음악 스타일 |

음악 스타일은 하나 또는 다른 이데올로기 및 비 유적 콘텐츠를 구현하는 데 사용되는 표현 수단 시스템을 특징 짓는 미술사 용어입니다. 음악에서 이것은 음악적 미학입니다. 그리고 음악의 역사. 범주. 변증법을 반영하는 음악의 스타일 개념. 내용과 형식의 관계는 복잡하고 다중적입니다. 내용에 대한 무조건적인 의존과 함께 그것은 여전히 ​​형식의 영역에 속하며, 여기서 우리는 음악적 표현의 전체 집합을 의미합니다. 음악의 요소를 포함하는 수단. 언어, 형성 원리, 구성. 트릭. 스타일의 개념은 음악의 문체 특징의 공통성을 의미합니다. 사회-역사에 뿌리를 둔 제품. 조건, 예술가의 세계관과 태도, 창작 작업에서. 방법, 음악사의 일반적인 패턴. 프로세스.

음악 스타일의 개념은 르네상스 말기(16세기 말), 즉 실제 뮤즈의 규칙성이 형성되고 발전하는 동안 발생했습니다. 미학과 이론에 반영된 구성. 그것은 모호함과 용어에 대한 모호한 이해를 모두 보여주는 긴 진화를 거쳤습니다. 부엉이 음악학에서 그것은 논의의 대상이며, 그것에 부여된 다양한 의미로 설명된다. 그것은 작곡가의 글의 개별적인 특징 (이런 의미에서 창의적인 손글씨, 매너의 개념에 접근)과 k.-l에 포함 된 작품의 특징 모두에 기인합니다. 장르 그룹 (장르 스타일), 공통 플랫폼 (학교 스타일)으로 통합 된 작곡가 그룹 작문의 일반적인 특징, 한 국가 (국가 스타일) 또는 역사적 작곡가 작품의 특징. 음악 발전의 시대. art-va (방향 스타일, 시대 스타일). "스타일" 개념의 이러한 모든 측면은 매우 자연스러우나 각각에는 특정한 제한이 있습니다. 스타일 기능의 다양성과 부서 작업에서 구현의 개별 특성으로 인해 일반성의 수준과 정도의 차이로 인해 발생합니다. 작곡가; 따라서 많은 경우 특정 스타일에 대해 말하는 것이 아니라 문체에 주목하는 것이 더 정확합니다. c.-l 음악의 경향(리딩, 동반). 시대 또는 Ph.D. 작곡가, 스타일리스트 연결 또는 공통성 스타일 기능 등 "작품은 이러 저러한 스타일로 작성되었습니다"라는 표현은 과학적인 것보다 더 일반적입니다. 예를 들어, 작곡가가 때때로 양식화 인 작품에 부여하는 이름입니다 (Fp. Myaskovsky의 연극 "In the Old Style", 즉 오래된 정신). 예를 들어 종종 "스타일"이라는 단어는 다른 개념을 대체합니다. 방법이나 방향(로맨틱 스타일), 장르(오페라 스타일), 음악. 창고(동음이의 스타일), 콘텐츠 유형. 마지막 개념(예: 영웅적 스타일)은 잘못된 것으로 인식되어야 합니다. 역사적 또는 NAT를 고려하지 않습니다. 요인 및 함축된 공통 기능, 예. 주제주의의 억양적 구성(영웅적 주제의 팡파르 억양)은 문체적 공통성을 고정시키기에 분명히 불충분하다. 다른 경우에는 스타일과 방법, 스타일과 장르 등의 개념 간의 수렴과 상호 작용의 가능성, 그리고 그 차이점과 실제로는 그 자체를 파괴하는 완전한 동일시의 오류를 모두 고려할 필요가 있습니다. 스타일 카테고리.

장르 스타일의 개념은 음악에서 비롯되었습니다. 개별 문체 형성 연습. 모테트, 미사, 마드리갈 등 장르의 특징(다양한 구성 및 기술 기법, 음악 언어 수단의 사용과 관련하여), 즉 용어 사용의 초기 단계. 이 개념의 사용은 장르의 기원과 존재 조건에 따라 제작자의 성격에 대한 밝은 각인이 없거나 명확하게 표현된 일반 속성이 개별 저자의 속성보다 명확하게 우세한 장르와 관련하여 가장 합법적입니다. 예를 들어, 이 용어는 교수의 장르에 적용됩니다. 중세와 르네상스의 음악(중세 스타일. 오르가눔 또는 이탈리아어. 반음계. 마드리갈). 이 개념은 민속에서 가장 일반적으로 사용됩니다(예: 러시아 결혼 노래 스타일). 특정 역사적 일상 음악에도 적용됩니다. 기간 (1 세기 전반기 러시아 일상 로맨스 스타일, 다양한 스타일의 모던 팝, 재즈 음악 등). 때때로 c.-l에서 발전한 장르의 특징의 밝기, 구체성 및 안정적인 규범성. 음악 방향은 이중 정의의 가능성을 허용합니다. 예를 들어 표현은 똑같이 합법적인 것으로 간주될 수 있습니다. 로맨틱 오페라', '그레이트 프렌치 장르. 로맨틱 오페라”. 그러나 차이점은 오페라 장르의 개념에는 플롯의 특징과 그 해석이 포함되는 반면 스타일의 개념에는 해당 장르에서 역사적으로 발전해 온 안정적인 문체적 특징의 총합이 포함된다는 점입니다.

장르의 공통성은 의심 할 여지없이 문체 특징의 공통성의 연속성에 영향을 미칩니다. 이것은 예를 들어 문체의 정의에서 나타납니다. 생산 기능., 수행으로 결합. 구성. 함수의 문체적 공통성을 드러내는 것이 더 쉽습니다. 찌르다. F. Chopin과 R. Schumann(즉, 기능적 스타일의 공통성)은 전체 작업의 문체적 공통성보다 중요합니다. 가장 많이 사용되는 것 중 하나입니다. "스타일" 개념의 적용은 c.-l 사용의 특징을 고정하는 것을 의미합니다. 연주 장치의 저자(또는 그 그룹)(예: 쇼팽의 피아노 스타일, 무소르그스키의 성악 스타일, 바그너의 오케스트라 스타일, 프랑스 하프시코드 연주자의 스타일 등). 한 작곡가의 작업에서 다양한 장르 영역의 문체 차이가 종종 눈에 띕니다. 예를 들어 FP의 스타일입니다. 찌르다. 슈만은 그의 교향곡 스타일과 크게 다릅니다. 제작의 예에서 다양한 장르는 비 유적 콘텐츠와 문체 적 특징의 상호 작용을 보여줍니다. 예를 들어 원산지와 공연자의 세부 사항입니다. 실내악의 구성은 심도 있는 철학적 내용과 이에 상응하는 문체적 내용의 전제조건을 만든다. 특징 – 상세한 인토네이션. 건물, 다성 질감 등

문체의 연속성은 프로덕션에서 더 명확하게 볼 수 있습니다. 같은 장르: FP에서 공통 기능의 단일 체인을 설명할 수 있습니다. L. Beethoven, F. Liszt, PI Tchaikovsky, E. Grieg, SV Rachmaninov 및 SS Prokofiev의 콘서트; 그러나 fp의 분석을 기반으로 합니다. 명명된 작가들의 연주회에서 드러나는 것은 '피아노 협주곡의 스타일'이 아니라 작품의 연속성을 감지하기 위한 전제 조건일 뿐이다. 하나의 장르.

역사적으로 조건화되고 발달적인 분해. 장르는 또한 17세기로 거슬러 올라가는 엄격하고 자유로운 스타일의 개념의 출현입니다. (JB Doni, K. Bernhard 등). 그것들은 고대(안티코) 양식과 현대(모던) 양식의 개념과 동일하며 장르(모테트와 미사, 또는 콘서트와 기악)의 적절한 분류와 그 특징적인 다성적 기법을 내포하고 있다. 편지. 그러나 엄격한 스타일은 훨씬 더 체계적이며 "자유로운 스타일"이라는 개념의 의미는 Ch입니다. 도착 엄격한 반대.

가장 강력한 문체 변화 기간 동안, 새로운 클래식 음악의 성숙 과정에서. 다성음과 동음성-고조파의 원리가 집중적으로 상호 작용하는 동안 발생한 규칙성. 음악에서 이러한 원칙 자체는 형식적일 뿐만 아니라 역사적이고 심미적이었습니다. 의미. JS Bach와 GF Handel의 작업 시기(18세기 중반까지)와 관련하여 다성음의 개념. 동음이의 스타일은 뮤즈의 정의 이상의 것을 의미합니다. 창고. 그러나 후기 현상과 관련하여 사용하는 것은 거의 정당화되지 않습니다. 동음이의 스타일의 개념은 일반적으로 구체성을 잃고 다성 스타일은 역사적 설명이 필요합니다. 시대 또는 질감의 특징의 특성으로 변합니다. 예를 들어 "다성음"과 같은 표현입니다. Shostakovich의 스타일”은 다른 의미를 갖습니다. 즉, 다성 사용의 세부 사항을 나타냅니다. 이 작가의 음악 기술.

스타일을 결정할 때 고려해야 할 가장 중요한 요소는 국가적 요소입니다. 이미 언급한 측면들(러시아 국내 로맨스나 러시아 결혼 축가의 스타일)을 구체화하는 데 큰 역할을 한다. 이론과 미학에서 nat. 스타일의 측면은 이미 17-18세기에 강조되었습니다. 국가적 스타일의 특수성은 19세기 이후 예술, 특히 소위 말하는 음악에서 가장 분명하게 드러납니다. 젊은 국립 학교는 유럽에서 19 세기에 걸쳐 형성되었습니다. 20세기까지 계속되어 다른 대륙으로 퍼졌습니다.

국가 공동체는 주로 예술의 내용, 국가의 영적 전통의 발전에 뿌리를 두고 있으며 스타일에서 간접적 또는 간접적인 표현을 찾습니다. 국가의 기초 스타일 기능의 공통성은 민속 소스 및 구현 방법에 대한 의존입니다. 그러나 민속의 구현 유형과 시간 및 장르 계층의 다양성은 매우 다양하여 특히 다른 역사적 기간에서 이러한 공통성을 설정하는 것이 어렵거나 불가능합니다 (연속성이 있는 경우에도). 단계 : 이것을 확신하려면 MI Glinka와 GV Sviridov, Liszt 및 B. Bartok의 스타일을 비교하거나 훨씬 더 짧은 시간 거리에서 AI Khachaturian과 현대를 비교하는 것으로 충분합니다. 팔. 작곡가, 아제르바이잔. 음악 – U. Gadzhibekov와 KA Karaev의 스타일.

그럼에도 불구하고 특정 (때로는 확장 된) 역사적 음악에. 무대는 '스타일 nat. 학교”(그러나 단일 국가 스타일은 아님). 그 징후는 특히 nat 형성 당시 안정화됩니다. 전통과 문체 개발의 기초를 형성하는 고전. 연속성, 장기간에 걸쳐 나타날 수 있습니다. 시간 (예 : 러시아 음악에서 Glinka의 창의성 전통).

국립 학교와 함께 가장 다양한 작곡가 협회가 있습니다. 근거는 종종 학교라고도합니다. 그러한 학교와 관련하여 "스타일"이라는 용어를 적용하는 정당성의 정도는 그러한 협회에서 발생하는 일반성의 수준에 달려 있습니다. 예를 들어 다성 스타일의 개념은 매우 자연스럽습니다. 르네상스 학교 (French-Flemish 또는 Dutch, Roman, Venetian 등). 그 당시 창의성의 개별화 과정은 이제 막 시작되었습니다. 독립적으로 음악 부서와 관련된 작곡가의 손글씨. 새로운 표현 수단의 포함, 조형적 범위의 확장 및 차별화가 동반됩니다. 폴리포닉의 절대적인 우위. 교수에게 보내는 편지 음악은 모든 표현에 흔적을 남기고 스타일의 개념은 종종 다성 사용의 특성과 정확하게 관련됩니다. 트릭. 고전 형성 기간의 특징. 장르와 패턴, 개인보다 일반이 우세하여 스타일 분해의 개념을 적용할 수 있습니다. 17세기 오페라 음악 학교. (피렌체, 로마 및 기타 학교) 또는 instr. 17~18세기 음악. (예: 볼로냐, 만하임 학교). 19세기에는 예술가의 개성과 창조성이 근본적인 의미를 갖게 되면서 학교의 개념은 '길드'의 의미를 상실하게 된다. 신흥 그룹(바이마르 학파)의 일시적인 특성으로 인해 문체 커뮤니티를 수정하기가 어렵습니다. 어떤 경우에는 그러한 그룹의 대표자가 전통의 추종자가 아니라 epigones (라이프 치히 학교의 복수 대표자 F. 멘델스존의 작품). 훨씬 더 합법적 인 것은 "new Rus"스타일의 개념입니다. 음악 학교”또는 Balakirev 서클. 단일 이데올로기 플랫폼, 유사한 장르의 사용, Glinka의 전통 개발은 문체 커뮤니티의 기반을 만들었으며 주제 유형 (러시아 및 동부), 개발 및 형성 원칙 및 사용에서 나타납니다. 민속 자료. 그러나 이데올로기 및 미적 요인, 주제 선택, 플롯, 장르가 문체 커뮤니티를 크게 결정한다면 항상 그런 것은 아닙니다. 예를 들어 주제와 관련된 Mussorgsky의 오페라 "Boris Godunov"와 Rimsky-Korsakov의 "The Maid of Pskov"는 스타일이 크게 다릅니다. 독창성. 서클 구성원의 성격은 확실히 Mighty Handful 스타일의 개념을 제한합니다.

20세기 음악에서 작곡가들의 그룹화는 의미 있는 순간에 발생합니다. 문체 변화(프랑스어 "Six", 새로운 비엔나 학파). 학교 스타일의 개념은 여기에서도 특히 첫 번째 경우에 매우 상대적입니다. 수단. 교사의 영향, 비 유적 범위의 축소 및 그 특이성, 적절한 표현 수단 검색은 "Schoenberg 학교 스타일"(새로운 비엔나 학교) 개념의 구체화에 기여합니다. 그러나 XNUMX음법의 사용조차도 존재를 가리지 않습니다. A. Schoenberg, A. Berg, A. Webern의 스타일 차이.

음악학에서 가장 어려운 문제 중 하나는 적절한 역사적 범주로서의 스타일, 시대 및 예술과의 상관 관계 문제입니다. 방법, 방향. 역사와 미학. 스타일 개념의 측면은 사기에서 발생했습니다. 19 – 구걸. 20세기, 언제 음악. 바로크, 로코코, 고전주의, 낭만주의, 이후 인상주의, 표현주의 등 관련 예술과 문학의 역사에서 차용한 미학. G. Adler는 이미 1911년에 음악 스타일에 관한 작업("Der Stil in der Musik")에서 역사적인 숫자를 가져왔습니다. 최대 70개의 스타일 지정. 예를 들어 S와 같이 구분이 더 큰 개념도 있습니다. C. 책의 Skrebkov. 문체의 변화로서 음악의 역사를 고려한 "음악 스타일의 예술적 원리". 시대는 중세, 초기 르네상스, 전성기 르네상스, 바로크, 고전의 여섯 가지 주요 시대를 식별합니다. 시대와 근대성(후자는 현실적이다. 주장은 모더니스트에 반대한다). 스타일을 지나치게 세세하게 분류하면 개념 자체의 범위가 불확실해지며 때로는 쓰는 방식(“느낌. 18세기 음악의 스타일') 이후 이데올로기적 예술로 발전했습니다. 방법 또는 방향(로맨틱 스타일; 사실, 그는 차이가 있습니다. 아종). 그러나 큰 구분은 문체의 다양성을 균등화합니다. 경향(특히 현대 음악에서), 방법과 방향의 차이(예: 고전주의 시대의 비엔나 고전파와 낭만주의 사이). 문제의 복잡성은 뮤즈 현상을 완전히 식별할 수 없기 때문에 더욱 악화됩니다. 다른 유사한 현상을 가진 소송. art-wah(그리고 결과적으로 용어를 빌릴 때 적절한 예약의 필요성), 스타일 개념과 창의성 개념을 혼합합니다. 방법(Zarub에서. 음악학에는 그런 것이 없다)과 방향, 방법, 방향, 경향, 유파 등의 개념에 대한 정의와 경계가 명확하지 않다. 올빼미의 작품. 1960년대와 70년대의 음악학자(M. 에게. 미하일로바 A. N. Sohor), 주로 otd에 의존합니다. 정의 및 관찰 b. 에. Asafyeva, Yu. N. 툴린, L. A. Mazel, 마르크스-레닌주의 미학 및 타자의 미학 분야에 대한 연구. 소송은 이러한 용어를 명확히하고 차별화하는 것을 목표로합니다. 그들은 방법, 방향, 스타일의 세 가지 주요 개념을 식별합니다(때로는 시스템 개념이 추가됨). 그것들을 정의하기 위해서는 스타일과 창의성의 개념을 구별할 필요가 있다. 그 비율은 변증법에서 형식과 내용의 범주 비율에 가깝습니다. 관계. 방향은 구체적인 역사적으로 간주됩니다. 방법의 표현. 이 접근법을 통해 방법의 스타일 또는 방향의 스타일이라는 개념이 제시됩니다. 네, 로맨틱합니다. 어떤 유형의 현실 반영을 암시하는 방식, 결과적으로 특정 이데올로기-비유적 체계가 음악의 특정 방향으로 구체화됩니다. 19세기 소송. 그는 하나의 낭만적인 사람을 만들지 않습니다. 스타일이지만 그에 상응하는 이데올로기적, 비유적 체계로 표현할 것이다. to-rye는 여러 가지 안정적인 문체적 특징을 형성하는 것을 의미하며 낭만적인 것으로 정의됩니다. 스타일 기능. 예를 들어 조화, 합성의 표현적이고 다채로운 역할이 증가합니다. 멜로디 유형, 자유로운 형식의 사용, 개발을 통한 노력, 새로운 유형의 개별화된 FP. 그리고 오크. 텍스처는 G와 같이 크게 다른 낭만주의 예술가의 공통점을 기록하는 것을 가능하게 합니다. 베를리오즈와 R. 슈만, F. 슈베르트와 F. 리스트, F.

스타일 개념이 그대로 방법 개념 (로맨틱 스타일, 인상주의 스타일 등)을 대체하는 표현 사용의 정당성은 내부에 달려 있습니다. 이 방법의 내용. 따라서 한편으로는 인상주의의 좁은 이데올로기 및 미학적 (부분적으로는 국가적) 프레임 워크와 그에 의해 개발 된 시스템의 생생한 확실성을 표현합니다. 의미는 "인상주의"라는 용어를 사용하는 데 큰 이유가 있음을 의미합니다. 스타일'보다 '로맨틱' 스타일”(여기서 방향이 존재하는 짧은 기간도 역할을 함). 그 존재는 낭만적이다. 낭만주의의 일반적이고 규범적이며 장기적인 진화에 대한 개인의 우세와 관련된 방법. 방향은 단일 로맨틱의 개념을 도출하기 어렵게 만듭니다. 스타일. 현실적인 다재다능함. 방법, 특히 제외를 제안합니다. 다양한 표현 수단, 다양한 스타일은 개념이 사실적이라는 사실로 이어집니다. 음악의 스타일에는 실제로 어떤 종류의 확실성이 없습니다. 이것은 또한 사회주의적 방법에 기인한다. 실재론. 그들과 대조적으로 고전적인 스타일의 개념(정의하는 단어의 모든 모호함과 함께)은 매우 자연스럽습니다. 일반적으로 비엔나 클래식에서 개발된 스타일로 이해됩니다. 학교, 학교의 개념은 여기에서 방향의 의미로 상승합니다. 이것은 개발의 가장 높은 단계에서 방법으로서 이 방향의 존재에 대한 암시된 역사적 및 지리적 확실성과 방법 자체의 규범성 및 최종 조건에서의 표현에 의해 촉진됩니다. 가장 보편적이고 안정적인 장르와 음악 형식의 형성. 그 특이성을 분명히 밝힌 소송. J. Haydn, WA Mozart 및 Beethoven의 개별 스타일의 밝기는 비엔나 클래식 음악의 문체 공통성을 파괴하지 않습니다. 그러나 역사적 무대의 예에서는 시대적 양식이라는 보다 넓은 개념의 구체화도 눈에 띈다. 이 일반화 된 스타일은 강력한 역사적시기에 가장 분명하게 나타납니다. 격변, 사회의 급격한 변화. 관계는 문체 적 특징에 반영된 예술의 변화를 일으 킵니다. 음악은 일시적인 주장으로서 이러한 '폭발'에 민감하게 반응한다. 훌륭한 프랑스어. 1789-94년의 혁명은 베토벤의 작업에서 일반화된 새로운 "시대의 억양 사전"(이 정의는 역사적 과정의 이 부분과 관련하여 BV Asafiev에 의해 정확하게 공식화됨)을 탄생시켰습니다. 새로운 시간의 경계는 비엔나 고전의 시대를 거쳤다. 억양 시스템, 베토벤 음악 소리의 본질은 때때로 의심 할 여지가없는 모든 문체 때문에 Haydn과 Mozart의 교향곡보다 FJ Gossec, Marseillaise, I. Pleyel 및 A. Gretry의 찬송가의 행진에 더 가깝습니다. . 공통성과 연속성을 표현하는 가장 강력한 방법.

제품 그룹과 관련된 경우. 다른 작곡가 또는 작곡가 그룹의 작업, 스타일의 개념은 작곡가 그룹의 작업과 관련하여 설명 및 설명이 필요합니다. 작곡가 그것은 가장 큰 구체성이 특징입니다. 이것은 예술의 통일성 때문입니다. 성격과 연대기. 활동 범위의 정의. 그러나이 경우 모호하지 않은 정의가 필요하지 않고 역사적 작곡가의 위치를 ​​나타내는 다양한 문체 특성과 특징을 드러내야합니다. 문체 구현의 과정과 개성. 시대, 방향, nat의 경향 특성. 학교 등 따라서 충분한 시간의 창의성. 방법, 특히 동반 수단. 역사적 사건, 사회의 중요한 전환. 예술의 의식과 발전은 스타일 특징의 변화로 이어질 수 있습니다. 예를 들어, 베토벤의 후기 스타일은 창조물이 특징입니다. 음악 언어의 변화, 작곡가의 후기 소나타와 사중주에서 당시 등장한 낭만주의의 특징 (10 세기 20-19 년대)과 합쳐지는 형성 원리. 교향곡 9번(1824)과 여러 작품에서. 다른 장르는 유기적으로 관찰됩니다. 베토벤 작품의 성숙기와 후기의 문체적 특징을 종합한 것으로, 작곡가의 통일된 스타일의 존재와 진화를 모두 증명합니다. 교향곡 9번 또는 op. 소나타 32번, 특히 이데올로기적이고 비유적인 내용이 문체적 특징에 어떤 영향을 미치는지 분명합니다(예를 들어 교향곡 1부의 영웅적 투쟁 이미지는 풍부하지만 문체적으로는 성숙기의 작업에 더 가깝습니다) 새로운 특징과 철학적으로 관조적인 가사, 3부에서 후기의 양식적 특징을 집중). 생생한 스타일 변경의 예는 창의성에 의해 제공됩니다. G. Verdi의 진화 – 30년대와 40년대의 포스터 같은 오페라에서. 상세한 편지 "Othello"에. 이것은 또한 낭만주의로부터의 진화에 의해 설명됩니다. 현실적인 오페라. 음악 드라마(즉, 방식의 진화), 기술의 발전. 오크 스킬. 편지, 그리고 일반적인 문체에 대한 점점 더 일관된 반영. 시대의 트렌드(엔드 투 엔드 개발). 작곡가 스타일의 단일 핵심은 이탈리아어 원칙에 의존합니다. 음악 극장 (국가 요인), 밝기 멜로디. 부조(오페라 형식과의 새로운 관계에 의해 도입된 모든 변화 포함).

그러한 작곡가 스타일도 있습니다. to-rye는 형성 및 개발 전반에 걸쳐 매우 다재다능 함이 특징입니다. 이것은 ch에 적용됩니다. 도착 음악소송 2층으로. 19-20 세기 따라서 I. Brahms의 작업에는 바흐 시대 음악, 비엔나 고전, 초기, 성숙 및 후기 낭만주의의 문체 적 특징이 통합되어 있습니다. 훨씬 더 놀라운 예는 JS Bach, L. Beethoven, PI Tchaikovsky, MP Mussorgsky, SI Taneyev, G. Mahler 등의 예술과 연결되는 DD Shostakovich의 작업입니다. 그의 음악에서 표현주의, 신고전주의, 심지어 단일 창작 작업과 모순되지 않는 인상주의의 특정 문체 특징의 구현을 관찰할 수도 있습니다. 작곡가의 방법 - 사회주의 방법. 실재론. 그러한 생물은 Shostakovich의 작품에 나타납니다. 스타일 기능의 상호 작용의 본질, 구현의 유기성 및 개성으로서 스타일의 특성. 이러한 특성을 통해 풍부한 문체 사이에 선을 그릴 수 있습니다. 연결 및 절충주의.

스타일화는 또한 개인의 종합 스타일인 의식과도 다릅니다. k.-l 스타일의 특징적인 표현 수단의 복합 사용. 작곡가, 시대 또는 방향(예: "모차르트의 정신으로" 작성된 스페이드 여왕의 목가적 막간). 분해 모델링의 복잡한 예. 과거 시대의 스타일은 일반적으로 창조 당시의 문체 기호를 유지하면서 신고전주의에 따라 작성된 작품을 제공합니다 (Pulcinella 및 Stravinsky의 The Rake 's Adventures). 현대의 작업에는 다음이 포함됩니다. 소비에트, 작곡가 여러분은 하나의 제품에 의식적으로 조합된 다양식주의 현상을 만날 수 있습니다. XNUMX월 날카로운 전환을 통한 문체 적 특징, 날카롭게 대조되는 병치, 때로는 모순되는 “문체. 파편.”

문체공동체의 개념은 전통의 개념과 밀접한 관련이 있다. 작곡가의 개별 스타일은 혁신적인 "예술"을 기반으로 합니다. otd 규모의 발견”(LA Mazel 용어). 찌르다. 또는 모든 창의성과 동시에 이전 시대의 스타일 요소를 포함합니다. 때때로 그것들은 예술 발전에서 일반화하는 역할을 했거나 미래의 길을 예측한 작곡가의 이름과 관련이 있습니다. 기계로 환원할 수 없는 문체적 공통성을 수정합니다. 스타일 목록은 역사적 사실을 찾는 데 도움이 됩니다. 문체 연결의 본질은 역사적 패턴을 드러냅니다. 프로세스, nat의 세부 사항. 징후 및 국제 상호 작용. "스타일"이라는 용어와 전통 개념의 결합은 이 음악적 미학의 역사주의를 증명합니다. 범주, 이데올로기 및 실질적인 측면에 대한 의존성과 분해와의 깊은 관계에 대해. 얼굴. 이것은 활동과 관계를 배제하지 않습니다. 스타일의 독립성, tk. 음악의 이데올로기적이고 비유적인 내용. claim-va는 시스템을 통해서만 표현할 수 있습니다. to-paradise를 의미하며 문체의 운반체입니다. 특징. 문체의 특징이 된 표현 수단은 역사적으로 습득합니다. 프로세스와 독립적입니다. 즉, 특정 콘텐츠 유형의 "식별 기호"가 됩니다. 이러한 기호가 더 밝게 표시될수록 콘텐츠가 더 명확하고 명확하게 표시됩니다. 따라서 변증법을 확립하는 문체 분석이 필요합니다. 시대의 역사적 조건 사이의 관계, 창조적. 방법, 작가의 개성, 작가가 선택한 개성을 표현합니다. 계승을 드러내는 수단. 연결 및 문체 일반화, 전통 및 혁신 개발. 스타일 분석은 올빼미의 중요하고 유익한 개발 영역입니다. 역사적 업적을 성공적으로 결합한 음악학. 이론 산업.

공연 예술은 또한 스타일 표현의 특별한 측면입니다. 그의 문체 특징은 결정하기가 더 어렵습니다. 공연하다. 해석은 녹음된 음악 텍스트의 객관적인 데이터에만 근거하지 않습니다. 현재 사용 가능한 기계적, 자기적 성능 기록에 대한 평가도 보다 임의적이고 주관적인 기준에서 진행됩니다. 그러나 이러한 정의가 존재하며 분류는 기본과 거의 일치합니다. 작곡가의 예술 방향. 공연중. art-ve는 또한 음악가의 개별 스타일과 시대의 지배적인 스타일 트렌드를 결합합니다. 하나 또는 다른 제품의 해석. 미학에 달려 있습니다. 예술가의 이상, 전망 및 태도. 동시에 "로맨틱"과 같은 특성. 스타일 또는 "클래식". 연주 스타일은 주로 해석의 전반적인 감정적 색상과 관련이 있습니다. 즉, 자유롭고, 뾰족한 대조 또는 엄격하고 조화롭게 균형을 이룹니다. "인상주의적" 연주 스타일은 일반적으로 형형색색의 논리보다 사운드의 다채로운 음영에 감탄하는 스타일이라고 합니다. 따라서 정의가 충족됩니다. 스타일, 일반적으로 k.-l을 기반으로 하는 작곡가 예술의 해당 트렌드 또는 트렌드의 이름과 일치합니다. 개별 미적 징후.

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