음악 공연 |
연주 - 창의적인. 음악을 다시 만드는 과정. 작업은 수단으로 수행됩니다. 기술. 공백과는 다릅니다. 사운드 아트의 현실을 반영하는 임시 예술로서의 (회화, 조각) 음악의 예술. 이미지, 재창조 행위, 퍼포머의 중재가 필요합니다. 악보, 실제 소리, 그리고 가장 중요한 것은 사회의 형태로 객관적으로 존재합니다. 음악의 존재. 작품은 실행 과정에서만 예술을 획득합니다. 해석. 그것은 음악이 들리고 들리는 것처럼 듣는 사람의 마음 속에 산다. 이 음악의 특징은 변증법의 본질에 내재되어 있습니다. 음악의 통일성. 찌르다. 그리고 실행. 얼마나 독립적입니까? 예술의 종류. 창의성 I.m. 그 역사적으로 발전합니다. 음악적 발전 단계. 주장-va, 산의 조건에 있을 때. 문화, 기존 기호로 음악을 고정하는 시스템이 발생합니다. 악보에서는 기호학적으로만 연주합니다. 고도와 리듬의 조합 만 기능 및 고정. 소리의 상관 관계, 특정 예술은 작곡가에 의해 고정됩니다. 콘텐츠. 음악 텍스트의 억양, 해석은 창의적인 행위입니다. 공연하는 음악가의 표현 수단 분야는 일정한 독립성과 특수성을 갖는다. 인토네이션 연주는 주로 즉흥 연주에서 작곡가(악보로 고정)와 다릅니다. 자연. 최고의 인토네이션 뉘앙스, 고뇌, 다이나믹. 그리고 템포 편차, 악보에 기록되지 않은 다양한 소리 추출 방법은 음악적 요소의 복합성을 보완하는 연주 표현의 복합성을 구성합니다. 작곡가가 사용하는 언어. 그의 창의성으로 인해 연기자의 억양 방식에 따라 다릅니다. 개성, 음악 인식에 대한 민감도, 아마도 비유적인 내용과 정서적 구조의 다른 공개. 이러한 성능의 다양성은 뮤즈의 내용 자체의 다양성에 의해 결정됩니다. 공장. 예술의 가용성. 음악의 현실. 음악적 텍스트의 형태로 존재하고 그것에 내재된 미학을 바탕으로 연주자(또는 연주자)에 의해 재창조된 제품. 패턴, 근본적으로 I.m을 구별합니다. 즉흥 연주에서.
포메이션 I. 엠 어떻게 교수. 고유의 기능인 예술을 가진 art-va. 그리고 기술자. 사회의 진화와 관련된 작업. 음악 제작, 음악의 발전. 장르와 스타일, 표기법과 음악의 개선. 도구를 제공합니다. 포메이션 I. 엠 중세 시대에는 주로 그 당시 지배적이었던 컬트 음악의 틀 안에서 일어났습니다. 교회에. 금욕주의를 설교하는 이데올로기는 그 표현을 제한했습니다. "일반화 된"웍의 개발에 기여하는 음악의 가능성. 그리고 인스트럭션. 소리, 특정 결정. 선택이 표현됩니다. 성능의 수단과 방법, 정적 스타일. 아주 알몸입니다. 다성음. 컬트 음악의 창고와 약. 처음에는 비정신적(non-mental)으로, 그 다음에는 월경적(mensural) 표기법으로 기록된 녹음 형식이 한편으로는 집단적 음악 제작의 우세를 결정했습니다(ch. 아. 합창 a 아카펠라), 한편으로는 피처링을 선보일 예정이다. 미리 정해진 규칙과 관례에 따라 연습합니다. 과. 엠 주어진 음악 텍스트와 관련하여 이러한 규칙의 "충족"으로만 간주되며 연주자는 일종의 "장인"입니다. 새로운 이해 나. 엠 16~17세기에 발달. 르네상스의 인본주의적 전통을 가진 이탈리아에서. 산 부르주아의 성장과 함께. 문화, 새로운 형태의 세속 음악 사회의 출현. 인생 (아카데미, 오페라 하우스) 교수. 음악은 의미합니다. 최소한 교회의 지배로부터 자유로워진다. 호모포닉 스타일의 승인, 기악주의의 발전, 특히 구부러진 악기 연주는 나에게 영향을 미쳤다. 엠 르네상스의 새로운 미학 원칙은 뮤즈의 표현력을 증가시킵니다. 이스크바. I에 대한 결정적인 영향. 엠 오페라와 바이올린 예술을 렌더링합니다. 그들의 미학이 충돌하고 상호 영향을 미칩니다. 추세의 방향: 노래의 "악기화", 벨 칸토 오페라 스타일의 특징. 특히 17-18세기 카스트라토 가수들의 수트에서 생생하게 드러난 목소리와 이탈리아어로 "노래"라는 수트에서 완전한 표현을 발견한 기악주의의 "인간화". 바이올리니스트, 그 전제는 고전의 창조였습니다. 와이드 멜로디 악기로서의 바이올린 유형. 호흡. 미학을 선도하는 추세는 instr의 근사치입니다. 인간의 표현력에 대한 소리. 목소리("연주를 잘하려면 노래를 잘해야 한다"고 J. Tartini), 개인에게 부여하려는 욕구와 직접적으로 관련됩니다. 착색. 관악기와 뽑아 낸 악기보다 소리를 더 많이 개별화 할 수있는 바이올린은 새롭고 민주적입니다. 행하다. 문화, I의 발달을 결정합니다. 엠 표현의 완성도와 다양성을 높이는 방향으로 17-18 세기에 연주되는 오르간, 하프시 코드 또는 류트도 아닙니다. 높은 기술 수준에 도달했습니다. 그리고 예술. 수준, 수행자에게 그러한 영향을 미치지 않았습니다. 주장 그것은 바이올린 멜로디입니다 – 길고 확장되며 변조가 풍부합니다. 다른 심리학자 인간 조건을 표현할 수 있는 음영은 새로운 도구의 개발을 결정합니다. 장르 – 프리클래식. 소나타와 협주곡, OSN. 대조되는 뮤즈의 결합에 대해. 이미지를 단일 주기로 변환합니다. 모양. 이것은 솔로 공연의 번영, 연주자의 풍요로움의 시작이었습니다. 표현 수단. 이것은 art-ve ext에서 드러내야 할 르네상스 미학의 요구를 반영한다. 모든 개인의 성격의 평화. 독창성. 새로운 유형의 음악가-연주자가 등장하고 있습니다. 이것은 더 이상 족장에 따라 행동하는 좁은 "장인"이 아닙니다. 중세의 전통을 계승하면서도 다재다능한 지식과 기술을 겸비한 보편적인 예술가. 그것은 연주자와 음악 창작자의 한 사람의 융합이 특징입니다. 그 중심에서 수행할 것입니다. 기술은 창의성에 있습니다. 즉흥 연주. 불화의 조건에서 "연주 작곡가"의 활동을 수행했습니다. 사회는 "폐쇄된 음악 제작"의 틀에 국한되었고, 그는 작은 방(귀족적. 살롱, 궁전 홀, 부분적으로 교회). 그것은 본질적으로 실내악 제작이었고, Krom에게는 연주자와 청중 사이에 날카로운 선이 없었습니다. 그들은 감정의 친밀한 공감으로 하나가 되었습니다. 따라서 무대가 없다는 것과 같은 특징적인 세부 사항입니다. 현대 예술가가 다른 사람의 작곡으로 구성된 미리 준비된 프로그램으로 많은 청중 앞에서 공연하는 것과는 대조적입니다. 저자, "연주 작곡가"는 음악의 "감정가"와 "감정가"의 좁은 범위에 대해 말했고 일반적으로 자신의 것을 연주했습니다. 에세이. 그는 기술적이지 않은 성공을 거두었습니다. 게임의 완성도, 즉흥 연주의 예술은 얼마입니까? 음악 재생. 기교는 기술의 합을 완벽하게 소유한 것으로 이해되지 않았다. 공연 기술이 아니라 도구를 사용하여 청중과 "대화"하는 능력입니다. 이것이 I의 최고 목표로 여겨졌습니다. 엠 비슷한 음악. 관행은 "연주 작곡가"가 주도적 인 크리에이티브였던 시대와 관련이 있습니다. 인물, 음악. 찌르다. 그의 독창성에 의해 사전 설치된 마지막 사운드까지 아직 완전히 간주되지 않았습니다. 악보로 고정된 행위. 따라서 17-18 세기의 우세. 불완전한 형태의 음악 표기법(비록 네멘션과 월경을 대체한 5줄 표기법이 소리의 정확한 높이와 지속 시간을 고정했지만)과 그녀의 즉흥 연주의 전통. 일반 저음과 장식 예술의 틀 내에서 재생산. 음악가는 특별한 것을 소유해야했습니다. 지식과 기술, 창조의 예술 이후. 즉흥 연주는 연주자가 특정 규칙을 준수하도록 요구했습니다. 예술적 주장. 즉흥 연주는 표현을 풍부하게 하는 데 큰 역할을 했습니다. 그리고 기술자. 면 나. m., 예술 요소의 강화에 기여했습니다. 주관주의, 기교의 발달. 18세기 말 완공. 교향곡 장르의 형성과 관련된 클래식 심포니 오케스트라의 형성, 그리고 조금 후에 고전 형식의 발전에 기여한 새로운 독주 악기인 해머로 작동하는 악기의 홍보. 소나타와 협주곡은 I의 진화에서 중요한 단계를 표시했습니다. 엠 더 넓은 범위의 뮤즈를 포괄하는 새로운 복합 장르와 형식. 이미지와 감정. 이전의 상태보다 연주자의 심화 및 풍부화에 기여했습니다. 표현 수단. 음악 복잡성. 내용은 작곡가가 악보를 완전하고 정확하게 녹음할 뿐만 아니라 특수한 고정도 필요했습니다. 행하다. 도움말을 참조하십시오. 일반 베이스 시스템은 죽어 가고 있으며 창의적인 예술은 쇠퇴하고 있습니다. 즉흥 연주, 외부 장식으로 퇴화. 감정과 개성을 숭배하는 감상주의의 영향으로 솔로 곡 가사가 발전하고 instr. 음악은 더 큰 정서적 포화, 역 동성, 대비를 얻습니다. 새로운 스타일의 오케스트라 공연이 등장하여 역학 공연 분야에 혁명을 일으켰습니다. 바로크 시대를 지배했던 메아리 같은 다이내믹스, Ch. 아. 건축학적 원칙에 따라 부드럽고 점진적인 역동성을 제공합니다. 전환, 미묘한 차별화 요소. 역동적인 뉘앙스 – "느낌의 역동성". 새로운 스타일의 미학 I. 엠 정동의 교리에 반영됨(cf. 이론에 영향을 미침). I의 학파에서 특징지어지는 성과와 감정 사이의 관계 확립. 퀀츠와 F. E. 바흐는 일반화의 기계적 특성에도 불구하고 연주자들의 감정에 대한 이해를 심화시키는 데 기여했습니다. 음악 콘텐츠. 성과 과정에서 작업 및 보다 완전한 식별. 바로크, 로코코, 감상주의 양식의 영향을 받은 I. 엠 18세기 말까지. 부르주아지의 주장으로 인한 사회적 변화의 영향이 점점 더 커지고 있습니다. 사회. 처지. 이때까지 nat의 형성 과정. 행하다. 학교. 뮤즈 조직의 오래된 "폐쇄 된"형태를 종식시킨 대 프랑스 혁명의 영향으로. 인생, 메인 나 학자. 오래된 불화의 지배에 대한 특권. 귀족과 교회, 민주화되고 있습니다. 열린 부르주아의 새로운 형태. 음악 제작 – 공개 콘서트(결제 원칙과 사전 준비된 프로그램 포함)는 청중 구성에서 발생한 근본적인 사회적 변화에 대응했습니다. 가혹한 인생학교를 거쳐 인간의 정욕을 깊숙이 일깨운 대혁명과 나폴레옹 시대의 사건들을 살아남은 새로운 청취자가 나에게 선물한다. 엠 새로운 요구 사항. 그는 경험의 친밀함보다 충만한 감정, 생생한 표현력, 감정을 선호합니다. 스팬. 그는 많은 청중에게 연설하는 연기자-연설자에게 깊은 인상을 받았습니다. 집중적으로 마치 그를 그 위에 올려 놓는 것처럼 예술가를 대중과 분리시키는 일종의 웅변 인 무대가 홀에 나타납니다. 프랑스에서, 음악에서. 성능은 영웅적인 스타일을 개발합니다. 다가오는 낭만주의를 예고하는 고전주의. 처음부터 19인치. 과. 엠 점점 더 많은 독립을 얻습니다. 심포니와 오페라 오케스트라의 확산은 더 많은 필요성을 야기합니다. 교수의 인사. 공연자. 음악가 집단에서는 작곡가와 연주자 사이에 분업이 있다. 그러나 새로운 사회에서. 조건에 따라 다른 유형의 음악가도 형성됩니다. 즉, 여전히 연주자와 작곡가를 한 사람으로 결합하는 "작곡의 거장"입니다. 국가 간 무역 및 문화적 유대의 발전, 뮤즈의 침투. 더 넓고 민주적인 문화. 인구 집단은 공연자의 활동 성격을 바꿉니다. 그의 활동의 경제적 기초는 예술 후원자나 교회가 그에게 지불하는 급여가 아닙니다. curiae 및 교수의 수입. 콘서트 활동. 장점. 오페라에 대한 관심은 instr에 대한 관심 증가로 이어집니다. 음악. 이것은 새로운 conc의 생성에 기여합니다. 청중. 고귀한 "감정가"와 음악 "감정가"를 기쁘게 할 필요성을 없앤 콘서트 아티스트는 부르주아지의 취향을 고려해야합니다. 대중 구매 콘서트 티켓. T. 약., 부르주아이지만. 사회. 시스템은 연기자를 반 불화에서 해방시켰습니다. 의존하고 그를 사회의 동등한 구성원으로 만들었지만, 이 자유는 대체로 환상적이었습니다. 의존의 형태만 달라졌을 뿐입니다. 의존의 형태는 더 광범위해지고 유연해졌으며 덜 명확하고 거칠어졌습니다. 규모의 확장이 이루어집니다. 활동은 콘서트 아티스트가 자신의 공연 조직을 개인적으로 관리하는 것을 허용하지 않습니다. 이것은 그가 다른 사람들의 도움을 구하도록 자극합니다. 명. impresario의 직업이 발생합니다. 계약에 따라 일정 수입을 얻은 아티스트는 임프 레사 리오가 주최하는 콘서트에서 공연을 약속합니다. 민간인과 협약을 맺은 최초의 '콘서트 아티스트'는 엔. 파가니니. 이것은 현대 conc의 시작을 표시했습니다. 자본주의 산업. 국가, 자본가의 합법화. 예술가 착취의 형태. 음악가의 재능은 이윤을 위한 대상, 수익성 있는 자본 투자가 된다. “자기 위험을 무릅쓰고 노래를 파는 가수는 비생산적인 노동자다. 그러나 돈을 벌기 위해 노래를 부르는 기업가의 초대를 받은 가수는 자본을 생산하기 때문에 생산적인 노동자입니다.”(K. 마르크스, 잉여 가치 이론, ch. 1토. 마크와 F. 엥겔스, Soch., 에디션. 2위, 티. 26, 아. 1, M., 1962, p. 410). 대중에게 호소하는 것은 (당시 이해에도 불구하고) 연기자에게 새로운 창의성을 제시합니다. 작업. 음악의 미학이 구체화되고 있습니다. 끝을 찾은 공연. "작곡의 거장"이라는 주장의 표현 – 선도적 인 크리에이티브. 낭만적인 인물. 그와 17-18세기의 "연주 작곡가" 사이. 심오한 근본적인 차이가 있습니다. "연주하는 작곡가"의 경우 그는 연주할 것입니다. 예술은 자신의 창의성을 실현하는 수단일 뿐입니다. 열망, 반대로 "작곡의 거장"에게 작곡가의 창의성은 공연을 보여주는 수단 일뿐입니다. 기술. 새로운 공간 음향. 연주자가 진행하는 대형 콘서트 홀의 조건. "작곡의 거장"의 활동은 I의 모든 측면에 영향을 미칩니다. m., 뿐만 아니라 음악. 도구를 제공합니다. 소리의 더 큰 강도와 강도에 대한 요구로 인해 약한 하프시코드가 보다 역동적인 해머 동작으로 대체되었습니다. 소리굽쇠의 음높이가 전반적으로 높아지면서 바이올린 현에 더 강한 장력이 가해졌고, 그 결과 마운트를 변경해야 했습니다(스탠드, 호미 등 개선). 이것은 바이올리니스트와 첼리스트가 넓은 방에서 더 나은 소리 전파에 기여하는 비브라토 기법의 광범위한 사용과 다이나믹 기법으로서의 비르투오소 기법의 전례 없는 번창을 설명합니다. 음악 전송의 형태. 운동. 음향 빅콘. 팝 음악은 새로운 표현을 찾도록 장려합니다. 그리고 기술자. 자금이 수행됩니다. 이스크바. 청취자 대중에 대한 심리적 영향을 강화하기 위해 엔터테인먼트 요소가 공연에 도입됩니다. 연기 환생, 익스프레스. 제스처는 낭만주의의 중요한 요소입니다. 성능을 제공합니다. 아티스트의 얼굴과 손의 "게임"은 연주자에 의한 공간적 "조각"의 수단이 됩니다. 청취자의 인식을 향상시키는 이미지(“커튼 뒤에서 리스트의 연주를 듣는 것은 즐거움의 절반에 불과할 것입니다.”라고 R. 슈만). 따라서 "존경할만한"부르주아를 종종 겁에 질린 예술가의 비정상적이고 "극장적인"모습. 이것은 또한 부르주아지에 대한 낭만주의자들의 항의에도 반영되었다. 자비심. 혼합 농도는 또한 엔터테인먼트를 기반으로 합니다. "작곡의 거장"이 가수, 독주자, 오케스트라와 함께 연주하는 프로그램. 자신 만 수행합니다. Prod., "작곡의 비르투오소"는 비르투오소 협주곡, 판타지와 인기있는 오페라 주제의 변주, 화려한 특징적인 연주, 내용은 얕지만 개성을 발휘하기에 감사한 자료를 제시하는 장르에 국한됩니다. 행하다. 기술. 청중은 게임의 거장 범위, 대담한 환상의 비행, 다채로운 범위의 감정적 음영에 영향을 받습니다. 그녀의 열정은 주어진 주제에 대한 자유로운 환상인 프로그램의 의무적인 마지막 공연에서 절정에 이릅니다. 로맨틱에 따르면 그 안에. 미학, 작가의 감정이 가장 완전하고 생생하고 직접적으로 표현되었고 그의 개성이 드러났습니다. 낭만주의 공연의 많은 정복, 특히 새로운 색상. 그리고 거장 연주 기법, 확고하게 뮤즈에 들어갔다. 그러나 '작곡의 거장'이라는 주장은 표현의 풍부함 사이의 간극으로 이루어진 깊은 모순을 안고 있었다. 뮤즈의 의미와 종종 무의미함. 그들이 보내진 실시 예에 대한 자료. Paganini와 같은 예술가들에게만 이것은 엄청난 창의성으로 대체되었습니다. 그들의 개성의 힘. 많은 모방자들 I. 엠 살롱 엔터테인먼트로 퇴보합니다. 시대의 진보적 인 사람들이 도덕의 지표로 여겼던 예술. 타락한 부르주아. 사회의. 케이 씨. 19 인치 "작곡 거장"의 예술의 문체 방향과 일반 예술 사이의 모순이 커지고 있습니다. 음악 발전의 경향은 낭만적인 위기로 이어진다. 성능을 제공합니다. 새로운 유형의 음악가가 형성되고 있습니다. 다른 사람의 작곡가의 창의성을 해석하는 해석가입니다. 급진적 인 문체가 있습니다. 농도의 혁명. 레퍼토리. 오페라 주제에 대한 환상과 변형은 프로덕션으로 대체되고 있습니다. 과. C. 바하, W. A. 모차르트, L. 베토벤, F. 슈베르트, 옛 거장들의 작품이 되살아나고 있다. 영향권에서 수행됩니다.
뮤즈의 주장에 대한 초기 승인 기간. 많은 저명한 음악가들의 활동으로 큰 역할을 해석했습니다. 바이올리니스트 F. 데이비드와 Y. 요아킴 또는 지휘자 F. A. Khabeneck과 다른 이들은 또한 주로 작곡가였으나 동시에 훌륭한 피아니스트이자 지휘자인 보편적인 예술가들입니다 – F. 리스트와 A. G. 루빈스타인, 또는 유일한 지휘자 – G. 베를리오즈와 R. 바그너. 가장 중요한 역사적으로 표시된이 음악가의 활동을 수행했습니다. 개발 단계. m., 현대의 시작을 알렸다. 행하다. 청구. 과. 엠 더 높고 질적으로 다른 예술로 올라갑니다. 수준, 새로운 유형의 수행자가 승인되었습니다. "작곡의 거장" – 자신만의 연주자. prod., 그의 주장에 반영된 감정의 범위는 좁습니다. 그의 개인적인 미학에 해당하는 상태와 기분. 포부. 그는 본질적으로 자신의 것을 표현하는 즉흥 연주자에 지나지 않았습니다. 또한 공연 가능성에 대한 주관적인 생각에 의해 제한되는 감정. 이스크바. 다른 사람의 작곡가의 작품을 해석하는 새로운 유형의 연주자에게 게임의 전적으로 주관적인 특성은 연주자보다 객관적인 예술을 우선시하는 해석에 자리를 내줍니다. 작업 – 뮤즈의 비 유적 구조의 공개, 해석 및 전송. 찌르다. 그리고 작가의 의도. 실행 파일의 가치가 커집니다. isk-ve 객관적으로 알고 있습니다. 요소, 지적 원리가 향상됩니다. 음악에서 art-va 해석의 발전과 함께. 공연은 출연자를 형성합니다. 분해와 관련된 학교, 트렌드, 스타일. I의 작업과 방법에 대한 이해. m., 초기 음악의 연주에서 문제가 발생하고 고정 해석의 형태가 탄생합니다. 편집 및 필사. 19~20세기 초 발명. 녹음은 프로덕션의 특정 성능을 수정할 수 있는 가능성을 만들었습니다. 스튜디오 레코딩의 조건에서 새로운 유형의 공연, 즉 일종의 퍼포머가 등장했습니다. 고유의 미학을 지닌 "장르". 일반적인 conc와 구별되는 규칙 성 및 기능. 실행. 녹음은 I의 모든 측면에 영향을 미쳤습니다. m., 새로운 미적, 심리적 제시. 그리고 기술자. 음악의 구현, 전송 및 인식과 관련된 문제. 현대 사회. 인생은 그녀와 함께 노력합니다. 이전에 들어보지 못한 기술의 역할인 속도는 I에 지대한 영향을 미칩니다. m., 어려운 조건에서 개발이 이루어집니다. 자본주의 국가에서 그들은 현대에 내재된 비인간화의 일반적인 경향에 의해 부정적인 영향을 받습니다. 부르주아 주장. 1920-30년대. 에서. 엠 도시주의가 부상하고 있습니다. 스타일 "Neue Sachlichkeit"( "새로운 효율성", "새로운 것")은 감성, 비 심리학, 기술의 물신화, 건설적인 무미건조함, 미화를 추구합니다. 속도와 운동 지구력. 1950-ies 이후. 한편으로는 부르주아지의 유해한 영향력이 증가하고 있다. "대중" 문화, art-va의 상업화, 그리고 다른 하나는 음악입니다. 아방가르드, 부정 I. 엠 살아있는 사람의 소송처럼. 그의 기계를 대체하는 연설. 소리를 혼합하고 재생합니다. 이로 인해 I가 발생합니다. 엠 추악한 현상은 공연자와 대중 사이에 걸림돌을 형성합니다. 타락의 경향은 올빼미에 의해 반대됩니다. 행하다. 예술뿐만 아니라 위대한 사실주의 전통을 기반으로 한 가장 큰 진보적 인 외국 예술가들의 활동. 그리고 로맨틱. 성능을 제공합니다. 진술 나. 월터, W. 푸르트벵글러, J. 시력, P. 카잘스 등. 기타 예술가들은 K의 말을 생생하게 묘사합니다. 마르크스는 "자본주의적 생산은 예술과 시와 같은 정신적 생산의 특정 분야에 적대적이다"(K. 마르크스, 잉여 가치 이론, ch. 1토. 마크와 F. Engels, Soch., 2판, vol. 26, 아. 1, M., 1962, p. 280). 그러나 그들의 최고의 예술에서. 복잡한 억양이 있는 현대 음악 샘플. 그리고 리드미컬하다. 시스템은 연주자의 진화에 깊은 영향을 미칩니다. 콘서트 공연의 표현 수단과 원칙. 그 역할은 instr에 대한 기존의 생각을 극복하는 데 큰 역할을 합니다. 그리고 웍. 기교, 연주자의 리듬 역할을 재고하고 음색을 "채색"하는 수단이 아니라 뮤즈의 표현 수단으로 이해합니다. 연설. 후자는 특정한 조음 방법의 개발에 영향을 미칩니다. 피아니스트, 바이올리니스트 및 첼리스트의 터치 및 페달 사용 – 비브라토, 포르타멘토, 특수 유형의 스트로크 등 n., 심리적 표현의 공개를 목표로합니다. 음악의 하위 텍스트. 이 모든 것이 instr을 변형시킵니다. 기술을 영성화하고 더욱 역동적으로 만듭니다. 현대 공연. 표현의 수단은 뮤즈에 대한 새로운 독해의 가능성을 열어주었다.
I의 문제. m. 개발의 역사를 통해 관심을 끌었습니다. 그들은 고대 사상가와 중세 시대의 논문에서 많은 과학 작품에서 다루어집니다. D의 철학적 작품에 대한 학자. 디드로, F. 헤겔과 K. 마르크스. 16세기부터 스페셜이 등장한다. 나에 대한 논문. m., 종종 베어링 클래스, 날카롭게 논쟁. 문자(예: Y. Leblanc “바이올린의 주장에 맞서 베이스 비올라를 방어하기 위해 … 그리고 인스트럭션. 이론적 개요를 설명하는 "방법". 그리고 에스테틱의 기본 I. m. 질문을 고려하면 수행됩니다. 관행. 음악의 폭 넓은 발전. 문화는 내가 차지한 중요한 장소를 결정했습니다. m. 현대에서. 사회. 삶, 거대한 예술로서의 중요성.-윤리적. 인간의 영적 세계에 영향을 미치는 세력. I의 질문에 대한 관심. m. 증가하고 과학 연구의 범위가 확장되었습니다. 문제. 센터와 함께 합니다. 미학의 문제 나. m. (객관적 원리와 주관적 원리의 비율, 작업 및 해석), I. m., osn. 분해를 비교하고 분석할 수 있는 사운드 녹음에 있습니다. 같은 제품에 대한 해석. I에 미치는 영향 m. 녹음, 라디오, 텔레비전 등의 인식에 대해. 연구중입니다. 외국 문학, 헌신. 나에 대한 질문. m., 다채로운 그림을 제시합니다. I의 본질에 대한 현실적인 견해와 잘 조준된 관찰. m. 분해와 공존. 일종의 이상주의자. 개념과 형식주의. 이데올로기와 감정을 약화시키는 이론. I의 본질. m., 기계의 역할로 축소하는 견해. 뮤지컬 텍스트의 송신기 및 사이비 과학. 현대의 조건에서 죽음을 예측합니다. 과학 기술 진보. 예를 들어 책에서와 같이 일부 작품에서. T. V. Adorno “충실한 멘토. 음악적 실천에 대한 암시”라는 현대적 속성에 내재된 일반적인 특징을 바탕으로 시도하였다. 음악(아. 베베른, A. 쇤베르크, A. Berg), 새로운 실용성을 제공합니다. 집행 지침. 이 영역에서 클래식을 다시 생각하는 데 중점을 둡니다. 그리고 로맨틱. 전통, 그들은 재생 문제, 특정 연주 기술의 사용과 관련이 있습니다. 키 누르기, 페달링, 스트로크, 악센트 배치, 템포, 조음, 역학 등; 부서의 경우 이러한 표시가 중요합니다. 방법. I 연구에 대한 기여. m. 올빼미를 만듭니다. n.-i. 그리고 이론적 사고. 소련에서 음악 작곡 연구는 마르크스-레닌주의 미학의 원칙에 기초한 연주의 역사와 이론인 음악학의 독립적인 분파를 형성했습니다. 그의 작품에서 St. I의 역사. m., 그의 이론과 미학, 올빼미. 음악 학자들은 인본주의를 드러내려고 노력합니다. I의 윤리적 가치. m. 현실적으로. 살아있는 인간의 말에 대한 주장. 스페셜 에디션은 소련에서 출판됩니다. 토 “뮤지컬 퍼포먼스”(1-7호, 모스크바, 1954-72), “외국 뮤지컬 공연 예술”(1-6호, 모스크바, 1962-72) 및 “공연 음악가의 기술”(1호, M. , 1972). 많은 올빼미에서. 온실은 특별하게 읽습니다. 음악의 역사와 이론 과정.
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