세르게이 레오니도비치 도렌스키 |
세르게이 도렌스키
Sergei Leonidovich Dorensky는 어릴 때부터 음악에 대한 사랑이 주입되었다고 말합니다. 당시 유명한 포토저널리스트였던 그의 아버지와 어머니는 둘 다 사심 없이 예술을 사랑했습니다. 집에서 그들은 종종 음악을 연주했고 소년은 오페라와 콘서트에갔습니다. 아홉 살 때 모스크바 음악원의 중앙 음악 학교에 입학했습니다. 부모의 결정은 옳았으며 앞으로 확인되었습니다.
그의 첫 번째 교사는 Lydia Vladimirovna Krasenskaya였습니다. 그러나 XNUMX 학년 때부터 Sergei Dorensky는 또 다른 교사 Grigory Romanovich Ginzburg가 그의 멘토가되었습니다. Dorensky의 모든 추가 학생 전기는 Ginzburg와 연결되어 있습니다. 중앙 학교에서 XNUMX년, 음악원에서 XNUMX년, 대학원에서 XNUMX년. “잊을 수 없는 시간이었습니다.”라고 Dorensky는 말합니다. “Ginsburg는 뛰어난 콘서트 연주자로 기억됩니다. 모든 사람이 그가 어떤 종류의 교사인지 아는 것은 아닙니다. 그가 배운 작품을 수업에서 어떻게 보여 주었고, 어떻게 이야기했는지! 그 옆에서 피아니즘, 피아노의 사운드 팔레트, 피아노 기법의 매혹적인 신비와 사랑에 빠지지 않을 수 없었습니다. 때때로 그는 매우 단순하게 작업했습니다. 그는 악기에 앉아서 연주했습니다. 우리 제자들은 가까운 거리에서 모든 것을 가까이에서 관찰했습니다. 그들은 무대 뒤에서 마치 모든 것을 보았습니다. 다른 것은 필요하지 않았습니다.
… Grigory Romanovich는 온화하고 섬세한 사람이었습니다. – Dorensky는 계속합니다. – 그러나 음악가로서 그에게 적합하지 않은 것이 있으면 타 오르고 학생을 심하게 비판 할 수 있습니다. 무엇보다 그는 거짓 파토스, 연극 적 화려 함을 두려워했습니다. 그는 우리에게 (Ginzburg에서 나와 함께 Igor Chernyshev, Gleb Akselrod, Alexei Skavronsky와 같은 재능있는 피아니스트가 공부했습니다) 무대에서의 행동의 겸손, 예술적 표현의 단순성 및 명확성을 가르쳤습니다. Grigory Romanovich는 수업에서 수행되는 작품의 외부 장식에서 가장 작은 결함을 용납하지 않는다는 점을 덧붙일 것입니다. 우리는 이런 종류의 죄로 인해 큰 타격을 받았습니다. 그는 지나치게 빠른 템포나 요란한 소리를 좋아하지 않았다. 그는 과장을 전혀 인식하지 못했습니다... 예를 들어, 저는 여전히 피아노와 메조포르테 연주에서 가장 큰 즐거움을 얻습니다. 저는 이것을 어릴 때부터 가지고 있습니다.
Dorensky는 학교에서 사랑 받았습니다. 천성적으로 온화한 그는 즉시 주변 사람들에게 사랑을 받았습니다. 그에게는 쉽고 간단했습니다. 그에게는 성공적인 예술적 젊은이들 사이에서 발견되는 자만심의 힌트가 아니라 허풍의 힌트가 없었습니다. 때가 올 것이고 젊음을 보낸 Dorensky는 모스크바 음악원 피아노 학부 학장을 맡게 될 것입니다. 게시물은 책임이 있으며 여러면에서 매우 어렵습니다. 신임 학장의 친절함, 단순함, 대응력과 같은 인간적 자질이 그가 이 역할에서 자신을 확립하고 동료들의 지지와 공감을 얻는 데 도움이 될 것이라고 직접적으로 말해야 합니다. 그가 학교 친구들에게 영감을 준 동정심.
1955년 도렌스키는 처음으로 국제 공연 음악가 대회에 참가했습니다. 바르샤바에서 열린 제1957회 세계청소년학생축제에서 그는 피아노 콩쿠르에 참가해 XNUMX등을 차지한다. 시작되었습니다. XNUMX년 브라질에서 기악 대회가 이어졌습니다. Dorensky는 이곳에서 진정으로 폭넓은 인기를 얻었습니다. 그가 초대받은 젊은 공연자들의 브라질 토너먼트는 본질적으로 라틴 아메리카에서 열린 동종 최초의 이벤트였습니다. 자연스럽게 대중과 언론, 전문가들의 관심이 높아졌다. Dorensky는 성공적으로 수행했습니다. 그는 XNUMX 등상을 수상했습니다 (오스트리아 피아니스트 Alexander Enner가 XNUMX 등상을 받았으며 XNUMX 등상은 Mikhail Voskresensky에게 돌아갔습니다). 그 이후로 그는 남미 관객들에게 확고한 인기를 얻었습니다. 그는 콘서트 연주자이자 현지 피아니스트 청소년들 사이에서 권위를 누리는 교사로서 한 번 이상 브라질로 돌아올 것입니다. 여기에서 그는 항상 환영받을 것입니다. 예를 들어, 브라질 신문 중 하나의 대사는 증상이 있습니다. Sergey Dorensky는 깊은 직감과 음악적 기질을 가지고 있어 연주에 독특한 시를 부여합니다. (서로를 이해하기 위해 // 소비에트 문화. 1978. 24월 XNUMX일).
리우데 자네이루에서의 성공은 Dorensky가 세계 여러 국가의 무대로 향하는 길을 열었습니다. 투어 시작: 폴란드, 동독, 불가리아, 영국, 미국, 이탈리아, 일본, 볼리비아, 콜롬비아, 에콰도르 … 겉으로는 Dorensky의 예술적 경로가 아주 좋아 보입니다. 피아니스트의 이름이 점점 더 대중화되고 눈에 띄는 위기 나 고장이 없으며 언론이 그를 선호합니다. 그럼에도 불구하고 그 자신은 XNUMX년대 말, 즉 XNUMX년대 초가 그의 무대 생활에서 가장 힘든 시기라고 생각합니다.
“세 번째, 내 인생의 마지막이자 아마도 가장 어려운 "경쟁"이 시작되었습니다. 독립적인 예술 생활을 영위할 권리를 위한 것입니다. 전자가 더 쉬웠습니다. 이 "경쟁" – 장기적이고 지속적이며 때로는 지치게 하는 … 나는 즉시 많은 문제에 부딪쳤다. 주로 – 그 놀다? 레퍼토리는 작은 것으로 판명되었습니다. 수년간의 연구 기간 동안 많이 모집되지 않았습니다. 급히 보충해야했고 집중적 인 필 하모닉 연습 조건에서는 쉽지 않습니다. 여기에 문제의 한 측면이 있습니다. 또 다른 as 놀다. 예전 방식으로는 불가능한 것 같습니다. 저는 더 이상 학생이 아니라 콘서트 아티스트입니다. 글쎄, 새로운 방식으로 플레이한다는 것은 무엇을 의미합니까? 다르게나는 나 자신을 잘 상상하지 못했습니다. 다른 많은 사람들과 마찬가지로 저는 근본적으로 잘못된 것부터 시작했습니다. 특별한 "표현 수단", 더 흥미롭고 특이하고 밝거나 무언가를 찾는 것... 곧 저는 제가 잘못된 방향으로 가고 있음을 깨달았습니다. 알다시피, 이 표현력은 말하자면 외부에서 내 게임으로 가져왔지만 내부에서 와야 합니다. 훌륭한 감독 B. Zakhava의 말을 기억합니다.
“… 공연 형식의 결정은 항상 콘텐츠의 바닥 깊숙이 있습니다. 그것을 찾으려면 맨 아래로 잠수해야 합니다. 표면에서 수영하면 아무것도 찾을 수 없습니다.” (Zakhava BE 배우와 감독의 기술. – M., 1973. P. 182.). 우리 뮤지션들도 마찬가지다. 시간이 지남에 따라 나는 이것을 잘 이해했습니다.
그는 무대에서 자신을 찾고 그의 창의적인 "나"를 찾아야했습니다. 그리고 그는 그것을 해냈습니다. 우선 재능 덕분입니다. 하지만 그 뿐만이 아닙니다. 그의 마음의 단순함과 영혼의 폭으로 그는 결코 온전하고 활기차고 일관되고 근면 한 성격을 그치지 않았다는 점에 유의해야합니다. 이것은 궁극적으로 그에게 성공을 가져 왔습니다.
우선 그는 자신에게 가장 가까운 음악 작품을 결정했습니다. “저의 선생님인 Grigory Romanovich Ginzburg는 거의 모든 피아니스트가 자신만의 무대 "역할"을 가지고 있다고 믿었습니다. 나는 일반적으로 비슷한 견해를 가지고 있습니다. 공부하는 동안 우리 연주자들은 최대한 많은 음악을 커버하고, 가능한 모든 것을 다시 연주하려고 노력해야 한다고 생각합니다... 앞으로는 실제 콘서트와 공연 연습이 시작되면서 무대에만 가장 성공적인 것으로. 첫 공연에서 그는 베토벤의 XNUMX번, XNUMX번, XNUMX번 소나타, 슈만의 사육제, 환상적인 단편, 마주르카, 야상곡, 에튜드 및 쇼팽의 기타 작품, 리스트의 캄파넬라와 리스트의 각색 슈베르트의 노래에서 무엇보다도 성공했다고 확신했습니다. , 차이코프스키의 소나타 G장조와 사계, 라흐마니노프의 파가니니 주제에 의한 랩소디와 바버의 피아노 협주곡. Dorensky가 하나 또는 다른 레퍼토리 및 스타일 레이어(예: 클래식 – 로맨스 – 현대성 …)가 아니라 특정 레이어에 끌린다는 것을 쉽게 알 수 있습니다. 그룹 그의 개성이 가장 잘 드러나는 작품. “Grigory Romanovich는 그가 말했듯이 연주자에게 내면의 편안함, "적응", 즉 작품, 악기와의 완전한 병합을주는 것만 연주해야한다고 가르쳤습니다. 그게 내가 하려고 하는 일이야..."
그런 다음 그는 자신의 공연 스타일을 찾았습니다. 그 중 가장 두드러진 것은 서정적 시작. (피아니스트는 종종 그의 예술적 동정심에 의해 판단될 수 있습니다. Dorensky는 GR Ginzburg, KN Igumnov, LN Oborin, Art. Rubinstein, 젊은 M. Argerich, M. Pollini의 이름을 따서 가장 좋아하는 아티스트 중 이름을 지었습니다. 이 목록은 그 자체로 지표입니다. .) 비판은 그의 게임의 부드러움, 시적 억양의 성실함에 주목합니다. 피아니스트 모더니티의 다른 많은 대표자와 달리 Dorensky는 피아노 토카토 영역에 대한 특별한 성향을 나타내지 않습니다. 콘서트 연주자로서 그는 "철" 사운드 구성이나 포르티시모의 천둥 같은 울림, 건조하고 날카로운 손가락 운동 기술의 지저귀는 소리를 좋아하지 않습니다. 그의 콘서트에 자주 참석한 사람들은 그가 평생 단 한 번도 하드 노트를 작성하지 않았다고 확신합니다…
그러나 처음부터 그는 자신이 칸틸레나의 선천적인 대가임을 보여주었다. 조형적인 사운드 패턴으로 매력을 발산할 수 있음을 보여줬다. 부드럽게 음소거되고 은빛 무지개 빛깔의 피아니스트 색상에 대한 취향을 발견했습니다. 여기에서 그는 원래 러시아 피아노 연주 전통의 계승자 역할을 했습니다. "Dorensky는 그가 능숙하게 사용하는 다양한 색조의 아름다운 피아노를 가지고 있습니다."(Modern pianists. – M., 1977. P. 198.), Reviewers는 썼습니다. 그래서 그것은 그의 젊음이었고 지금도 마찬가지입니다. 그는 또한 미묘함, 사랑스러운 표현의 원형으로 구별되었습니다. 그의 연주는 말하자면 우아한 사운드 비네팅, 부드러운 멜로디 벤드로 장식되었습니다. (비슷한 의미에서 그는 오늘 연주합니다.) 아마도 Dorensky는이 능숙하고 신중한 사운드 라인 연마에서와 같이 Ginzburg의 학생만큼 자신을 보여주지 않았을 것입니다. 그리고 그가 이전에 말한 것을 기억한다면 그것은 놀라운 일이 아닙니다. "Grigory Romanovich는 수업에서 수행되는 작품의 외부 장식에서 가장 작은 결함을 용납하지 않았습니다."
이것은 Dorensky의 예술적 초상화의 일부입니다. 어떤 점이 가장 인상적인가요? 한때 LN Tolstoy는 다음과 같이 반복하는 것을 좋아했습니다. 예술 작품이 존경받을 만하고 사람들이 좋아하려면 좋은, 작가의 마음에서 똑바로 갔다. 이것이 문학이나 예를 들어 연극에만 적용된다고 생각하는 것은 잘못된 것입니다. 이것은 다른 어떤 것과 마찬가지로 음악 공연 예술과도 동일한 관계를 갖는다.
모스크바 음악원의 다른 많은 학생들과 함께 Dorensky는 공연과 병행하여 또 다른 길인 교육학을 스스로 선택했습니다. 다른 많은 사람들과 마찬가지로 수년에 걸쳐 그가 질문에 답하기가 점점 어려워졌습니다. 이 두 경로 중 어느 것이 그의 인생에서 주요 경로가 되었습니까?
그는 1957년부터 청소년들을 가르치고 있습니다. 현재 그는 30년 이상 가르쳤으며 음악원에서 저명하고 존경받는 교수 중 한 명입니다. 그는 예술가가 교사라는 오래된 문제를 어떻게 해결합니까?
“솔직히 큰 어려움이 있습니다. 사실 두 직업 모두 특별한 창의적 "모드"가 필요합니다. 물론 나이가 들면 경험이 따라옵니다. 많은 문제가 해결하기 쉽습니다. 전부는 아니지만... 가끔 궁금합니다: 음악을 가르치는 것을 전문으로 하는 사람들에게 가장 큰 어려움은 무엇입니까? 결국 정확한 교육학적 "진단"을 하기 위해서입니다. 즉, 학생의 성격, 성격, 전문 능력을 "추측"합니다. 따라서 그와 함께 모든 추가 작업을 구축하십시오. FM Blumenfeld, KN Igumnov, AB Goldenweiser, GG Neuhaus, SE Feinberg, LN Oborin, Ya. I. Zak, Ya. V. 플라이어…
일반적으로 Dorensky는 과거의 뛰어난 마스터 경험을 마스터하는 데 큰 중요성을 부여합니다. 그는 종종 학생 집단의 교사이자 음악원 피아노 부서장으로서 이것에 대해 이야기하기 시작합니다. 마지막 위치에 관해서는 Dorensky가 1978 년부터 오랫동안 그것을 유지해 왔습니다. 그는이 기간 동안 작업이 일반적으로 자신이 좋아한다는 결론에 도달했습니다. “당신이 보수적 인 삶의 짙은 시간에있을 때마다 당신은 살아있는 사람들과 소통하고 나는 그것을 좋아합니다. 나는 그것을 숨기지 않을 것입니다. 물론 걱정과 고민은 무수히 많습니다. 상대적으로 자신감이 있다면 모든 일에서 피아노 학부의 예술 협의회에 의존하려고 노력하기 때문입니다. 가장 권위있는 교사가 여기에서 연합하여 가장 심각한 조직적이고 창의적인 문제를 해결합니다.
Dorensky는 열정적으로 교육학에 대해 이야기합니다. 이 분야에서 많이 접하고, 많이 알고, 생각하고, 고민하고…
“저는 우리 교육자들이 오늘날의 청소년을 재교육하고 있다는 생각이 우려됩니다. 진부한 "훈련"이라는 단어를 사용하고 싶지 않지만 솔직히 어디로 가겠습니까?
그러나 우리는 또한 이해할 필요가 있습니다. 오늘날 학생들은 대회, 학급 파티, 콘서트, 시험 등에서 자주 그리고 많이 공연합니다. 그리고 우리는 개인적으로 그들의 공연에 대한 책임이 있습니다. 예를 들어 차이코프스키 콩쿠르에 참가한 학생이 음악원 그레이트 홀 무대에서 연주하기 위해 나오는 사람의 자리에 정신적으로 자신을 두도록하십시오! 비슷한 감각을 직접 경험하지 않고는 외부에서 이것을 이해하지 못할 까봐 두렵습니다. 여기 우리는 교사이며 가능한 한 철저하고 건전하고 철저하게 일을하려고 노력합니다. 그 결과... 결과적으로 우리는 어느 정도의 한계를 넘어섭니다. 우리는 많은 젊은이들의 창의적 주도권과 독립성을 박탈하고 있습니다. 물론 이것은 의도의 그림자없이 의도하지 않게 발생하지만 본질은 남아 있습니다.
문제는 우리 애완 동물이 모든 종류의 지침, 조언 및 지침으로 한계까지 채워져 있다는 것입니다. 그들 모두 알고 이해하다: 자신이 수행하는 작업에서 해야 할 일과 하지 말아야 할 일을 알고 있으므로 권장하지 않습니다. 그들은 모든 것을 소유하고 있으며, 한 가지를 제외하고 모두 내부적으로 해방하고 직관, 환상, 무대 즉흥 연주 및 창의성에 자유롭게 고삐를 부여하는 방법을 알고 있습니다.
여기에 문제가 있습니다. 그리고 모스크바 음악원에서 우리는 종종 그것에 대해 토론합니다. 그러나 모든 것이 우리에게 달려 있는 것은 아닙니다. 가장 중요한 것은 학생 자신의 개성입니다. 그녀는 얼마나 밝고 강하고 독창적입니까. 어떤 교사도 개성을 창조할 수 없습니다. 그는 그녀가 마음을 열고 최고의 모습을 보여줄 수 있도록 도울 수 있을 뿐입니다.
주제를 계속하면서 Sergei Leonidovich는 한 가지 더 질문에 대해 이야기합니다. 그는 무대에 오르는 뮤지션의 내면의 태도가 매우 중요하다고 강조합니다. 청중과 관련하여 그는 어떤 위치에 있습니까?. Dorensky는 젊은 아티스트의 자존감이 개발되었는지 여부, 이 아티스트가 창의적인 독립성, 자급 자족을 보여줄 수 있는지 여부, 이 모든 것이 게임의 품질에 직접적인 영향을 미친다고 말합니다.
“예를 들어 여기에는 경쟁 오디션이 있습니다 … 대부분의 참가자를 살펴보고 참석자들에게 깊은 인상을 남기기 위해 그들이 어떻게 노력하는지 확인하는 것으로 충분합니다. 대중과 배심원의 동정을 얻기 위해 노력하는 방법. 사실, 아무도 이것을 숨기지 않습니다… 연주자가 느끼고 이해하는 음악이나 예술적 진실이 아니라 그의 말을 듣고 평가하고 비교하고 점수를 분배하는 사람들의 인식에 대한 이러한 방향은 항상 부정적인 결과를 초래합니다. 그녀는 분명히 게임에 빠져들었습니다! 그러므로 진리에 민감한 사람들에게는 불만의 퇴적물이 있습니다.
그래서 저는 보통 학생들에게 무대에 올라갈 때 다른 사람에 대해 덜 생각하라고 말합니다. 덜 괴로움: "오, 그들이 나에 대해 뭐라고 말할까요..." 당신은 기쁨으로 자신의 즐거움을 위해 플레이해야 합니다. 나는 내 자신의 경험을 통해 알고 있습니다. 당신이 무언가를 기꺼이 할 때, 이 "무언가"는 거의 항상 성공하고 성공합니다. 무대에서 당신은 이것을 특히 명확하게 확인합니다. 음악을 만드는 과정 자체를 즐기지 않고 콘서트 프로그램을 진행하면 공연 전체가 성공적이지 못하다. 그 반대. 그래서 저는 항상 학생이 악기를 가지고 하는 일에서 내면의 만족감을 일깨우려고 노력합니다.
각 연주자는 공연 중에 약간의 문제와 기술적 오류가 있을 수 있습니다. 데뷔작도 경험 많은 마스터도 그들로부터 면역되지 않습니다. 그러나 후자가 일반적으로 예상치 못한 불행한 사고에 대응하는 방법을 알고 있다면 일반적으로 전자는 길을 잃고 당황하기 시작합니다. 따라서 Dorensky는 무대에서의 놀라움에 대해 미리 학생을 특별히 준비해야한다고 믿습니다. “갑자기 이런 일이 발생하면 끔찍한 일이 없다고 확신해야합니다. Neuhaus와 Sofronitsky, Igumnov, Arthur Rubinstein과 같은 가장 유명한 예술가들에게도 이런 일이 일어났습니다. 이것은 그들이 대중의 즐겨 찾기가되는 것을 막지 못했습니다. 또한, 학생이 실수로 무대에서 "비틀거림"이 발생하더라도 재앙이 발생하지 않습니다.
가장 중요한 것은 이것이 플레이어의 기분을 망치지 않으므로 프로그램의 나머지 부분에 영향을 미치지 않는다는 것입니다. 끔찍한 실수가 아니라 그로 인해 심리적 트라우마가 생길 수 있습니다. 이것이 바로 우리가 젊은이들에게 설명해야 할 것입니다.
그건 그렇고, "부상"에 대해. 이것은 심각한 문제이므로 몇 마디 더 추가하겠습니다. “부상”은 무대 위, 공연 중뿐만 아니라 일상적인 활동에서도 두려워해야 합니다. 예를 들어, 한 학생이 처음으로 자신이 배운 연극을 수업에 가져 왔습니다. 그의 게임에 많은 단점이 있더라도 그를 꾸짖지 말고 너무 가혹하게 비판해야합니다. 이는 더 부정적인 결과를 초래할 수 있습니다. 특히이 학생이 연약하고 긴장하며 쉽게 취약한 본성에서 온 경우. 그러한 사람에게 영적 상처를 입히는 것은 배를 포격하는 것만큼이나 쉽습니다. 나중에 치료하는 것이 훨씬 더 어렵습니다. 일부 심리적 장벽이 형성되어 향후 극복하기가 매우 어려운 것으로 나타났습니다. 그리고 교사는 이것을 무시할 권리가 없습니다. 어쨌든 그는 학생에게 절대로 말해서는 안됩니다. 당신은 성공하지 못할 것입니다. 그것은 당신에게 주어지지 않을 것입니다.
매일 얼마나 오래 피아노를 쳐야 합니까? – 젊은 음악가들이 자주 묻는다. 이 질문에 대한 단일하고 포괄적인 답변을 제공하는 것이 거의 불가능하다는 것을 깨닫고 Dorensky는 동시에 다음과 같이 설명합니다. 어떻게 무엇을 방향은 그것에 대한 답을 찾아야 한다. 물론 각자 자신을 검색하십시오.
“사업의 이익보다 적게 일하는 것은 좋지 않습니다. 그나저나 우리의 뛰어난 전임자 인 Igumnov, Neuhaus 및 기타 사람들이 한 번 이상 언급 한 더 많은 것도 좋지 않습니다.
당연히 이러한 각 시간 프레임은 순전히 개별적입니다. 여기서 다른 사람과 동등하다는 것은 말이 되지 않습니다. 예를 들어 Svyatoslav Teofilovich Richter는 지난 몇 년 동안 하루에 9-10시간 동안 공부했습니다. 하지만 리히터입니다! 그는 모든 면에서 독특하고 그의 방법을 모방하려는 것은 무의미할 뿐만 아니라 위험합니다. 하지만 선생님인 Grigory Romanovich Ginzburg는 악기에 많은 시간을 보내지 않았습니다. 어쨌든 "명목상". 그러나 그는 끊임없이 "그의 마음으로" 일했습니다. 이 점에서 그는 타의 추종을 불허하는 대가였습니다. 마음 챙김은 매우 유용합니다!
나는 젊은 음악가가 특별히 일하도록 가르쳐야 한다고 절대적으로 확신합니다. 숙제를 효과적으로 조직하는 기술을 소개합니다. 우리 교육자들은 종종 이것을 잊어버리고 성능 문제에만 집중합니다. 게임 방법 어떤 에세이, 해석 방법 한 저자 또는 다른 저자 등. 그러나 그것은 문제의 다른 측면입니다.”
그러나 "사건의 이해 관계가 요구하는 것보다 적은 것"과 "더 많은 것"을 구분하는 그 개요에서 동요하고 모호하게 구별할 수 있는 불명확한 선을 어떻게 찾을 수 있습니까?
“여기에는 단 하나의 기준이 있습니다. 키보드에서 수행하는 작업에 대한 인식의 명확성입니다. 원하는 경우 정신적 행동의 명확성. 머리가 잘 작동하는 한 수업은 계속될 수 있고 계속되어야 합니다. 그러나 그 이상은 아닙니다!
예를 들어 제 연습에서 성능 곡선이 어떻게 보이는지 말씀드리겠습니다. 처음에 처음 수업을 시작할 때 일종의 워밍업입니다. 효율성은 아직 너무 높지 않습니다. 나는 그들이 말하는 것처럼 완전한 힘으로 연주하지 않습니다. 여기서 어려운 일을 할 가치가 없습니다. 더 쉽고 간단한 것으로 만족하는 것이 좋습니다.
그런 다음 점차 워밍업하십시오. 공연의 질이 향상되고 있음을 느낍니다. 시간이 지나면(제 생각에는 30-40분 후에) 능력의 정점에 도달합니다. 약 2-3시간 동안 이 레벨에 머뭅니다(물론 게임에서 약간의 휴식을 취함). 과학적 언어로 이 작업 단계를 "평원"이라고 하는 것 같습니다. 그렇지 않나요? 그리고 피로의 첫 징후가 나타납니다. 그것들은 자라고, 더 눈에 띄고, 더 가시적이고, 더 끈질기게 됩니다. 그런 다음 피아노의 뚜껑을 닫아야 합니다. 추가 작업은 의미가 없습니다.
물론하고 싶지 않고 게으름, 집중력 부족이 극복됩니다. 그런 다음 의지의 노력이 필요합니다. 그것도 없이는 할 수 없습니다. 그러나 이것은 다른 상황이며 대화는 지금 그것에 관한 것이 아닙니다.
그건 그렇고, 저는 오늘 우리 학생들 사이에서 무기력하고 의지가 약하고 자기가 소진 된 사람들을 거의 만나지 않습니다. 젊은이들은 지금 열심히 일하고 있고, 그들을 달래는 것은 필요하지 않습니다. 모두가 이해합니다. 미래는 자신의 손에 달려 있으며 자신의 힘으로 모든 것을 할 수 있습니다.
오히려 여기에서 다른 종류의 문제가 발생합니다. 개별 작업과 전체 프로그램의 과도한 재교육으로 인해 때때로 너무 많은 일을 하기 때문에 게임의 신선함과 직접성이 손실됩니다. 감정적 인 색상이 사라집니다. 여기서는 잠시 배운 조각을 그대로 두는 것이 좋습니다. 다른 레퍼토리로 전환…
Dorensky의 교육 경험은 모스크바 음악원에만 국한되지 않습니다. 그는 종종 해외에서 교육학 세미나를 진행하도록 초대받습니다(그는 이를 "관광 교육학"이라고 부릅니다). 이를 위해 그는 여러 해에 걸쳐 브라질, 이탈리아, 호주를 여행했습니다. 1988년 여름, 그는 잘츠부르크의 유명한 Mozarteum에서 고등 공연 예술의 여름 과정에서 컨설턴트 교사로 처음 활동했습니다. 여행은 그에게 큰 인상을 남겼습니다. 미국, 일본 및 여러 서유럽 국가에서 온 흥미로운 젊은이들이 많이 있었습니다.
Sergei Leonidovich는 평생 동안 다양한 대회와 교육 세미나에서 배심원 테이블에 앉아있는 XNUMX 천명 이상의 젊은 피아니스트의 말을들을 기회가 있다고 계산했습니다. 한마디로 그는 소련과 외국의 세계 피아노 교육학 상황에 대해 잘 알고 있습니다. “그래도 우리와 같은 높은 수준에서 우리의 모든 어려움, 해결되지 않은 문제, 심지어 오산까지 그들은 세계 어느 곳에서도 가르치지 않습니다. 원칙적으로 최고의 예술적 힘은 우리 음악원에 집중되어 있습니다. 서양의 모든 곳이 아닙니다. 많은 주요 연주자들은 그곳에서 가르치는 부담을 완전히 피하거나 개인 교습에만 몰두합니다. 요컨대 우리 청년들은 성장에 가장 유리한 조건을 갖추고 있습니다. 반복하지 않을 수 없지만 그녀와 함께 일하는 사람들은 때때로 매우 힘든 시간을 보냅니다.”
예를 들어 Dorensky 자신은 이제 여름에만 피아노에 완전히 전념할 수 있습니다. 물론 충분하지 않습니다. 그는 이것을 알고 있습니다. “교육학은 큰 기쁨이지만 종종 이 기쁨은 다른 사람들을 희생시킵니다. 여기서는 할 일이 없습니다.”
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그럼에도 불구하고 Dorensky는 콘서트 작업을 중단하지 않습니다. 가능한 한 같은 볼륨으로 유지하려고 합니다. 그는 자신이 잘 알려져 있고 높이 평가되는 곳 (남미 국가, 일본, 서유럽 및 소련의 많은 도시)에서 자신을 위해 새로운 장면을 발견합니다. 1987/88 시즌에 그는 쇼팽의 발라드 XNUMX번과 XNUMX번을 처음으로 무대에 올렸다. 같은 시기에 그는 발레 The Little Humpbacked Horse에서 자신의 피아노 모음곡인 Shchedrin의 Preludes와 Fugues를 처음으로 배우고 연주했습니다. 동시에 그는 S. Feinberg가 편곡한 여러 바흐 합창곡을 라디오로 녹음했습니다. Dorensky의 새로운 축음기 레코드가 게시됩니다. XNUMX 년대에 발매 된 CD 중에는 베토벤 소나타, 쇼팽의 마주르카, 라흐마니노프의 파가니니 테마 랩소디, 거 슈윈의 랩소디 인 블루 CD가 있습니다.
항상 그렇듯이 Dorensky는 어떤 것에서 더 많이 성공합니다. 비평적 각도에서 그의 최근 몇 년간의 프로그램을 고려하면 베토벤의 소나타 비창 XNUMX악장인 "달"의 피날레에 대해 어떤 주장을 할 수 있습니다. 일부 성능 문제 및 사고가 발생하거나 발생하지 않을 수 있는 문제가 아닙니다. 결론은 파토스, 피아노 레퍼토리의 영웅적인 이미지, 극적인 강도가 높은 음악에서 피아니스트 Dorensky는 일반적으로 다소 당황스러워한다는 것입니다. 여기가 아니야 그의 정서적-심리적 세계; 그는 그것을 알고 솔직하게 인정합니다. 따라서 "한심한"소나타 (첫 번째 부분), "달빛"(세 번째 부분)에서 Dorensky는 소리와 프레이즈의 모든 장점을 가지고 있지만 때때로 실제 규모, 드라마, 강력한 의지 충동, 개념이 부족합니다. 반면 쇼팽의 많은 작품은 그에게 매력적인 인상을 줍니다. 예를 들어 같은 마주르카입니다. (mazurkas의 기록은 아마도 Dorensky의 최고 중 하나 일 것입니다.) 통역사로서 그가 청취자에게 이미 알려진 친숙한 것에 대해 여기에서 말하게하십시오. 그는 자신의 예술에 무관심한 상태를 유지하는 것이 불가능할 정도로 자연스럽고 영적 개방성 및 따뜻함으로 이것을합니다.
그러나 콘서트 무대만 보이는 상황에서 그의 활동을 판단하는 것은 고사하고 오늘 도렌스키에 대해 이야기하는 것은 잘못된 일일 것이다. 교사, 대규모 교육 및 창의적 팀장, 콘서트 아티스트, 그는 세 명을 위해 일하며 모든 모습으로 동시에 인식되어야합니다. 그래야만 그의 작업 범위, 소련 피아노 연주 문화에 대한 그의 진정한 공헌에 대한 진정한 아이디어를 얻을 수 있습니다.
G. 치핀, 1990
