우울하고 신비로운 것으로 유명한" 희곡을 명랑하고 명랑하고 낙관적인 것으로 변형시켰습니다. 패러디와 그로테스크가 만연한 공연에는 팬텀이 없었고(아키모프는 이 캐릭터를 제거했다), 미친 오필리아 대신 만취한 오필리아가 있었다. Shostakovich는 텍스트에 산재된 짧은 조각에서 큰 교향곡에 이르기까지 60개 이상의 숫자로 된 악보를 만들었습니다. 에피소드. 대부분이 패러디극(캉캉, 오필리아와 폴로니우스의 갤럽, 아르헨티나 탱고, 속물 왈츠)이지만 비극적인 연극도 있다. 에피소드("뮤지컬 판토마임", "진혼곡", "장례식 행진"). 1929-31년에 쇼스타코비치는 레닌그라드의 여러 공연을 위한 음악을 작곡했습니다. 일하는 청년의 t-ra – “Shot” Bezymensky, “Rule, Britannia!” Piotrovsky, 레닌그라드에서 Voevodin과 Ryss의 버라이어티 및 서커스 공연 "Provisionally Murdered". Meyerhold의 제안에 따라 뮤직홀에서 Mayakovsky의 Bedbug, 나중에 T-ra im을 위한 Balzac의 The Human Comedy. 예. Vakhtangov(1934), 연극 Salute, Spain! 레닌그라드를 위한 아피노게노프. 트라 임. 푸쉬킨(1936). 셰익스피어의 '리어왕'(GM Kozintsev, Leningrad. Bolshoy 드라마 tr., 1941년)을 위한 음악에서 쇼스타코비치는 초기 작품에 내재된 일상적인 장르의 패러디에서 벗어나 음악에서 비극의 철학적 의미를 드러낸다. 문제의 정신 그의 상징. 이 시대의 창의성은 교차하는 교향곡의 라인을 만듭니다. XNUMX개의 코어 각각 내에서 개발. 비극의 비유적 영역(Lear – Jester – Cordelia). 쇼스타코비치는 전통과 달리 장례행진이 아닌 코델리아를 주제로 공연을 마쳤다.

30대. 네 극장. 악보는 SS Prokofiev에 의해 만들어졌습니다. 챔버 극장에서 Tairov의 공연을 위한 "Egyptian Nights"(1935), Leningrad의 SE Radlov 극장 스튜디오를 위한 "Hamlet"(1938), "Eugene Onegin" 및 "Boris Godunov" » 챔버 챔버를 위한 푸쉬킨(마지막 두 작품은 공연되지 않음). "Egyptian Nights"(B. Shaw의 비극 "Caesar and Cleopatra", 셰익스피어의 "Antony and Cleopatra" 및 Pushkin의시 "Egyptian Nights"를 기반으로 한 무대 구성)를 위한 음악에는 도입부, 휴식 시간, 무언극, 암송이 포함됩니다. 오케스트라와 함께, 합창과 함께 춤과 노래. 이 연주를 디자인할 때 작곡가는 20월을 사용했습니다. 교향곡. 그리고 오페라 극작술 – 개인화의 원칙과 분해의 반대인 라이트모티프의 시스템. 억양 영역(로마 – 이집트, 안토니 – 클레오파트라). 수년 동안 그는 극장 Yu와 협력했습니다. A. 샤포린. 30~1926대. 그의 음악과 함께 많은 공연이 레닌 그라드에서 상연되었습니다. t-rah (빅 드라마, 드라마의 아카데믹 t-re); 그 중 가장 흥미로운 것은 Beaumarchais의 "Figaro의 결혼"(감독 겸 예술가 AN Benois, 1926), Zamyatin의 "Flea"(NS Leskov, dir. HP Monakhov, 예술가 BM Kustodiev, 1927), "Sir John Falstaff "는 Shakespeare의 "The Merry Wives of Windsor"(dir. NP Akimov, 40)와 Moliere, AS Pushkin, G. Ibsen, B. Shaw, owls의 희곡인 셰익스피어의 다른 여러 희곡을 기반으로 합니다. 극작가 KA Trenev, VN Bill-Belo-Tserkovsky. 1944년대. Shaporin은 모스크바 공연을 위한 음악을 작곡했습니다. AK Tolstoy(1945)의 Small trade "Ivan Terrible"과 셰익스피어의 "Twelfth Night"(30). 극장중. 1936년대 작품. 큰 사회. TN Khrennikov의 셰익스피어 희극 〈아무것도 아닌 것에 대해 많이 애도(Much Ado About Nothing, XNUMX)〉에 대한 음악은 공명을 일으켰습니다.

T.m 분야에서 많은 제품이 있습니다. AI Khachaturian이 만들었습니다. 그들은 conc의 전통을 발전시킵니다. 증상 티엠 (약 20개의 공연; 그 중 - G. Sundukyan과 A. Paronyan의 연극을 위한 음악, 셰익스피어의 Macbeth와 King Lear, Lermontov의 가장 무도회).

올빼미의 연극을 기반으로 한 공연에서. 현대의 주제에 대한 극작가. 인생뿐만 아니라 고전 작품에서도. 연극은 특별한 유형의 음악을 형성했습니다. 올빼미의 사용을 기반으로 한 디자인. 질량, 에스터. 가사 및 만화 노래, ditties (VA Mokrousov의 음악과 함께 Sofronov의 "The Cook", VP Solovyov-Sedogo의 음악과 Arbuzov의 "The Long Road", Schwartz의 "The Naked King" 및 셰익스피어의 "Twelfth Night" 음악과 함께) ES Kolmanovsky 등); 일부 공연, 특히 Mosk의 구성에서. Taganka의 t-ra 드라마와 코미디(Y. P. Lyubimov 감독)에는 혁명의 노래가 포함되었습니다. 그리고 군대 시절, 청소년 노래("세계를 뒤흔든 10일", "죽은 자와 산 자" 등). 예를 들어, 많은 현대 작품에서 뮤지컬에 눈에 띄게 끌립니다. 연극 레닌그라드에서 트라 임. 레닌그라드 시의회(감독 IP 블라디미로프) GI Gladkov의 음악과 함께 "말괄량이 길들이기" 캐릭터가 estr을 수행하는 곳. 노래(B. Brecht의 극장에 있는 노래와 기능면에서 유사) 또는 S. Yu가 감독한 The Chosen One of Fate. Yursky(S. Rosenzweig 작곡). 연극에서 음악의 적극적인 역할에 대한 공연은 합성 유형에 접근하고 있습니다. Meyerhold Theatre(YM Butsko의 음악이 있는 "Pugachev", 특히 타간카의 모스크바 드라마 및 코미디 극장에서 EV Denisov의 음악과 함께 MA Bulgakov의 "The Master and Margarita", 감독 Yu. P. Lyubimov). 가장 중요한 것 중 하나입니다. 작품 – AK Tolstoy "Tsar Fyodor Ioannovich"(1973, 모스크바, Maly Tr)의 드라마를 위한 GV Sviridov의 음악.

B. 70년대. 20다. T.m 지역에서 много работали Yu. M. Butsko, VA Gavrilin, GI Gladkov, SA Gubaidulina, EV Denisov, KA Karaev, AP Petrov, NI Peiko, NN Sidelnikov, SM Slonimsky, ML Tariverdiev, AG Schnittke, RK Shchedrin, A. Ya. Eshpai et al.

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