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넴. klassische Vokalpoliphonie, lat. 교회의 아카펠라 스타일

1) 역사적. 그리고 예술적이고 스타일리시합니다. 합창과 관련된 개념. 르네상스(15~16세기)의 다성음악. 이러한 의미에서 이 용어는 Ch. 아. 러시아 고전과 올빼미에서. 음악학. S. with의 개념. 광범위한 현상을 포괄하며 명확하게 정의된 경계가 없습니다. 다른 유럽 국가의 작곡가의 작업을 나타냅니다. 학교, 우선 - 네덜란드, 로마, 베네치아, 스페인어; 페이지의 S. 영역으로 이동합니다. 프랑스어, 독일어, 영어, 체코어, 폴란드어 작곡가의 음악이 포함되어 있습니다. 봄 여름 시즌. 폴리포닉 스타일이라고 합니다. 찌르다. 합창단을 위해 아카펠라 교수가 개발했습니다. 교회의 장르(ch. rr. 카톨릭), 그리고 훨씬 덜하지만 세속 음악. S. s의 장르 중 가장 중요하고 가장 큰 장르. 미사(유럽 음악의 첫 번째는 순환 형식을 의미함)와 모테트(영적 및 세속적 텍스트에 대한)가 있었습니다. 영적 및 세속적 대위법 작곡이 많이 작곡되었습니다. 노래, 마드리갈(종종 서정적 텍스트). Epoch S. S. Josquin Despres, O. Lasso 및 Palestrina가 특별한 위치를 차지하는 많은 뛰어난 마스터를 내세우십시오. 이 작곡가들의 작업은 미학을 요약합니다. 그리고 역사적이고 문체적입니다. 음악 트렌드. 그들의 시대의 예술과 그들의 유산은 음악사에서 S. with 시대의 고전으로 간주됩니다. Josquin Despres, Lasso 및 Palestrina의 작품은 전체 역사적 시대의 발전의 결과로 동시성 예술의 첫 번째 꽃을 나타냅니다(JS Bach의 작품은 이미 자유 스타일 내에서 그의 두 번째 절정입니다).

S. s의 비유적 체계를 위해. 집중과 사색이 전형적이며, 여기에는 숭고하고 추상적 사고의 흐름이 표시됩니다. 대위법적인 목소리의 합리적이고 사려 깊은 인터레이스에서 순수하고 균형 잡힌 소리가 발생하며, 후기 예술의 특징인 표현적인 성장, 드라마가 자리를 찾지 못합니다. 대조와 절정. 개인적인 감정의 표현은 S. s.의 특징이 아닙니다. 그의 음악은 일시적이고 무작위적이며 주관적인 모든 것을 강력하게 피합니다. 계산된 차원의 움직임을 통해 세속적인 일상 생활에서 제거된 보편적인 것이 계시되어 전례에 참석한 모든 사람들을 통합하고 보편적으로 중요하고 객관적입니다. 이러한 한계 내에서 웍 마스터. 폴리포니는 J. Obrecht의 모방의 무겁고 두꺼운 넥타이에서 Palestrina의 차갑고 투명한 은혜에 이르기까지 놀라운 개별 다양성을 보여주었습니다. 이 비유는 의심할 여지 없이 우세하지만 S. 다른 세속적 내용의 영역에서 s를 배제하지는 않습니다. 가사의 미묘한 음영. 감정은 수많은 마드리갈로 구현되었습니다. 페이지의 S. 영역에 인접한 주제는 다양합니다. 다성 세속 노래, 장난스럽거나 슬픈. 봄 여름 시즌. - 인본주의의 필수적인 부분. 15-16세기의 문화; 옛 거장들의 음악에는 페트라르카, 론사르, 라파엘의 작품을 통해 르네상스 예술과 많은 접점이 있습니다.

S. 음악의 미학적 특성. 사용된 표현 수단이 적절하다. 당시 작곡가들은 대법법에 능통했습니다. art-tion은 가장 복잡한 다성음으로 포화된 제품을 만들었습니다. 예를 들어 Josquin Despres의 XNUMX면 캐논과 같은 기술은 P의 질량에서 일시 중지가 있거나 없는 대위법입니다. 물루(No. 42 에드. 1의 M. Ivanov-Boretsky의 Musical-Historical Reader) 등 구성의 합리성에 대한 헌신, 구성 기술에 대한 관심 증가, 재료의 특성에 대한 마스터의 관심, 기술 테스트. 그리고 표현합니다. 기회. S 시대의 주인의 주요 업적. S.는 지속적인 역사를 가지고 있습니다. 의미, – 최고 수준의 art-va 모방. 모방의 숙달. 기술, 합창단에서 목소리의 근본적인 평등의 확립은 본질적으로 S의 음악의 새로운 품질입니다. s. 초기 르네상스 (ars nova)의 주장과 비교되지만 모방을 싫어하지는 않지만 여전히 Ch. 아. 리드미컬한 cantus firmus의 다양한(종종 ostinato) 형태. 그 조직은 다른 목소리에 결정적이었습니다. 음성의 다성 독립성, 합창단의 다른 음역에서 도입의 비 동시성. 범위, 소리의 특징적인 볼륨 - 이러한 현상은 어느 정도 회화에서 원근법의 개방과 유사했습니다. 마스터 S. s. 모든 형태의 모방과 1차 및 2차 범주의 정경을 개발했습니다(그들의 구성은 스트레타 표현, 즉 정식 모방에 의해 지배됨). 음악 프로에서. 두 사람을위한 장소를 찾으십시오. 그리고 폴리곤. 반주하는 음성, 모방 및 두 개(또는 그 이상) 명제가 있는 대포, 끝없는 대포, 정경이 있는 것과 없는 대포. 시퀀스(예: Palestrina의 "Canonical Mass"), 즉 S. 와. 최고의 모방으로 자유로운 글쓰기의 시대. 푸가 모양. 마스터 S. s. 폴리포닉을 변환하는 모든 기본 방법을 사용했습니다. 테마: 증가, 감소, 순환, 운동 및 분해. 조합. 그들의 가장 중요한 업적 중 하나는 다양한 유형의 복잡한 대위법을 개발하고 그 법칙을 정경에 적용한 것입니다. 형식(예: 음성 입력 방향이 다른 다각형 대포). 다성음악의 옛 거장들의 다른 발견으로는 상보성(대위법 음성의 멜로디-리듬 상보성)의 원리와 종지법, 그리고 뮤즈 한가운데에 종지의 회피(더 정확하게는 마스킹)가 포함되어야 합니다. 건설. 거장의 음악 S. s. 다양한 수준의 폴리포니를 가지고 있습니다. 채도, 그리고 작곡가들은 엄격한 정준의 유연한 교대 덕분에 큰 형식 내에서 소리를 능숙하게 다양화할 수 있었습니다. 부정확한 모방, 자유로운 대위법 음성에 기초한 섹션, 그리고 마지막으로 음성이 다성음을 형성하는 섹션으로 설명합니다. 질감, 동일한 지속 시간의 음표로 이동합니다.

고조파 유형. S.의 음악과의 조합. 전체 소리, 자음 삼음으로 특징 지어집니다. 자음에만 의존하는 불협화음 간격의 사용은 S. s.의 가장 필수적인 기능 중 하나입니다. 대부분의 경우 불협화음은 일반적으로 미래에 해결되는 전달, 보조음 또는 지연의 사용 결과 (자유롭게 취한 불협화음은 특히 케이던스에서 특히 짧은 기간의 부드러운 움직임으로 여전히 드문 일이 아닙니다.) 따라서 S. s의 음악에서. 불협화음은 항상 자음 조화로 둘러싸여 있습니다. 폴리포닉 패브릭 내부에 형성된 코드는 기능적 연결의 대상이 아닙니다. 즉, 각 코드 뒤에 동일한 온음계에서 다른 코드가 올 수 있습니다. 체계. 자음의 연속에서 중력의 방향, 확실성은 케이던스에서만 발생합니다(다른 단계에서).

음악 S. S. 자연 모드 시스템에 의존했습니다(모드 참조). 뮤즈. 당시의 이론은 처음 8프렛, 나중에 12프렛으로 구분됩니다. 실제로 작곡가는 Dorian, Phrygian, Mixolydian 및 Ionian 및 Aeolian의 5 가지 모드를 사용했습니다. 나머지 두 모드는 나머지 모드에 대한 영향이 일정하고 활동적이었고 결과적으로 주요 및 부 모드 분위기의 결정화로 이어졌지만 마지막 두 가지는 다른 모드보다 나중에 이론에 의해 수정되었습니다(Glarean의 논문 "Dodecachordon", 1547). . 프렛은 기본 위치(Dorian d, Phrygian e, Mixolydian G, Ionian C, Aeolian a)의 프렛과 XNUMX번째 위 또는 XNUMX번째 아래로 조옮김된 프렛(Dorian g, Phrygian a 등)의 두 가지 피치 위치에서 프렛이 사용되었습니다. ) 키에 플랫의 도움으로 – 유일하게 지속적으로 사용되는 기호. 또한 실제로 합창단은 연주자의 능력에 따라 작곡을 두 번째 또는 세 번째 위 또는 아래로 조옮김했습니다. S. s. 음악의 불가침 온성에 대한 광범위한 의견. (아마도 우연한 우연이 기록되지 않았기 때문에) 정확하지 않습니다. 노래 연습에서 반음계의 많은 전형적인 경우가 합법화되었습니다. 단계 변경. 따라서 단조로운 분위기의 모드에서는 사운드의 안정성을 위해 세 번째 결론이 항상 상승했습니다. 현; Dorian 및 Mixolydian 모드에서 XNUMXth 정도가 케이던스에서 상승했으며 Aeolian에서도 XNUMXth 정도 (Phrygian 모드의 오프닝 톤은 일반적으로 증가하지 않았지만 XNUMXnd 정도가 상승하여 최종 코드에서 장XNUMX도에 도달했습니다. 상승 운동 중). 소리 h는 하향 운동에서 종종 b로 변경되어 이러한 변경이 일반적이었던 Dorian 및 Lydian 모드가 본질적으로 조옮김된 Aeolian 및 Ionian으로 변형되었습니다. 사운드 h(또는 f)가 보조 역할을 하는 경우 멜로디에서 원치 않는 삼중음의 울림을 피하기 위해 사운드 b(또는 fis)로 대체되었습니다. f – g – a – h(b) – a 또는 h – a – g – f(fis) – g 유형의 시퀀스. 그 결과 현대에 보기 드문 일이 쉽게 일어났다. 믹솔리디안 모드에서 장XNUMX도와 단XNUMX도의 혼합과 목록(특히 케이던스)을 듣습니다.

대부분의 생산 S. s. 아카펠라 합창단(남성 및 소년 합창단, 가톨릭 교회에서는 여성 합창단에 참여할 수 없음)을 위한 것입니다. 아카펠라 합창단은 S. 음악의 조형적 본질에 이상적으로 부합하는 연주 장치이다. 가장 복잡한 다성음까지도 감지하도록 이상적으로 조정되었습니다. 작곡가의 의도. S. 시대의 주인 with. (대부분의 경우 합창단과 합창단원들 자신이) 마스터가 소유한 표현입니다. 합창단의 수단. 소리의 특별한 균일성과 "순수함"을 만들기 위해 코드에 소리를 배치하는 기술, 다양한 음색 레지스터의 대조를 능숙하게 사용, 음색을 "켜기" 및 "끄기"의 다양한 기술, 교차 기술 많은 경우에 음색 변화는 합창단의 그림 같은 해석(예: Lasso의 유명한 8음성 마드리갈 "Echo") 및 장르 표현(예: Lasso의 다성 노래)과 결합됩니다. 작곡가 S. s. 그들은 화려한 다중 합창단 작곡을 작곡하는 능력으로 유명했습니다(J. Okegem에 기인한 36개의 헤드 캐논은 여전히 ​​예외로 남아 있습니다). 그들의 프로덕션에서 꽤 자주 5-보이스가 사용되었습니다(보통 CL의 고음이 합창 그룹과 분리되어 있습니다. 남성의 경우 테너, 소프라노, 보다 정확하게는 소년 합창단의 경우 고음). 합창 2와 3은 종종 더 복잡한(XNUMX-XNUMX개 성우) 작문을 음영 처리하는 데 사용되었습니다(예: 미사에서 베네딕투스 참조). 마스터 S. S. (특히 네덜란드, 베네치아)는 뮤즈의 참여를 허용했습니다. 그들의 다각형의 성능에 악기. 웍. 공장. 그들 중 많은 사람들(Izak, Josquin Despres, Lasso 등)은 특별히 instr을 위한 음악을 만들었습니다. 앙상블. 그러나 기악 그 자체는 자유 쓰기 시대 음악의 주요 역사적 업적 중 하나입니다.

폴리포니 S. 와. 중립적인 수학적 원리에 기반을 두고 있으며, '다성주제'라는 주제 자체가 개발될 부조 선율이라는 개념 자체가 알려지지 않았으며, 억양의 개별화는 다성화의 과정에서 발견된다. 음악 개발. 멜로디. 기본적인 S. 와. – 그레고리오 성가(cf. 그레고리오 성가) – 교회의 역사를 통틀어. 음악은 나르의 영향을 가장 많이 받았다. 노래성. 나르의 사용. cantus firmus와 같은 노래는 일반적인 현상이며 이탈리아, 네덜란드, 체코, 폴란드와 같은 다양한 국적의 작곡가가 종종 다음을 위해 선택되었습니다. 그의 사람들의 멜로디를 처리합니다. 일부 특히 인기 있는 노래는 여러 작곡가에 의해 반복적으로 사용되었습니다. 예를 들어 Obrecht, G. Dufay, Ockeghem, Josquin Despres, Palestrina 및 기타. S.의 음악에서 멜로디와 메트로리듬의 구체적인 특징. 와. 주로 성악 합창 특성에 의해 결정됩니다. 작곡가-대성 연주자는 자연을 방해할 수 있는 모든 것을 작곡에서 조심스럽게 제거합니다. 목소리의 움직임, 멜로디 라인의 지속적인 전개, 너무 날카로워 보이는 모든 것, 세부 사항에 주의를 끌 수 있는 모든 것. 멜로디의 윤곽은 매끄럽고 때로는 선언적 성격의 순간을 포함합니다(예: 연속으로 여러 번 반복되는 소리). 멜로디에서는 어려운 음조의 불협화음과 넓은 음정으로의 라인 점프가 없습니다. 진보적인 움직임이 우세합니다(반음계로의 움직임 없이; 예를 들어 마드리갈의 Solo e pensoso에서 L. 페트라르카의 시에 대한 마렌치오, A. Schering(Schering A., Geschichte der Musik in Beispielen, 1931, 1954), S. c) 즉시 또는 멀리 떨어진 점프는 반대 방향으로의 움직임으로 균형을 이룹니다. 멜로디 타입. 움직임 - 급등하고 밝은 절정은 그에게 이례적인 일입니다. 예를 들어, 리드미컬한 조직은 일반적으로 지속 시간이 크게 다른 소리에 인접하지 않습니다. 여덟 번째와 짧은; 두 개의 결찰된 음표를 리드미컬하게 균일하게 만들기 위해 두 번째 음은 일반적으로 첫 번째 음과 같거나 절반으로 짧습니다(XNUMX배는 아님). 멜로디에 점프. 선은 길이가 긴 음(짧음, 전체, 반) 사이에 더 일반적입니다. 짧은 길이의 음표(XNUMX분 음표, XNUMX분 음표)는 일반적으로 부드러운 동작에 사용됩니다. 작은 음표의 부드러운 움직임은 강한 시간에 "흰색" 음표로 끝나거나 (약한 시간에) 싱코페이션에서 취해진 "흰색" 음표로 끝납니다. 멜로디. 구문은 decomp 구문의 시퀀스에서 구성됩니다(텍스트에 따라 다름). 따라서 음악은 직각도가 아니라 미터법으로 특징지어집니다. 맥동은 매끄럽고 심지어 무정형으로 보입니다(prod. C. 와. 악보에 정보 없이 음성으로만 녹음 및 출판되었습니다. 이것은 리드미컬하게 보상됩니다. 투표의 자율성, otd. 수준에 도달하는 폴리메트리의 경우(특히 리드미컬하게 굵은 Op. 조켄 데프레). S의 음악에서 템포에 대한 정확한 정보. 와. 엄격한 스타일 | = 60 ~ MM 엄격한 스타일 | = 112).

S의 음악에서 와. 언어적 텍스트와 모방은 형성에 가장 중요한 역할을 했습니다. 이를 기반으로 전개된 다성음이 생성되었습니다. 작동합니다. 마스터 S의 작품에서. 와. 다양한 뮤즈가 탄생했습니다. 예를 들어 비엔나 고전 학교 음악의 형식에 대한 전형적인 유형화에 적합하지 않은 형식. 가장 일반적인 용어로 다성음의 형태는 확고한 칸투스를 사용하는 것과 사용하지 않는 것으로 나뉜다. 에. 에. Protopopov는 형태 S의 체계에서 가장 중요하다고 생각합니다. 와. 변주 원리와 다음 다성음을 구별합니다. 형태 : 1) ostinato 유형, 2) 모티브의 발아 유형에 따라 발달, 3) strophic. 첫 번째 경우, 형식은 cantus firmus의 반복에 기초합니다(다성. 처리 쌍 nar. 노래); 대위법 음성이 ostinato 멜로디에 추가되며 수직 순열, 순환 통과, 감소 등으로 반복될 수 있습니다. n(예: 베이스와 테너를 위한 듀오 올가미, Sobr. op., 권. 1). 두 번째 유형의 형태로 쓰여진 수많은 작품은 a – a2 – b – a1 – c … 전환의 유동성(다른 목소리의 케이던스 불일치, 상단 및 하단 클라이맥스의 불일치)으로 인해 변주 구성 간의 경계가 종종 흐릿해집니다(예: 질량 "Aeterna Christi munera" Palestrina의 Kyrie, Sobr. op., 권. XNUMX; Josquin Despres의 "Pange lingua" 미사 중 Kyrie, 참조: Ambros A., «음악의 역사», Vol. 5, Lpz., 1882, 1911, p. 80). 3종 선율의 형태로. 재료는 구성표에 따라 텍스트에 따라 변경됩니다. a – b – c – d … (prop. motet 형식), 형식을 strophic으로 정의하는 근거를 제공합니다. 섹션의 멜로디는 일반적으로 대조적이지 않고 종종 관련이 있지만 구조와 구조가 다릅니다. 모테트의 다중주제 형태는 동시에 시사한다. 그리고 주제. 통일된 예술을 창조하는 데 필요한 테마의 갱신, 관련성. 이미지(예: 팔레스트리나의 유명한 마드리갈 "Mori quasi il mio core", Sobr. op., 권. XXVIII). 한 작품에 여러 형태가 결합되는 경우가 많다. 그들의 조직 원칙은 이후의 다성음악의 출현과 발전의 기초가 되었습니다. 동음이의어 형태; 그래서 motet 형식이 instr에 전달되었습니다. 음악은 canzone과 나중에 푸가에서 사용되었습니다. pl. ostinato 형식의 특징은 Ricercar (주제의 다양한 변형을 사용하여 막간이없는 형식)에서 빌립니다. 미사에서 부분의 반복(Christe eleison 이후 Kyrie, Benedictus 이후 Osanna)은 XNUMX부 반복 형식의 원형으로 사용될 수 있습니다. XNUMX중 변주 구조의 다성 가곡은 론도의 구조에 접근한다. 생산 중 C. 와. 부품의 기능적 분화 과정이 시작되어 고전에서 완전히 나타났습니다.

엄격한 글쓰기 시대의 주요 이론가는 J. Tinctoris, G. Glarean, N. Vicentipo(1511-1572년; 그의 책 참조: L'antica musica ridotta alla moderna prattica, 1555), J. Zarlino입니다.

S. s의 주인의 가장 중요한 업적. – 다성음. 목소리의 독립성, 음악 발전의 갱신과 반복의 통일성, 높은 수준의 모방 및 표준 개발. 형식, 복잡한 대위법, 주제를 변형하는 다양한 방법의 사용, 종지 기술의 결정화 등은 음악의 기본입니다. art-va를 사용하고 이후의 모든 시대에 기본적으로 중요한 (다른 억양 기준으로) 유지합니다.

하반기에 가장 높은 개화에 도달합니다. 2세기, 엄격한 글쓰기의 음악은 16세기의 최신 예술에 자리를 내주었습니다. 자유 스타일의 마스터(J. Frescobaldi, J. Legrenzi, I. Ya. Froberger 등)는 크리에이티브를 기반으로 했습니다. 오래된 폴리포니스트의 업적. 높은 르네상스의 예술은 집중되고 장엄한 작품에 반영됩니다. JS Bach(예: 17-ch. org. chorale "Aus tiefer Not", BWV 6, 686-ch., 7개의 베이스 성우 반주, Credo No 8 from Mass in h-moll, 12-ch. Motet for choir a) 아카펠라, BWV 8). WA ​​모차르트는 오래된 대법관의 전통에 대해 잘 알고 있었고 그들의 문화의 영향을 고려하지 않고 본질적으로 가까운 S. s를 평가하기가 어렵습니다. 교향곡 C-dur("목성")의 피날레, G-dur 229중주, K.-V의 피날레와 같은 그의 걸작. 387, 레퀴엠의 Recordare. 생물. S 시대 음악의 특징 with. 새로운 기초 위에서 숭고한 관조 Op. L. 후기의 베토벤(특히 엄숙한 미사에서). 19세기에 많은 작곡가들은 엄격한 대위법을 사용했습니다. 특별한 오래된 색상을 만드는 기술, 그리고 어떤 경우에는 신비롭습니다. 그늘; 축하. 엄격한 글쓰기의 소리와 특징적인 기술은 Parsifal의 R. Wagner, 교향곡과 합창단의 A. Bruckner에 의해 재현됩니다. 저술, 레퀴엠의 G. Fauré 등. 생산의 권위 있는 판본이 나타납니다. 옛 거장들(Palestrina, Lasso), 그들의 진지한 연구가 시작됩니다(A. Ambros). 러시아 음악가들은 S. s의 다성음악에 특별한 관심을 가지고 있습니다. MI Glinka, NA Rimsky-Korsakov, GA Larosh 전시; 대위법 연구의 전체 시대는 SI Taneev의 작품으로 구성되었습니다. 오늘날, 초기 음악에 대한 관심이 극적으로 증가했습니다. 소련 및 해외에서 제품을 포함하는 많은 간행물. 다성 음악의 오래된 마스터; 음악 S. S. 세심한 연구의 대상이 되며 최고의 성과를 내는 그룹의 레퍼토리에 포함됩니다. 20세기 작곡가들은 S. s.의 작곡가들이 발견한 기법을 광범위하게 사용합니다. (특히, XNUMX음 기준); 예를 들어 다수의 Op. 일부 올빼미에서 신고전주의 및 후기의 Stravinsky ( "시편 교향곡", "Canticum sacrum"). 작곡가.

2) 실습의 초기 부분. 기본적으로 15-16세기 작곡가의 작품을 지향하는 다성음악 과정(독일어 스트렝거 Satz), ch. 아. 팔레스타인의 일에 대해. 이 과정은 간단하고 복잡한 대위법, 모방, 캐논 및 푸가의 기초를 가르칩니다. 상대적 문체. S. 시대의 음악과의 통일성. 비교적 적은 수의 정확한 규칙과 공식의 형태로 대위법의 기본을 제시하고 멜로디 하모닉의 단순성을 제시합니다. 그리고 리드미컬하다. 규범은 S.s를 만듭니다. 폴리포니의 원리를 연구하기 위한 가장 편리한 시스템. 생각. 교육학에서 가장 중요합니다. 연습에는 G. Tsarlino "Istitutioni harmoniche"의 작품과 다른 뮤즈의 작품이 많이 있습니다. 16세기의 이론가. 다성 음악 과정의 체계적인 기초 S. s. I. Fuchs는 교과서 "Gradus ad Parnassum"(1725)에서 정의했습니다. Fuchs가 개발한 대위 방전 시스템은 이후의 모든 실제 작업에서 보존됩니다. 가이드, 예. 20세기에 L. Cherubini, G. Bellerman의 교과서에서. – K. Eppesen (Kph.-Lpz., 1930; 마지막 판 – Lpz., 1971). S.의 페이지 이론의 발전에 큰 관심. 러시아어를 주었다. 음악가; 예를 들어, 차이코프스키의 조화에 대한 실용 연구 안내서(1872)에는 이 주제에 대한 장이 포함되어 있습니다. S. s.에 대한 첫 번째 특별 책. 러시아어로. 1885년 SI Taneyev의 번역판으로 출판된 L. Busler의 교과서였습니다. S.의 가르침은 이러했습니다. 주요 음악가들이 참여했습니다 - SI Taneev, AK Lyadov, RM Glier; 교육적 S.의 가치. P. Hindemith, IF Stravinsky 및 기타 작곡가가 언급했습니다. 시간이 지남에 따라 Fuchs 방전 시스템은 대위법의 본질에 대한 기존 견해를 충족하지 못하게되었습니다 (E. Kurt는 "선형 대위법의 기초"라는 책에서 비판을 받음). Taneyev의 연구에 따르면 교체의 필요성이 분명해졌습니다. S. s.를 가르치는 새로운 방법, 어디에. 다성 조건에서 모방 형식과 복잡한 대위법 연구에 주의를 기울입니다. polyphony, 올빼미를 만들었습니다. 연구원 SS Bogatyrev, Kh. S. Kushnarev, GI Litinsky, VV Protopopov 및 SS Skrebkov; 소비에트에서 채택된 것을 반영하여 많은 교과서를 작성했습니다. 으. 기관, S. s.를 가르치는 관행, to-rogo 과정의 구성에서 두 가지 경향이 두드러집니다. 합리적인 교육학의 창조. 주로 실용을 목표로 하는 시스템. 작곡 기술 마스터 (특히 GI Litinsky의 교과서에 나와 있음); 이론뿐만 아니라 실습에 중점을 둔 과정. 예술 연구를 기반으로 엄격한 글쓰기를 마스터합니다. 15-16세기 음악 샘플. (예를 들어, TF Muller 및 SS Grigoriev, SA Pavlyuchenko의 교과서에서).

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부사장 프라요노프

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