요한 세바스티안 바흐 |

요한 제바스티안 바흐

바흐는 새롭거나 오래된 것이 아니며 훨씬 더 많은 것입니다. 그것은 영원합니다 ... R. 슈만

1520년은 Bachs의 오래된 burgher 가족의 분기 계보 나무의 뿌리를 표시합니다. 독일에서 "바흐"와 "음악가"라는 단어는 수세기 동안 동의어였습니다. 그러나 에서만 다섯 번째 “그들 가운데서 … 한 사람이 나타났습니다. 그의 영광스러운 예술이 너무나 밝은 빛을 발하여 이 빛의 반사가 그들에게 떨어졌습니다. 그의 가족과 조국의 아름다움과 긍지를 지닌 요한 세바스티안 바흐는 누구와도 달리 바로 음악 예술의 후원을 받은 사람이었습니다. 1802년에 이렇게 썼습니다. 최초의 전기 작가이자 새로운 세기의 여명기에 작곡가의 진정한 감정가 중 한 사람인 I. Forkel은 바흐의 시대를 위해 그가 죽은 직후 위대한 선창가에게 작별을 고했습니다. 하지만 '음악의 예술' 중 택한 자의 삶 속에서도 택한 자를 운명이라 부르기는 어려웠다. 외견상 바흐의 전기는 1521~22세기 초 독일 음악가의 전기와 다르지 않습니다. 바흐는 중세 시대에 전설에 따르면 민네상의 색이 수렴하고 XNUMX-XNUMX에서 수렴 된 전설적인 Wartburg 성 근처에 위치한 Eisenach의 작은 Thuringian 마을에서 태어났습니다. M. Luther의 말이 들렸습니다. Wartburg에서 위대한 개혁가는 성경을 조국의 언어로 번역했습니다.

JS 바흐는 신동이 아니었지만 어린 시절부터 음악적 환경에서 매우 철저한 교육을 받았습니다. 첫째, 그의 형 JK Bach와 학교 성악가 J. Arnold와 E. Herda의 지도하에 Ohrdruf에서(1696-99), 그 다음에는 Lüneburg의 St. Michael's Church에서 학교에서(1700-02). 17세에 하프시코드, 바이올린, 비올라, 오르간을 소유하고 합창단에서 노래를 불렀고, 목소리가 변한 후에는 반장(칸토어의 조수)으로 활동했다. 바흐는 어릴 때부터 오르간 분야에서 자신의 소명을 느꼈고 J. Pachelbel, J. Lewe, G. Boehm, J. Reinken과 같은 중세 및 북부 독일의 거장들과 함께 지칠 줄 모르고 공부한 오르간 즉흥 연주의 예술을 배웠습니다. 그의 작곡 능력의 기초. 여기에 유럽 음악에 대한 폭넓은 지식이 추가되어야 합니다. 바흐는 첼레에서 프랑스 취향으로 유명한 궁정 예배당의 콘서트에 참여했으며 학교 도서관에 보관되어 있는 풍부한 이탈리아 거장 컬렉션에 접근할 수 있었고 마지막으로 반복적으로 방문하는 동안 함부르크로 가서 현지 오페라를 접할 수 있었습니다.

1702년에 교육을 받은 음악가가 Michaelschule의 벽에서 나왔지만 Bach는 평생 동안 직업적 지평을 넓히는 데 도움이 될 수 있는 모든 것을 "모방"하는 배움에 대한 취향을 잃지 않았습니다. 개선을 위한 끊임없는 노력은 당시의 전통에 따라 교회, 도시 또는 법원과 관련된 그의 음악 경력을 표시했습니다. 이 공석을 제공한 우연이 아니라 확고하고 끈기 있게 그는 오르가니스트(Arnstadt and Mühlhausen, 1703-08)에서 연주자(Weimar, 170817), 밴드마스터(Keten, 171723)에 이르는 음악적 계층의 다음 단계로 올라갔습니다. ), 마지막으로 선창가이자 음악 감독(라이프치히, 1723-50). 동시에 현역 음악가인 바흐 다음으로 바흐 작곡가는 자신의 창조적 충동과 성취에 주어진 구체적인 과제의 한계를 훨씬 뛰어넘어 성장하고 힘을 얻었습니다. Arnstadt 오르가니스트는 “커뮤니티를 당황하게 만든 … 이것의 예는 33세기의 첫 1985년으로 거슬러 올라갑니다. 1705년 합창곡은 작곡가이자 이론가인 GA Sorge뿐만 아니라 Lutheran 오르간 연주자 Tsakhov의 전형적인(크리스마스부터 부활절까지) 작업 컬렉션의 일부로 최근(06년) 발견되었습니다. 훨씬 더 큰 범위에서 이러한 비난은 Arnstadt에서 이미 그 개념이 형성되기 시작한 Bach의 초기 오르간 주기에 적용될 수 있습니다. 특히 XNUMX-XNUMX의 겨울에 방문한 후. D. Buxtehude(유명한 작곡가이자 오르간 연주자는 Marienkirche에 자리를 잡는 것과 함께 그의 외동딸과 결혼할 준비가 된 후계자를 찾고 있었습니다)의 부름에 따라 뤼베크에 갔습니다. 바흐는 뤼베크에 머물지 않았지만 북스테후데와의 의사 소통은 그의 모든 후속 작업에 중요한 흔적을 남겼습니다.

1707년 바흐는 생 블레즈 교회의 오르간 연주자가 되기 위해 뮐하우젠으로 이사했다. Arnstadt보다 약간 더 큰 기회를 제공했지만 Bach 자신의 말에 따르면 "정규 교회 음악을 연주하고 일반적으로 가능하다면 ... 거의 힘을 얻고 있는 교회 음악의 발전에 기여하기에는 분명히 불충분한 분야 모든 곳에서 ... 우수한 교회 저작물의 광범위한 레퍼토리(사임서는 25년 1708월 XNUMX일 Mühlhausen 시의 치안 판사에게 발송됨). 이러한 의도를 바흐는 바이마르의 작센-바이마르 공작 에른스트의 궁정에서 수행할 것입니다. 그곳에서 그는 성 교회와 예배당에서 다양한 활동을 기다리고 있었습니다. 바이마르에서는 오르간 구의 첫 번째이자 가장 중요한 특징이 그려졌습니다. 정확한 날짜는 보존되지 않았지만 D단조의 토카타와 푸가, C단조와 F단조의 전주곡과 푸가, C장조의 토카타, C단조의 파사칼리아, 그리고 "초보자 오르가니스트에게 다양한 방법으로 코랄을 지휘하는 방법을 알려주는" 유명한 "오르간 소책자"도 있습니다. "즉흥 연주의 불사조"뿐만 아니라 "최고의 감정가이자 조언자, 특히 성향과 오르간의 구성 면에서" 바흐의 명성은 널리 퍼졌습니다. 따라서 바이마르 시대에는 전설로 무성한 상대와 만나기 전에 "전장"을 떠난 유명한 프랑스 오르간 연주자이자 하프시코드 연주자 L. Marchand와의 실패한 경쟁이 포함됩니다.

1714년 부교장으로 임명되면서 바흐는 계약 조건에 따라 매달 공급해야 하는 "정규 교회 음악"의 꿈이 실현되었습니다. 주로 합성 텍스트 기반(성경 속담, 합창 연, 자유, "마드리갈" 시)과 해당 음악 구성 요소(오케스트라 도입, "건조한" 및 반주 레시타티브, 아리아, 코랄)가 있는 새로운 칸타타의 장르입니다. 그러나 각 칸타타의 구조는 고정 관념과 거리가 멀다. BWV {Bach-Werke-Verzeichnis (BWV) – JS Bach의 작품 주제 목록} 11, 12, 21과 같은 초기 보컬 및 악기 창의성의 진주를 비교하는 것으로 충분합니다. 바흐는 "축적된 레퍼토리"를 잊지 않았습니다. 다른 작곡가들의 예를 들어, 그러한 것들은 바이마르 시대의 바흐 사본에 보존되어 있으며, 아마도 알려지지 않은 작가의 루크를 위한 수난(오랫동안 바흐에게 잘못 귀속됨)과 R. 카이저의 마가를 위한 수난의 공연을 위해 준비되었을 가능성이 큽니다. 이 장르에서 자신의 작품의 모델이되었습니다.

덜 활동적인 바흐는 kammermusikus와 연주자입니다. 바이마르 궁정의 강렬한 음악 생활 속에서 그는 유럽 음악을 널리 알 수 있었습니다. A. 비발디의 협주곡 오르간 편곡, A. 마르첼로, T. 알비노니 등의 클라비에 편곡에서 알 수 있듯이 바흐와의 인연은 창의적이었습니다.

바이마르 시대는 또한 솔로 바이올린 소나타와 모음곡 장르에 대한 첫 번째 호소력이 특징입니다. 이 모든 기악 실험은 새로운 영역에서 훌륭하게 구현되었음을 발견했습니다. 1717년에 Bach는 Keten에 초대되어 Anhalt-Keten의 Grand Ducal Kapellmeister 직책에 초대되었습니다. 열정적인 음악 애호가이자 하프시코드, 감바를 연주하고 좋은 목소리를 가진 음악가인 안할트 케텐의 레오폴드 왕자 덕분에 이곳에서 매우 호의적인 음악적 분위기가 지배되었습니다. 왕자의 노래와 연주를 동반하는 임무, 무엇보다 15~18명의 숙련된 오케스트라 단원으로 구성된 우수한 예배당의 지휘를 맡은 바흐의 창작적 관심은 자연스럽게 기악 영역으로 옮겨갔다. 독주, 6개의 브란덴부르크 협주곡, 관현악 모음곡, 독주 바이올린 및 첼로 소나타를 포함한 대부분 바이올린 및 관현악 협주곡. 이것은 Keten "수확"의 불완전한 등록입니다.

Keten에서 마스터의 작업에서 또 다른 라인이 열립니다(또는 "오르간 북"을 의미하는 경우 계속됨): 교육 목적을 위한 작곡, 바흐의 언어로, "학습을 위해 노력하는 음악적 청소년의 이익과 사용을 위해". 이 시리즈의 첫 번째는 Wilhelm Friedemann Bach의 Music Notebook(1720년에 장남이자 장래의 유명 작곡가인 그의 아버지가 가장 좋아하는 것을 위해 시작됨)입니다. 여기에는 춤 미니어처와 합창 편곡 외에도 Well-Tempered Clavier(전주곡), 1부 및 1722부로 구성된 Inventions(서문 및 환상)의 원형이 있습니다. 바흐 자신이 이 컬렉션을 각각 1723년과 XNUMX년에 완성했습니다.

Keten에서는 5개의 "French 모음곡" 중 6개를 다양한 작가의 작품과 함께 포함하는 "Anna Magdalena Bach의 노트"(작곡가의 두 번째 아내)가 시작되었습니다. 같은 해에 "Little Preludes and Fughetas", "English Suites", "Chromatic Fantasy and Fugue" 및 기타 클라비어 작곡이 만들어졌습니다. 바흐의 학생 수가 해마다 증가함에 따라 그의 교육학적 레퍼토리가 보충되어 이후의 모든 음악가를 위한 공연 예술 학교가 될 운명이었습니다.

Keten 작품의 목록은 보컬 구성을 언급하지 않고 불완전합니다. 이것은 전체 시리즈의 세속 칸타타로, 대부분이 보존되지 않았고 이미 새로운 영적 텍스트로 두 번째 삶을 받았습니다. 여러 면에서, 성대(Keten 개혁 교회에서는 “정규 음악”이 요구되지 않음)의 표면 작업이 아닌 잠재된 작업은 마스터 작업의 마지막이자 가장 광범위한 기간에 열매를 맺었습니다.

바흐는 빈손이 아닌 성 토마스 학교의 선창가이자 음악 감독인 라이프치히의 새로운 분야에 들어섭니다. "시험" 칸타타 BWV 22, 23은 이미 작성되었습니다. Magnificat; "존에 따른 열정". 라이프치히는 바흐 방랑의 종착역이다. 외견상, 특히 그의 칭호의 두 번째 부분으로 판단할 때, 원하는 공식 계층의 최상위에 도달했습니다. 동시에 그가 "취임과 관련하여" 서명해야 했던 "약속"(14개 체크포인트)과 교회 및 시 당국과의 갈등으로 가득 찬 이행 실패는 이 부문의 복잡성을 증언합니다. 바흐의 전기. 처음 3년(1723-26)은 교회 음악에 바쳤습니다. 당국과의 싸움이 시작되고 치안 판사가 전례 음악에 자금을 지원하여 전문 음악가가 공연에 참여할 수 있기 전까지 새로운 선창가의 에너지는 끝이 없었습니다. 모든 바이마르와 쾨텐의 경험은 라이프치히의 창의성으로 이어졌습니다.

이 기간 동안 구상하고 수행한 작업의 규모는 실로 측량할 수 없습니다. 매주 150개 이상의 칸타타가 만들어집니다(!), 2nd ed. "요한에 따른 열정", 새로운 데이터에 따른 "수난" 및 "마태에 따른 열정". 바흐의 이 가장 기념비적인 작품의 초연은 지금까지 생각했던 것처럼 1729년이 아니라 1727년에 있습니다. 교회 음악의 쇠퇴에 대한 편견 없는 고려가 추가된 교회 음악의 문제 설정"(23년 1730월 1729일 라이프치히 치안판사에게 보내는 각서)은 다른 종류의 활동으로 보상되었습니다. Bach Kapellmeister가 이번에는 학생 Collegium musicum을 이끌면서 다시 최전선에 섰습니다. 바흐는 37-1739년에 이 서클을 이끌었고 44-XNUMX년(?) Zimmermann 정원이나 Zimmermann Coffee House에서 매주 콘서트를 열면서 Bach는 도시의 대중 음악 생활에 막대한 공헌을 했습니다. 레퍼토리는 가장 다양합니다. 교향곡(오케스트라 모음곡), 세속적 칸타타, 그리고 물론 그 시대의 모든 아마추어 및 전문 회의의 "빵"인 협주곡. 바이올린, 바이올린, 오보에 등을 위한 자신의 협주곡을 각색한 클라비에와 오케스트라를 위한 바흐 협주곡의 특히 라이프치히 변종은 바로 여기에서 발생했습니다. 그 중에는 D단조, F단조, A장조의 클래식 협주곡이 있습니다. .

바흐 서클의 적극적인 도움으로 라이프치히의 음악 생활도 “아우구스투스 1733세의 이름의 날의 장엄한 날 저녁에 치머만 정원의 조명 아래 연주되는 엄숙한 음악”이든 “ 같은 아우구스투스를 기리기 위해 트럼펫과 팀파니가 있는 저녁 음악" 또는 "많은 밀랍 횃불과 트럼펫과 팀파니 소리가 있는 아름다운 밤 음악" 등. 색슨 선제후를 기리는 이 "음악" 목록에서, 특별한 장소는 아우구스투스 1747세에게 헌정된 미사(Kyrie, Gloria, 48)에 속합니다. 바흐의 또 다른 기념비적 창작의 일부인 미사 B단조는 1744-2년에만 완성되었습니다. 지난 XNUMX년 동안 바흐는 적용되는 목적이 전혀 없는 음악에 무엇보다도 초점을 맞추었습니다. 이것들은 The Well-Tempered Clavier(XNUMX)의 두 번째 권이며, 파르티타, 이탈리아 협주곡, 오르간 미사, 다양한 변주곡이 있는 아리아(바흐가 사망한 후 Goldberg로 명명됨)이며 Clavier Exercises 모음에 포함되었습니다. . 바흐가 분명히 공예에 대한 찬사라고 여겼던 전례 음악과는 달리, 그는 적용되지 않은 작품을 일반 대중에게 공개하려고 했습니다. 그의 편집 하에 Clavier Exercises 및 가장 큰 기악 작품인 마지막 XNUMX곡을 포함하여 여러 다른 작곡이 출판되었습니다.

1737년에 바흐의 제자인 철학자이자 역사가인 L. Mitzler는 라이프치히에서 음악 과학 학회를 조직했습니다. 그곳에서 대위법(대위법, 즉 지금 말하는 다성 음악)은 "동등한 것 중 첫 번째"로 인정되었습니다. 다른 시간에 G. Telemann, GF Handel이 협회에 합류했습니다. 1747년에 가장 위대한 다성음악가인 JS 바흐가 회원이 되었습니다. 같은 해에 작곡가는 포츠담의 왕궁을 방문하여 당시 새 악기인 피아노로 자신이 설정한 주제로 프리드리히 10세 앞에서 즉흥 연주를 했습니다. 왕실의 아이디어는 저자에게 백 배로 반환되었습니다. 바흐는 대위법 예술의 비교할 수 없는 기념비인 "Musical Offering", XNUMX개의 캐논, XNUMX개의 라이서카, 플루트, 바이올린 및 하프시코드를 위한 XNUMX부 트리오 소나타의 장대한 주기를 만들었습니다.

그리고 "Musical Offering" 옆에 새로운 "single-dark" 주기가 성숙해지고 있었는데, 그 아이디어는 40년대 초반에 시작되었습니다. 그것은 모든 종류의 대위법과 대포를 포함하는 "푸가의 예술"입니다. “병(바흐는 말년에 장님이 되었습니다. TF)가 끝에서 두 번째 푸가를 완성하지 못하게 하고… 그리고 마지막 푸가를 완성하는…

수백 년 된 가부장제 전통의 마지막 대표자이자 동시에 보편적으로 갖추어진 새로운 시대의 예술가 – 이것이 바로 JS Bach가 역사적 회고에 등장하는 방식입니다. 위대한 이름들이 양립할 수 없는 것들을 결합하기 위해 관대했던 시간에 그 누구와도 비교할 수 없을 정도로 관리한 작곡가. 네덜란드 정경과 이탈리아 협주곡, 개신교 합창단과 프랑스 음악, 전례 모노디와 이탈리아 거장 아리아… 폭과 깊이 모두 수평과 수직을 결합합니다. 따라서 그의 음악, 시대의 말, "연극, 실내악 및 교회"스타일, 동시성 및 동음성, 기악 및 성악 시작에 자유롭게 상호 침투합니다. 이것이 개별 부분이 구성에서 구성으로 쉽게 이동하는 이유입니다. 예를 들어 미사 B단조에서 202분의 1019는 이미 소리가 들린 음악으로 구성되어 있는 것처럼 보존하면서 동시에 외관을 근본적으로 변경합니다. 결혼식 칸타타의 아리아 (BWV 146)는 바이올린의 피날레가 된다. 소나타(BWV 1052), 교향곡과 칸타타(BWV 1069)의 합창단은 클라비에 협주곡 D단조(BWV 110)의 첫 부분과 느린 부분과 동일, 서곡 오케스트라 모음곡 D장조(BWV XNUMX)에서 합창 소리가 풍부해 칸타타 BWVXNUMX이 열립니다. 이러한 종류의 예는 전체 백과사전을 구성했습니다. 모든 것(오페라만 예외)에서 마스터는 마치 특정 장르의 진화를 완성하는 것처럼 완전하고 완전하게 말했습니다. 그리고 악보 형식으로 녹음된 바흐 사상의 세계관에 연주 지침이 없다는 것은 깊은 상징성을 지닌다. 바흐는 그에게 이렇게 말한다. 모든 음악가. "이 작품에서" F. Marpurg는 푸가의 예술 출판 서문에서 "이 예술에서 생각할 수 있는 가장 숨겨진 아름다움이 동봉되어 있습니다..." 이 말은 작곡가의 가장 가까운 동시대 사람들에게 들리지 않았습니다. 매우 한정된 구독판뿐 아니라 필립 에마누엘이 1756년에 “합리적인 가격에 손에서 손으로” 판매를 위해 발표한 바흐의 걸작의 “깨끗하고 깔끔하게 새겨진 판”도 구매자가 없었다. 이 작업은 대중의 이익을 위한 것이며 모든 곳에서 알려지게 되었습니다. 건망증의 묶음이 위대한 선창가의 이름을 걸었습니다. 그러나 이 망각은 결코 완전한 것이 아니었다. 출판되고 가장 중요한 것은 사인과 수많은 사본으로 손으로 쓴 바흐의 작품이 저명하고 완전히 불분명한 그의 제자와 감정가의 컬렉션에 정착했습니다. 그들 중에는 작곡가 I. Kirnberger와 이미 언급된 F. Marpurg가 있습니다. 오래된 음악의 위대한 감정가 인 Baron van Swieten의 집에서 WA Mozart가 Bach와 합류했습니다. 작곡가이자 교사인 K. Nefe는 제자 L. Beethoven에게 바흐에 대한 사랑을 심어주었습니다. 이미 70년대. 11세기는 음악학의 미래 새로운 분파인 바흐 연구의 토대를 마련한 그의 책 I. Forkel의 자료를 수집하기 시작합니다. 세기의 전환기에 IW Goethe K. Zelter의 친구이자 특파원인 베를린 성악 아카데미의 원장이 특히 활동적이었습니다. 가장 풍부한 바흐의 필사본 컬렉션의 소유자인 그는 그 중 하나를 1829세의 F. Mendelssohn에게 맡겼습니다. 이것이 바로 XNUMX년 XNUMX월 XNUMX가 새로운 바흐 시대의 도래를 예고한 역사적인 공연인 Matthew Passion이었습니다. "닫힌 책, 땅에 묻힌 보물"(B. Marx)이 열리고 "바흐 운동"의 강력한 흐름이 전 음악계를 휩쓸었습니다.

오늘날, 위대한 작곡가의 작품을 연구하고 홍보하는 데 방대한 경험이 축적되었습니다. 바흐 소사이어티는 1850년부터 존재해 왔습니다(1900년 이후, 뉴 바흐 소사이어티는 1969년에 동독, FRG, 미국, 체코슬로바키아, 일본, 프랑스 및 기타 국가에 지부가 있는 국제 조직이 됨). NBO의 주도로 바흐 페스티벌과 그의 이름을 딴 연주자들의 국제 대회가 열립니다. JS 바흐. 1907년 NBO의 주도로 아이제나흐에 바흐 박물관이 문을 열었습니다. 오늘날에는 작곡가 "요한 탄생 1985주년 기념일에 300년에 문을 연 박물관을 포함하여 오늘날 독일의 여러 도시에 많은 박물관이 있습니다. Sebastian-Bach- Museum'은 라이프치히에 있습니다.

전 세계에는 광범위한 바흐 기관 네트워크가 있습니다. 그 중 가장 큰 곳은 독일 괴팅겐에 있는 바흐 연구소와 라이프치히에 있는 독일 연방 공화국에 있는 바흐 국립 연구 및 기념 센터입니다. 지난 수십 년은 14권의 Bach-Documente 컬렉션이 출판되었고, 성악 작곡의 새로운 연대기가 확립되었으며, 푸가의 예술(Art of the Fugue), 이전에 알려지지 않은 33개의 Goldberg 변주곡과 오르간을 위한 1954개의 합창이 출판되었습니다. XNUMX년부터 괴팅겐 연구소와 라이프치히 바흐 센터는 바흐 전곡에 대한 새로운 비평판을 수행해 왔습니다. 미국 하버드대학교와 공동으로 바흐 작품의 분석 및 서지 목록 "Bach-Compendium" 출판이 계속됩니다.

바흐 자신이 끝이 없는 것처럼 바흐의 유산을 마스터하는 과정도 끝이 없습니다. 인간 정신의 가장 고귀한 경험의 무궁무진한 원천입니다.

T. 프럼키스

창의성의 특성

일생 동안 거의 알려지지 않은 바흐의 작업은 사후 오랫동안 잊혀졌습니다. 위대한 작곡가가 남긴 유산을 진정으로 감상할 수 있게 되기까지는 오랜 시간이 걸렸습니다.

XNUMX세기의 예술 발전은 복잡하고 모순적이었습니다. 오래된 봉건 귀족 이데올로기의 영향이 강했습니다. 그러나 역사적으로 진보한 부르주아 계급의 젊은이들의 영적 필요를 반영한 ​​새로운 부르주아 계급의 싹은 이미 나타나고 성숙해 가고 있었다.

가장 날카로운 방향의 투쟁에서 낡은 형태의 부정과 파괴를 통해 새로운 예술이 확인되었습니다. 귀족적 미학에 의해 확립된 규칙, 줄거리, 이미지를 지닌 고전 비극의 차갑고 고상한 모습은 속물적 삶의 민감한 드라마인 부르주아 소설에 의해 반대되었다. 전통적이고 장식적인 궁정 오페라와 달리 희극 오페라의 활력, 단순성 및 민주적 성격이 촉진되었습니다. 경쾌하고 소박한 일상의 장르 음악은 다성악 연주자들의 "배운" 교회 예술에 대항하여 제시되었습니다.

그런 상황에서 바흐의 작품은 과거로부터 물려받은 형식과 표현수단이 우세하여 그의 작품이 구식이고 거추장스럽다고 여길 수밖에 없었다. 우아한 형식과 단순한 내용으로 용감한 예술에 대한 열광이 널리 퍼진 시기에 바흐의 음악은 너무 복잡하고 이해할 수 없는 것처럼 보였습니다. 작곡가의 아들들조차 아버지의 작품에서 배움 외에는 아무 것도 보지 못했다.

바흐는 이름의 역사가 거의 보존되지 않은 음악가들에 의해 공개적으로 선호되었습니다. 반면에 그들은 "배움만 휘두르는" 것이 아니라 "맛, 광채, 부드러운 느낌"을 가지고 있었습니다.

정통 교회 음악의 신봉자들도 바흐에 적대적이었습니다. 따라서 시대를 훨씬 앞서간 바흐의 작업은 용감한 예술의 지지자들과 바흐의 음악에서 교회와 역사적 규범을 위반하는 것으로 합리적으로 본 사람들에 의해 거부되었습니다.

음악사에서 이 중요한 시기의 모순된 방향의 투쟁에서 주도적인 경향이 점차 나타났고 새로운 경향의 발전을 위한 길은 어렴풋이 나타났고, 이는 모차르트의 교향곡을 글룩의 오페라 예술로 이끌었습니다. 그리고 XNUMX 세기 후반의 가장 위대한 예술가들이 음악 문화를 키운 높이에서만 요한 세바스티안 바흐의 장대한 유산이 눈에 띄게되었습니다.

모차르트와 베토벤은 그 진정한 의미를 처음으로 인식했습니다. 이미 피가로와 돈 조반니의 결혼의 저자인 모차르트는 이전에는 알지 못했던 바흐의 작품을 알게 되었을 때 “여기서 배울 것이 많습니다!”라고 외쳤습니다. 베토벤은 “Eg ist kein Bach – er ist ein Ozean”(“그는 시내가 아니라 바다다”)라고 열정적으로 말합니다. 세로프에 따르면 이 비유적인 단어는 "바흐의 천재성에 대한 엄청난 깊이와 무궁무진한 형태의 다양성"을 가장 잘 표현합니다.

1802세기부터 바흐의 작품이 서서히 부활하기 시작합니다. 1850년에 독일 역사가 Forkel이 쓴 작곡가의 첫 번째 전기가 나타났습니다. 풍부하고 흥미로운 재료로 그녀는 바흐의 삶과 성격에 약간의 관심을 끌었습니다. 멘델스존, 슈만, 리스트의 적극적인 선전 덕분에 바흐의 음악은 점차 더 넓은 환경으로 침투하기 시작했습니다. 30년에는 바흐 소사이어티가 결성되어 위대한 음악가의 모든 필사본 자료를 찾아 모아 전집의 형태로 출판하는 것을 목표로 삼았다. XNUMX 세기의 XNUMX 이래로 바흐의 작업은 점차 음악 생활, 무대의 소리, 그리고 교육 레퍼토리에 도입되었습니다. 그러나 바흐의 음악에 대한 해석과 평가에는 많은 상반된 의견이 있었다. 일부 역사가들은 바흐를 추상적인 음악적, 수학적 공식으로 작동하는 추상적인 사상가로 규정했고, 다른 사람들은 바흐를 삶에서 분리된 신비주의자 또는 정통 자선가 교회 음악가로 보았습니다.

바흐 음악의 진정한 내용을 이해하는 데 있어 특히 부정적인 점은 바흐를 대위법 "지혜"의 창고로 대하는 태도였습니다. 실질적으로 유사한 관점에서 바흐의 작업은 다성음악 학생들을 위한 매뉴얼의 위치로 축소되었습니다. Serov는 이에 대해 분개하여 다음과 같이 썼습니다. Mocheles의 스케치와 Czerny의 연습으로. 멘델스존 시대 이후로 취향은 바흐가 살았을 때보다 훨씬 더 많이 바흐 쪽으로 기울었습니다. 그리고 지금은 보수주의의 이름으로 학생들을 가르치는 것을 부끄러워하지 않는 "음악원의 원장"이 여전히 있습니다. 바흐의 푸가를 표현력 없이 연주하는 것, 즉 '연습'처럼, 손가락 부러지는 연습처럼… 두려움과 믿음이 있는 마음, 즉 위대한 바흐의 작품이다.

러시아에서는 XNUMX 세기 말에 Bach 작업에 대한 긍정적 인 태도가 결정되었습니다. 바흐의 작품에 대한 리뷰는 상트페테르부르크에서 출판된 "음악 애호가를 위한 수첩"에 실렸으며, 그의 재능과 탁월한 기술의 다재다능함이 언급되었습니다.

러시아를 대표하는 음악가들에게 바흐의 예술은 인류 문화를 풍부하고 측량할 수 없을 정도로 발전시키는 막강한 창조력의 구체화였습니다. 다양한 세대와 경향의 러시아 음악가들은 복잡한 바흐 동시성에서 감정의 높은 시와 사고의 효과적인 힘을 이해할 수 있었습니다.

바흐 음악의 이미지의 깊이는 측량할 수 없습니다. 그들 각각은 전체 이야기,시, 이야기를 포함 할 수 있습니다. 중요한 현상은 각각에서 실현되며, 이는 웅장한 음악 캔버스에 동등하게 배치되거나 간결한 미니어처에 집중될 수 있습니다.

삶의 과거, 현재, 미래의 다양성, 영감받은 시인이 느낄 수 있는 모든 것, 사상가와 철학자가 반성할 수 있는 모든 것이 바흐의 모든 것을 아우르는 예술에 담겨 있습니다. 방대한 창작 범위를 통해 다양한 규모, 장르 및 형태의 작품을 동시에 작업할 수 있었습니다. Bach의 음악은 열정 형식의 기념비적 B단조 미사와 작은 전주곡 또는 발명의 제약 없는 단순성을 자연스럽게 결합합니다. 합창 전주곡의 명상 가사와 함께 오르간 작곡과 칸타타의 드라마; 선조의 실내음은 좋은 템퍼드 클라비에의 전주곡과 푸가에 브란덴부르크 협주곡의 기교와 활력을 더합니다.

바흐 음악의 감정적, 철학적 본질은 인간에 대한 이타적인 사랑, 인간의 가장 깊은 곳에 있습니다. 그는 슬픔에 빠진 사람을 동정하고 기쁨을 나누고 진리와 정의에 대한 열망에 공감합니다. 그의 예술에서 바흐는 인간에게 숨겨진 가장 고귀하고 아름다운 것을 보여줍니다. 윤리 사상의 파토스는 그의 작업으로 가득 차 있다.

적극적인 투쟁이나 영웅적인 행동이 아닌 바흐는 자신의 영웅을 묘사합니다. 감정적 경험, 반성, 감정, 현실에 대한 그의 태도, 주변 세계에 대한 그의 태도가 반영됩니다. 바흐는 현실에서 벗어나지 않습니다. 엄청난 비극의 이미지를 불러일으킨 것은 현실의 진실, 독일인들이 견뎌낸 고난이었다. 고통이라는 주제가 바흐의 모든 음악을 관통하는 것은 헛된 것이 아닙니다. 그러나 주변 세계의 황량함은 삶의 영원한 느낌, 기쁨과 큰 희망을 파괴하거나 대체할 수 없었습니다. 환희의 주제, 열정적인 열정은 고통의 주제와 얽혀 있으며 대조되는 통일성으로 현실을 반영합니다.

바흐는 인간의 단순한 감정을 표현하고 민중의 지혜의 깊이를 전달하며 비극적이며 보편적인 열망을 세상에 드러내는 데 있어서 동등하게 뛰어납니다.

바흐의 예술은 모든 영역의 긴밀한 상호 작용과 연결이 특징입니다. 비유적인 내용의 공통점은 바이올린이나 하프시코드를 위한 모음곡과 함께 B단조 미사의 장엄한 프레스코화인 Well-Tempered Clavier의 미니어처와 관련된 열정의 민속 서사시를 만듭니다.

바흐는 영적 음악과 세속 음악 사이에 근본적인 차이가 없습니다. 공통점은 음악적 이미지의 본질, 구현 수단, 전개 방식이다. 바흐가 작곡의 계획이나 음악의 성격을 바꾸지 않고 개별 주제, 큰 에피소드뿐만 아니라 완성된 전체 곡까지 세속적인 작업에서 영적인 것으로 쉽게 옮겨간 것은 우연이 아닙니다. 고통과 슬픔, 철학적 반성, 소박한 농민의 재미에 대한 주제는 칸타타와 오라토리오, 오르간 환상과 푸가, 클라비에 또는 바이올린 모음에서 찾을 수 있습니다.

작품의 의미를 결정짓는 것은 영적인 장르나 세속적인 장르에 속하는 작품이 아닙니다. 바흐의 창조물이 지닌 지속적인 가치는 고상한 사상, 세속적이든 영적이든 어떤 구성에든 그가 넣은 깊은 윤리적 의미, 형태의 아름다움과 보기 드문 완벽함에 있습니다.

바흐의 창의성은 그 생명력, 퇴색되지 않는 도덕적 순수성 및 강력한 힘을 민속 예술에 빚지고 있습니다. 바흐는 여러 세대의 음악가들로부터 민요 작사 및 작곡의 전통을 물려받았고, 살아있는 음악 관습에 대한 직접적인 인식을 통해 바흐의 마음에 자리 잡았습니다. 마지막으로 민속 음악 예술의 기념물에 대한 면밀한 연구는 바흐의 지식을 보완했습니다. 그러한 기념비이자 동시에 그를 위한 무궁무진한 창조적 원천은 개신교 성가였습니다.

개신교 성가는 오랜 역사를 가지고 있습니다. 종교 개혁 기간 동안, 합창은 군가와 같이 투쟁에서 대중을 고무시키고 단결시켰습니다. 프로테스탄트의 전투적 열정을 형상화한 루터가 작곡한 “주님은 우리의 요새이시다”라는 합창은 종교개혁의 국가가 되었습니다.

종교개혁은 오래 전부터 일상생활에서 흔히 볼 수 있는 세속적인 민요를 광범위하게 사용했습니다. 이전 내용과 상관없이 종종 경솔하고 모호한 종교 텍스트가 첨부되어 합창 성가로 변했습니다. 합창곡의 수에는 독일 민요뿐 아니라 프랑스, ​​이탈리아, 체코의 민요도 포함되어 있다.

사람들에게 생소한 가톨릭 찬송가 대신에 합창단이 이해할 수 없는 라틴어로 부르는 대신 모든 교구민이 접할 수 있는 합창 멜로디가 도입되어 전체 공동체가 자신들의 독일어로 노래합니다.

그래서 세속적인 멜로디가 뿌리를 내리고 새로운 숭배에 적응했습니다. “전체 기독교 공동체가 노래에 참여”하기 위해 코랄의 선율은 높은 목소리로 나오고 나머지 목소리는 반주가 됩니다. 복잡한 동시 발음은 단순화되고 합창에서 제외됩니다. 리드미컬한 규칙성, 모든 목소리의 화음으로 병합되고 상위 멜로디를 강조하는 경향이 중간 목소리의 이동성과 결합되는 특별한 합창 창고가 형성됩니다.

폴리포니와 호모포니의 독특한 조합은 코랄의 특징입니다.

민요는 합창으로 바뀌었지만 그럼에도 불구하고 민요는 남아 있었고 개신교 합창 모음은 민요의 보고이자 보고가 되었습니다. 바흐는 이 고대 컬렉션에서 가장 풍부한 선율 자료를 추출했습니다. 그는 종교 개혁의 개신교 찬송가의 감정적 내용과 정신을 합창 선율로 되돌렸고, 합창 음악을 예전의 의미로 되돌려 놓았습니다.

코랄은 바흐의 민속 예술과의 음악적 연결의 유일한 유형이 결코 아닙니다. 가장 강력하고 가장 유익한 것은 다양한 형태의 장르 음악의 영향이었습니다. 수많은 기악 모음곡과 기타 작품에서 바흐는 일상 음악의 이미지를 재현할 뿐만 아니라; 그는 주로 도시 생활에서 확립된 많은 장르를 새로운 방식으로 개발하고 더 발전할 기회를 만듭니다.

민속 음악, 노래 및 춤 선율에서 차용한 형식은 바흐의 모든 작품에서 찾을 수 있습니다. 세속 음악은 말할 것도 없고 칸타타, 오라토리오, 수난곡, B단조 미사 등 영적인 작곡에 세속 음악을 광범위하고 다양한 방식으로 사용합니다.

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바흐의 창조적 유산은 거의 방대합니다. 살아남은 것조차도 수백 명의 이름을 셀 수 있습니다. 또한 많은 바흐의 작곡이 돌이킬 수 없을 정도로 소실된 것으로 알려져 있습니다. 바흐의 XNUMX곡 중 XNUMX곡 정도가 흔적도 없이 사라졌다. 다섯 가지 수난 중에서 요한에 따른 수난과 마태에 따른 수난이 보존되었습니다.

바흐는 비교적 늦게 작곡을 시작했습니다. 우리에게 알려진 최초의 작품은 약 XNUMX세에 기록되었습니다. 이미 초기 바흐 작곡에서 쓰기의 자신감, 사고의 용기 및 창의적 탐구를 느낄 수 있기 때문에 실습 경험, 독립적으로 획득한 이론적 지식이 큰 역할을 했다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 번영의 길은 멀지 않았습니다. 오르간 연주자로서의 바흐에게 그것은 오르간 음악 분야, 즉 바이마르 시대에 XNUMX위였다. 그러나 작곡가의 천재성은 라이프치히에서 가장 완전하고 포괄적으로 드러났습니다.

바흐는 모든 음악 장르에 거의 동등한 관심을 기울였습니다. 놀라운 끈기와 개선 의지로 그는 각 구성에 대해 개별적으로 결정적인 스타일의 순수함, 전체의 모든 요소의 고전적 일관성을 달성했습니다.

그는 자신이 쓴 것을 다시 작업하고 "수정"하는 데 지치지 않았으며 작업의 양이나 규모도 그를 멈추지 않았습니다. 따라서 Well-Tempered Clavier의 첫 번째 권의 원고는 네 번 복사되었습니다. 요한에 따르면 수난은 많은 변화를 겪었습니다. "요한에 따른 수난"의 첫 번째 버전은 1724년을 가리키고 마지막 버전은 그의 생애 말년을 가리킵니다. 대부분의 바흐 작곡은 여러 번 수정되고 수정되었습니다.

수많은 새로운 장르의 가장 위대한 혁신가이자 창시자인 바흐는 오페라를 작곡한 적도 없고 시도조차 하지 않았습니다. 그럼에도 불구하고 바흐는 드라마틱한 오페라 스타일을 광범위하고 다양한 방식으로 구현했습니다. 바흐의 고상하고 애처롭게 애도하거나 영웅적인 주제의 원형은 극적인 오페라 독백, 오페라 애곡의 억양, 프랑스 오페라 하우스의 장엄한 영웅에서 찾을 수 있습니다.

성악 작곡에서 바흐는 오페라 연습으로 발전된 모든 형태의 독창, 다양한 유형의 아리아, 레시타티브를 자유롭게 사용합니다. 그는 성악 앙상블을 피하지 않고 독주와 악기의 대결이라는 흥미로운 연주 방식을 소개한다.

예를 들어 The St. Matthew Passion과 같은 일부 작품에서는 오페라 극작의 기본 원칙(음악과 드라마의 연결, 음악과 극적 발전의 연속성)이 바흐의 현대 이탈리아 오페라보다 더 일관되게 구현됩니다. . 바흐는 컬트 작곡의 연극성에 대한 비난을 한 번 이상 들어야 했습니다.

전통적인 복음 이야기나 음악에 맞춘 영적인 텍스트는 그러한 "고발"에서 바흐를 구하지 못했습니다. 친숙한 이미지에 대한 해석은 정통 교회의 규칙에 너무 명백하게 모순되었고, 음악의 내용과 세속적 성격은 교회에서 음악의 목적과 목적에 대한 개념을 위반했습니다.

생각의 진지함, 생명 현상에 대한 심오한 철학적 일반화 능력, 압축된 음악 이미지에 복잡한 재료를 집중시키는 능력은 바흐의 음악에서 남다른 힘으로 나타났다. 이러한 속성은 음악적 아이디어의 장기적인 발전의 필요성을 결정하고 음악적 이미지의 모호한 내용을 일관되고 완전하게 공개하려는 욕구를 불러일으켰습니다.

바흐는 음악적 사고의 운동의 일반 및 자연 법칙을 발견하고 음악적 이미지의 성장의 규칙성을 보여주었습니다. 그는 다성 음악의 가장 중요한 속성인 선율을 펼치는 과정의 역동성과 논리를 최초로 발견하고 사용했습니다.

바흐의 작곡은 독특한 교향곡으로 가득 차 있습니다. 내부 교향곡 전개는 완성된 수많은 B단조 미사곡을 하나의 조화로운 전체로 통합하고 Well-Tempered Clavier의 작은 푸가에서 악장에 목적성을 부여합니다.

바흐는 가장 위대한 다성악 연주자일 뿐만 아니라 뛰어난 화음 연주자이기도 했습니다. 베토벤이 바흐를 조화의 아버지로 여겼던 것은 당연합니다. 동음이의 창고가 우세하고 다성음악의 형식과 수단이 거의 사용되지 않는 바흐의 작품이 상당히 많다. 때로는 XNUMX 세기 음악가의 화성적 사고에 대한 먼 기대로 인식되는 화성의 특별한 표현력, 화음-하모닉 시퀀스의 대담함이 때때로 놀랍습니다. 바흐의 순수한 다성 음악적 구성에서도 그들의 선형성은 조화로운 충만함의 느낌을 방해하지 않습니다.

건반의 역동성, 음조 연결의 감각 또한 바흐의 시대에는 새로운 것이었습니다. Ladotonal 개발, Ladotonal 움직임은 가장 중요한 요소 중 하나이며 많은 바흐 작곡의 형식의 기초입니다. 발견된 음조 관계와 연결은 비엔나 고전의 소나타 형식에서 유사한 패턴을 예상한 것으로 밝혀졌습니다.

그러나 화성 분야에서 발견의 가장 중요한 중요성, 화음과 그 기능적 연결에 대한 가장 깊은 느낌과 인식에도 불구하고 작곡가의 사고 자체는 다성적이며 그의 음악적 이미지는 다성적 요소에서 태어납니다. "대위법은 뛰어난 작곡가의 시적 언어였습니다."라고 림스키-코르사코프는 썼습니다.

바흐에게 다성음악은 단지 음악적 생각을 표현하는 수단이 아니었습니다. 바흐는 다성음악의 진정한 시인이었으며, 이 스타일의 부활은 완전히 다른 조건과 다른 기반에서만 가능했던 너무나 완벽하고 독특한 시인이었습니다.

바흐의 동시성(polyphony)은 무엇보다도 멜로디, 그 움직임, 그 전개이며, 각각의 선율적인 목소리의 독립적인 삶과 여러 목소리가 움직이는 사운드 구조로 엮여지는 것인데, 여기서 한 목소리의 위치는 또 다른. "... 다성 음악 스타일은 조화를 이루는 능력과 함께 작곡가의 훌륭한 선율적 재능을 필요로 합니다."라고 Serov는 씁니다. 하모니, 즉 화음의 교묘한 결합만으로는 여기서 제거할 수 없습니다. 각 목소리는 독립적으로 진행되어야 하며 멜로디 과정이 흥미로워야 합니다. 그리고 이런 측면에서 보면 음악적 창의성 분야에서 이례적으로 드문, 요한 세바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach)에 필적할 뿐만 아니라 그의 선율적 풍부함에 다소 적합한 아티스트는 없습니다. "멜로디"라는 단어를 이탈리아 오페라 방문객의 의미가 아니라 진정한 의미에서 모든 목소리에서 음악적 연설의 독립적이고 자유로운 움직임, 항상 깊이 시적이고 깊이 의미 있는 움직임이라는 의미로 이해한다면, 그곳에 멜로디스트는 없습니다. 바흐보다 위대한 세계.

V. 갈라츠카야

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