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프렌치 스위트, 조명. – 시리즈, 시퀀스

기악 음악의 여러 부분으로 구성된 순환 형식의 주요 품종 중 하나입니다. 그것은 공통의 예술적 개념으로 결합된 여러 독립적이고 일반적으로 대조되는 부분으로 구성됩니다. 일반적으로 음절의 일부는 성격, 리듬, 템포 등이 다릅니다. 동시에 그들은 음색의 통일성, 동기 혈연 관계 및 기타 방식으로 연결될 수 있습니다. Ch. S.의 성형 원리는 단일 구성의 생성입니다. 대조되는 부분의 교대를 기반으로 전체 - S.를 그러한 순환과 구별합니다. 소나타와 교향곡과 같은 형식으로 성장과 생성에 대한 아이디어가 있습니다. 소나타 및 교향곡과 비교할 때 S.는 부분의 독립성이 더 크고 주기 구조의 덜 엄격한 순서(부분의 수, 특성, 순서, 서로의 상관 관계가 가장 넓은 범위 내에서 매우 다를 수 있음)가 특징입니다. 제한), 전체 또는 여러 가지로 보존하려는 경향. 단일 음조의 일부뿐만 아니라 더 직접적입니다. 춤, 노래 등의 장르와의 연결

S.와 소나타의 대비는 특히 중간 부분에서 뚜렷하게 드러났습니다. 18세기, S.가 절정에 달하고 마침내 소나타 주기가 형성되었습니다. 그러나 이러한 반대가 절대적인 것은 아닙니다. 소나타와 S.는 거의 동시에 발생했으며 특히 초기 단계에서 그들의 경로는 때때로 교차했습니다. 그래서 S.는 특히 테마티아마 부분에서 소나타에 눈에 띄는 영향을 미쳤다. 이 영향의 결과는 또한 소나타 주기에 미뉴에트를 포함시키고 춤의 침투를 가져왔습니다. 마지막 론도의 리듬과 이미지.

S.의 뿌리는 동양에서 알려진 느린 춤 행렬(짝수 크기)과 활기찬 점프 춤(보통 홀수, 3박자 크기)을 비교하는 고대 전통으로 거슬러 올라갑니다. 고대의 나라들. S.의 후기 원형은 중세 시대입니다. 아랍어 나우바(주제로 관련된 여러 부분을 포함하는 큰 음악 형식)와 중동 및 중동 사람들 사이에 널리 퍼져 있는 다부분 형식. 아시아. 16세기 프랑스에서. 춤에 합류하는 전통이 생겼습니다. 에스. 16월 출산 브랜리 - 측정, 축하. 춤 행렬과 더 빠른 행렬. 그러나 서유럽에서 S.의 진정한 탄생. 음악은 중간의 외모와 관련이 있습니다. 2세기 춤의 쌍 - 파바네스(4/3박자의 장엄하고 흐르는 춤)와 갈리아드(4/16박자의 점프가 있는 이동 춤). BV Asafiev에 따르면 이 쌍은 "세트 역사상 거의 최초의 강력한 링크"를 형성합니다. Petrucci의 태블러처(1507-08), M. Castillones의 "Intobalatura de lento"(1536), 이탈리아의 P. Borrono와 G. Gortzianis의 태블러처, P. Attenyan의 류트 컬렉션과 같은 1530세기 인쇄판 (47-XNUMX) 프랑스에서는 파반과 갈리아드뿐만 아니라 다른 관련 짝을 이루는 구성(베이스 댄스 – 투르디온, 브랑레 – 살타렐라, 파사메조 – 살타렐라 등)도 포함합니다.

각각의 춤은 때때로 3박자에 세 번째 춤으로 이어지기도 했지만 훨씬 더 활기찬 볼타나 피바였습니다.

1530년부터 파반과 갈리아드를 대조적으로 비교한 가장 초기의 알려진 예는 유사하지만 박자 리듬으로 변형된 선율로 이러한 춤을 구성한 예를 제공합니다. 재료. 곧 이 원칙은 모든 춤을 정의하게 됩니다. 시리즈. 때로는 녹음을 단순화하기 위해 최종 파생 댄스가 작성되지 않았습니다. 연주자에게 멜로디를 유지하면서 기회가 주어졌습니다. 첫 번째 춤의 패턴과 하모니, 두 파트 시간을 세 파트 시간으로 변환합니다.

I. Gro (17 pavanes 및 galliards, 30년 드레스덴에서 출판됨)의 작업에서 1604세기 초까지, eng. 처녀 주의자 W. Bird, J. Bull, O. Gibbons (sat. "Parthenia", 1611)는 춤에 대한 응용 해석에서 멀어지는 경향이 있습니다. 일상의 춤을 '듣기 위한 연극'으로 재탄생시키는 과정이 드디어 세르에 의해 완성된다. 17 세기

고전적인 유형의 고전 무용 S.는 오스트리아를 승인했습니다. 비교 아이야. 하프시코드를 위한 그의 악기에서 엄격한 춤 순서를 확립한 Froberger. 부분: 적당히 느린 알르망드(4/4) 다음에 빠르거나 적당히 빠른 차임(3/4)과 느린 사라반드(3/4)가 뒤따랐습니다. 나중에 Froberger는 네 번째 댄스인 스위프트 지그를 도입했으며 곧 필수 결론으로 ​​확정되었습니다. 부분.

수많은 S. con. 17 - 구걸. 18세기 하프시코드, 오케스트라 또는 류트를 위한 이 4가지 부분을 기반으로 하여 미뉴에트, 가보트, 부르르, 파스피에, 폴로네즈도 포함되며 일반적으로 사라방드와 지그 사이에 삽입됩니다. doubles"( "더블"- S. 부분 중 하나의 장식 변형). Allemande는 일반적으로 소나타, 교향곡, 토카타, 전주곡, 서곡이 선행되었습니다. aria, rondo, capriccio 등은 춤이 아닌 부분에서도 발견되었습니다. 모든 부분은 원칙적으로 동일한 키로 작성되었습니다. 예외적으로 A. Corelli의 초기 다 카메라 소나타(기본적으로 S.)에는 본조와 다른 키로 쓰여진 느린 춤이 있습니다. 가장 가까운 친족 정도의 장조 또는 단조에서 otd. 제목 아래 GF Handel 모음곡, 2번 영국 S.의 4번 미뉴에트 및 S.의 2nd gavotte. "프랑스 서곡"(BWV 831) JS 바흐; 바흐의 여러 모음곡(영어 모음곡 1번, 2번, 3번 등)에는 동일한 장조 또는 단조에 부분이 있습니다.

바로 "S"라는 용어입니다. 16세기 프랑스에서 처음 등장. 17-18 세기에 다른 지점의 비교와 관련하여. 영국과 독일에도 침투했지만 오랫동안 decomp에서 사용되었습니다. 가치. 따라서 때때로 S.는 제품군 주기의 별도 부분이라고 합니다. 이와 함께 영국에서는 댄스 그룹을 수업(G. Purcell), 이탈리아에서는 발레토 또는 (나중에) 소나타 다 카메라(A. Corelli, A. Steffani), 독일에서는 Partie(I. Kunau) 또는 partita라고 불렀습니다. (D. Buxtehude, JS Bach), 프랑스 – ordre (P. Couperin) 등. 종종 S.는 특별한 이름을 갖지 않고 단순히 "하프시코드를 위한 조각", "테이블 음악", 등. .

본질적으로 동일한 장르를 나타내는 이름의 다양성은 nat에 의해 결정되었습니다. S. 개발의 특징 17 – 세르. 18세기 예, 프랑스어입니다. S.는 더 큰 구성의 자유도(orc. C. e-moll의 JB Lully의 5개에서 F. Couperin의 하프시코드 모음 중 하나의 23개)와 춤에 포함되는 것으로 구별되었습니다. 일련의 심리적, 장르 및 풍경 스케치(F. Couperin의 하프시코드 모음곡 27개에는 230개의 다양한 곡이 포함됨). 프란츠. 작곡가 J. Ch. Chambonnière, L. Couperin, NA Lebesgue, J. d'Anglebert, L. Marchand, F. Couperin 및 J.-F. Rameau는 musette 및 rigaudon, chaconne, passacaglia, lur 등 S.에 새로운 댄스 유형을 도입했습니다. 비댄스 파트도 S., 특히 decomp에 도입되었습니다. 아리안속. Lully는 처음으로 S.를 소개로 소개했습니다. 서곡의 일부. 이 혁신은 나중에 그에게 채택되었습니다. 작곡가 JKF Fischer, IZ Kusser, GF Telemann 및 JS Bach. G. Purcell은 종종 서곡으로 S.를 열었습니다. 이 전통은 바흐가 그의 영어로 채택했습니다. S. (그의 프랑스어. S.에는 서곡이 없습니다). 관현악과 하프시코드 악기 외에도 류트를 위한 악기가 프랑스에서 널리 보급되었습니다. 이탈리아어에서. 변주 리듬을 개발한 D. 프레스코발디는 리듬 작곡가의 발전에 중요한 공헌을 했습니다.

독일 작곡가들은 프랑스어를 창의적으로 결합했습니다. 그리고 이탈. 영향. 하프시코드를 위한 Kunau의 "Bible Stories"와 헨델의 오케스트라 "Music on the Water"는 프로그램이 프랑스어와 유사합니다. C. 이탈리아어의 영향. 다양하다. 테크닉, 합창곡 "Auf meinenlieben Gott"를 주제로 한 Buxtehude 모음곡은 이중, 사라반드, 차임 및 지그가 있는 알레망드가 하나의 주제인 선율에 대한 변주곡인 것으로 기록되었습니다. 컷의 패턴과 조화는 모든 부분에서 보존됩니다. GF Handel은 S.에 푸가를 도입했는데, 이는 고대 S.의 기초를 느슨하게 하고 그것을 교회에 더 가깝게 가져오는 경향을 나타냅니다. 소나타(8년 런던에서 출판된 헨델의 하프시코드를 위한 모음곡 1720개 중 5개에는 푸가가 포함됨).

이탈리아어, 프랑스어를 제공합니다. 그리고 독일어. S.는 S.라는 장르를 최고의 발전 단계로 끌어올린 JS Bach에 의해 통합되었습니다. 바흐의 모음곡(영어 6곡, 프랑스어 6곡, 파르티타 6곡, 클라비에를 위한 “프랑스 서곡”, 4개의 관현악 S., 서곡이라고 하는 서곡, 바이올린 독주를 위한 파르티타, 첼로 독주를 위한 S.)에서는 무용의 해방 과정이 완성된다. 일상적인 기본 소스와의 연결에서 재생합니다. 모음곡의 춤 부분에서 바흐는 이 춤의 전형적인 움직임 형식과 특정 리듬 특징만을 유지합니다. 그림; 이를 바탕으로 깊은 서정이 담긴 희곡을 창작한다. 콘텐츠. S.의 각 유형에서 Bach는 주기를 구성하기 위한 자신의 계획을 가지고 있습니다. 예, 첼로를 위한 영어 S.와 S.는 항상 전주곡으로 시작합니다. 사라반드와 지그 사이에는 항상 2개의 유사한 춤이 있습니다. 바흐의 서곡에는 항상 푸가가 포함됩니다.

2층에서. 18세기 비엔나 고전주의 시대에 S.는 이전의 의미를 잃는다. 리딩 뮤즈. 소나타와 교향곡은 장르가 되지만 교향곡은 카세션, 세레나데, 전환의 형태로 계속 존재합니다. 찌르다. 이 이름을 가진 J. Haydn과 WA Mozart는 대부분 S.이며, 모차르트의 유명한 "Little Night Serenade"만이 교향곡의 형태로 쓰여졌습니다. Op.에서 L. 베토벤은 현악을 위한 S. 2 "세레나데"에 가깝습니다. 트리오(op. 8, 1797), 플루트, 바이올린, 비올라를 위한 또 다른 작품(op. 25, 1802). 전반적으로 비엔나 고전의 구성은 소나타와 교향곡, 장르 춤에 접근하고 있습니다. 시작은 덜 밝게 나타납니다. 예를 들어, "Haffner" 오크. 1782년에 작곡된 모차르트의 세레나데는 8개 부분으로 구성되어 있으며 그 중 춤 부분이 있습니다. 3분만 형식으로 유지됩니다.

19세기에 S. 건설의 다양한 유형. 프로그램 교향곡의 발전과 관련이 있습니다. 프로그래밍 방식 S.의 장르에 대한 접근 방식은 FP의 주기였습니다. R. Schumann의 미니어처에는 Carnival(1835), Fantastic Pieces(1837), Children's Scenes(1838) 등이 있습니다. Rimsky-Korsakov의 Antar와 Scheherazade는 오케스트라 오케스트라의 뛰어난 예입니다. 프로그래밍 기능은 FP의 특징입니다. 무소르그스키의 “전람회의 그림” 주기, 피아노를 위한 “작은 모음곡”. 보로딘, 피아노를 위한 "작은 모음곡". 및 S. J. Bizet의 오케스트라를 위한 "어린이 게임". PI 차이코프스키의 3개의 관현악 모음곡은 주로 특성으로 구성되어 있습니다. 무용과 무관한 연극. 장르; 그들은 새로운 춤을 포함합니다. 형식 – 왈츠(2 및 3 C.). 그 중에는 현을 위한 그의 "세레나데"가 있습니다. 모음곡과 교향곡의 중간에 있지만 모음곡에 더 가까운 오케스트라(BV Asafiev). 이 시간의 S.의 일부는 decomp로 작성됩니다. 키이지만 마지막 부분은 원칙적으로 첫 번째 키를 반환합니다.

모든 R. 19 세기는 S.로 나타나며 극장용 음악으로 구성됩니다. 프로덕션, 발레, 오페라: G. Ibsen "Peer Gynt"의 드라마 음악에서 E. Grieg, A. Daudet의 드라마 "The Arlesian" 음악에서 J. Bizet, 발레 "호두까기 인형"에서 PI Tchaikovsky "및 "잠자는 숲속의 미녀"", 오페라 "Tsar Saltan 이야기"에서 NA Rimsky-Korsakov.

19세기에는 민속 무용과 관련된 다양한 S.가 계속 존재합니다. 전통. 그것은 Saint-Saens의 알제 모음곡, Dvorak의 보헤미안 모음곡으로 대표됩니다. 일종의 창의적입니다. 오래된 춤의 굴절. 장르는 드뷔시의 베르가마스 모음곡(미뉴에트와 파스피에), 라벨의 쿠프랭의 무덤(포르라나, 리가우돈, 미뉴에트)에 나와 있습니다.

20세기에 발레 모음곡은 IF Stravinsky(The Firebird, 1910; Petrushka, 1911)와 SS Prokofiev(The Jester, 1922; The Prodigal Son, 1929; On Dnieper, 1933, "Romeo and Juliet", 1936)에 의해 만들어졌습니다. 46, "신데렐라", 1946), AI Khachaturian(발레 "Gayane"에서 S.), 오케스트라 D. Milhaud를 위한 "Provencal Suite", 피아노를 위한 "Little Suite". J. Aurik, 새로운 비엔나 학교의 S. 작곡가 – A. Schoenberg(피아노를 위한 S., op. 25)와 A. Berg(현을 위한 가사 모음곡. 2중주) – 도데카포닉 기법을 사용하는 것이 특징입니다. 민속 자료를 바탕으로 B. Bartok의 오케스트라를 위한 "Dance Suite"와 20 S., Lutoslawski의 오케스트라를 위한 "Little Suite". 모든 R. XNUMXth 세기에는 영화 음악으로 구성된 새로운 유형의 S.가 나타납니다 (Prokofiev의 "Kizhe 중위", Shostakovich의 "Hamlet"). 일부 웍. 사이클은 때때로 보컬 S.(Vok. S. Shostakovich의 "Six Poems by M. Tsvetaeva"), 합창 S.

용어 "S." 또한 음악 안무를 의미합니다. 여러 춤으로 구성된 구성. 이러한 S.는 종종 발레 공연에 포함됩니다. 예를 들어 차이코프스키의 '백조의 호수' 중 3번째 그림은 전통을 따르는 것으로 구성되어 있다. 냇. 무용. 때때로 이렇게 삽입된 S.는 전환(잠자는 숲속의 미녀의 마지막 그림이자 차이코프스키의 호두까기 인형의 2막 대부분)이라고 합니다.

참조 : Igor Glebov(Asafiev BV), Tchaikovsky의 기악 예술, P., 1922; 그의, 과정으로서의 음악적 형식, Vol. 1-2, M.-L., 1930-47, L., 1971; Yavorsky B., 클라비에를 위한 바흐 모음곡, M.-L., 1947; Druskin M., Clavier music, L., 1960; Efimenkova V., 댄스 장르 ..., M., 1962; Popova T., 모음곡, M., 1963.

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