장 마리 르클레어 |

장 마리 르클레어

콘서트 바이올리니스트 프로그램에서 XNUMX 세기 전반부의 뛰어난 프랑스 바이올리니스트 Jean-Marie Leclerc의 소나타를 여전히 찾을 수 있습니다. 특히 '기억'이라는 부제가 붙은 C단조가 유명하다.

그러나 그 역사적 역할을 이해하기 위해서는 프랑스의 바이올린 예술이 발전한 환경을 알 필요가 있다. 다른 나라보다 더 오랫동안 바이올린은 평민의 악기로 여기에서 평가되었고 그것에 대한 태도는 무시했습니다. 비올라는 귀족 귀족의 음악 생활을 지배했습니다. 그 부드러우면서도 뭉툭한 소리는 음악을 연주하는 귀족들의 요구를 완전히 충족시켰습니다. 바이올린은 나중에 공휴일에 사용되었습니다. 귀족 집에서 공과 가장 무도회를 연주하는 것은 굴욕적인 것으로 간주되었습니다. 24세기 말까지 프랑스에는 바이올린 독주 연주가 존재하지 않았습니다. 사실, XNUMX 세기에는 사람들로부터 나와서 놀라운 기술을 가진 여러 바이올리니스트가 명성을 얻었습니다. 이들은 보칸(Bokan)과 루이 콘스탄틴(Louis Constantin)이라는 별명을 가진 자크 코르디에(Jacques Cordier)이지만 솔리스트로 연주하지는 않았다. Bokan은 법정에서 댄스 레슨을 받았고, Constantin은 "XNUMX Violins of the King"이라는 법정 볼룸 앙상블에서 일했습니다.

바이올리니스트들은 종종 댄스 마스터로 활동했습니다. 1664년 바이올리니스트 뒤마누아르의 책 음악과 춤의 결혼이 발표되었습니다. 1718세기 전반부의 바이올린 학교 중 하나의 저자(XNUMX 발행) Dupont은 자신을 "음악과 무용의 교사"라고 부릅니다.

초기에(1582세기 말부터) 소위 "안정된 앙상블"의 궁정 음악에 사용되었다는 사실은 바이올린에 대한 경멸을 증언합니다. 마구간의 앙상블 ( "합창")은 왕실 사냥, 여행, 소풍을 제공하는 관악기 예배당이라고 불 렸습니다. 24에서는 바이올린 악기가 "안정된 앙상블"에서 분리되었고 "바이올리니스트의 대규모 앙상블" 또는 그렇지 않으면 "XNUMX Violins of the King"이 구성되어 발레, 무도회, 가장 무도회에서 연주하고 왕실 식사를 제공합니다.

발레는 프랑스 바이올린 예술의 발전에 매우 중요했습니다. 무성하고 화려한 궁정생활, 특히 이런 종류의 연극 공연이 가까웠다. 훗날 무용성이 거의 프랑스 바이올린 음악의 국가적 양식적 특징이 된 것이 특징이다. 우아함, 우아함, 조형적 획, 우아함과 리듬의 탄력성은 프랑스 바이올린 음악에 내재된 특성입니다. 코트 발레, 특히 J.-B. 룰리, 바이올린이 독주악기의 자리를 차지하기 시작했다.

16세기의 가장 위대한 프랑스 작곡가 J.-B. Lully는 바이올린을 훌륭하게 연주했습니다. 그의 작업으로 그는 프랑스에서 이 악기의 인지도에 기여했습니다. 그는 바이올리니스트(당시 21명의 음악가 1866명 중)의 "작은 앙상블" 궁정에서 창작을 달성했습니다. 두 앙상블을 결합하여 그는 의식 발레와 함께 인상적인 오케스트라를 받았습니다. 그러나 가장 중요한 것은 이 발레에서 바이올린이 독주를 맡게 된 것입니다. 뮤즈의 발레(XNUMX)에서 오르페우스는 바이올린을 연주하며 무대에 올랐다. Lully가 이 역할을 개인적으로 수행했다는 증거가 있습니다.

Lully 시대의 프랑스 바이올리니스트의 기술 수준은 그의 오케스트라에서 연주자가 첫 번째 위치에서만 악기를 소유했다는 사실로 판단할 수 있습니다. 바이올린 부분에서 음표가 발견되었을 때의 일화가 보존되어 있습니다. 에 다섯 번째는 첫 번째 위치를 떠나지 않고 네 번째 손가락을 뻗어 "도달"할 수 있으며 오케스트라를 휩쓸었습니다.

1712세기 초(1715년)에도 프랑스 음악가 중 한 명인 이론가이자 바이올리니스트 Brossard는 높은 위치에서 바이올린 소리가 강제적이고 불쾌하다고 주장했습니다. "한마디로. 그것은 더 이상 바이올린이 아닙니다.” XNUMX에서 코렐리의 트리오 소나타가 프랑스에 도착했을 때 바이올리니스트 중 누구도 세 위치를 소유하지 않았기 때문에 이를 연주할 수 없었습니다. "음악을 아주 사랑하는 섭정인 오를레앙 공작은 그들의 노래를 듣고 싶어하여 세 명의 가수에게 노래를 부르도록 강요받았고 ... 그리고 불과 몇 년 후에 그것을 연주할 수 있는 세 명의 바이올리니스트가 생겼습니다."

20세기 초 프랑스의 바이올린 예술은 빠르게 발전하기 시작했고 XNUMX에 의해 이미 바이올리니스트 학교가 형성되어 두 가지 흐름을 형성했습니다. 이탈리아"는 코렐리의 영향이 컸다. 그들 사이의 치열한 투쟁, 미래의 버프 전쟁을 위한 승부, 또는 "글루키스트"와 "피치니스트"의 충돌. 프랑스인들은 항상 음악적 경험이 광범위했습니다. 또한 이 시대에는 백과사전의 이념이 성숙하기 시작했고 모든 사회적, 예술적, 문학적 현상에 대해 격렬한 논쟁이 벌어졌다.

F. Rebel(1666-1747)과 J. Duval(1663-1728)은 Lullist 바이올리니스트 M. Maschiti(1664-1760)와 J.-B. 세나예(1687-1730). "프랑스" 경향은 특별한 원칙을 개발했습니다. 그것은 춤, 우아함, 짧고 뚜렷한 스트로크가 특징이었습니다. 대조적으로, 이탈리아 바이올린 예술의 영향을 받은 바이올리니스트들은 넓고 풍부한 칸틸레나인 선율을 추구했습니다.

두 조류의 차이가 얼마나 강한지는 1725년 프랑스의 유명한 하프시코드 연주자인 Francois Couperin이 "The Apotheosis of Lully"라는 작품을 발표했다는 사실로 알 수 있습니다. 그것은 "설명"(각 번호에는 설명 텍스트가 제공됨), Apollo가 Lully에게 Parnassus에서 자신의 자리를 제안한 방법, 그가 그곳에서 Corelli를 만나는 방법, Apollo는 프랑스와 이탈리아 뮤즈를 결합해야만 음악의 완성도를 달성할 수 있다고 확신합니다.

가장 재능 있는 바이올리니스트 그룹이 그러한 협회의 길을 갔고, 그 중 Francoeur Louis(1692-1745) 형제와 Francois(1693-1737) 및 Jean-Marie Leclerc(1697-1764) 형제가 특히 두드러졌습니다.

그들 중 마지막은 프랑스 고전 바이올린 학교의 창시자로 간주되는 정당한 이유가 있습니다. 독창성과 연주 면에서 그는 당시의 가장 다양한 흐름을 유기적으로 합성하여 프랑스 국가 전통에 가장 깊은 경의를 표하고 이탈리아 바이올린 학교가 정복한 표현 수단으로 이를 풍부하게 했습니다. 코렐리-비발디-타르티니. Leclerc의 전기 작가인 프랑스 학자 Lionel de la Laurencie는 1725-1750년을 프랑스 바이올린 문화가 처음 꽃을 피운 시기로 간주하며 당시에는 이미 많은 뛰어난 바이올리니스트가 있었습니다. 그 중 르클레르에게 중심적 위치를 부여한다.

Leclerc는 리옹의 장인 가문에서 태어났습니다(직업은 갤런). 그의 아버지는 8년 1695월 10일 처녀 Benoist-Ferrier와 결혼하여 1697명의 남자아이와 XNUMX명의 여자아이를 낳습니다. 이 자손의 장남은 Jean-Marie였습니다. 그는 XNUMX년 XNUMX월 XNUMX일에 태어났습니다.

고대 소식통에 따르면 젊은 Jean-Marie는 11세에 Rouen에서 댄서로 예술 데뷔를 했습니다. 일반적으로 프랑스의 많은 바이올리니스트가 춤에 종사했기 때문에 이것은 놀라운 일이 아닙니다. 하지만 로랑시는 이 분야에서의 활동을 부정하지 않고 르끌레르가 정말 루앙에 갔는지에 대해 의문을 표명한다. 아마도 그는 모국에서 두 예술을 모두 공부했으며, 그 후에도 아버지의 직업을 주로 기대했기 때문에 분명히 점차적으로 공부했습니다. Laurency는 Jean Leclerc라는 이름을 가진 Rouen의 또 다른 댄서가 있음을 증명합니다.

9년 1716월 1716일 리옹에서 그는 술장수의 딸인 마리 로즈 카스타냐와 결혼했다. 그때 그의 나이 열아홉이 조금 넘었습니다. 그 당시 이미 그는 갤런 공예에 종사했을뿐만 아니라 XNUMX 년부터 리옹 오페라에 초대 된 사람들의 목록에 있었기 때문에 음악가의 직업도 마스터했습니다. 그는 아마도 자신뿐만 아니라 모든 아들에게 음악을 소개한 아버지로부터 초기 바이올린 교육을 받았을 것입니다. Jean-Marie의 형제들은 리옹 오케스트라에서 연주했으며 그의 아버지는 첼리스트이자 무용 교사로 등재되었습니다.

Jean-Marie의 아내는 이탈리아에 친척이 있었고 아마도 그들을 통해 Leclerc는 1722년 토리노에서 도시 발레의 첫 무용수로 초청되었을 것입니다. 그러나 피에몬테 수도에서의 그의 체류는 오래가지 못했습니다. XNUMX년 후 그는 파리로 이주하여 디지털화된 베이스가 있는 바이올린을 위한 첫 번째 소나타 모음집을 출판하여 랑그독 주의 재무장관인 보니에에게 헌정했습니다. 보니에는 돈을 위해 모송 남작이라는 칭호를 샀고, 파리에 자신의 호텔과 몽펠리에의 "파 데트루아"와 모송 성 두 곳의 별장을 운영했습니다. 극장이 토리노에서 폐쇄되었을 때, 피에몬테 공주의 죽음과 관련하여. Leclerc는 이 후원자와 두 달 동안 살았습니다.

1726년 그는 다시 토리노로 이사했다. 도시의 로열 오케스트라는 유명한 코렐리의 제자와 일류 바이올린 교사인 소미스가 이끌었다. Leclerc는 그에게서 교훈을 얻기 시작하여 놀라운 발전을 이루었습니다. 그 결과, 이미 1728년에 그는 파리에서 눈부신 성공을 거둘 수 있었습니다.

이 기간 동안 최근에 사망한 보니에의 아들이 그를 애용하기 시작합니다. 그는 Leclerc를 St. Dominica에 있는 자신의 호텔에 둡니다. 르클레르는 6년에 출판된 베이스가 있는 바이올린 독주 소나타와 2대의 바이올린을 위한 3개의 소나타 모음집을 1730년에 그에게 헌정합니다.

1733년에 그는 궁정 음악가에 합류했지만 오래 가지 못했습니다(약 1737년까지). 그가 떠난 이유는 그와 그의 라이벌인 뛰어난 바이올리니스트 피에르 기뇽 사이에 일어난 재미있는 이야기 때문이었다. 각자는 서로의 영광을 너무 질투하여 두 번째 목소리를 연주하는 데 동의하지 않았습니다. 마침내 그들은 매달 장소를 바꾸기로 합의했습니다. Guignon은 Leclair에게 시작을 주었지만, 그 달이 되어 두 번째 바이올린으로 바꿔야 했을 때 그는 서비스를 그만두기로 결정했습니다.

1737년 Leclerc는 네덜란드로 여행을 갔고 그곳에서 XNUMX세기 전반부의 가장 위대한 바이올리니스트인 Corelli의 제자인 Pietro Locatelli를 만났습니다. 이 독창적이고 강력한 작곡가는 르클레르에게 큰 영향을 미쳤습니다.

네덜란드에서 르클레르는 파리로 돌아와 죽을 때까지 그곳에 머물렀다.

수많은 작품 판과 콘서트에서의 빈번한 공연은 바이올리니스트의 복지를 강화했습니다. 1758년 그는 파리 교외의 카렘 프레낭 거리에 정원이 있는 23층짜리 집을 구입했습니다. 그 집은 파리의 조용한 구석에 있었다. Leclerc는 도심에서 가장 자주 친구를 방문하는 하인과 그의 아내없이 혼자 살았습니다. 르클레르가 그렇게 외딴 곳에 머무르는 것은 그의 추종자들을 걱정하게 했습니다. Duke de Grammont는 반복적으로 그와 함께 살 것을 제안했지만 Leclerc는 고독을 선호했습니다. 1764년 XNUMX월 XNUMX일 이른 아침, 부르주아라는 이름의 정원사가 집 근처를 지나가다가 열린 문을 발견했습니다. 거의 동시에 Leclerc의 정원사 Jacques Peizan이 다가가서 두 사람 모두 음악가의 모자와 가발이 바닥에 누워 있는 것을 알아차렸습니다. 겁에 질린 그들은 이웃을 불러 집으로 들어갔다. 르클레르의 시신은 현관에 누워 있었다. 그는 등을 찔렸다. 범인과 범행 동기는 아직 풀리지 않았다.

경찰 기록에는 르클레르가 남긴 물건에 대한 자세한 설명이 나와 있습니다. 그 중에는 금으로 장식된 앤티크 스타일의 테이블, 정원용 의자 여러 개, 화장대 250개, 상감 서랍장, 또 다른 작은 서랍장, 좋아하는 스너프박스, 스피넷, 바이올린 두 대가 있습니다. 가장 중요한 가치는 도서관. 르클레르는 교육을 받고 글을 잘 읽는 사람이었습니다. 그의 도서관은 XNUMX권으로 구성되어 있으며 Ovid의 Metamorphoses, Milton의 실낙원, Telemachus, Molière, Virgil의 작품을 포함하고 있습니다.

유일하게 남아 있는 르클레르의 초상화는 화가 알렉시스 루아르의 작품입니다. 그것은 파리 국립 도서관의 인쇄실에 보관되어 있습니다. Leclerc는 손에 휘갈겨 쓴 악보 한 장을 들고 반쯤 얼굴을 하고 있는 것으로 묘사됩니다. 그는 통통한 얼굴, 통통한 입, 활기찬 눈을 가지고 있습니다. 동시대 사람들은 그가 단순한 성격을 지녔지 만 긍지와 사려 깊은 사람이었다고 주장합니다. 부고 중 하나를 인용하면서 Lorancey는 다음과 같은 말을 인용했습니다. “그는 천재의 자랑스러운 단순함과 밝은 성격으로 구별되었습니다. 그는 진지하고 사려깊었고 큰 세상을 좋아하지 않았습니다. 우울하고 외로운 그는 아내를 피하고 아내와 자녀들과 떨어져 살기를 원했습니다.

그의 명성은 특별했습니다. 그의 작품에 대해시가 작곡되었고 열정적 인 리뷰가 작성되었습니다. 르클레르는 프랑스 바이올린 협주곡의 창시자인 소나타 장르의 거장으로 인정받았다.

그의 소나타와 협주곡은 스타일 면에서 매우 흥미롭고, 프랑스, ​​독일, 이탈리아 바이올린 음악의 특징적인 억양을 진정으로 탐욕스럽게 고착화했습니다. Leclerc에서 협주곡의 일부는 상당히 "바키안"처럼 들리지만 전체적으로 그는 다성음악 스타일과는 거리가 멉니다. Corelli, Vivaldi에서 빌린 많은 억양 전환이 발견되며 한심한 "아리아"와 반짝이는 마지막 론도에서 그는 진정한 프랑스인입니다. 동시대 사람들이 그의 작품의 국가적 성격을 정확히 평가한 것은 당연합니다. 국가적 전통에서 "초상화", 즉 소나타의 개별 부분을 묘사한 것으로 쿠페랭의 하프시코드 미니어처와 유사합니다. 멜로의 이러한 매우 다른 요소들을 종합하여 그는 탁월한 단일체 스타일을 달성하는 방식으로 그것들을 융합합니다.

Leclerc는 바이올린 작품만 작곡했습니다(오페라 Scylla and Glaucus, 1746 제외) – 베이스가 있는 바이올린을 위한 소나타(48), 트리오 소나타, 협주곡(12), 베이스가 없는 두 대의 바이올린을 위한 소나타 등.

바이올리니스트로서 Leclerc는 당시 연주 기술의 완벽한 대가였으며 특히 코드 연주, 이중 음표 및 억양의 절대적인 순수성으로 유명했습니다. Leclerc의 친구이자 훌륭한 음악 감정가인 Rosois는 그를 "게임의 메커니즘을 예술로 바꾸는 심오한 천재"라고 부릅니다. 매우 자주 "과학자"라는 단어는 Leclerc와 관련하여 사용됩니다. Leclerc는 그의 성능과 창의성에 대한 잘 알려진 지성주의를 증언하고 그의 예술에서 많은 부분이 그를 백과사전주의자들과 더 가까워지고 고전주의로 가는 길을 설명했다고 생각하게 만듭니다. “그의 게임은 현명했지만 이 지혜에는 망설임이 없었습니다. 그것은 용기나 자유의 부족이 아니라 탁월한 취향의 결과였습니다.

다음은 또 다른 동시대의 리뷰입니다. “Leclerc는 그의 작품에서 즐거움과 유용함을 최초로 연결했습니다. 그는 매우 숙련된 작곡가이며 두 배의 음표를 연주하기 어려운 완벽함으로 연주합니다. 그는 활과 손가락(왼손 – LR)의 행복한 연결을 가지고 있으며 탁월한 순수함으로 연주합니다. 그리고 아마도 그가 전달 방식에 어떤 냉담함을 가지고 있다는 이유로 때때로 비난을 받는다면, 이것은 결핍에서 오는 것입니다. 거의 모든 사람들의 절대적인 주인인 기질의 소유자." 이러한 리뷰를 인용하면서 Lorancey는 Leclerc 연주의 다음 특성을 강조합니다. 특정 선명도와 선명도를 가진 약간의 건조함. 또한 위엄, 견고함, 절제된 부드러움.

Leclerc는 훌륭한 교사였습니다. 그의 제자 중에는 프랑스에서 가장 유명한 바이올리니스트인 L'Abbe-son, Dovergne, Burton이 있습니다.

Leclerc는 Gavinier 및 Viotti와 함께 XNUMX 세기의 프랑스 바이올린 예술의 영광을 만들었습니다.

L. 라벤