레프 니콜라예비치 오보린 |
레프 오보린
레프 니콜라예비치 오보린(Lev Nikolaevich Oborin)은 국제 콩쿠르(바르샤바, 1927, 쇼팽 콩쿠르)에서 소비에트 음악 공연 예술 역사상 첫 번째 우승을 차지한 최초의 소비에트 예술가였다. 각종 음악 대회의 승자가 잇달아 행진하는 요즘, '숫자가 없다'는 새로운 이름과 얼굴이 끊임없이 등장하는 오늘날, 85년 전 오보린이 한 일을 온전히 감상하기 어렵다. 그것은 승리, 센세이션, 위업이었습니다. 발견자는 우주 탐사, 과학, 공공 업무에서 항상 명예로 둘러싸여 있습니다. Oborin은 J. Flier, E. Gilels, J. Zak 및 기타 많은 사람들이 훌륭하게 따랐던 길을 열었습니다. 진지한 창작 경쟁에서 1927등을 하는 것은 항상 어렵습니다. XNUMX년 소련 예술가들과 관련하여 부르주아 폴란드에 만연한 악의의 분위기에서 오보린은 두 배로 어려웠습니다. 그의 승리는 우연이나 다른 무엇 때문이 아니라 오로지 자신과 그의 위대하고 매우 매력적인 재능 덕분이었습니다.
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Oborin은 모스크바의 철도 엔지니어 가정에서 태어났습니다. 소년의 어머니 Nina Viktorovna는 피아노에서 시간을 보내는 것을 좋아했고 그의 아버지 Nikolai Nikolaevich는 훌륭한 음악 애호가였습니다. 때때로 Oborins에서 즉석 콘서트가 준비되었습니다. 손님 중 한 명이 노래를 부르거나 연주했고, 그러한 경우 Nikolai Nikolayevich는 기꺼이 반주자 역할을 했습니다.
미래 피아니스트의 첫 번째 교사는 음악계에서 잘 알려진 Elena Fabianovna Gnesina였습니다. 나중에 음악원에서 Oborin은 Konstantin Nikolaevich Igumnov와 함께 공부했습니다. “그것은 깊고 복잡하고 독특한 자연이었습니다. 어떤 면에서는 독특합니다. 나는 "작사가"든 다른 어떤 것이든 간에 한두 가지 용어나 정의를 사용하여 Igumnov의 예술적 개성을 특징짓는 시도는 일반적으로 실패할 운명이라고 생각합니다. (그리고 단일 녹음과 개별 구두 증언으로만 Igumnov를 알고 있는 음악원의 젊은이들은 때때로 그러한 정의를 따르는 경향이 있습니다.)
사실을 말하자면, – 그의 스승인 오보린에 대한 이야기를 계속해서 – Igumnov는 피아니스트로서 항상 고르지 못했습니다. 아마도 그는 집에서, 사랑하는 사람들의 서클에서 가장 잘 놀았습니다. 여기에서 그는 친숙하고 편안한 환경에서 편안함과 편안함을 느꼈습니다. 그는 영감과 진정한 열정으로 그러한 순간에 음악을 연주했습니다. 또한 집에서 그의 악기에서 모든 것이 항상 그를 위해 "나왔다". 때때로 많은 사람들(학생, 손님 ...)이 모이는 음악원, 교실에서 그는 피아노에서 더 이상 자유롭게 "숨을 쉬지" 않았습니다. 그는 여기에서 꽤 많이 놀았지만 솔직히 말해서 항상 모든 것을 똑같이 잘 성공하지는 못했습니다. Igumnov는 학생과 함께 공부한 작업을 처음부터 끝까지가 아니라 부분적으로 조각(현재 작업 중인 것)으로 보여주곤 했습니다. 일반 대중을 대상으로 한 그의 연설은 이 공연이 어떻게 될지 미리 예측할 수 없었습니다.
놀랍고 잊을 수 없는 클라비라벤드는 첫 음부터 마지막 음까지 영성화되어 음악의 영혼에 가장 미묘한 침투가 특징입니다. 그리고 그들과 함께 고르지 못한 공연이있었습니다. 모든 것은 Konstantin Nikolayevich가 자신의 신경을 통제하고 흥분을 극복했는지 여부에 따라 분, 분위기에 달려 있습니다.
Igumnov와의 접촉은 Oborin의 창의적인 삶에 많은 의미를 주었습니다. 그러나 그들뿐만이 아닙니다. 젊은 음악가는 일반적으로 교사들과 "운이 좋았다"고 말합니다. 그의 음악원 멘토 중에는 Nikolai Yakovlevich Myaskovsky가 있었는데, 그 젊은이에게서 작곡 수업을 받았습니다. Oborin은 전문 작곡가가 될 필요가 없었습니다. 나중의 삶은 단순히 그에게 그러한 기회를 남기지 않았습니다. 그러나 연구 당시의 창의적인 연구는 유명한 피아니스트에게 많은 것을 주었습니다. 그는 이것을 두 번 이상 강조했습니다. 그는 “인생은 그렇게 흘러갔다”고 말했다. 결국 나는 작곡가가 아니라 예술가이자 교사가 됐다. 그러나 지금은 어린 시절을 회상하면서 이러한 작곡 시도가 당시 나에게 얼마나 유익하고 유용했는지 종종 궁금해합니다. 요점은 건반을 '실험'함으로써 피아노의 표현적 특성에 대한 이해가 깊어졌을 뿐만 아니라, 스스로 다양한 질감의 조합을 만들고 연습함으로써 일반적으로 피아니스트로서 발전했다는 것입니다. 그건 그렇고, 나는 많은 공부를 해야 했습니다. 예를 들어 라흐마니노프가 가르치지 않은 것처럼 제 연극을 배우기 위해서가 아니라 저는 할 수 없었습니다.
그러나 중요한 것은 다릅니다. 내 필사본을 제쳐두고 다른 사람의 음악을 맡았을 때 다른 작가의 작품, 이러한 작품의 형식과 구조, 내부 구조 및 사운드 자료의 조직 자체가 왠지 훨씬 더 명확해졌습니다. 나는 복잡한 억양 - 조화 변환의 의미, 멜로디 아이디어의 발전 논리 등을 훨씬 더 의식적으로 탐구하기 시작했음을 알았습니다. 음악을 만드는 것은 연주자인 저를 귀중한 서비스로 만들었습니다.
제 인생에서 한 가지 이상한 사건이 종종 떠오릅니다.”라고 Oborin은 작곡가를 위한 작곡의 이점에 대한 대화를 마무리했습니다. “XNUMX대 초반에 알렉세이 막시모비치 고리키를 방문하라는 초대를 받았습니다. Gorky는 음악을 매우 좋아했고 미묘하게 느꼈습니다. 당연히 주인님의 요청으로 악기 옆에 앉게 되었습니다. 그 다음 나는 많은 경기를 했고, 대단한 열정을 가지고 있었던 것 같다. Aleksey Maksimovich는 그의 손바닥에 턱을 대고 주의 깊게 들었고 그의 지적이고 친절한 눈을 나에게서 결코 떼지 않았습니다. 뜻밖에도 그는 이렇게 물었습니다. "Lev Nikolaevich, 직접 작곡을 해보는 건 어때요?" 아니요. 예전에는 좋아했지만 지금은 시간이 없습니다. 여행, 콘서트, 학생 ... "유감입니다. 유감입니다."라고 Gorky는 말합니다. 본질적으로 그것은 보호되어야 합니다. 그것은 엄청난 가치입니다. 네, 그리고 연주에 있어서는 아마 많은 도움이 될 것 같아요.. "젊은 뮤지션인 저 역시 이 말에 깊은 감명을 받았던 기억이 납니다. 아무 말도 하지 마세요 – 현명하게! 그는 음악과는 거리가 먼 사람으로서 문제의 본질을 너무나 빠르고 정확하게 파악했다. 연주자-작곡가".
Gorky와의 만남은 XNUMX 및 XNUMX에서 Oborin에게 닥친 많은 흥미로운 만남과 지인 시리즈 중 하나에 불과했습니다. 그 당시 그는 Shostakovich, Prokofiev, Shebalin, Khachaturian, Sofronitsky, Kozlovsky와 긴밀한 접촉을했습니다. 그는 Meyerhold, "MKhAT", 특히 Moskvin과 같은 극장 세계에 가까웠습니다. 위에 언급된 몇몇 사람들과 그는 강한 우정을 가졌습니다. 그 후 오보린이 명인이 되면 찬사를 쏟아 붓는다. 내부 문화, 그의 게임에는 변함없이 내재되어 있으며 그에게서 인생과 무대에서 지성의 매력을 느낄 수 있습니다. Oborin은 가족, 교사, 동료 학생들과 같이 행복하게 형성된 젊음 덕분에 이것을 빚지고 있습니다. 한 번은 대화에서 그는 어린 시절에 훌륭한 "영양 환경"을 가졌다고 말했습니다.
1926년 오보린은 모스크바 음악원을 훌륭하게 졸업했습니다. 그의 이름은 음악원의 작은 홀(Small Hall of the Conservatory) 로비를 장식하는 유명한 대리석 명예 보드(Board of Honor)에 금색으로 새겨져 있습니다. 이것은 봄에 일어났고 같은 해 XNUMX월에 모스크바에서 바르샤바에서 열린 제XNUMX회 쇼팽 국제 피아노 콩쿠르에 대한 안내서가 접수되었습니다. 소련의 음악가들이 초청되었습니다. 문제는 대회를 준비할 시간이 거의 남지 않았다는 점이었다. "대회가 시작되기 XNUMX주 전에 Igumnov는 나에게 대회 프로그램을 보여주었습니다."라고 Oborin은 나중에 회상했습니다. “제 레퍼토리에는 필수 대회 프로그램의 약 XNUMX분의 XNUMX이 포함되었습니다. 그런 상황에서 훈련하는 것은 무의미해 보였습니다.” 그럼에도 불구하고 그는 준비하기 시작했습니다. Igumnov는 그 당시 가장 권위있는 음악가 중 한 명인 BL Yavorsky를 주장했으며 그의 의견은 Oborin이 최고 수준으로 고려했습니다. Yavorsky는 Oborin에게 "정말 원한다면 말할 수 있습니다."라고 말했습니다. 그리고 그는 믿었습니다.
바르샤바에서 Oborin은 자신을 매우 잘 보여주었습니다. 그는 만장일치로 1927등상을 수상했습니다. 외국 언론은 놀라움을 숨기지 않고 (이미 위에서 말했듯이 XNUMX 년이었습니다) 소비에트 음악가의 공연에 대해 열광적으로 말했습니다. 유명한 폴란드 작곡가 Karol Szymanowski는 Oborin의 연주를 평가하면서 세계 여러 나라의 신문이 한 번에 우회한 말을 했습니다. “현상! 그를 숭배하는 것은 죄가 아닙니다. 왜냐하면 그는 아름다움을 창조하기 때문입니다.
바르샤바에서 돌아온 오보린은 활발한 콘서트 활동을 시작합니다. 그의 투어 지역이 확장되고 공연 횟수가 증가하고 있습니다(구성을 포기해야 합니다. 시간이나 에너지가 충분하지 않음). Oborin의 콘서트 작업은 특히 전후 몇 년 동안 널리 발전했습니다. 그는 소련 외에도 미국, 프랑스, 벨기에, 영국, 일본 및 기타 여러 국가에서 연주합니다. 질병만이 이 쉬지 않고 빠른 여행 흐름을 방해합니다.
… XNUMX대의 피아니스트를 기억하는 사람들은 그의 연주가 지닌 보기 드문 매력에 대해 만장일치로 이야기합니다. 예술적이지 않고 젊음이 넘치는 신선함과 즉각적인 감정이 있습니다. IS Kozlovsky는 젊은 Oborin에 대해 이야기하면서 "서정성, 매력, 인간의 따뜻함, 일종의 광채"에 충격을 받았다고 씁니다. "빛"이라는 단어는 여기에서 주목을받습니다. 표현력 있고 그림 같으며 비유적이며 음악가의 모습을 많이 이해하는 데 도움이됩니다.
그리고 그 안에 또 하나의 뇌물이 있습니다. 단순함입니다. 아마도 Igumnov 학교가 영향을 미쳤을 것입니다. 아마도 Oborin의 본성의 특징, 그의 성격 구성(대부분 둘 다)일 것입니다. 오직 그에게는 예술가로서 놀라운 선명도, 가벼움, 완전성, 내적 조화가 있었습니다. 이것은 일반 대중과 피아니스트의 동료들에게 거의 거부할 수 없는 인상을 남겼습니다. 피아니스트인 Oborin에서 그들은 러시아 예술의 멀고도 영광스러운 전통으로 돌아가는 무언가를 느꼈습니다. 그들은 그의 콘서트 연주 스타일에 많은 영향을 미쳤습니다.
프로그램의 큰 자리는 러시아 작가의 작품이 차지했습니다. 그는 The Four Seasons, Dumka 및 Tchaikovsky의 피아노 협주곡 70번을 훌륭하게 연주했습니다. 무소르그스키의 전시회에서의 그림과 라흐마니노프의 작품인 피아노 협주곡 XNUMX, XNUMX, 전주곡, 에튀드-그림, 음악적 순간을 종종 들을 수 있습니다. Oborin의 레퍼토리 중 이 부분과 Borodin의 "Little Suite", Lyadov의 Glinka 주제에 의한 변주곡, 피아노와 관현악을 위한 협주곡 Op. XNUMX A. 루빈스타인. 그는 성격, 외모, 태도, 예술적 취향 및 애정에서 진정한 러시아인의 예술가였습니다. 그의 작품에서 이 모든 것을 느끼지 않는 것은 불가능했습니다.
그리고 오보린의 레퍼토리 쇼팽에 대해 이야기할 때 한 명의 작가를 더 언급해야 합니다. 그는 무대의 첫 발을 디딜 때부터 생을 마감할 때까지 그의 음악을 연주했습니다. 그는 자신의 기사 중 하나에서 이렇게 썼습니다. "피아니스트가 쇼팽에게 느끼는 기쁨은 결코 나를 떠나지 않습니다." 에튀드, 전주곡, 왈츠, 녹턴, 마주르카, 소나타, 협주곡 등 오보린이 쇼팽 프로그램에서 연주한 모든 것을 기억하는 것은 어렵습니다. 열거하기 어렵다 그 그가 연주했는데, 오늘 공연을 하기가 더 어렵습니다. as 그는 해냈다. J. Flier는 “그의 쇼팽 – 수정처럼 맑고 밝음 – 모든 청중을 단절 없이 사로잡았습니다.”라고 감탄했습니다. 물론 오보린이 위대한 폴란드 작곡가를 기리는 대회에서 생애 처음이자 가장 위대한 창조적 승리를 경험한 것은 우연이 아닙니다.
… 1953년 듀엣 오보린-오이스트라흐의 첫 공연이 열렸다. 몇 년 후 Oborin – Oistrakh – Knushevitsky의 트리오가 탄생했습니다. 이후 오보린은 솔로이스트는 물론 최고의 앙상블 연주자로도 음악계에 이름을 알렸다. 그는 어린 시절부터 실내악을 사랑했습니다(미래의 파트너를 만나기 전에도 그는 D. Tsyganov와 듀엣으로 연주했으며 베토벤 1962중주와 함께 연주했습니다). 실제로 Oborin의 예술적 성격의 일부 특징(연주 유연성, 감수성, 창의적 접촉을 신속하게 구축하는 능력, 문체의 다재다능함)은 그를 듀엣과 트리오의 필수 멤버로 만들었습니다. Oborin, Oistrakh 및 Knushevitsky의 설명에 따르면 고전, 낭만주의, 현대 작가의 작품과 같은 엄청난 양의 음악이 그들에 의해 재생되었습니다. 그들의 절정에 대해 이야기하자면 오보린과 크누셰비츠키가 해석한 라흐마니노프 첼로 소나타와 오보린과 오이스트라흐가 동시에 연주한 바이올린과 피아노를 위한 XNUMX개의 베토벤 소나타를 빼놓을 수 없습니다. 이 소나타는 특히 XNUMX년 유명한 프랑스 레코드 회사에서 소련 예술가들을 초청한 파리에서 공연되었습니다. 한 달 반 만에 그들은 자신의 공연을 기록으로 남겼고 일련의 콘서트에서 그를 프랑스 대중에게 소개했습니다. 걸출한 듀오에게는 힘든 시간이었습니다. "우리는 정말 열심히 일했습니다." DF Oistrakh는 나중에 말했습니다. 베토벤의 음악으로 돌아가서, 나는 소나타의 일반 계획을 다시 한 번 재고하고 싶었고(중요합니다!) 모든 세부 사항을 재현하고 싶었습니다. 하지만 우리 콘서트를 찾은 관객들이 우리보다 더 큰 기쁨을 느꼈을 것 같지는 않다. 우리는 매일 저녁 무대에서 소나타를 연주할 때를 즐겼고, 이를 위한 모든 조건이 만들어진 스튜디오의 고요함 속에서 음악을 들으면서 무한히 행복했습니다.”
다른 모든 것과 함께 Oborin도 가르쳤습니다. 1931년부터 생의 마지막 날까지 그는 모스크바 음악원에서 붐비는 수업을 이끌었습니다. 그는 XNUMX명이 넘는 학생을 키웠고 그 중 많은 유명한 피아니스트가 거명될 수 있었습니다. 일반적으로 Oborin은 적극적으로 여행했습니다. 국가의 여러 도시를 여행하고 해외에서 오랜 시간을 보냈습니다. 그의 학생들과의 만남이 너무 빈번하지도 않았고, 항상 체계적이고 규칙적이지도 않았습니다. 물론 이것은 그의 수업에 어떤 흔적을 남길 수 밖에 없었습니다. 여기에서는 매일의 세심한 교육적 관리에 의존할 필요가 없었습니다. 많은 것들에 대해 "Oborints"는 스스로 알아내야 했습니다. 그러한 교육 상황에는 분명히 장점과 단점이 있습니다. 그것은 지금 다른 것에 관한 것입니다. 어쩐지 특히 선생님과 자주 만나는 높이 평가 그의 애완 동물 – 그것이 내가 강조하고 싶은 것입니다. 그들은 아마도 다른 교수들의 수업보다 더 가치가 있었습니다. Oborin과의 이러한 회의 수업은 이벤트였습니다. 특별한 주의를 기울여 그들을 위해 준비하고 그들을 기다렸습니다. 거의 휴가처럼 일어났습니다. Lev Nikolayevich의 학생이 학생의 저녁 시간에 음악원의 작은 홀에서 연주하거나 교사가 부재 중에 배운 새 곡을 연주하는 데 근본적인 차이가 있는지 여부를 말하기는 어렵습니다. 고조된 이 느낌 Liability 교실에서의 쇼 전에 Oborin이 있는 수업에서 일종의 자극제였습니다. 강력하고 매우 구체적이었습니다. 그는 교수와의 관계에서 와드의 심리학 및 교육 작업에서 많은 것을 결정했습니다.
교육의 성공을 판단할 수 있고 판단해야 하는 주요 매개변수 중 하나는 권위 교사, 학생이 보기에 그의 직업적 명성, 학생에 대한 정서적, 의지적 영향의 정도. 수업에서 오보린의 권위는 의심할 여지 없이 높았고 젊은 피아니스트에 대한 그의 영향력은 매우 강력했습니다. 이것만으로도 그를 주요 교육적 인물이라고 말하기에 충분했습니다. 그와 밀접하게 의사 소통하는 사람들은 Lev Nikolaevich가 떨어 뜨린 몇 마디가 다른 가장 장엄하고 화려한 연설보다 때로는 더 무겁고 의미있는 것으로 판명되었음을 기억합니다.
긴 교육학적 독백보다 일반적으로 몇 마디가 오보린에게 더 바람직했습니다. 지나치게 사교적이기보다는 약간 폐쇄적이었고, 그는 항상 다소 간결하고 말에 인색했습니다. 온갖 종류의 문학적 탈선, 유추와 유사, 다채로운 비교와 시적 은유 - 이 모든 것은 그의 수업에서 규칙이 아니라 예외였습니다. 음악 자체에 대해 - 음악의 성격, 이미지, 이데올로기 및 예술적 내용 -에 대해 그는 매우 간결하고 정확하며 엄격한 표현을 사용했습니다. 그의 진술에는 불필요하고 선택적인 것이 전혀 없었습니다. 특별한 종류의 웅변이 있습니다. 적절한 것만 말하고 그 이상은 말하지 않습니다. 그런 의미에서 오보린은 정말 웅변적이었다.
Lev Nikolaevich는 공연 XNUMX~XNUMX일 전 그의 반의 곧 학생인 리허설에서 특히 짧았습니다. 그는 한 번 말했습니다. “학생의 방향 감각을 흐트러뜨리는 것이 두렵습니다. 적어도 어떤 식으로든 확립된 개념에 대한 믿음을 흔들기 위해, 활기찬 공연 느낌을 두려워하는 것이 두렵습니다. 제 생각에는 콘서트 전 시간에 선생님은 젊은 음악가를 계속 가르치거나 가르치지 않고 그냥 응원해주고 격려해주는 게 제일 좋은 것 같아요...”
또 다른 특징적인 순간. 항상 구체적이고 목적이 있는 Oborin의 교육적 지침과 발언은 일반적으로 다음과 관련된 내용을 다루었습니다. 실용적인 피아니스트 쪽. 성능 그대로. 예를 들어, 이 어려운 곳을 어떻게 플레이하고 가능한 한 단순화하여 기술적으로 더 쉽게 만들 수 있습니까? 여기에 가장 적합한 운지법은 무엇입니까? 손가락, 손 및 몸의 위치가 가장 편리하고 적절할 것입니다. 어떤 촉각 감각이 원하는 소리로 이어질 것인지 등 – 이러한 질문과 유사한 질문은 Oborin의 수업에서 가장 자주 등장하여 특별한 구성성과 풍부한 "기술적" 내용을 결정합니다.
Oborin이 말한 모든 것이 피아니스트 "공예"의 가장 은밀한 비밀에 대한 지식을 기반으로 하는 방대한 전문 연주 경험에 의해 일종의 금 보유량으로 "제공"된다는 것은 학생들에게 매우 중요했습니다.
콘서트홀에서 미래의 소리를 기대하며 어떻게 연주해야 할까요? 이와 관련하여 사운드 생성, 뉘앙스, 페달링 등을 수정하는 방법은 무엇입니까? 이러한 종류의 조언과 권장 사항은 여러 번 마스터로부터 왔으며 가장 중요한 것은 개인적으로 실제로 모든 것을 테스트한 사람입니다. 오보린의 집에서 한 수업에서 그의 제자 중 한 명이 쇼팽의 XNUMX번 발라드를 연주한 경우가 있었습니다. 레프 니콜라예비치(Lev Nikolayevich)는 평소와 같이 처음부터 끝까지 작업을 들으며 "글쎄요, 나쁘지 않습니다."라고 요약했습니다. “하지만 이 음악은 너무 방이 좁아서 '방 같다'고 말하기도 합니다. 그리고 스몰홀에서 공연을 하게 되는데... 잊었나요? 다시 시작하고 이것을 고려하십시오 ... "
그런데 이 에피소드는 학생들에게 반복적으로 되풀이되는 Oborin의 지시 중 하나를 생각나게 합니다. 무대에서 연주하는 피아니스트는 명확하고 이해하기 쉬우며 매우 명료한 “견책” – “잘 배치된 연주 딕션”이 있어야 합니다. Lev Nikolayevich가 수업 중 하나에 넣은 것처럼. 그래서 그는 리허설에서 종종 “더 크게, 더 크게, 더 명확하게”라고 요구했습니다. “연단에서 연설하는 연사는 대담자와 직접 대면하는 것과 다르게 말할 것입니다. 공공장소에서 연주하는 콘서트 피아니스트도 마찬가지입니다. 가판대의 첫 번째 줄뿐만 아니라 전체 홀에서 들어야 합니다.
아마도 Oborin의 무기고에서 가장 강력한 도구는 오랫동안 교사였습니다. 표시 (그림) 악기에; 최근에는 병으로 인해 Lev Nikolaevich가 피아노에 덜 자주 접근하기 시작했습니다. '작동' 우선 순위, 효율성 면에서 표현 방식이 구두 설명 방식보다 뛰어났다고 할 수 있습니다. 그리고 키보드에서 하나 또는 다른 연주 기술의 특정 데모가 사운드, 기술, 페달링 등에 대한 작업에서 "Oborints"가 도움이 된 것은 아닙니다. 쇼-실습의 라이브 및 가까운 예인 교사의 그림- 이 모든 것이 더 중요한 것입니다. 두 번째 악기에서 Lev Nikolaevich 연주 영감 이전에 알려지지 않은 피아니즘의 새로운 지평과 관점을 개척한 음악적 청년들은 대규모 콘서트 무대의 짜릿한 향기를 들이마실 수 있었습니다. 이 게임은 때때로 "white envy"와 유사한 것을 깨웠습니다. 결국 as и 그 피아노로 할 수 있습니다… Oborinsky 피아노로 하나 또는 다른 작품을 보여주는 것은 학생이 연주하기 가장 어려운 상황을 명확하게 해주었고, 가장 복잡한 "고르디안 매듭"을 잘라냈습니다. 그의 스승인 훌륭한 헝가리 바이올리니스트 J. Joachim에 대한 Leopold Auer의 회고록에는 다음과 같은 구절이 있습니다. so!” 안심하는 미소와 함께." (Auer L. 나의 바이올린 연주 학교. – M., 1965. S. 38-39.). 비슷한 장면이 오보린스키 수업에서 자주 발생했습니다. 일부 피아니스트적으로 복잡한 에피소드가 연주되고 "표준"이 표시되고 두세 단어의 요약이 추가되었습니다. "내 생각에는 그래서 ..."
… 그렇다면 오보린은 궁극적으로 무엇을 가르쳤을까요? 그의 교육학적 "신조"는 무엇이었습니까? 그의 창작 활동의 초점은 무엇이었습니까?
Oborin은 그의 학생들에게 음악의 비유적이고 시적인 내용을 진실하고 현실적이며 심리학적으로 설득력 있게 전달하도록 소개했습니다. 이것은 그의 가르침의 알파와 오메가였습니다. Lev Nikolayevich는 수업에서 여러 가지에 대해 이야기할 수 있었지만 이 모든 것이 결국 한 가지로 이어졌습니다. 학생이 작곡가 의도의 가장 깊은 본질을 이해하도록 돕고, 마음과 마음으로 깨닫고, "공동 저자 ”를 통해 자신의 아이디어를 최대한의 확신과 설득력으로 구현합니다. “연주가 작가를 더 완전하고 더 깊이 이해할수록 미래에는 출연자 자신을 믿게 될 가능성이 커집니다.
글쎄, 저자를 이해하기 위해 - 여기에서 Lev Nikolayevich는 Igumnov와 함께 그를 키운 학교와 완전히 동의했습니다 - Oborinsky 수업에서 가능한 한 신중하게 작품의 텍스트를 해독하고 완전히 "소진"하고 음악적 기보법의 주요 내용뿐만 아니라 그 안에 고정되어 있는 작곡가의 생각의 가장 미묘한 뉘앙스를 드러내는 바닥. “음악 종이에 표지판으로 묘사된 음악은 잠자는 숲속의 미녀입니다. 여전히 환멸을 느낄 필요가 있습니다.”라고 그는 한 번 학생 서클에서 말했습니다. 텍스트의 정확성에 관한 한, Lev Nikolayevich의 제자에 대한 요구 사항은 현학적인 것은 말할 것도 없고 가장 엄격했습니다. 적절한 철저함과 정확성 없이 "일반적으로" 급하게 수행된 게임에서 대략적인 것은 하나도 용서되지 않았습니다. "최고의 연주자는 텍스트를 보다 명확하고 논리적으로 전달하는 사람입니다." 이 단어(L. Godovsky에 기인함)는 많은 Oborin의 교훈에 대한 훌륭한 서문 역할을 할 수 있습니다. 작가에 대한 모든 죄는 정신뿐만 아니라 번역 된 작품의 글자에 대한 모든 죄가 여기에서 공연자의 나쁜 매너로 충격적인 것으로 간주되었습니다. 그의 모든 모습으로 Lev Nikolaevich는 그러한 상황에서 극도의 불쾌감을 표명했습니다 ...
겉보기에 중요하지 않은 질감의 디테일, 숨겨진 메아리, 흐릿한 음표 등은 그의 전문적인 예리한 눈을 벗어나지 않았습니다. 청각 주의로 강조 표시 모든 и 모든 Oborin은 해석된 작업에서 본질은 주어진 작업을 "인정"하고 이해하는 것이라고 가르쳤습니다. "음악가에게 듣다 - 수단 이해", - 그는 수업 중 하나에 빠졌습니다.
그가 젊은 피아니스트들의 개성과 창조적 독립성의 표현을 높이 평가했다는 것은 의심의 여지가 없지만, 이러한 자질들이 객관적인 규칙성 음악 작곡.
따라서 학생 게임에 대한 Lev Nikolaevich의 요구 사항이 결정되었습니다. 엄격한 순수주의적 취향의 음악가, XNUMX~XNUMX년대에는 다소 학문적이었던 그는 연주의 주관주의적 자의성에 단호히 반대했다. 그의 젊은 동료들의 해석에서 지나치게 눈에 띄는 것은 이상하다고 주장하고 외부 독창성에 충격을 주었다. 편견과 경계가없는 것은 아니었다. 그래서 Oborin은 예술적 창의성의 문제에 대해 이야기하면서 A. Kramskoy를 회상하며 "첫 단계부터 예술의 독창성은 항상 다소 의심스럽고 넓고 다재다능한 재능보다 오히려 협소함과 한계를 나타냅니다. 태초에 깊고 예민한 본성은 이전에 잘해 온 모든 것에 끌리지 않을 수 없다. 그러한 본성은 모방합니다 ... "
다시 말해서, Oborin이 그들의 게임에서 듣고 싶어하는 그의 학생들로부터 추구한 것은 단순, 겸손, 자연, 성실, 시적 측면에서 특징지어질 수 있습니다. 영적인 고양, 음악을 만드는 과정에서 다소 과장된 표현 – 이 모든 것이 일반적으로 Lev Nikolayevich를 괴롭혔습니다. 그는 인생과 무대, 악기 모두에서 말했듯이 억제되고 감정이 균형을 잡았습니다. 다른 피아니스트들의 연주에서도 거의 같은 감정적 "정도"가 그에게 어필했습니다. (어쩐지 어느 데뷔작가의 너무 변덕스러운 플레이를 들으며 안톤 루빈스타인의 말을 떠올렸다. 감정이 많으면 안 된다, 감정은 적당히 있어야만, 많으면 그래야 한다. is false …) 감정 표현의 일관성과 정확성, 시학의 내적 조화, 기술적 실행의 완벽함, 문체의 정확성, 엄격함과 순수성 - 이들 및 유사한 성능 특성은 항상 Oborin을 승인하는 반응을 불러일으켰습니다.
그가 수업에서 배운 것은 우아하고 섬세한 음악 전문 교육으로 정의할 수 있으며, 학생들에게 흠잡을 데 없는 연주 매너를 심어줍니다. 동시에 오보린은 “선생님이 아무리 지식이 풍부하고 경험이 많다고 해서 학생을 타고난 것보다 더 재능 있는 학생으로 만들 수는 없다. 여기에서 무엇을 하든, 어떤 교육적 트릭을 사용하든 그것은 작동하지 않을 것입니다. 젊은 음악가는 진정한 재능을 가지고 있습니다. 조만간 자신을 알리고 폭발할 것입니다. 아니요, 여기에 도움이 될 것이 없습니다. 아무리 규모가 크더라도 젊은 인재 아래에는 전문성의 확고한 기반을 마련하는 것이 항상 필요하다는 것은 또 다른 문제입니다. 그에게 음악에서의 좋은 행동 규범을 소개합니다(음악뿐만 아니라). 이미 교사의 직접적인 의무와 의무가 있다.
사물에 대한 그러한 관점에는 위대한 지혜, 교사가 할 수 있는 일과 통제할 수 없는 일에 대한 침착하고 냉정한 인식이 있었습니다. …
Oborin은 영감을 주는 본보기로 수년 동안 그의 젊은 동료들에게 높은 예술적 모델로 봉사했습니다. 그들은 그의 예술에서 배우고 그를 모방했습니다. 반복하자면, 바르샤바에서의 그의 승리는 나중에 그를 따랐던 많은 사람들을 감동시켰습니다. 오보린의 개인적인 매력과 순수한 인간적 특성이 아니었다면, 오보린이 소비에트 피아니즘에서 이처럼 주도적이고 근본적으로 중요한 역할을 했을 것 같지는 않습니다.
이것은 항상 전문 분야에서 상당한 중요성을 부여합니다. 따라서 많은 측면에서 예술가에 대한 태도와 그의 활동에 대한 대중의 공명. 야는 “화가 오보린과 남자 오보린 사이에는 모순이 없었다. 그를 잘 알던 I. Zak. “그는 매우 조화로운 사람이었습니다. 예술에 정직한 그는 인생에서 흠잡을 데 없이 정직했습니다... 그는 항상 친절하고 자비롭고 진실하고 성실했습니다. 그는 미학적 원리와 윤리적 원리가 결합된 보기 드문 사람이었고, 높은 예술성과 가장 깊은 품위가 결합된 사람이었습니다. (Zak Ya. 밝은 재능 / / LN Oborin : 기사. 회고록. – M., 1977. P. 121.).
G. 치핀
