음악교육 |

음악 활동에 필요한 지식, 기술 및 능력뿐만 아니라 훈련의 결과로 얻은 지식 및 관련 기술 및 능력의 총체를 숙달하는 과정. 아래 M. o. 종종 뮤즈 조직의 바로 그 시스템을 이해합니다. 학습. M. o를 얻는 주요 방법. – 대부분의 경우 계정에서 교사의 지도 하에 준비합니다. 기관. 교수 과정에서 지식과 기술의 동화뿐만 아니라 독학으로 중요한 역할을 할 수 있습니다. 음악 연습 또는 아마추어 활동 참여. 음악 만들기. M.을 구별하십시오. 일반, 아마추어 활동에 필요한 정도의 지식, 기술 및 능력을 제공하거나 음악 감상에 대해서만 M. o. 특별, 교수를 준비합니다. 작업(작곡, 공연, 과학, 교육). 엠.오. 기본 (낮음), 중간 및 더 높을 수 있으며 거의 ​​모든 국가에서 컷이 특별합니다. 캐릭터. 일반 교훈. 교육의 육성 원칙도 M.o.와 직결된다. 내용, 방법 및 조직 형태에 반영됩니다. 일반 및 특별 M. o. 음악교육과 음악의 유기적 통합을 제안한다. 교육: 음악 교사뿐만 아니라 일반 교육입니다. 학교에서 아이들을 가르치고 그들에게 일반적인 음악 교육을 제공하는 것은 음악을 통해 그들을 교육하고 그것의 이해로 인도하지만, 교사는 교수입니다. 모든 수준의 음악 학교, 음악의 미래를 소개합니다. 특별한 지식과 기술에 대한 수치는 동시에 그의 성격(세계관, 미학적, 윤리적 이상, 의지 및 성격)을 형성합니다.

엠.오. – 역사적 범주, 그리고 계급 사회에서는 계급-역사적. 목표, 내용, 수준, 방법 및 조직. M.의 형태에 관한 것입니다. 뮤즈의 역사에 걸쳐 변화에 의해 결정됩니다. 문화, 사회적 관계, nat. 특이성, 음악의 역할. 이 사회의 삶에서 예술-바, muz.-미적. 보기, 음악 스타일. 창의성, 기존의 음악 형식. 활동, 음악가가 수행하는 기능, 지배적인 일반 교육학. 아이디어와 뮤즈의 발전 수준. 교육학. M.의 성격에 대해. 또한 학생의 나이, 능력, 음악 유형으로 인해. 그들이 그를 준비하고 있는 활동, 그리고 많은 다른 사람들. 다른 음악. 아이의 가르침은 어른의 가르침과 다르며, 바이올린 연주는 피아노 연주와 다릅니다. 동시에 현대의 대표 음악에서도 일반적으로 인정받고 있다. 교육학(형식과 방법의 모든 계산할 수 없는 차이에 대해)은 두 가지 원칙입니다. 일반 M. o. 특별한 것으로 대체할 수 없고 대체해서는 안 됩니다(종종 기술 교육, 음악-이론 정보 습득 등에 중점을 둡니다). 일반 음악. 양육과 훈련은 특별한 것을 구축하는 데 필요한 필수 기초입니다. 엠.오.

인간 사회의 초기 발전 단계에서 음악가의 특별한 기능이 없었고 부족 집단의 모든 구성원이 원시적 생산 마법을 만들었습니다. 얼음 행동을하고 스스로 수행했습니다. 기술은 분명히 특별히 가르쳐지지 않았으며 장로보다 어린 사람들이 채택했습니다. 미래에는 음악과 마술. 기능은 샤먼과 부족 지도자에 의해 인수되어 이후 혼합 시대에 분리의 토대를 마련했습니다. 기예. 음악가가 동시에 있었던 직업. 댄서이자 작사가. 언제 예술. 문화는 계급 이전 사회의 조건에서도 상대적으로 높은 수준에 도달했기 때문에 특별함이 필요했습니다. 배우기. 이것은 특히 사회와 관련된 사실에 의해 입증됩니다. 북부 인디언들의 삶. 유럽인에 의해 식민화되기 전의 아메리카: 북부 원주민들 사이. 미국에서는 (음성에서) 새 노래를 가르치는 데 비용이 들었습니다. 멕시코의 고대 주민들은 음악 교육을 받았습니다. 노래와 춤을 가르치는 기관, 고대 페루인들은 서사시의 선율적인 낭송을 가르쳤습니다. 전설. 대략 고대 세계의 문명에서 의식 숭배, 궁전, 군대가 명확하게 구분되기 시작했습니다. 그리고 석류 음악과 형성될 때 XNUMX월. 다양한 사회적 수준에 서있는 음악가 유형 (성가가 이끄는 사찰 음악가, 신을 찬양하는 궁전 음악가, 군대. 관악기 및 타악기 연주자, 때로는 상대적으로 높은 군사 계급; 마지막으로, 종종 방황하는 음악가들은 침대에서 노래하고 연주했습니다. 축제 및 가족 행사), M에 대한 첫 번째 흩어져있는 정보를 포함합니다. 약. 그들 중 가장 오래된 것은 이집트에 속해 있으며, 고대 왕국 시대(c. 기원전 2500 년. e.) 고급. 가수들은 특별한 훈련을 받았고 나중에 중왕국의 XII 왕조 (2000-1785) 기간 동안 사제들은 남아있는 이미지로 판단하여 치터, 박수 및 스탬프 반주에 노래를 가르치는 교사 역할을했습니다. . 멤피스는 오랫동안 컬트와 세속 음악이 연구되는 학교의 초점이었던 것으로 추정됩니다. 11-3세기 고대 중국에서. 기원전. 전자. 주(周) 시대. about., to-roe는 특별하게 보냈습니다. 황제의 감독하에 있는 궁전 부서는 사회 생활에서 중요한 역할을 했으며 ch를 포함했습니다. 아. 그 소년들은 노래하고, 악기를 연주하고, 춤을 배웠습니다. 그리스는 사회정치에 큰 중요성을 부여한 최초의 국가 중 하나였습니다. 음악의 '에토스'와 뮤즈가 있는 곳. 교육은 공개적으로 정치 윤리를 추구했습니다. 기르다. 목표. 일반적으로 그리스어 M. 약. 무료 수업의 소년들이 노래하는 법을 배운 크레타 섬에 설립되었습니다. 일종의 화합으로 간주되는 음악과 체조. 7인치에서 기원전. 전자. 또 다른 그리스 섬인 레스보스는 “연속 온실”이었습니다. 키타라를 완성한 테르판더가 이끄는 이곳에서 킷파레 학교가 형성되고 prof. 예술의 토대가 되었습니다. kyfaristics, 즉 텍스트를 암송하여 발음하고 노래하고 반주하는 능력. 고대 그리스 장인 작업장의 일부였으며 특정 구전 전통의 수호자였던 aeds(가수-내레이터)의 예술은 대대로 전승되었습니다. M. 약. aeda는 교사(종종 아버지)가 소년에게 cithara 연주, 선율 암송 및 시 규칙을 측정하도록 가르쳤다는 사실로 구성됩니다. 그에게 자신이 작곡한 노래나 전통적으로 전해 내려오는 노래 몇 곡을 전해 주었다. 준군사적 삶의 방식과 국가를 가진 스파르타에서. 교육, 합창단의 진행 상황을 감독합니다. 노래는 정기적으로 사교 모임과 축제에서 공연해야 하는 청년 교육의 필수 측면으로 간주되었습니다. 아테네에서는 이른바 과정에서. 음악 교육, 소년들은 다른 사람들 사이에서 공부했습니다. 과목과 음악, 그리고 가르침은 그리스어의 가장 좋은 예를 동화시키는 것과 밀접한 관련이 있습니다. 문학과 교훈. 시. 일반적으로 14세까지 소년들은 사립 유급 학교에서 치타라 연주에 참여했으며 치타라의 기술을 습득했습니다. 모노코드는 음정과 음정을 다듬는 데 사용되었습니다. 음악에 중대한 영향. 그리스에서의 훈련은 음악과 미학으로 이루어졌습니다. 그리고 플라톤과 아리스토텔레스의 교육학적 견해. 플라톤은 "음악 교육"이 모든 젊은이에게 가능하며 학생의 음악성 또는 비음악성에 대한 질문이 있어서는 안 되며, 있어서도 안 된다고 믿었습니다. 엠에 대한 정보입니다. 약. 박사에서 로마는 매우 부족합니다. T. 로마가 정치적이 되었기 때문입니다. 2세기의 중심. 기원전. 즉, 헬레니즘의 전성기 동안. 문명, 그 다음은 로마 음악. 문화와 분명히 Roman M. 약. 잘 알려진 헬레니즘의 영향으로 발전했습니다. 그러나 음악은 종종 과학적으로 여겨져 왔습니다. 규율은 삶과의 직접적인 연결을 벗어나 학습에 영향을 미칠 수 밖에 없습니다. 생일 축하. 측면, M. 약.

고대 그리스의 최전선에 있던 음악 교육의 윤리적 측면은 로마 제국 시대에 훨씬 덜 주목을 받았습니다.

초기 및 고전 중세 음악 시대에. 문화는 사회 계층의 서로 다른 수준에 서 있는 인물들에 의해 만들어졌습니다. 음악가, 음유시인 - 내레이터, 산. 관악기 연주자, vagants 및 goliards, spielmans 및 minstrels 등 이 다양하고 종종 적대적인 전문 음악가 그룹(그들의 뮤즈에 따르면 고귀한 아마추어 음악가도 포함합니다. 준비, 때로는 전문가보다 열등하지 않음) 여러 가지 방법으로 지식과 기술을 습득했습니다. 일부 – 노래. 학교(장. 아. 수도원과 대성당에서), 그리고 13세기부터 시작되었습니다. 그리고 높은 모피 부츠, 다른 사람들 - 뮤즈의 조건에서. 상점 교육 및 실습에서 직접. 스승에게서 제자에게 전통을 전수하다. 중세 초기에 그리스-로마 교육의 온상이었던 수도원에서 그들은 그리스인과 함께 공부했습니다. 그리고 위도. 언어와 산수, 음악. 수도원, 그리고 다소 나중에, 대성당 성가대. 학교는 초점 교수였습니다. M. o. 그리고 대부분의 저명한 뮤즈들은 이 학교의 벽에서 나왔습니다. 당시의 인물. 가장 중요한 가수 중 하나입니다. 학교는 로마 교황청에 있는 “Schola Cantorum”이었습니다(기초는 약. 600, 1484년에 재구성됨), 회계의 모델로 사용되었습니다. 유사한 시설. Zap의 도시를 입력하십시오. 유럽(많은 학교, 특히 Soissons 및 Metz의 학교)이 높은 수준에 도달했습니다. 합창단 교육 방법. 노래는 귀로 성가를 동화시키는 데 의존했습니다. 교사는 cheironomy의 방법을 사용했습니다. 위아래로 목소리의 움직임은 손과 손가락의 조건부 움직임으로 표시되었습니다. 이론적인 정보를 마스터하기 위해 특별하게 존재했습니다. 세. 손으로 쓴 매뉴얼, 일반적으로 교사와 학생 간의 대화 형식(예: 책. "Dialogue de musica" - "음악에 관한 대화", O. von Saint-Maur); 그들은 종종 마음으로 배웠습니다. 명확성을 위해 그림과 표를 사용했습니다. 고대와 마찬가지로 모노코드는 소리 사이의 간격을 설명하는 역할을 했습니다. 음악 방법. 교육은 근대의 기초를 형성한 Guido d'Arezzo(11세기)의 개혁 이후 약간의 변화를 겪었다. 음악 작문; 그는 XNUMX줄 오선, 키의 문자 지정 및 음절 이름을 도입했습니다. XNUMX단계 프렛의 단계. 대략 10c부터. 수도원 학교는 ch. 아. 의식 성가를 연습하고 음악과 과학에 대한 관심을 잃습니다. 교육. 그들은 앞으로 수년 동안 음악 교회에서 주도적인 위치를 계속 유지하고 있습니다. 계몽, 뮤즈 개발 분야에서 점차 주도권. 문화, 특히 o.는 대성당 학교에 갑니다. 여기에서 음악-이론을 결합하려는 (특히 12세기에) 계속 증가하는 경향이 설명됩니다. 연습, 연주, 작곡을 통한 교육. 이러한 유형의 주요 교사 기관 중 하나는 미래의 메트릭스의 원형으로 사용된 노트르담 대성당(파리)의 학교였습니다. 말에서. 12 인치 파리에서 석사와 학생의 "대학 법인"이 생겨 파리 대학 (main. 1215). 그것에서, 예술 학부에서 교회 음악의 발전과 함께. XNUMX가지 자유예술과 음악의 틀 안에서 일상생활을 공부했다. 그 당시 유럽에서 흔히 볼 수 있는 견해에 따라 과학과 이론에 가장 큰 관심을 기울였습니다. 측면, 신학 적 추상 합리주의의 정신으로 간주됩니다. 동시에 대학 법인의 구성원들은 이론적인 음악가일 뿐만 아니라 실천가(연주자, 작곡가)이기도 하여 일상적인 음악과 밀접한 관계를 맺었다. 이것은 음악에도 영향을 미쳤습니다. 배우기. 12-14세기. 음악이 연구 된 높은 모피 부츠. 케임브리지(1129), 옥스포드(1163), 프라하(1348), 크라쿠프(1364), 비엔나(1365), 하이델베르그(1386) 등 서유럽의 다른 도시에서 과학이 발생했습니다. 그들 중 일부에서는 음악 이론. 학사 및 석사 학위에는 시험이 필요했습니다. 이 시대의 가장 큰 대학 교사이자 음악가는 I였습니다. Muris, 그의 작품에 대한 지식은 수년 동안 유럽에서 필수로 간주되었습니다. un-tah 중세를 위해. M. 약. 진지하고 아마추어적이지 않은 음악도 특징이었습니다. 수도원과 카톨릭 학교에서 종종 기사 청년을받은 훈련. 사원, 법원, 외국 뮤즈와의 여행 및 캠페인 중 지인 과정. 문화; 악기 연주자의 실제 훈련 (ch. 아. 트럼펫 연주자, 트롬본 연주자 및 비올라 연주자)가 13세기까지 발전한 조건에서 미래 연주자들과의 작업의 성격과 기간이 수십 년에 걸쳐 개발된 특별 워크숍 규칙에 의해 결정되는 음악가들의 공예 기업; 전문 음악가 악기 연주자 및 대성당 오르간 연주자 훈련 (후자의 방법은 15 세기에 일반화되었습니다.

르네상스 시대 최고의 뮤즈. 수치는 음악 이론과 음악에서 스콜라주의에 반대합니다. 학습, 실제로 음악 수업의 의미를 참조하십시오. 음악 제작(작곡 및 공연에서), 뮤즈 동화에서 이론과 실제를 조화시키려는 시도를 합니다. 지식과 기술 습득, 그들은 음악 자체와 음악에서 찾고 있습니다. 미학을 결합하는 능력을 배웁니다. 윤리적 시작(고대 미학에서 차용한 원칙). 이 일반적인 뮤즈 라인에 대해. 교육학은 또한 많은 uch의 실용적인 방향에 의해 입증됩니다. 콘에서 출판된 책. 15 - 구걸. 16 세기 (언급 된 Pauman 논문에 추가) – 프랑스 작품. 과학자 N. Vollik (그의 교사 M. Schanpecher와 공동으로), 독일어 – 여러 판을 견뎌낸 I. Kohleus, 스위스 – G. Glarean 등

M의 발전 약. 르네상스 시대에 형성된 비교적 정확하고 동시에 유연한 기보법의 체계와 기보법의 시작이 여기에 기여했습니다. 개편된 음악. 음악의 작문 및 인쇄 출판. 음악적 예가 있는 레코드와 책은 뮤즈를 크게 촉진하는 전제 조건을 만들었습니다. 음악의 가르침과 전달. 세대에서 세대로의 경험. 음악적 노력. 교육학은 새로운 유형의 음악가 형성을 목표로하여 점차 음악에서 선도적 인 위치를 차지했습니다. 문화 – 어린 시절부터 합창단에서 발전한 교육받은 실용적인 음악가. 노래, 오르간 연주 등 얼음 악기(특히 16세기 이후 계속 증가하는 instr. 음악 영향 학습), 음악에서. 이론과 예술-베는 음악을 작곡하고 토리는 이후 다양한 교수들과 계속해서 활동했다. 얼음 활동. 현대의 좁은 전문화. 일반적으로 이해는 다음과 같은 것이 아닙니다. 음악가는 필연적으로 한 유형의 활동에서 다른 유형으로 이동할 수 있어야 했으며, 작곡이 독립적이지 않은 시대에 음악을 작곡하고 즉흥 연주하는 기술이 필요하지 않았습니다. 직업, 모두가 M을 받고 있습니다. 약. 광범위한 프로필의 새로운 유형의 음악가의 형성은 음악 학교의 출현으로 이어졌습니다. 기술, 동시에 이러한 학교 자체가 수단에 의해 주도. 얼음 성격은 전문 음악가의 형성에 기여했습니다. 서로 다른 역사적 시대와 다른 국가에서 개최되는 이러한 개별 학교는 다릅니다. 일반적으로 훈련 및 실습 조건이있는 대규모 센터에서 생성되는 조직 형태. 젊은 뮤지션들의 활동. 일부 학교에서는 백과사전에 중점을 두었습니다. 음악 이론가 교육 및 작문 연습, 기타(특히 18세기) - 공연 예술(예: 성악가 및 거장 기술 형성). 이 학교를 설립한 저명한 음악가 중에는 G. 두파이, X. 이사카, 올랜도 올랜도, A. 윌라트와 J. Tsarlino(15-16세기)에서 J. B. 마티니, F. E. 바하, N. 포르포라와 J. 타르티니(18세기). 음악 학교. 전문성은 하나 또는 다른 nat와 밀접하게 연결되어 만들어졌습니다. 그러나 얼음 문화, 이러한 국가의 영향. 음악 교육학 박사를 위한 학교. 국가는 매우 중요했습니다. 꽤 자주 활동(예: niderl). 교사는 독일, 독일어 - 프랑스, ​​프랑스어, Niderl에서 진행되었습니다. 또는 그것. 젊은 음악가는 M을 완료했습니다. 약. 이탈리아나 스위스 등에서 약. 개별 학교의 성취는 범유럽적이 되었습니다. 평민. 음악 조직. 다양한 형태로 학습이 이루어졌다. 가장 중요한 것 중 하나(주로 프랑스와 네덜란드에서)는 metriza입니다. 이 성악학원에서는 천주교 사원 아래 조직적으로. 소년들에게 음악(노래, 오르간 연주, 이론)을 가르치면서 동시에. 일반 교육 과목은 어릴 때부터 관리되었습니다. 15-17세기의 가장 큰 대위법 마스터의 수를 의미합니다. M을 받았다. 약. Great French까지 존재했던 metriza에서. 혁명 (당시 프랑스에서만 약. 400미터). 비슷한 유형의 학교는 다른 국가에도 존재했습니다(예: 세비야 대성당의 학교). 이탈리아에서는 16세기에 음악적 재능이 있는 소년들(나폴리)과 소녀들(베니스)을 데려온 고아원(음악원)에서 왔습니다. 특별한 아이스 XNUMX이있었습니다. 시설(음악원 참조). 이탈리아에는 “음악적 편견이 있는” 고아원 외에도 다른 고아원이 만들어졌습니다. 음악 학교. 일부 음악원 및 학교에서 가르친 뛰어난 석사(A. 스칼라티, A. 비발디 등). 18인치에서 볼로냐의 필하모닉 아카데미는 전유럽적 명성을 누렸습니다(참조. 볼로냐 필하모닉 아카데미)의 일원이자 실질적인 리더인 J. B. 마티니. 음악. 높은 모피 부츠에서 계속 훈련; 그러나 다른 국가에서는 다른 방식으로 수행되었습니다. 일반적인 경향은 15-16세기의 음악 교육이 특징입니다. 점차 스콜라주의에서 벗어나 음악은 과학뿐만 아니라 예술로도 연구되기 시작합니다. 따라서 대학 교사 G. 강의와 저술에서 Glare-an은 음악을 과학이자 예술로 간주했습니다. 연습 17세기에 음악을 공부하던 시절. 대부분의 유럽에서 이론. 높은 모피 부츠는 쇠퇴하는 경향이 있습니다(음악과 과학에 대한 관심. 학문은 중간까지만 되살아나기 시작했다. 18세기), 영국에서 오래된 음악 이론의 전통. 학습이 보존되었습니다. 그러나 음악을 연주하는 역할은 인문계와 영어로. 마당이 매우 컸기 때문에 옥스포드 대학과 케임브리지 대학에서는 음악 이론은 물론 실무 능력까지 겸비한 전문가와 아마추어를 양성하고자 했습니다. 기술 (노래와 함께 학생들은 류트, 비올 및 버지널 연주를 배웠습니다). 독일의 일부 도시에서는 음악. 대학에서 교육 "예술. f-tov "학부 내에서 조직 된 민간 기숙 회사로 이동했습니다. 그래서 처음에는 쾰른에서. 16 인치 XNUMX개의 그러한 기업이 있었고, 서로 독립적이지만 한 리더에게 보고했습니다. 음악. 훈련은 또한 예배당(세속적 또는 영적 법정에서)에서 조직되었습니다. 종종 권위 있는 음악가인 Kapellmeister는 미래의 궁정 참가자인 젊은 기악가들에게 음악을 가르쳤습니다. 앙상블뿐만 아니라 귀족 가문의 아이들. 일반적이고 때로는 특별함을 얻습니다. M. 약. 또한 uch를 추구하지 않는 특정 조직에 기여했습니다. 목표, 예. 엄격하게 규제된 전통을 따르는 성악 대가(마이스터징어)의 독일 아마추어 커뮤니티. 몇 년 동안 특별한 규칙과 인계. '가사'에서 '작사'로, 그리고 마침내 '명장'으로 '타이틀의 사다리'를 올랐습니다. 약간 다른 유형의 음악. "형제 관계"(노래. 및 instr.) 다른 사람에서도 사용할 수 있습니다. 유럽 국가. 장군 M. o., 약 16세기부터 시작되는 to-roe. 특별과 더 명확하게 분리되어 다른 유형의 중등 학교 Ch에서 수행되었습니다. 아. 학교 교회를 담당하는 칸토르. 음악. 17인치에서 개신교 국가(M. 종교 개혁의 루터와 다른 대표자들은 위대한 윤리를 첨부했습니다. 넓은 의미의 M. o.) 선창가는 학교 과목을 가르치는 것 외에도 노래를 가르치고 교회에서 여러 가지 임무를 수행하는 학교 합창단을 이끌었습니다. 그리고 산. 삶. 일부 학교에서는 선창자도 instr을 이끌었습니다. 이런저런 이유로 노래를 부를 수 없는 어린이와 청소년을 위해 음악을 연주할 수 있는 기회를 제공하는 수업. 그러나 원칙적으로 악기로가는 길은 노래를 거쳤습니다. 합리주의 등의 영향뿐만 아니라 자연 과학과 수학에 대한 더 큰 관심과 관련하여. 18세기 요인. 음악의 의미와 양. 위도의 수업. 학교는 감소했습니다(라이프치히의 Thomasschule와 같은 몇 가지 예외). 이전 연도의 선창자들이 대학 교육을 받고 인문학 분야에 대한 지식이 풍부하고 종종 학사 또는 석사의 직함을 가졌다면 2호에서. 18 인치 그들은 교육이 교사의 신학교에 국한된 학교 음악 교사로 변했습니다. 음악에. 교육은 뛰어난 사상가인 Czech J.의 영향을 크게 받았습니다. A. 코메니우스(17세기)와 프랑스인 J. G. 루소(18세기). 어. 16-18세기에 출판된 매뉴얼은 뮤즈의 상태를 반영했습니다. 교육학, 일반 및 특수 개발에 기여했습니다. M. 약. 한 나라의 음악가들이 다른 나라의 음악적, 교육적 성취를 알 수 있도록 기여했습니다. 16세기와 17세기 논문(Thomas of San ta Maria, 1565; J. Diruta, 1시간, 1593, 여러 후속 재판과 함께, 2시간, 1609; Spiridion, 1670)이 헌납되었습니다. ch. 아. 키보드 악기 연주 및 작곡 이론. 가장 흥미롭고 시간의 시험을 견뎌낸 숫자를 의미합니다. uch. instr., wok의 성과를 요약하고 통합하는 것처럼 출판물. 그리고 음악 이론. 교육은 18세기에 출판된 책 I. Mattheson "The Perfect Kapellmeister"("Der vollkommene Capelmeister ...", 1739), 포괄적으로 음악을 다루고 있습니다. 그의 시간의 연습, uh. 일반 베이스에 대한 매뉴얼과 F. 에. 마르푸르가 – “푸가에 관한 논문”(“Abhandlung von der Fuge”, TI 1-2, 1753-1754); "일반 베이스 및 작곡 안내"("Handbuch bey dem Generalbasse und Composition", Tl 1-3, 1755-58), I. Й. Fuchs "Step to Parnassus"( "Gradus ad Parnassum ...", 1725, 위도. lang., 그런 다음 독일어, 이탈리아어, 프랑스어로 출판되었습니다. 그리고 영어. lang.) 및 J. B. Martini “대위법의 예 또는 근본적인 실제 경험”(“Esemplare o sia saggio fondamentale pratico di contrappunto …”, pt. 1-2, 1774-75); DOS가 있는 논문 및 학교. 음악을 배우는 데 관심을 기울입니다. 악기, M. Saint-Lambert "하프시코드 연주"( "Principes de Clavecin", 1702), P. Couperin "하프시코드 연주의 기술"("L'art de toucher le Clavecin", 1717), P. E. 바흐 "올바른 클라비에 연주 경험"("Versuch über die wahre Art, das Ciavier zu spielen", Tl 1-2, 1753-62), I. 과. Quantz "가로 플루트 연주 관리 경험"("Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen", 1752, 후속 재판 포함). 독일어, 프랑스어 및 기타 yaz.), L. Mozart의 "The Experience of a Solid Violin School"( "Versuch einer gründlichen Violinschule", 1756, 후속 재판 포함); 일하다. 교육학 P. F. Tosi "노인과 신인 가수에 대한 담론"("Opinioni de'cantori antichi e moderni", 1723, 추가로 번역됨. 야즈. 과. F. Agricola, 1757, 그리고 다른 사람들. 유럽 쓰다.). 18인치에서 바이올린, 첼로, 비올라, 하프, 플루트, 바순, 오보에, 클라비에 및 노래 M을 위한 원래 학교에서 저자가 의도적으로 교육 및 교육적 과제를 설정한 대규모 음악 문학이 만들어졌습니다. Correta(1730-82)는 D. 스칼라티, 발명과 교향곡 I.

훌륭한 프랑스어. 혁명은 음악 문화의 역사, 특히 M. 약. 파리 음악원의 설립은 이 행사와 직접적인 관련이 있습니다. 약. 18 인치 M. 약. 새로운 요인의 영향으로 형성되고 존재를 겪습니다. 일부 오래된 교육 전통과 교수법은 수십 년 동안 변하지 않았지만. 뮤지컬의 민주화. 그리고 농축 삶, 새로운 오페라 극장의 출현, 새로운 오케스트라의 탄생. 집단, 번성 instr. 음악과 기교, 홈 뮤직 메이킹 및 모든 종류의 가수의 광범위한 발전. 사회, 부서에서 조금 더 많은 관심. 고등학교에서 음악을 가르치는 것에 관한 국가 – 이 모든 것이 더 많은 뮤즈를 필요로 했습니다. 수치(연주자 및 교사)뿐만 아니라 특정 좁은 전문 분야의 개선에 중점을 둡니다. 기본적으로 이 전문 분야에서 가장 중요한 것은 아마추어뿐만 아니라 통역사와 거장으로서의 공연 예술 훈련이 작곡 및 즉흥 연주, 이론 음악가의 훈련과 분리되어 있다는 것입니다. 정도, 작곡가의 훈련에서 분리되었습니다. 한 종류 또는 다른 분야의 전문화가 수행됩니다. art-va뿐만 아니라 통역사의 기교의 요구 사항, to-rye는 뮤즈를 제시했습니다. 문학, 새로운 유형의 계정 생성으로 이어졌습니다. 수당 – 의도한 스케치 Ch. 아. instr의 개발을 위해. 기술(M. 클레멘티, 나. 크레이머, K. 체르니 등. FP의 경우; 아르 자형. 크루저, J. 마자사, Sh. 베리오 등. 바이올린 등). 음악 교육도 18세기에 비해 지속적으로 증가하고 질적으로 변화하는 영향을 받았다. 사립, 시, 주 등 다양한 교육 기관의 역할. 파리에 이어 차례로 음악원 등이 문을 엽니 다. pl의 기관(학원, 고등 음악 학교, 대학). 유럽의 국가들. 이 윽. 기관은 교육적 자격 측면에서뿐만 아니라 매우 달랐습니다. 구성뿐만 아니라 그들 앞에 설정된 작업에 따라. 그들 중 많은 사람들이 전문가와 아마추어, 어린이, 십대 및 성인, 발달 및 훈련 수준이 다른 학생들을 가르쳤습니다. 대부분의 음악원의 초점은 공연이었습니다. art-in, some-ryh에서 교사는 학교와 뮤즈를 위해 훈련되었습니다. 가족 양육. 19인치에서 헛기침. 파리지앵을 제외하고 음악원은 별다른 활약을 하지 못했다. 작곡가 교육의 역할. 음악원에서 음악가를 가르치는 방법은 다양했습니다. 따라서 프랑스에서는 다른 국가와 달리 처음부터 19 in. 다양한 전문 분야의 음악가 형성의 기초 (훈련의 모든 단계에서)는 솔페지오 및 음악 받아쓰기 과정이었습니다. 이 나라의 중요한 자리는 경쟁 시험 시스템이 차지했습니다. 후반부에. 19 인치 여러 해 동안 언론에서 음악원 교육을 지지하는 사람들과 학문 이외의 음악가 교육을 선호하는 반대자들 사이에 논쟁이 있어 왔습니다. 시설. 보수 교육 시스템의 비판자들(그들 중에는 R. Wagner)는 전문 음악가의 광범위한 훈련이 예술의 형성을 방해한다고 믿었습니다. 그들 중 가장 재능있는 사람의 개성. 음악원의 수호자(20인치 초반. 그들의 주장은 G에 의해 요약되었습니다. Krechmar), 그의 반대자들(그는 음악 이론에 대한 형식적 학문적 연구에 대해 쓴 여러 개인 발언에 동의합니다. 규율과 실습과의 분리, 연구중인 레퍼토리의 협소함과 일방성, 평범한 학생들과의 공동 훈련 과정에서 힘과 시간을 가진 재능있는 사람들에 의한 다른 경우의 손실), 동시에 결정적인 것을 지적했습니다. 교육 분야에서 음악가 훈련의 이점. 기관: 1) 추가 연구와 전문 분야의 수업을 결합할 수 있는 기회. 얼음 분야(솔페지오, 하모니, 형식 분석, 음악사, 모든 FP에 필수. 등) 실용적입니다. 오케스트라, 앙상블, 합창단, 때로는 오페라에서 음악 연주; 2) 팀에서 공부하는 과정에서 개인의 생생한 사례와 경쟁의 자극적 역할; 3) M의 더 큰 가용성. 약. 비교적 광범위한 사람들에게. 이전과 마찬가지로 M. 약. 뛰어난 교사나 창의적인 음악가가 이끄는 우수한 학교는 예외적으로 중요한 역할을 했습니다(이 학교가 시설에서 설립되었는지 외부에서 설립되었는지 여부에 관계없이). 피아니스트적인 것은 구별할 수 있습니다(예: M. 클레멘티, K. 체르니, F. 쇼팽, F. 리스트, A. F. 마몬텔, L. 디에메라, T. 레셰티츠키, L. Godovsky 등), 바이올린(예: A. 비오타나, Y. 요아킴, R. Kreutzer), 지휘자(R. 와그너, G. 말레라) 등이 있다. 학교. 19인치에서 대학은 M의 두 가지 다소 다른 시스템을 개발했습니다. o., 20세기에 보존된 기본 용어. 일부 국가(독일, 오스트리아, 스위스 등)에서는 하이 퍼 부츠가 음악 이론의 중심이 되었습니다. 교육; 실용 음악 제작(학생) 합창단, 오케스트라, 앙상블)은 여기에서 아마추어 성격을 띠었지만 때때로 상대적으로 높은 수준으로 상승했습니다. M에 대한 논의를 요약합니다. 약. 높은 모피 부츠에서 G. 1903년 Krechmar는 실용하지 않은 곳에서 공부하기 위해 이렇게 썼습니다. 학문은 대학에서 초등 문법과 그림을 가르치는 것만큼 비논리적이며 대학에 지원하는 사람은 실질적으로 잘 훈련된 음악가여야 하며 여기에서는 기본 음악학만 통과해야 합니다. 및 일반 에스테티션. 학문. 다른 국가(처음에는 영국에서, 그 다음에는 미국 등)에서는 음악학자 훈련이 음악학자와 함께 높은 모피 부츠에서 이루어졌습니다. 학문은 음악을 마스터했습니다.

현대 자본주의와 개발 도상국에서 M. about.의 시스템은 일반 및 특수 시스템이 매우 다릅니다. 대부분의 국가에서 몇 가지 특별한 음악만 있습니다. 기관은 국가에서 재정을 지원하지만 대부분은 개인과 사회가 운영합니다. 조직; 수단. 많은 뮤즈 학교는 명확한 프로필이 없으며 종종 어린이와 성인과 함께 전문가 및 아마추어와 함께 수업을 진행합니다. 수업료 pl. 으. 기관은 상대적으로 높으며 사설 장학금 만 M. o. 저소득 가정의 영재 학생.

영국에서는 일반 교육의 음악 수업. 처음 두 수준(유아 및 중학교)의 학교는 Ch. 아. 노래에. 동시에, 청력의 발달은 J. Curwen의 "tonic-sol-fa" 방법을 기반으로 하는 경우가 가장 많습니다. 연합 학교 합창단은 종종 Palestrina의 작품에서 Op.에 이르기까지 다소 복잡한 레퍼토리를 연주합니다. R. 본 윌리엄스. 1970년대 Dolmech 가족의 주도로 대 브리튼과 다른 서유럽 국가에서 대량 생산을 촉진하고 생산을 조직했습니다. 국가; 타악기 멜로디와 함께 이 악기. 악기(K. Orff의 본부)는 학교 음악에서 중요한 위치를 차지했습니다. 학습. 일반 교육 수준이 다른 학생. 학교(중등학교 포함)는 원할 경우 개인 교사로부터 피아노 레슨을 받을 수 있습니다. 또는 오크. 도구. 학교 오케스트라와 앙상블은 이러한 학생들로 구성됩니다. 많은 카운티에는 랜드 뮤즈가 있습니다. 사립 청소년 음악의 많은 도시에서 학교. 학교 (주니어 음악 학교). 다양한 학교의 학생들(뿐만 아니라 사립 교사도 포함)은 자신의 뮤즈를 보여줄 기회가 있습니다. 특수 조직의 기술(Generale Certificate of Education, Associated Board of the Royal Schools of Music 등). 그 후, 음악 공부를 계속할지 여부가 결정됩니다. 더 높은 수준의 학교(음악 대학, 음악원, 아카데미) 또는 높은 모피 장화. 가장 유명한 음악가 학교는 런던(King Academy of Music and Dramatic Arts, King College of Music, King College for Organists), Manchester(King Manchester College of Music) 및 Glasgow(King Scottish Academy of Music)에 있습니다. 높은 모피 부츠와 뮤즈가있는 대도시에서. 대학은 종종 음악 학자 훈련뿐만 아니라 음악가를 포함하여 연습하는 것을 목표로 공동 작업 계획이 작성됩니다. 교사. 이탈리아에서는 일반 교육. 학교는 음악에 거의 관심을 기울이지 않습니다. 여기에 개인 및 교회 외에도. 음악 학교에는 국가가 있습니다. 온실과 산. 음악 lyceums (후자의 교육 프로그램은 음악원의 교육 프로그램과 거의 다르지 않음). 최종 시험에 합격하기 위해 계정 전체에 있는 음악원 학생들. 과정은 낮은 수준과 높은 수준의 시험을 통과해야 합니다. 작곡가, 오르가니스트, 피아니스트, 바이올리니스트 및 첼리스트의 경우 uch. 과정은 10년 동안 지속됩니다. 음악원 "Santa Cecilia"(로마)에서는 음악원 중 한 곳을 졸업한 작곡가와 기악 연주자를 위해 더 높은 수준의 음악을 제공하는 과정이 개설되었습니다. 자격. 시에나에서는 다른 많은 곳과 마찬가지로 국제 공공 기관에서 운영하는 Chidzhana 아카데미에서 개최됩니다. 더 높은 음. 다른 유럽 국가의 기관, 음악가의 기술 향상을위한 여름 세미나 (수업은 다른 국가의 교사가 주도합니다).

프랑스에서는 1946년 이래로 음악이 교과 과정에서 점점 더 많은 자리를 차지했습니다. 일반 교육 프로그램. 학교. 훈련은 단일 상태에 따라 수행됩니다. 청력 발달과 목소리 생성에 많은 관심을 기울인 프로그램입니다. 국가 및 개인 음악. 학교 및 음악원 M. 약. 아마추어 및 전문가에게 수신; 수단. 일부 학생은 어린이입니다. 파리 음악원 외에도 수도에는 권위 있는 사립 고등 교육 기관이 있습니다. 기관. 그 중 가장 큰 것은 "Ecole de Músique de classic religios"(L. Niedermeyer가 1853년에 설립), "Schola Cantorum"(A. Gilman과 V. d'Andy가 1894년에 설립), "Ecole Normale de Músique"입니다. (L. Niedermeyer에 의해 설립). 1919년 A. Cortot 및 A. Manzho). 그것은 프랑스에서 특별한 훈련을 조직하는 것이 특징입니다. 음악 학교에서 경쟁 시스템은 중요한 역할을 합니다. lyceum의 음악 교사는 음악을 확인하는 것으로 구성된 경쟁 시험에도 선발됩니다. 그리고 후보자의 교육학적 지식과 기술. 최고 자격(일반 교육 중등 학교의 경우)의 음악 교사 교육은 파리의 Lyceum에서 이루어집니다. J. La Fontaine, 특별 3년 과정.

독일에는 문화 문제에 대한 중앙 집중식 관리가 없기 때문에 연방 주에서 교육 구성이 다소 독특합니다. 일반 교육에서 음악 교육은 학교에서 의무적입니다. 합창뿐만 아니라 어린이 및 침대. 음악 학교는 일반 M. o. 이 학교 중 일부에서는 음악을 연주하는 법을 배웁니다. 특별 프로그램에 따른 악기는 4세부터 시작됩니다. 일반 교육 학교는 음악에 열려 있습니다. 클래스, 일부 도시에서는 특별 설립. 음악 학교. 고르. 사립 음악 학교는 FRG 사회에서 통합됩니다. 조직 - 독일 연합. 음악 학교, to-ry는 1969년부터 모든 뮤즈를 위한 훈련 프로그램을 개발하기 시작했습니다. 특산품. 교수의 임무. 교육은 음악원 (일반적으로 중등 음악 교육 기관), 음악 고등학교에서 결정합니다. 소송, 음악. 아카데미와 un-you (주요 음악학자들은 여기에서 공부합니다).

L. 바렌보임

미국 원산지 M. 약. 18세기에 합창단을 위해 준비한 수많은 성가 학교의 출현과 관련이 있습니다. 교회와 종교에서 노래합니다. 회의; 교사들은 대개 전문 음악가가 아니라 영어 경험을 활용한 사제들이었다. 교회 노래. 1721년에 그러한 학교를 위한 최초의 매뉴얼이 등장했습니다. 그들의 저자는 신부 J. Tufts와 T. Walter였습니다. 종교 활동으로. 모라비아 형제회(1741년 필라델피아 인근 베들레헴 정착) 공동체는 정규 M. o.

처음에는 19인치 개인 교습의 관행이 발전하기 시작했습니다. 1830년대 아메르. 계몽사 L. Mason은 필수 도입을 주장했습니다. 학교 커리큘럼의 음악 수업. 더 높은 뮤즈의 부재. 세. 제도와 가정에서 개선할 수 없는 능력이 많은 사람들에게 강요되었습니다. 아메르. 유럽에서 공부하기 위해 음악가 (ch. 아. 프랑스와 독일). 나중에 Oberlin(오하이오)에서 mus가 설립되었습니다. College (1835), 같은 장소 – 음악원 (1865), 1857 – Mus. 1862년 필라델피아의 아카데미 – 음악. ft of Harvard College, 1867년 – 뉴잉글랜드. 미국 보스턴에 있는 음악원 1868년 시카고의 대학과 신시내티의 음악원 – 1885년 볼티모어의 피바디 연구소 – Nat. 1886년 뉴욕의 음악원 – Amer. 1896년 시카고 음악원 – 음악. 콜롬비아 대학교 학부. 이러한 뮤즈 기관 중 다수는 후원자의 희생으로 만들어졌습니다. 1876년 국립음악교사협회(MTNA). M의 설정으로 약. 강력한 영향력은 전통적인 유럽인에 의해 발휘되었습니다. 교육 시스템(Paris Conservatory는 많은 미국 음악원의 원형이 됨, ac. 설명서는 주로 독일어를 사용했습니다). 유럽 ​​국가에서 온 이민자 con. 19 – 구걸. 20cc는 Amer의 발전에 원동력이 되었습니다. 행하다. 학교, 즉 도착한 많은 거장 음악가들이 가르치는 일을 맡았기 때문입니다. 일(나. 벤게로바, I. 레빈, E. 짐발리스트 등); 새 계정이 생성되었습니다. 기관. 특히 줄리어드 뮤즈의 활동이 중요했습니다. 1926년 뉴욕의 학교), 로체스터의 이스트만 음대(1921년), 필라델피아의 커티스 인스티튜트(1924년), 샌프란시스코 음악원. Muses는 점점 더 중요해지기 시작했습니다. 높은 모피 부츠에서 f-you. 1930년대에 많은 유럽 국가에서 파시즘이 확산되면서 많은 사람들이 미국으로 이주했습니다. Amer와 자신의 활동을 연결한 뛰어난 뮤지션. 운타미(P. Hindemith – Yale University, A. Schoenberg – 캘리포니아 로스앤젤레스, P. G. Lang – Columbia 등과 함께). 미국의 초기 하이 퍼 부츠가 교사 교육으로 제한 되었다면 (연주자와 작곡가는 일반적으로 음악원 교육을 받음) 시간이 지남에 따라 음악 연구를 수행하기 위해 음악 학자뿐만 아니라 창의적인 인력을 교육하기 시작했습니다. 남부 대학에서 새로운 트렌드가 개발되었습니다. 캘리포니아와 인디애나, 그리고 1950년대와 60년대. 대부분의 미국 대학에서 전형적인 현상이 되었습니다. 50년대에는 교사의 심각한 부족을 느끼기 시작했습니다. 프레임. comp의 제안에서. N. Dello Gioio Ford Foundation은 모던 프로젝트를 만들었습니다. Krom에 따르면 음악은 젊은 작곡가들이 M. 약. 학습을 더 창의적으로 만들 것입니다. 자연. 60-70년대. 무대 음악의 실험 원리. 세. 과정이 달라졌다. 아메르의 특징. M. 약. 여기에는 Z의 사용이 포함됩니다. 코다야, K. 오르파, T. 스즈키 씨는 컴퓨터와 사운드 신디사이저를 사용한 경험뿐만 아니라 높은 수준의 재즈 교육을 창조했습니다. 시설 (보스턴 등). 70대에서. 유치원 및 중학교 음악. 미국의 교육은 노래, 리듬을 포함하는 학습 게임의 원리를 기반으로 합니다. 연습, 악보에 대한 친숙함, 음악 듣기. 고등학교(대학)의 음악 수업에는 일반적으로 악기 연주가 포함됩니다. 일반 합창단. 앙상블, 관악 및 재즈 그룹, 교향곡. 오케스트라. 미네소타 대학은 매우 전문적인 연기자를 끌어들입니다. 앙상블 뿐만 아니라 XNUMX년 이상 계약된 작곡가. 세.

캐나다에서는 M. o. M.o와 공통점이 많다. 미국에서. 특별한 음악 중 uch. 가장 큰 기관은 퀘벡의 음악원(1868년 설립), 토론토의 캐나다 음악원(1870년), 몬트리올의 음악원(1876년), 토론토(1886년) 및 핼리팩스(1887년)입니다. 최고의 교육자는 음악에 중점을 둡니다. 토론토, 몬트리올 등의 하이 퍼 부츠. 많은 하이 퍼 부츠에는 합창단이 있습니다. 그리고 실내악 앙상블, 그리고 일부 – 교향곡. 오케스트라.

호주에서는 상반기에 가장 단순한 유형의 음악 학교가 만들어졌습니다. 1세기 이후에는 뮤즈가 있었습니다. 애들레이드의 대학(19년 설립, 음악원으로 전환), 음악. 멜버른에 있는 학교(후에 N. Melba Conservatory), 시드니에 있는 음악원(1883년 설립), New South. 웰스 등. 처음에. 1914세기 음악이 탄생했습니다. 멜버른, 시드니, 애들레이드의 하이 퍼 부츠를 신은 당신. 콘에서. 20년대에는 계정 프로그램이 현대적으로 도입되기 시작했습니다. 음악, 새로운 원칙 및 교육 방법이 적용되기 시작했습니다. 이 운동의 주역은 Canberra Muses에 속합니다. Amer 유형에 따라 1960 년에 주요 학교. 줄리어드 학교. 여름 학생들이 활동하기 시작했습니다. 캠프(1965년대 중반 이후, 멜버른, 애들레이드)에서 음악 수업, 콘서트, 저명한 음악가와의 만남이 열렸습니다. Australian Muses의 활동은 매우 중요합니다. 이론에 대한 연례 테스트를 수행하는 시험위원회. 전체 뮤즈를 향상시키기 위해 주제와 악기 연주. 수준. 1960년 모스크바 지역 연합이 창설되었습니다.

위도의 국가에서. 미국 M. o. 개인 연습과 원시 뮤즈에서 거의 같은 방식으로 개발되었습니다. 음악 조직에 학교. 대학, 음악원 및 뮤즈. 높은 모피 부츠에서 f-tov, 처음에는 유럽인이 복사되었습니다. 시스템 및 1950 년대에만. 국가적 형태를 갖추기 시작했다. 위도 국가의 음악가. 이전에 유럽과 미국에서 공부한 미국인들은 점점 더 자신의 나라에서 공부하기를 선택하고 있습니다. M.에 대한 성명서 분야의 주요 국가. — 아르헨티나, 브라질, 멕시코.

아르헨티나에서는 최초의 뮤지컬 uch. 음악 아카데미(Academy of Music)는 comp의 주도로 부에노스 아이레스에서 1822년에 문을 열었습니다. A. Williams, 온실이 여기에 만들어졌습니다(1893년, 나중에 A. Williams의 이름도 따옴). 나중에 부에노스 아이레스에서 – 음악. 위도의 중심. 미국에서는 CL Buchardo(1924)의 이름을 딴 National과 M. de Falla의 이름을 따서 명명된 Municipal이라는 두 개의 음악원이 더 설립되었습니다. 모든 R. 60-70년대 음악이 탄생했습니다. 으. 코르도바의 기관(1966년 미술 학교 실험 그룹), 멘도사의 고등 음악 학교, 음악. 카톨릭에서 f-you. 부에노스 아이레스의 대학과 라플라타의 대학, 고등 음악. in-t는 University of Litoral in Rosario 및 기타에서 수행됩니다. 중요한 사건은 Lat.-Amer의 생성이었습니다. 고급 음악의 중심. Ying-those T. Di Tellya(1965)에서의 연구. Argent의 활동은 매우 중요합니다. 음악 교사 협회(1964년 설립).

브라질 최초의 뮤지컬 uch. 기관 - 왕. 리우데자네이루 음악원(1841년, 1937년부터 국립음대) M.의 발전에 대한 큰 공헌. 코미를 소개합니다. 수많은 뮤즈를 설립한 E. Vila Lobos. 학교뿐만 아니라 국립 합창단 음악원. 노래(1942, 주로 교육적 목적), 그 다음 Vraz. 음악학원. OL 페르난디스(1945, 리우데자네이루). 가장 중요한 음악에 uch. 브라질 기관도 Braz를 소유하고 있습니다. 리우데자네이루의 음악원(1940년 설립), 상파울루의 드라마 음악원(1909년 설립). 1960년대에는 M. about.: Svobodny mus의 새로운 실험적 형태가 있었습니다. 바이아 대학에서 세미나, 테레소폴리스(리우데자네이루 인근) 여름 코스, Mus. 세미나 Pro Arte(리우데자네이루); 음악 정리. 헤시피, 포르투 알레그레, 벨루오리존치 등의 학교

멕시코에서는 고등 M. o. 멕스입니다. 냇. 음악원과 음악. 멕시코시티에 있는 운타 스쿨, 그리고 음악. 국립미술원(멕시코시티), 과달라하라 음악원 등

거의 모든 국가에서 Lat. 미국에는 최고의 뮤즈가 있습니다. 으. 기관 (음악원 또는 음악. F-you high fur boots), to-rye는 주로 계정 설정 수준에서 다릅니다. 프로그램과 교수법이 아닌 과정.

확인. 씨. 19세기 유럽 침투가 시작되었습니다. M. o를 형성합니다. 아시아 및 아프리카 국가에. 대부분의 비 유럽인이 따르는 유럽 중심 개념. 저개발 또는 원시로 인식되는 문명은 거의 완전히 부정되었습니다. 문화적 가치. 선교사 그리고 그리스도. 종교 단체들은 아프리카인들에게 가톨릭에 익숙해졌습니다. 또는 개신교. 명음. 식민지 행정부는 유럽 학교에 심어졌습니다. 포함하는 교육 시스템 그리고 뮤지컬. 나중에 아시아와 아프리카 국가에서 온 많은 재능 있는 음악가들이 영국(서아프리카의 많은 작곡가들이 교육을 받은 트리니티 칼리지), 프랑스, ​​독일, 미국에서 공부하기 시작했습니다. 집에서 그들은 서유럽을 재배했습니다. 음악과 교육 원리. T.O., 음악. 문맹 퇴치와 전문성은 서유럽에 가까워졌습니다. 음악교육. 자격. M.에 대한 긍정적인 경향. 한편으로는 깨달음과 연결되어 있습니다. 한편, 아시아와 아프리카의 저명한 유럽 음악가(예: A. Schweitzer)의 활동은 국가적 인물들의 시도로 이루어졌다. 동양 사이에서 받아들일 수 있는 타협점을 찾기 위한 문화. 그리고 앱. 시스템(Shantiniketon에서 R. Tagore의 실험).

아시아와 아프리카 대부분의 국가에서 문화의 부흥은 전통에 대한 깊은 관심을 불러일으켰습니다. 국가 소송의 형태. 많은 어려운 문제가 발생했습니다. nar를 표기하는 것. 음악 또는 구전 전통으로 육성, 민속 보존 또는 발전, 서유럽 사용. 경험하거나 적용하지 마십시오. 많은 국가에서 이미 뮤즈 네트워크가 형성되고 있습니다. 기관, 교육 프로그램이 개발되고 있으며 자격을 갖춘 전문가가 있습니다.

일본에서는 뮤즈를 만드는 과정. 인토브 모던. 유형은 아시아와 아프리카의 다른 국가보다 일찍 시작되었습니다. 19세기 1879년 일본 정부에 대한 M.의 조직에 대해. 아메르. 나라의 학교에 초청되었습니다. 음악 교육자 LW Mason (그는 그곳에서 1970 년 동안 일했으며 일본의 학교 음악 연습은 오랫동안 "Mason의 노래"라는 이름을 유지했습니다). Ser에서. 1967년대 학교 프로그램은 교육부가 개발하고 감독합니다. 어린이 M.에 대한 큰 가치. 바이올린을 통한 청각 기술 개발과 관련된 T. Suzuki의 방법을 가졌습니다. 계략. 일본의 고등 교육 기관 중에서 눈에 띄는 것은 Un-you art in Tokyo(이전 Academic School of Music)와 오사카의 Mus. Tentsokugakuan Academy(XNUMX년부터), 음악. 키우스 대학 학교, 치바, 토요 대학.

인도에서 센터 M. about. 델리의 음악, 무용 및 드라마 아카데미("Sangeet Natak Academy", 1953)가 되었으며 다른 많은 지사에 지부가 있습니다. 국가, 음악. Madras에 있는 College "Carnatic", 봄베이에 있는 Gandharva 대학교, Thiruvananthapuram에 있는 음악 아카데미, 음악. 마이소르, 바라나시(베나레스), 델리, 파트나, 캘커타, 마드라스 및 기타 도시의 대학. 최고의 인더스트리얼 마스터. 가르치는 일에 참여하고 있습니다. 음악 – 이전에 고립되어 행동했고 체계화에 필요한 조건이 없었습니다. 젊은이들에게 가르침(시타르와 와인 연주, 라기 기술, 즉흥 연주 등). 교육 프로그램은 다양한 산업 분야를 포괄합니다. 음악, 또한 다른 예술(댄스, 드라마)과의 연결을 반영합니다. 기력. M.의 시스템에 대해. 인도는 많은 발전을 받지 못했습니다.

수단. M.의 시스템은 변화를 겪었습니다. 아랍의 초등학교, 중학교 및 고등학교. 국가. 1959년 이집트 카이로에 이론과 공연을 겸한 음악원을 설립했다. f-타미; 1971년부터 노예 아카데미가 운영되고 있습니다. 전통 음악을 연구하는 음악(구 동양 음악 학교, 1929년 이후 아랍 음악 연구소). nat의 음악과 게임. 도구. M.에 대한 개발. 학교에서 교육학 교육에 기여했습니다. 직원 (카이로 Zamalek의 음악 교사 교육을위한 Inst.). 이라크에서 음악 센터는 음악 학과(1940년 바그다드 설립)가 있는 미술 아카데미였고, 알제리에서는 국립 음악원으로 XNUMX개의 학과(연구, 교육학, 민속학) 등으로 구성되어 있었습니다. 이러한 교육 기관의 소련 음악가.

이란에는 국립 음악원과 유럽 음악원이 있습니다. 1918년 테헤란에서 본관, 타브리즈 음악원(1956년), 테헤란과 쉬라즈 대학의 음악과에서 음악을 전공했습니다. 이란의 라디오와 텔레비전에서 어린이와 청소년을 위한 음악 스튜디오가 만들어졌습니다.

터키에서는 더 높은 M.o. 이스탄불과 앙카라의 온실에 집중되어 있습니다.

M. o에서 복잡한 프로세스가 발생합니다. 아프리카 국가. 대륙 최초의 음악원(케이프 타운, 요하네스버그, 나이로비의 동아프리카 음악원)은 수십 년 동안 운영되어 왔지만 주로 비아프리카인을 대상으로 했습니다. M. 아프리카 대부분의 국가에서 독립을 얻은 후 호수가 활발히 진입했습니다. 아프리카 연구소 (음악 연구는 활동의 기초) 인 Ligon 대학에 음악 및 드라마 학부가 설립 된 가나에서 특별 개발을 받았습니다. Nat. Winneba의 음악 아카데미, 아크라의 아프리카 음악원, mus. 케이프 코스트의 ft Ying-ta. 뮤즈. Akropong 대학과 Achimota 대학은 몇 가지를 키웠습니다. 가나 음악가의 세대.

음악은 나이지리아에서 매우 중요합니다. Lagos, Ibadan 및 Ile-Ife 대학과 Zaria 및 Onich 대학. M.의 o 제작으로 비교적 높은 수준을 달성했습니다. 세네갈, 말리(코나크리 국립음대), 기니에서는 마케레레(우간다), 루사카(잠비아), 다르에스살람(탄자니아) 대학교의 음악학과가 점점 더 중요한 역할을 하기 시작했습니다.

음악원에서 아프리카 국가는 주로 앱에서 공부합니다. 음악(이론적 학문과 악기 연주), 그리고 음악. f-tah un-tov는 nat에 특별한주의를 기울입니다. 음악, 아프리카 연구 연구소는 대륙의 민속을 보존하고 발전시키는 문제로 바쁘다.

M. o의 스테이징 점점 중요해지고 있습니다. 처음에. 및 중등 학교(많은 국가에서 음악은 필수 과목임). 가장 중요한 일은 전통을 전수하는 일입니다. 그러나 그 방법은 수세기 전과 거의 동일하게 유지됩니다.

M.의 문제. – 아시아와 아프리카의 고대 문화 보존 및 발전의 주요 요소 중 하나이므로 유네스코, 인턴. 음악 협의회, 국제 음악 협회 교사 및 기타 사람들이 특별한 관심을 기울입니다.

M. o의 특성과 발달 정도를 고려한 프로그램이 개발되고 있습니다. 이 나라에서는 새롭고 때로는 실험적인 교수법이 사용되며(예: Z. Kodaly 및 K. Orff의 시스템에 따라) 회의, 회의 및 세미나가 열리고 자문 지원 및 인적 교류가 수행됩니다.

JK 미하일로프.

혁명 이전 시대의 음악 교육. 러시아와 소련. M.o에 대해 러시아에서는 거의 정보가 보존되지 않았습니다. 속담, 동화, 노래와 함께 사람들 사이에서 발전한 교육학에서 혼합주의도 중요한 역할을했습니다. (음악 포함) 예술. 다른 언어의 혼합이 반영된 작업. 그리고 기독교 의식. 나르에서. 환경은 전문적인 다자간 "배우"인 버푼의 일종으로 태어났습니다. 기술 to-rogo는 가족 또는 상점 훈련 과정에서 습득되었습니다. 대대로 시적인 음악도 전승되었습니다. 영웅을 찬양하는 성가 작곡가의 전통. 체계적인 음악 교육 (보다 정확하게는 교회 노래)은 국가에서 필요로하는 성직자와 문맹자를 훈련시키는 교회와 수도원에 설립 된 학교와 공연 그룹 일뿐만 아니라 성전 합창단에서 직접 이루어졌습니다. 노래학원도. . 교회 성악가와 성가는 그러한 학교에서 자랐습니다(Znamenny 성가 참조).

러시아 영토의 봉건적 고립 기간 동안 특정 공국의 수도인 블라디미르, 노브고로드, 수즈달, 프스코프, 폴로츠크 등 – 교회의 중심이 되었습니다. 독. 문화와 여기에서 현지 가수를 개발했습니다. znamenny 노래의 일반 원칙에 의존했지만 특정 특징을 도입했습니다. 가장 오래되고 최고의 가수 중 한 사람에 대한 정보가 보존되었습니다. 블라디미르에 Andrey Bogolyubsky가 설립한 12세기 학교. 얼마 후, 교회에서 주도적인 역할. Novgorod는 노래를 연주하고 이 예술을 가르치기 시작했으며 수년 동안 선두 위치를 유지했습니다. 노브고로드 가수. 학교는 뛰어난 음악적 인물을 준비했습니다. 그 시대의 문화 – 연주자, 음악 작곡가, 이론가 및 교사. 중앙 집중식 Rus를 조직하는 기간 동안. 모스크바 nat가 이끄는 state-va. 가수. 학교는 많은 지역 학교와 무엇보다도 Novgorod의 성취를 흡수했습니다. 두 노브고로디아인 – 형제 S. 및 B. Rogovyh, 활동 to-rykh는 중간에 속합니다. 16 세기, 모스크바의 창시자로 간주됩니다. 교회 학교. 명음. Savva Rogov는 교사로서 특별한 명성을 누렸습니다. 그의 유명한 제자인 Fedor Krestyanin(나중에 유명한 교사)과 Ivan Nose는 Ivan Terrible에 의해 궁정으로 받아들여졌습니다. 모스크바에서 노래의 마스터. Novgorod 학교의 전통은 또한 Rogov의 세 번째 저명한 학생인 Stefan Golysh, 음악 및 교육학에 의해 개발되었습니다. 활동 to-rogo는 Stroganov 상인 소유의 Urals에서 일어났습니다. 노래의 유통과 발전. 문화는 "Stoglavy 대성당"(모스크바, 1551)의 법령에 의해 촉진되었으며, 사제와 집사는 모든 도시에서 집에서 모스크바를 만들어야했습니다. 러시아 학교에서는 아이들에게 읽기와 쓰기뿐만 아니라 “교회 시편 노래”도 가르칩니다. 이러한 학교의 설립은 소위 교육을 대체하기 위한 것이었다. 문맹 퇴치의 마스터 (어린이 읽기, 쓰기,기도 및 노래 부서에 종사하는 사무원 및 "세속적 인 사람들") 및 uch의 네트워크 확장. 14-15세기에 존재했던 기관. 일부 도시에서 Dr. 러시아 제국. 교회 주인. 출현의 일부였던 노래. 호라(con. 15세기) 합창단의 수준을 높이기 위해 종종 다른 도시, 수도원 및 교회로 보내졌습니다. 성능을 제공합니다. 가장 단순한 음악 이론. 가수들이 보조역할을 했다. 알파벳(decomp. 15-17세기 컬렉션, 뮤지컬 알파벳 참조), 여기에는 후크 레터의 기호에 대한 간략한 세트와 개요가 나와 있습니다. 새롭고 많은 목표 승인. 합창단 스타일. 노래(참조. Partes 노래) 및 관련 znamenny 쓰기를 5층에서 2선형 표기법으로 대체합니다. 17 인치 음악을 가르치는 방식에 혁명을 일으켰습니다. 체계적인. 부분 노래에 대한 일련의 규칙은 N의 논문에 나와 있습니다. 가수와 작곡가의 훈련을 위한 AP Diletsky "음악 문법". 순전히 경험에 기반한 유명한 "알파벳"과는 다릅니다. 원칙적으로 Diletsky의 작업은 합리주의가 특징입니다. 오리엔테이션, 규칙을 명시할 뿐만 아니라 설명하려는 욕구. con에서 잘 알려진 분포를 누린 특별한 유형의 계정 수당. 17 세기, 소위 대표합니다. znamenny와 5선형 표기법으로 된 곡의 병렬 표현을 포함하는 이중 기호. Tikhon Makarievsky의 "이해의 열쇠"가 이러한 유형에 속합니다. 말과 함께. 15세기 모스크바에서. Rus는 외국 음악가를 초청하기 시작했고 러시아인의 참여가 시작되었습니다. instr에서 알아요.

16-17 세기의 일부였던 러시아 남서부에서. Polish-Lithuanian state-va의 구조에서 M. 분포의 알려진 값은 약입니다. 소위 형제 학교, 설립 된 종교 및 교육이있었습니다. 러시아, 우크라이나의 거점 역할을했습니다. 및 벨로루시., nat에 대한 인구. 탄압과 가톨릭으로의 개종. Lvov 학교(1586년 설립)에 이어 약. 20개의 형제 학교. 시간 계정에 대한 이러한 고급. 기관 (이 학교의 많은 교육학 원칙은 나중에 Ya. A. Comenius의 "Great 교훈"에 반영됨)은 노래와 음악을 포함하는 quadrivium의 과목을 가르쳤습니다. 1632년 설립된 Kyiv fraternal school과 1615년 합병된 Kiev-Pechersk Lavra 학교(1631년 설립)를 기반으로 최초의 우크라이나 학교가 설립되었습니다. 고등 교육 기관 – Kiev-Mohyla collegium (1701 이후 – 아카데미), 다른 과목과 함께 음악도 공부했습니다. 모스크바에서는 Kyiv Collegium의 모델로 1687년 Slavic-Greek-Lat가 열렸습니다. 교회도 가르친 아카데미. 노래와 "일곱 가지 자유 예술".

Peter I의 개혁의 영향으로 18 세기에 to-rye는 유럽의 일반적인 발전 과정에 국가를 포함시키는 데 기여했습니다. M.의 문명, 내용 및 조직 o. 견디는 생물. 변경합니다. 교회 보호로부터 음악 문화의 해방, 컬트 음악의 역할 축소, 계속 확장되는 세속적 음악 제작(거리와 광장의 군 오케스트라와 합창단, "집회"의 춤과 테이블 음악, 뮤지컬 및 연극 공연) , 삶의 끝의 출현) 그리고 마침내 고귀한 사회에서 점점 커지는 아마추어 음악 제작에 대한 갈망 – 이 모든 것이 M의 성격에 영향을 미쳤습니다. o. 그것은 몇 가지 추세를 보여줍니다. 가장 중요한 것은 음악을 습득하기 시작하는 것입니다. 영적인 교육뿐만 아니라 세속적인 교육. 인타; 인생 차이로. 영적 교사. 기관은 세속적 인 명령에 침투합니다. 음악; 중. o., 특히 2층에서. 18 세기, 법원의 요구뿐만 아니라 지시. 그리고 부분적으로 교회. 일상 생활뿐만 아니라 훨씬 더 넓은 사회의 요구를 충족시키기 위해. 원. 연습생의 필요성과 일반 모의 필요성 18 세기 내내. 점점 더 증가했습니다. 뮤즈. 귀족 교육은 Ch. 아. 방문객 밴드마스터, 오케스트라 및 클라비에의 콘서트마스터, 그 중에는 메이저 마스터가 포함되어 있습니다. 전문 음악가의 훈련은 조건부로 두 가지 유형으로 나눌 수있는 교육 기관에서 가장 자주 수행되었습니다. 일부는 전문 음악가를 양성하는 작업을 설정합니다. ch. 아. 오케스트라와 가수. 18세기 초 모스크바에서도, 그 다음에는 상트페테르부르크에서도 마찬가지였습니다. 상트페테르부르크, 해외에서 제대해 법정에서 복무 중인 군악가. 관현악단은 바람(황동과 나무)과 타악기를 연주하는 법을 배웠습니다. adv의 구성에서 선택된 젊은이들의 악기. 합창단. 1740년, 강림절에. 예배당(성. 1713년 상트페테르부르크)에서 XNUMX세기 이상 동안 자격을 갖춘 합창단인 합창단을 양성했습니다. 지휘자, 부서 케이스 및 작곡가(D. S. 보트냥스키, M. S. Berezovsky)의 지시에 따라 설립되었습니다. 지휘자 오케스트라 I. 오크 연주를 배우는 규브너 클래스. 도구를 제공합니다. 그 이전인 1738년에는 우크라이나의 글루호프에 노래와 악기 학교가 문을 열었습니다. 음악(바이올린, 하프 및 반두라 연주); 여기 손에. 특별 섭정은 초기 M을 받았습니다. o. 주로 미래의 adv. 합창단. 다른 uch. 시설 – St. 피터 스 버그. 극장. 학교(1738년에 설립되었지만 마침내 1783년에 형성됨)에서 무대 공연뿐만 아니라 음악도 가르쳤습니다. 예술 우, 그리고 음악. 예술 아카데미 수업. 1760년대에 문을 열었다. 수십 년 동안 존재했습니다 (학생들 사이 – comp. B. I. 포민). 18 세기에 지불 된 관심에 대해. 조직 교수 M. o., 정부에 증언하십시오. Ekaterinoslav Music 설립에 관한 법령(미완성).

계정에. 다른 유형의 기관, 귀족 육성의 중요한 측면, 그리고 raznochin의 일부에서 젊음은 일반 철학입니다. 1730년대 이후 무리의 프로그램에서 최초의 세속 학교. 체계적인 음악 수업이 포함된 Cadet Corps(당시 토지 상류층)였습니다. 이러한 기관 중 많은 곳이 실제적으로 필요하기 때문에 전문 음악가를 훈련시키는 경우가 많습니다. 그런 학생들에게 음악 교육 기관을 배정해야 합니다. 1층에 개설된 수업. 18세기 과학 아카데미 체육관 2층. 18세기 - 모스크바에서. 모스크바의 Smolny Institute for Noble Maidens 및 "소부르주아 부서"에 있는 un-thes(고귀한 체육관과 raznochinny 체육관, 그리고 un-those에 있는 고귀한 기숙 학교). 그리고 상트페테르부르크. 기르다. 모스크바에 종속된 카잔 체육관의 주택. un-tu 및 다른 지방의 여러 체육관에서. 많은 학교에서 음악 수업. 시설은 매우 높은 위치에 있었습니다(그들은 저명한 음악가, 종종 외국인이 이끌었습니다). 따라서 Smolny Institute (그 안에서 발전된 음악 교육 시스템은 나중에 유사한 유형의 다른 계급 귀족 교육 기관으로 이전됨)의 학생들은 연주 (하프, 피아노, 노래 연주)뿐만 아니라 또한 음악 이론과 경우에 따라 작곡. 미래에 가난한 귀족의 일부 학생들은 뮤지컬과 교육학을 준비하기 시작했습니다. 활동. 많은 지주 부동산과 산에 있다는 사실 때문에. 귀족 하우스 조직 농노 합창단, instr. (호른 포함) 앙상블과 오케스트라, t-ry뿐만 아니라 농노에서 음악가를 양성하는 것이 필요하게되었습니다. 그것은 집 (영지에 초대 된 외국 음악가)과 특별에서 모두 수행되었습니다. 도시에서 만든 농노 음악 학교. 분명히, 그러한 최초의 학교는 1770년대에 기능하기 시작했습니다. 여기에서 그들은 노래를 가르치고 오크를 연주했습니다. 및 키보드뿐만 아니라 일반 베이스 및 작곡. 때로는 필요한 레퍼토리를 준비하기 위해 농노 음악가를 전체 그룹으로 이러한 학교에 보냈습니다.

18세기 후반의 교육학 수업에서. (특히 V. Trutovsky, 1776-95, I. Prach, 1790의 민요 모음집이 절판된 후) 러시아어는 점점 더 중요한 역할을 하기 시작했습니다. 나르. 노래와 춤(원본, 편곡 및 필사본). M.의 분포에 대해. 러시아 사회의 다른 계층에서 실용적인 출판의 필요성을 만들었습니다. 으. 수당(첫 번째 양도 가능). 러시아어 역사에서 중요한 역할을 한 최초의 매뉴얼 중 하나입니다. M. o.는 GS Lelein(1773-74)의 "Clavier School, 또는 Brief and Solid Indication for Concord and Melody"로, 클라비에 연습에 의존했으며 작곡 이론의 일반 조항을 포함하고 우물로 구별되었습니다. - 알려진 깨달음. 위도. 처음에는. 다른 음악의 19세기 번역본이 나왔습니다. 교과서(예: L. Mozart – “The Fundamental Violin School”, 1804; V. Manfredini – “모든 음악을 가르치는 하모닉 및 멜로디 규칙”, SA Degtyarev 번역, 1805) 및 국내 피아노 학교. I. 프라차(1815).

60년대까지. 러시아 시스템의 19 세기. 교수 M. o. 다양한 전문 분야의 음악가에 대한 필요성이 증가하고 교육의 질에 대한 요구가 더욱 높아졌지만 근본적인 변화는 없었습니다. St.의 연극 학교에서 상트페테르부르크와 모스크바에서는 극적인 배우들뿐만 아니라 오페라 하우스를 위한 가수와 오케스트라 단원들도 훈련을 받았고 초기에는 19세기에는 특히 성공한 사람들을 위해 "상급" 음악 수업이 개설되었습니다. 이 윽. 시설 및 Pridv. 예배당은 유일한 정부였습니다. 전문 음악가 양성의 임무를 맡은 인타미. M. o. 예배당에서 확장: con. 1830년대 오크 클래스가 개설되었습니다. 악기 및 다소 나중에 fp의 클래스. 그리고 에세이. 처음에는. 농노를 위한 2세기 19/XNUMX분기 음악 학교는 이전의 중요성을 잃고 점차 존재하지 않게 되었습니다. 음악의 보급에 중요한 역할. 문화 (부분적으로 전문 음악가 훈련)는 여전히 중급 및 고급 uch에 의해 연주되었습니다. 뮤즈가 있었던 기관. 수업 – 체육관, 하이퍼 부츠(모스크바, 상트페테르부르크) Petersburg, Kazan, Kharkov), Mining in-t, Uch-sche jurisprudence, women's closed in-you. 이 여성 기관에서는 MO 조직의 많은 결점에도 불구하고 교육 시스템(악기 연주, 앙상블 음악, 솔페지오, 하모니 및 교육적 연습 포함)이 형성되어 나중에 교육의 기초가 되었습니다. 음악원 계획과 여성 기관의 교사는 음악 문제에 대한 진지한 작업을 준비했습니다. (ch. 아. fp.) 교육학. 전문가. 개인 음악. 학교가 거의 없었습니다(그 중 하나는 DN에서 개교했습니다. 1840년 모스크바에서 Kashin), 그리고 홈 뮤직. 훈련은 계속해서 매우 효과적이었습니다. 자신의 운명을 러시아어와 연결시킨 외국인들이 개인레슨을 했다. 음악 문화(I. 게슬러, J. 필드, 에이. 헨젤트, L. 마우러, K. 슈베르트, A. 빌루안), 루스. 작곡가(A. L. 구릴레프, A. E. Varlamov 등), 기악 연주자 및 작곡가(A. O. 시크라, D. N. 카신, N. 네, Afanasiev 및 기타), 그리고 50년대 . 어린 A. G. 및 N. G. 루빈스타인과 M. A. 발라키레프. 집에서의 수업은 대개 악기 연주나 노래 연습으로 제한되었습니다. 음악 이론. 그리고 음악 역사. 학생들은 일반적으로 교육을 받지 못했다. 이 생물을 채우십시오. 아주 작은 정도의 격차만 공개될 수 있습니다. 강의, con으로 편곡된 토례. 1830년대 ch. 아. 상트페테르부르크에서. 이 해에 발생하는 특별 조직 계획. 음악 우. 기관은 더 광범위하고 더 깊고 다재다능한 M. o. 이 계획 중 하나는 지휘자 ​​모스크바에 속했습니다. 위대한 재무 F. 1819년 모스크바에 뮤즈 설립 프로젝트를 발표한 숄츠. 온실. 이 프로젝트는 실행되지 않았고, 숄츠는 죽기 직전인 1830년에야 집에서 일반 베이스와 작곡에 대한 무료 교육을 조직할 수 있는 허가를 받았습니다. 실현되지 않은 또 다른 프로젝트의 저자는 A. G. 1852년 상트페테르부르크에 문을 열자고 제안한 루빈슈타인(Rubinshtein)은 뮤즈 예술 아카데미의 상트페테르부르크.

1860년대 초반까지 러시아의 얼음 문화는 “예술의 정점을 정복하려고 애쓰는 구성 지식인과 취향이 매우 다양한 러시아 민주주의 환경의 청취자 사이의 격차를 위협했다”(B. 에. Asafiev, "그들 중 세 명이 있었다…", Sat. "소비에트 음악", vol. 2년 1944월 XNUMX일, p. 5 - 6). 조국의 광범위한 준비 만이 대의를 도울 수 있습니다. 연주자, 교사 및 작곡가, to-rye는 러시아어 수준을 더욱 높일 수 있습니다. 얼음 생활은 모스크바와 상트페테르부르크뿐만 아니라 상트페테르부르크, 그러나 전국. 이 기간 동안 A의 활동. G. Rus의 후원하에 조직을 시작한 Rubinstein과 그의 동료들. ice ob-va(1859년 개업) 최초의 러시아인. 온실. 이 활동은 국경과의 충돌이라는 어려운 상황에서 진행되었습니다. 반동. 교수가 만든 '국적없는 학계'를 두려워하는 사람들과 열띤 토론을 벌이는 분위기에서. 세. 기관. Rus에 의해 설립되었습니다. 1860mus의 얼음 ob-ve. 수업(노래, 피아노, 바이올린, 첼로, 초등 이론, 합창단. 노래와 연습 에세이)는 1862년 성 베드로의 발견의 기초가 되었습니다. 피터 스 버그. 음악원(1866년까지 Mus. 선생님) A. G. 루빈스타인. 같은 해 음악원 M. A. 발라키레프와 G. 세인트루이스에서 설립된 Ya Lomakin 상트페테르부르크 무료 음악. 학교의 임무 중 하나는 일반 M을 제공하는 것이 었습니다. 약. (초등 음악 이론 정보, 합창단에서 노래하고 오케스트라에서 연주하는 능력 등) 음악 애호가. 1866년, 또한 이전에 조직된(1860년) 뮤즈를 기반으로 합니다. 클래스, 모스크바가 설립되었습니다. 음악원, 감독은 창작의 창시자 인 N. G. 루빈스타인. 두 음악원은 러시아어 발전에 큰 역할을 했습니다. 교수 M. 약. 뛰어난 음악가들이 가르쳤기 때문에 주로 세계적으로 인정받았습니다. 상트페테르부르크 - A. G. Rubinstein(그의 첫 졸업 학생들 중 P. 과. 차이코프스키), F. O. 레셰티츠키(1862년부터), L. C. 아우어(1868년 이후), N. A. 림스키-코르사코프(1871년부터), A. 에게. 랴도프(1878년 이후), F. M. Blumenfeld(1885년 이후), A. N. Esipova (1893년 이후), A. 에게. 글라주노프(1899년부터), L. 에. Nikolaev (1909년부터) 및 기타; 모스크바에서 - N. G. 루빈스타인, P. 과. 차이코프스키(1866년 이후), S. 과. Taneev (1878년부터), V. 과. 사포노프(1885년부터), A. N. Scriabin(1898년 이후), K. N. Igumnov (1899년부터), A. B. 골든와이저(1906년 이후), N. 에게. Mettner(1909년 이후) 및 기타. 수십 년 동안 모든 전문 분야의 음악가를 양성하는 음악원의 구조는 변경되었지만 다음과 같은 특징은 그대로 유지되었습니다. 하위 부서(학생들은 어린 시절에도 받아들여짐)와 상위 부서의 두 부서로 나뉩니다. "과학 수업"(일반 교육을 개선하기 위해 제공되었습니다. 학생 수준); 음악원의 전체 과정을 완료하고 특별 과정을 통과한 학생에게 수여. 기말고사, "자유 예술가" 졸업장(1860년대까지. 이 칭호는 Academy of Arts 졸업생에게만 주어졌습니다.) 음악원은 러시아어 형성에 기여했습니다. 행하다. 그리고 작곡가 학교. 사실, 조국. 복. 학교는 M의 직접적인 영향으로 훨씬 더 일찍 형성되었습니다. 과. 글링카와 A. C. 부서를 가르친 Dargomyzhsky. 학생들은 음악의 일반적인 원리뿐만 아니라. 퍼포먼스뿐만 아니라 가수도. 기술; 새로운 러시아 학교의 작곡가를 양성한 사람 중 한 명이 M. A. Glinka의 계율 정신으로 젊은 음악가를 가르친 Balakirev. 비교할 수 없을 정도로 더 넓은 범위는 음악원에서 발전한 학교 설립자의 활동을 습득하는 것입니다. 두 명의 가장 큰 러시아인의 창립자. 작곡가 학교는 다음과 같이 되었습니다. 상트페테르부르크 - N. A. 모스크바의 림스키-코르사코프 – P. 과. 차이코프스키. 후반부에. 19 및 초기 20cc의 러시아 아이스 XNUMX. 시설이 점차 늘어났다. 지역 지점 Rus. ice about-va는 뮤즈를 열었습니다. 키예프(1863년), 카잔(1864년), 사라토프(1865년), 그리고 나중에 다른 곳에서 학교. 국가의 도시. 그 후 사라토프(1912), 키예프 및 오데사(1913)의 학교는 음악원으로 개편되었습니다. 1865년에 챕터가 설립되었습니다. Rus를 감독하십시오. 떼가 "Mo 개발에 대한 모든 의무와 우려를 전달한 ice about-va 러시아에서”. 왕실의 일원 중 한 사람이 이끄는 이 이사회를 조직한 목적은 공식적으로 뮤즈를 이끌지 않고 정부를 보장하는 것이었습니다. 세. 계급적 지위에서 자신의 업무를 통제하고 업무에 간섭할 수 있는 기회를 가졌습니다. 1883년 npiB-ax 온실에서 뮤지컬 드라마 극장이 문을 열었습니다. 모스크바 근처 학교. 음악 협회. 약-ve. 1887년 A. G. 보편적인 어린이 음악 프로젝트와 함께 Rubinstein. 낮은 학년에 모든 수공예품과 침상을 소개하는 것을 제안하는 교육. 학교, 클래식 및 실제 체육관, 생도 군단 의무 합창단. 노래, 솔페지오 및 기본 음악 이론. 그 기간 동안 이 유토피아적 프로젝트는 일부 특권 지역에서만 수행되었습니다. 시설. 러시아어 개발의 역할을 의미합니다. M. 약. 많은 개인 뮤지션들이 연주했습니다. 학교는 사기로 문을 엽니다. 19 – 구걸. 세인트루이스에서 20cc 상트페테르부르크(음악극. 코스 E. AP 랩고파, 1882; 뮤즈. 수업 나. A. 글리서, 1886; 전문가. FP 학교. 피아니스트-방법론자의 게임 및 코스 S. F. Schlesinger, 1887), 모스크바(음악. 학교 B. 유 조그라프-플락시나, 1891; 자매 Evg. F., 엘레나 F. Gnesins, 1895; 에. A. Selivanova, 1903), Kyiv, Odessa, Kharkov, Rostov-on-Don, Tbilisi 등 도시. 음악원, uch-shcha 및 뮤즈. 혁명 이전 학교 러시아는 주로 상대적으로 높은 등록금 때문에 존재했으며 따라서 M. 약. 부유한 부모의 자녀나 후원자가 지원하는 개인 영재 학생 또는 예외적으로 수업료가 면제된 학생만 받을 수 있습니다. 음악에 붙이기 위해서. 더 넓은 인구의 문화, 진보적인 음악가 con. 19 – 구걸. 20세기, 어떤 의미에서는 자유 음악의 전통을 이어가고 있습니다. 학교, uch를 만들기 시작했습니다. 시설(일부는 Nar. 음악원), M을받을 수있는 곳. 약. 무료 또는 약간의 비용으로. 세인트. 상트페테르부르크에는 다음과 같은 학교가 포함됩니다. 공공 음악. 수업 교육. 박물관(바. 1881), 아동 음악 분야 연구의 기초가되었습니다. 교육학; 무료 어린이 음악. 그들을 학교. 1906년 M. Glinka의 주도로 조직된 Glinka A. 발라키레바와 S. M. 리아푸노바; 1906년에 N. A. 림스키-코르사코프 A. 에게. 리아도프 A. 에. 베르즈빌로비치, L. C. Auer(졸업생에게 Nar의 자격을 수여함. 음악 및 노래 교사). 이러한 유형의 가장 효과적이고 권위 있는 기관 중 하나는 Nar였습니다. 1906년 모스크바 음악원 설립), 가장 저명한 음악가들이 Swarm의 설립과 활동에 참여했습니다. 과. 타네예프,E. E. 리네바, B. L. 야보르스키, N.

XNUMX월 혁명은 M의 조직과 무대에서 근본적인 변화를 수반했습니다. 약. 뮤즈의 지도 및 재정 관리. 세. 기관은 국가에 의해 인수되었습니다 (나르 의회의 법령. 모든 계정의 양도에 대한 위원. Vedepie Nar의 시설. 5년 1918월 XNUMX일 교육 위원회), 일반 M. about., 학생들에게 교수를 제공합니다. 세. 기관 무료 교육 및 장학금. 이것은 일하는 청소년을 위한 교육에 대한 접근을 열었습니다. 문화적으로 낙후된 국적의 대표자. 정부 중. 고급 음악에 대한 매력에 기여한 이벤트. 노동자와 농민 학교는 소위 조직이었습니다. 유나이티드 아트. 노동자의 교수진, 그의 음악의 이전. 모스크바의 권위하에 부서 (1923 년 설립). 음악원(1927), 모스크바에 노동자 학교 개교. (1929) 및 레닌그라드. (1931) 온실. 혁명 이후 최초의 해에 M. 약. 그 중 가장 중요한 것은 1) 보편 음악의 의무 선포입니다. 교육 (Muses의 법령. 19월 XNUMX일까지 통합 노동 학교에서 노래와 음악 교육에 관한 Narkomiros 부서. 1918) 및 일반 M. 약. 사람들의 문화를 높이고 교수에 적합한 음악적으로 유능한 사람들을 식별합니다. 음악 수업; 2) 잘 정의된 전문화(연주, 작곡, 교육, 계몽, 음악학)를 갖고 동시에 관련 주제 및 사회에서 자신의 전문 분야에 대한 광범위한 지식을 보유한 음악가를 양성할 필요성에 대한 이해. 학문; 3) 생산의 엄청난 역할에 대한 인식. uch의 관행. (이로 인해 음악원에 오페라 스튜디오가 조직되었습니다. 첫 번째 스튜디오는 1923년 Petrograd에서 문을 열었습니다. 온실); 4) 모든 직업의 음악가가 자신의 교수를 결합할 수 있다는 요건을 설정합니다. 교육 활동. 올빼미 시스템의 형성을 위해. M. 약. 특히 중요한 역할은 조직적이고 체계적이었습니다. 1917-27 기간의 검색. 교수의 추가 발전을 위해 중요합니다. M. 약. B에 서명했다. 과. 인민평의회 레닌 칙령. Komissarov는 Petrograd 전환에 대해 12 년 1918 월 XNUMX 일을 기록했습니다. 그리고 모스크. "러시아 음악 협회에 대한 의존을 없애고 모든 고등 교육 기관과 동등한 입장에서 교육을 위한 인민 위원회의 관할 하에 있는" 음악원과 같은 해에 지방 및 시를 발표한 후속 결의안. 세. 시설 루스. 얼음 약 상태. 20세기의 첫 번째 XNUMX년이 끝날 때와 두 번째 XNUMX년이 시작될 때. 스포트라이트를 받는 음악. 공개 - 일반 M의 질문. 약. 그리고 이와 관련하여 이 작업은 대단히 계몽적입니다. 페트로그라드, 모스크바 등에 개교한 학교 도시. 학교 이름은 나르(Nar)였다. 얼음 학교, 음악 학교 교육, 나르. 음악원, 민속종합음악과정 교육 등 조직적인 이러한 기관의 작업에서. 올빼미의 기본. 일반 M. o., 저명한 음악가가 참여했습니다: Petrograd – B. 에. 아사피예프, M. H. 바리노바, S. L. 긴츠부르크, N. L. 그로젠스카야, W. G. 카라티긴, L. 에. 니콜라예프, V. 에. 소프로니츠키 등; 모스크바에서 - A. 에. 알렉산드로프, N. 야 브류소바 A. F. 게디케, A. D. 카스탈스키, W. N. 샤츠카야 등. 올빼미 발달의 초기 단계. M. 약. 주최측은 많은 어려움에 직면했습니다. 일부의 뿌리는 혁명 이전에 있었습니다. 음악실습훈련, 미래의 프로와 아마추어 양성이 구분되지 않았을 때 M. 약. 학생들의 연령에 따라 단계를 나누지 않았다. 박사 어려움은 종종 자발적인(특히 1918-20년에) 많은 다양한 뮤즈의 출현으로 인해 발생했습니다. 세. 특수 및 일반 유형의 시설. 그들은 학교, 과정, 스튜디오, 서클, 기술 학교, 심지어 음악원 및 연구소로 불렸으며 명확한 프로필이 없었고 초등, 중등 또는 고등 교육에 대한 충분한 확신을 가질 수 없었습니다. 기관. 이러한 계정 작업의 병렬성. 기관은 M의 발전을 늦추기 시작했습니다. 약. M의 조화로운 체계를 만들기 위한 최초이자 여전히 매우 불완전한 시도. 약. 1919년에 "국립 음악 대학에 관한 기본 조항"(이 이름은 특수 학교의 전체 네트워크를 의미함)에서 착수되었습니다. 그리고 일반 M. 약. 초급부터 고급까지). A의 생각을 따라 에. Lunacharsky는 유치원에서 대학에 이르기까지 일반 교육의 전체 시스템이 "하나의 학교, 하나의 연속 사다리"여야한다고 "기본 조항 ..."의 컴파일러는 특수를 세분화했습니다. 얼음 XNUMX. 음악의 수준에 따라 세 가지 수준으로 기관. 학생들의 지식과 기술. 그러나 그들은 교육, 육성, 계몽의 임무를 나눌 수 없었고 "음악 대학"의 XNUMX 단계에서 교육 연령 제한을 설정하지 못했습니다. 음악의 유형화에 대한 추가 작업. 세. 가장 저명한 올빼미가 참여한 기관 및 프로그램 업데이트. B의 활동과 관련된 뮤지션. L. 1921년부터 Mus를 이끌었던 Yavorsky. 직업 교육 총국 부서. 후속 구조 조정을 위해 M. 약. 그의 보고서 "전문 음악 학교에서 커리큘럼 및 프로그램 구성 원칙에 관한"(2 년 1921 월 XNUMX 일 읽기)은 특히 음악에서 처음으로 심각한 영향을 미쳤습니다. 20 세기의 교육학 논문은 "창의성의 요소는 교육에서 수강하는 모든 과정의 프로그램에 포함되어야합니다"라는 인내로 제시되었습니다. 다양한 수준의 기관. 대략 1922년에 특징적인 경향이 설명되었고, 이는 다음 해에도 계속 영향을 미쳤습니다. M. 약. 그리고 사양. 분야(악기 연주, 노래). 첫 번째 전문화된 이차 뮤즈의 조직도 이 시기에 속합니다. 학교 – 음악. 기술 학교, 30 대. 학교로 개명. 2층으로. 20대는 어떤 구조가 발달했다. o., 몇 년 동안 보존: 1) 초기 M. 약. 4세 1단계(아동용)의 두 가지 유형의 학교 형태로 노동 학교와 병행하거나 독립적이었습니다. 세. 기관, 또는 뮤즈의 첫 번째 링크. 기술 학교 및 일반 M의 과정. 약. 음악만 있는 어른들을 위한 – 계몽. 작업; 2) 평균 교수. M. 약. – 기술 학교(공연 및 강사 교육); 3) 더 높은 – 온실. 개혁과 관련하여. 1926년에 센터가 레닌그라드에 조직되었습니다. 새로운 창의성이 반영된 작업에 얼음 기술 학교. 트렌드 및 음악 검색. 올빼미의 추가 발달에 심각한 영향을 미친 교육학. M. 약. 기술 학교의 교사 중에는 뛰어난 Leningraders가있었습니다. 음악가. 더 높은 M의 역사에서. 약. 중요한 이정표는 Nar 문서였습니다. 소비에트 음악 문화 A의 가장 저명한 인물의 보고서를 기반으로 준비된 교육위원회. B. 골든와이저, M. F. 그네시나, M. 에. 이바노프-보레츠키, L. 에. 니콜라에바 A. 에. Ossovsky 및 기타, – "모스크바 및 레닌그라드 음악원에 대한 규정"(1925). 이 문서는 마침내 음악원의 최고 수준 M. o., 그들의 구조가 확립되었습니다 (과학 작곡가, 공연 및 강사 교육학. f-you) 졸업생의 프로필 및 연수 기간이 결정되어 대학원생 연구소가 설립되었습니다. 선생님과 함께. 20년대 음악학자들도 음악원에서 훈련을 받기 시작했습니다(이전에는 혁명 이전에는 그러한 전문가를 훈련할 기관이 없었습니다). 그러나 더 높은 음악학의 시작. 소비에트 국가에서의 교육 – 1920, Petrograd에서 미술사 연구소에서 음악사 학부가 열렸습니다 (1929 년까지 미술사 전문가 교육 과정의 형태로 존재했습니다). 1927년까지 올빼미의 일반적인 구조를 주문했습니다. M. 약. 후속 변경을 거쳤음에도 불구하고 대부분 완료되었습니다. 그래서 4세 뮤즈. 7년에는 학교를 1933년제 학교로 전환했고, 여러 음악원에 음악 학교를 세웠다. XNUMX년제 학교에서는 음악원의 교수진 시스템이 확장되었습니다(ser. 30s), 음악 및 교육학으로 조직되었습니다. in-you (첫 번째는 1944 Muz.-Pedagogical에서 열렸습니다.

케이 씨. 70년대 조직 시스템 M. 약. 소련에는 흔적이 있습니다. 방법입니다. 가장 낮은 수준은 7세 어린이용 음악입니다. 학교(추가 8학년 – 음악 입문을 준비하는 사람들을 위해. uch-sche), 그 목적은 일반 M을 제공하는 것입니다. 약. 특별 혜택을 받고자 하는 가장 유능한 학생을 식별하십시오. M. 약. 여기에서 공부하는 분야에는 악기 연주(fp., 활, 관악기, 포크), 솔페지오, 음악이 포함됩니다. 졸업장 및 이론, 합창단. 노래와 앙상블. 일반 M의 가장 낮은 수준으로. 약. 십대와 청소년을 위한 야간 학교도 있습니다. 중간 단계 M. 약. 4년을 포함합니다. 기관: 오케스트라, 합창단에서 일하고 어린이 음악을 가르칠 수 있도록 중간 자격을 갖춘 전문 음악가(악기 연주자, 가수, 합창단 지휘자, 이론가)를 훈련시키는 음악 학교. 학교 (가장 영재는 학교를 졸업 한 후 고등 교육 경쟁에 참여합니다. 시설); 음악 교육적. uch-scha, 일반 교육 음악 교사 졸업. 학교와 음악 유치원 지도자. 특정 음악원과 기관에는 11세 스페셜이 있습니다. 음악에 입학을 준비하는 학생들이있는 아이스 스쿨. 대학은 중등 M.을 받습니다. 약. 동시에. 일반 교육 과정을 수강하십시오. 중고등 학교. 최고 레벨 M. 약. 포함: 음악원, 음악 교육. 당신 안에 그리고 당신 안에 예술인(음악 학부와 함께); 그들의 훈련 기간은 5년입니다. 이곳에서 작곡가, 기악 연주자, 가수, 교향악단, 오페라, 합창단 등 최고의 자격을 갖춘 전문가들이 교육을 받습니다. 지휘자, 음악학자 및 음악 감독. t-ditch 최고 수준은 또한 음악적이고 교육적입니다. f-당신은 교육학에서. 인타; 최고의 자격을 갖춘 미래의 음악 교사(방법론자)가 여기에서 일반 교육을 위해 훈련을 받습니다. 학교와 음악 및 교육학 교사. 교육학 분야. 대학 대부분의 음악 학교와 대학에는 학생들이 일을 멈추지 않고 교육을 받는 야간 및 통신 부서가 있습니다. 많은 뮤즈와 함께. 대학 및 n.-and. in-ta 대학원 연구는 과학 준비를 위해 조직되어 있습니다(통신 부서에서 3년 풀타임 및 4년 교육 포함). 음악의 역사와 이론에 대한 대학의 노동자와 교사와 공연. 소송, 음악. 미학, 음악을 가르치는 방법. 학문. 음악 교사-작곡가 및 교사-연주자의 훈련. 고등 교육 기관은 주요 음악원 및 기관에서 조직된 보조 인턴십에서 수행됩니다(풀타임 학습 과정 2, 통신 과정 – 3년). 보급은 음악 교사의 고급 교육 과정을 받았습니다. 권위있는 평균 및 더 높은 뮤즈의 학교, uch-shch 및 고등학교. 세. 시설. 다양한 유형의 뮤즈를 만드는 데 많은 관심을 기울입니다. 국가 공화국의 학교. RSFSR, 벨로루시 및 우크라이나, 발트해 및 Transcaucasia 공화국, 혁명 이전에 있었던 Kazakh, Kirghiz, Tajik, Turkmen 및 Uzbek SSR에서. 시간 뒤로 영역, 뮤즈의 대규모 네트워크를 만들었습니다. 세. 기관. 1975년 현재 소련에는 5234개의 어린이 음악 기관이 있습니다. 학교, 231 음악. 대학, isk-v 대학 10명, 음악교사 12명. 학교, 2 음악. 안무 학교, 20개의 음악원, 8개의 예술 기관, 3개의 음악 및 교육 기관. 인타, 48곡. 교육학에서 f-tov. 인타. 성과 엠. 약. 소련에서도 교육적이라는 사실 때문입니다. 음악 대학에서의 작업은 가장 저명한 작곡가, 연주자, 음악 학자 및 방법론자들에 의해 주도되었고 주도되고 있습니다. 1920-ies 이후. 올빼미 얼음 대학에서 심각한 n.-and를 시작했습니다. 그리고 방법론자. 혁명 이전의 전통적인 내용과 교수법 인 마르크스-레닌주의 조항에 기초한 개정으로 이어진 작업. 음악 이론 및 음악 역사 음악원. 항목뿐만 아니라 새 계정 생성. 학문. 특히, 역사와 연주 이론에 대한 특별 과정은 물론 다양한 악기 연주를 위한 교육 방법도 있습니다. 교육학과 과학의 밀접한 관계. 연구는 수단 창출에 기여했습니다. 교과서의 수와 uch. 올빼미 계획에 포함된 기본 훈련에 대한 혜택.

다른 사회주의 국가에서 M.o. 국유이며, 그 일반적인 구조(음악 교육 기관을 3단계(초등, 중등 및 그 이상)로 구분)는 일반적으로 소련에서 채택된 것과 유사합니다(일부 국가에서는 음악 학자들이 음악 교육 훈련을 받지 않았지만). 기관, 그러나 높은 모피 부츠). 동시에 각 나라에서 엠의 조직에 대해. 몇 가지 특정이 있습니다. 국가의 특성으로 인한 특징. 문화.

헝가리에서는 M.o. 동일한 방법론을 기반으로 합니다. B. Bartok 및 Z. Kodály의 원칙과 헝가리인에 대한 연구가 모든 수준에서 큰 위치를 차지하는 곳. 나르. 1966년 이후의 교육계획은 7세 일반교육이다. 음악적 편견이 있는 학교(및 악기 연주를 선택적으로 학습함) 또는 7세 음악. 아이들이 일반 교육 수업을 들으면서 공부하는 학교. 학교; 다음 단계는 4년제 보조 교수입니다. 학교(일반교육체육관 부속), 음악가가 되려는 사람이 아닌 경우에는 5년제 일반음악교육학교; 음악고등학교. 그들에게 소송을 제기하십시오. F. Liszt (부다페스트) 5년 과정으로 음악가가 모든 전문 분야에서 훈련을 받습니다. 음악학자(음악학과는 1951년에 조직됨)와 음악교사들이 처음 시작되었습니다. 학교 (특수 부서에서 3 년간 공부).

체코슬로바키아에서는 더 높은 뮤즈. 음악 교육학. 어. 프라하, 브르노, 브라티슬라바에 기관이 있습니다. 음악원(중등 음악 교육 기관)과 기타 여러 도시에 있습니다. 음악 교육학에서 중요한 역할. 국가 생활과 음악 방법 개발. 체쉬를 배우기. 그리고 슬로바키아어. 음악 about-va, 다양한 전문 분야의 교사-음악가를 통합합니다.

동독에는 고등 음악 학교가 있습니다. 베를린, 드레스덴, 라이프치히, 바이마르에서의 소송; 베를린과 드레스덴의 학교에는 전문 음악이 포함됩니다. 학교, 음악원(중등 음악 기관) 및 고등 교육이 적절합니다. 기관. 1963년까지 베를린의 고등 음악 학교에서는 노동자-농민 교수진이 기능했습니다.

폴란드 – 7명의 상위 뮤즈. 어. 기관 – Warsaw, Gdansk, Katowice, Krakow, Lodz, Poznan 및 Wroclaw. 그들은 음악가 분해를 준비하고 있습니다. 직업을 포함합니다. 및 사운드 엔지니어(바르샤바 고등 음악 학교의 특별 부서). 음악, 음악의 역사 전문가. 미학 및 민족 지학은 Warsaw Institute of Musicology에서 준비하고 있습니다.

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