신디사이저의 탄생과 발전의 역사

우리 모두는 피아노가 악기로서 매우 다재다능하다는 것을 잘 알고 있습니다. 신디사이저는 모든 음악을 근본적으로 변화시키고 클래식 작곡가가 상상조차 할 수 없는 한계까지 기능을 확장할 수 있는 면 중 하나일 뿐입니다. 우리에게 친숙한 신디사이저가 나타나기 전에 어떤 경로가 이동했는지 아는 사람은 거의 없습니다. 나는 서둘러 이 틈을 메운다.

나는 기술 발전에 대한 의기양양한 연설을 반복할 가치가 없다고 생각합니다. 여기에서 피아노의 역사에 대해 읽을 수 있습니다.

당신은 당신의 기억에서 기사를 새로 고침, 처음으로 그것을 읽었습니까, 아니면 완전히 무시하기로 결정 했습니까? 그러나 그것은 중요하지 않습니다 ... 사업에 착수합시다!

역사: 최초의 신디사이저

"신디사이저"라는 단어의 어원은 "합성"의 개념, 즉 이전에 이질적인 부분에서 무언가(우리의 경우 사운드)를 생성한다는 개념에서 비롯됩니다. 주요 기능 중 하나는 신디사이저가 클래식 피아노의 소리(그리고 피아노 소리도 가장 자주 다른 버전으로 제공됨)를 재생할 수 있을 뿐만 아니라 다른 많은 피아노의 소리도 모방할 수 있다는 것입니다. 악기. 또한 신디사이저만 재생할 수 있는 전자 사운드도 포함되어 있습니다. 그러나 도구가 좋을수록 가격이 높아집니다. 이것은 균형을 이루고 적어도 논리적입니다.

Theremin

전자 기기의 제작은 XNUMX세기 말까지 거슬러 올라갑니다. 여기에서 러시아 과학자는 우리의 애국심의 기쁨을 위해 레프 테레민(Lev Theremin)을 언급했습니다. 물리학과 전력의 법칙으로 알려진 테레 민. 그것은 지금까지 아날로그가 없었던 다소 단순하고 이동 가능한 디자인이었습니다. 이것은 만지지 않고 연주되는 유일한 악기입니다.

음악가는 악기의 안테나 사이의 공간에서 손을 움직이면서 진동파를 변화시켜 테레민이 내는 음을 변화시킵니다. 이 악기는 인류가 만든 것 중 가장 마스터하기 어려운 악기 중 하나로 간주되며 컨트롤이 명확하지 않고 뛰어난 청각 데이터가 필요합니다. 또한 테레민이 만들어내는 사운드는 매우 구체적이지만 음악가들에게 여전히 높이 평가되고 녹음에 사용되는 것은 바로 이 때문입니다.

텔라르모늄

최초의 전자 악기 중 하나인 이번에는 이미 키보드라고 불렸습니다. 텔라르모늄 아이오와에서 Thaddeus Cahill이 발명되었습니다. 그리고 그 목적이 교회 오르간을 대체하는 것이 목적이었던 이 악기는 정말 거대했습니다. 무게가 약 200톤이고 거대한 발전기 145개로 구성되어 있으며 이를 뉴욕으로 운반하는 데 30대의 철도 차량이 필요했습니다. 그러나 창작이라는 사실 자체가 음악이 어디로 움직여야 하는지를 보여주었고, 더 많은 기술적 진보가 예술의 발전에 얼마나 도움이 될 수 있는지를 보여주었습니다. 그들은 Cahill이 시대를 앞서갔고 그를 이름없는 천재라고 불렀다고 말했습니다. 그러나 악기의 모든 매력에도 불구하고 아직 개발의 여지가 있었습니다. 이미 부피가 크다고 언급했지만, 게다가 전화선에 간섭을 일으키고, 음질은 초창기 기준으로 볼 때 상당히 평범한 수준이었습니다. XNUMX세기.

오르간은 해먼드에 있습니다.

물론 그러한 대규모 발명의 수는 그 발전으로 이어졌습니다. 전자 기기 개발의 다음 단계는 소위 해먼드의 오르간, 제작자는 American Laurence Hammond였습니다. 그의 창조물은 그의 형인 Tellarmonium보다 훨씬 작았지만 여전히 미니어처와는 거리가 멉니다(무게가 200kg 미만).

Hammond 오르간의 주요 특징은 신호 형식을 독립적으로 믹싱하여 궁극적으로 표준 오르간과 다른 자신만의 튜닝된 사운드를 생성할 수 있는 특수 레버가 있다는 것입니다.

이 악기는 미국 교회에서 실제 오르간 대신 사용되는 경우가 많으며 많은 재즈 및 록 음악가(The Beatles, Deep Purple, Yes 및 기타 여러 음악가)에 의해 높이 평가되었습니다. 흥미롭게도 Hammond가 자신의 악기를 오르간으로 부르지 말 것을 요청받았을 때 위원회는 전기 오르간의 소리와 실제 관악기를 구별할 수 없었기 때문에 요청이 결국 거부되었습니다.

소음의 콘서트

물론 악기의 개발을 중단시킨 제XNUMX차 세계 대전 이후, 우리 주제에 관한 유일한 중요한 사건은 "소음의 콘서트"프랑스인 Pierre Henri и Pierre Schaeffer가 제공하는 – 이것은 실험적인 이벤트로, Hammond 오르간에 새로운 제너레이터가 추가되어 새로운 음색 블록을 받고 그의 사운드를 근본적으로 변화시켰습니다. 발전기의 부피 때문에 모든 작업은 실험실에서만 가능했지만 콘서트는 천천히 대중화되기 시작한 전위 음악 장르의 탄생으로 간주 될 수 있습니다.

표시

RCA(Radio Corporation of America)는 Hammond 오르간보다 한 단계 더 발전된 신디사이저를 만들기 위해 처음으로 시도했지만 회사에서 만든 모델은 표시 I и 표시 II 다시 말하지만 당시의 모든 전자 장치의 질병으로 인해 성공하지 못했습니다. 치수(신디사이저가 전체 공간을 차지했습니다!) 및 천문학적 가격, 그러나 그들은 확실히 사운드 합성 기술 개발의 새로운 이정표가 되었습니다.

미니무그

개발이 한창인 것처럼 보이지만 엔지니어들은 작업에 착수할 때까지 도구를 간단하고 저렴하게 만드는 데 실패했습니다. 단순한 필사자에 가까운 신디사이저.

머그는 프로토타입의 모든 단점을 미니무그 – 전자 음악 장르를 대중화한 진정으로 상징적인 악기. 1500달러로 비싸긴 하지만 컴팩트하고 비용이 많이 들지만 가격 끝에 두 개의 XNUMX이 있는 최초의 신디사이저입니다.

또한 Minimoog는 오늘날까지 음악가들에게 높이 평가되는 사운드를 가지고 있습니다. 밝고 밀도가 높으며, 가장 재미있는 것은 이 장점이 단점의 결과라는 것입니다. 신디사이저가 시스템을 오랫동안 유지할 수 없었기 때문입니다. 특정 기술적 결함. 다른 한계는 악기가 모노포닉(monophonic)이라는 것, 즉 건반에서 눌려진 하나의 음만 인식할 수 있고(즉, 코드를 연주할 가능성이 없음) 건반을 누르는 힘에도 민감하지 않다는 것입니다.

그러나 그 당시 이 모든 것은 전자 음악가가 여전히 인용하는 고품질 사운드(일부는 동일한 오리지널 Minimoog를 위해 영혼을 팔 준비가 되어 있음)와 사운드 변조에 대한 진정으로 넓은 가능성으로 보상되었습니다. 이 프로젝트는 너무 성공적이어서 오랫동안 moog는 가명이었습니다. moog라는 단어는 이 특정 회사만이 아니라 모든 신디사이저를 의미했습니다.

1960-e

1960년대 초반부터 많은 회사가 등장했으며, 각 회사는 신디사이저 제작에 있어 고유한 틈새 시장을 개척했습니다. 순차 회로, E-mu, 롤랑, ARP, 코르그, 오버하임, 이것은 전체 목록이 아닙니다. 아날로그 신디사이저는 그 이후로 크게 변하지 않았으며 여전히 높이 평가되고 매우 비쌉니다. 모델은 우리에게 익숙한 신디사이저의 고전적인 종류였습니다.

그건 그렇고, 소비에트 제조업체도 뒤처지지 않았습니다. 소련에서는 거의 모든 제품이 국내에서만 생산되었으며 악기도 예외는 아닙니다 (누군가 외국 기타를 단일 사본으로 운송했지만 악기를 구입하는 것도 매우 합법적이었습니다. 바르샤바 조약의 동맹국 - 체코슬로바키아 무지마 또는 불가리아 오르페우스, 그러나 이것은 일렉트릭 및 베이스 기타에만 적용됨). 소비에트 신디사이저는 사운드 측면에서 매우 흥미 롭습니다. 소련에는 예를 들어 Eduard Artemiev와 같은 전자 음악의 거장이 있었습니다. 가장 유명한 시리즈는 Aelita, 청소년,  Lel, 전자 EM.

그러나 세상은 기술의 진보와 더불어 패션도 주도하고 있으며, 예술에 관한 한 특히 변화 가능성이 있습니다. 그리고 불행히도 또는 다행스럽게도 전자 음악에 대한 관심은 한동안 사라졌고 신디사이저의 새로운 모델 개발은 가장 수익성이 높은 직업이 아니었습니다.

뉴웨이브(뉴웨이브)

그러나 우리가 기억하듯이 패션에는 교대하는 특성이 있습니다. 80년대가 시작될 때 갑자기 전자 붐이 다시 나타났습니다. 이번에는 전자공학은 더 이상 실험적인 것이 아니었지만(1970년대 Kraftwerk의 혁신적인 독일 프로젝트처럼), 반대로 새로운 물결(새 물결 운동).

Duran Duran, Depeche Mode, Pet Shop Boys, A-ha와 같은 세계적으로 유명한 그룹이 있었는데, 이들의 음악은 신디사이저를 기반으로 했으며 이 장르는 이후에 발전하여 신스팝이라는 이름을 갖게 되었습니다.

그런 그룹의 음악가들은 처음에는 신디사이저만 사용했으며 때로는 기타 소리로 희석하기도 했습니다. 세 명의 키보디스트(그리고 그들은 각각 하나 이상의 신디사이저를 가짐), 드럼 머신 및 보컬리스트의 구성이 표준이 되었지만 Tellarmonium의 제작자가 그것에 대해 들을 수 있었다면 그의 놀라움은 끝이 없었을 것입니다. 댄스뮤직의 전성기, 테크노와 하우스의 시대, 완전히 새로운 서브컬처의 탄생이었다.

MIDI (악기 디지털 인터페이스)

이 모든 것이 이미 먼지 투성이의 기술을 높이는 새로운 원동력이 되었습니다. 그러나 아날로그 기술은 디지털 시대의 발자취, 즉 형식의 출현 MIDI (악기 디지털 인터페이스). 그 뒤를 이어 샘플러가 등장하여 원하는 사운드를 독립적으로 녹음한 다음 MIDI 키보드. MIDI 인터페이스의 개발은 우리 시대에 원칙적으로 아날로그 모델과 비교할 때 거의 비용이 들지 않는 키보드 만 있으면 충분합니다. 컴퓨터에 연결할 수 있으며(하지만 컴퓨터는 충분히 강력해야 함) 몇 가지 간단한 조작 후에 특수 기능을 사용하여 음악을 재생합니다. VST-프로그램들 (가상 스튜디오 기술).

그러나 피아노가 비슷한 운명을 겪지 않았기 때문에 구형 모델이 망각에 빠질 것이라는 의미는 아닙니다. 그렇죠? 전문 전자 음악가는 아날로그를 훨씬 더 높이 평가하고 디지털 사운드는 품질면에서 여전히 멀다고 믿으며 VST를 사용하는 사람들은 약간의 경멸로 보입니다 ...

그러나 디지털 기술의 발전이 얼마나 발전했는지와 음질이 얼마나 향상되었는지를 비교하면 아날로그 악기는 훨씬 덜 자주 사용됩니다. 지금도 키보드 연주자는 옆에서 랩톱을 가지고 노는 것을 종종 볼 수 있습니다 콘서트에서 – 우리가 보는 것처럼 진보는 결코 멈추지 않을 것입니다.

사운드의 품질과 다양성을 개선하는 것 외에도 한때 천문학적이었던 가격이 이제는 상당히 저렴해진 것이 매우 중요합니다. 따라서 Walpurgis Night보다 더 나쁜 소리를 재생하고 키를 누르는 힘에 반응하지 않는 가장 저렴한 신디사이저는 약 $50의 비용이 듭니다. Moog Voyager Xl의 엘리트 신디사이저는 $ 5000부터 비용이 들 수 있으며 실제로 Jean-Michel Jarre와 같이 도구를 주문하는 경우 비용이 무한정 증가할 수 있습니다. 제가 조금 앞서가고 있을 수도 있지만 미리 추천드리고 싶습니다. 신디사이저를 사고 싶다면 돈을 아끼지 마십시오. 종종 $350 미만 카테고리의 악기는 좋은 소리, 그것은 공부하고 연주하려는 모든 욕망을 훨씬 더 능가할 것입니다.

당신이 그것을 즐겼기를 진심으로 바랍니다. 역사를 모르면 미래를 창조할 수 없다는 사실을 기억하십시오!

올바른 전자 피아노를 선택하는 방법에 대한 기사를 아직 읽지 않았다면 지금 링크를 클릭하여 읽을 수 있습니다.

아래 비디오는 Mini Virtual Studio의 데모를 보여줍니다.