이고르 표도로비치 스트라빈스키 |
이고르 스트라빈스키
… 나는 잘못된 시간에 태어났다. 기질과 성향에 따라 바흐처럼 규모는 다르지만 무명으로 살며 정해진 예배와 하나님을 위해 정기적으로 창조해야 합니다. 나는 내가 태어난 세상에서 살아 남았다… I. 스트라빈스키
… 스트라빈스키는 진정한 러시아 작곡가입니다 … D. 쇼스타코비치
I. Stravinsky의 창의적인 삶은 1959세기 음악의 살아있는 역사입니다. 그것은 거울처럼 현대 미술의 발전 과정을 반영하며 탐구적으로 새로운 방식을 모색합니다. 스트라빈스키는 대담한 전통 파괴자로 명성을 얻었습니다. 그의 음악에는 끊임없이 교차하고 때로는 분류하기 어려운 다양한 스타일이 발생하여 작곡가는 동시대 사람들로부터 "천의 얼굴을 가진 남자"라는 별명을 얻었습니다. 그는 발레 "Petrushka"의 마술사와 같습니다. 그는 마치 자신의 게임 규칙에 종속되는 것처럼 창의적인 무대에서 장르, 형식, 스타일을 자유롭게 움직입니다. 스트라빈스키는 “음악은 자신을 표현할 수밖에 없다”고 주장하면서도 “con Tempo”(즉, 시간과 함께)를 살기 위해 노력했습니다. 63-1945 년에 출판 된 "Dialogues"에서 그는 화성 필드의 Maslenitsa 축제 인 St. Petersburg의 거리 소음을 회상하며 그에 따르면 Petrushka를 보는 데 도움이되었습니다. 그리고 작곡가는 자신이 거의 희생자가 된 뮌헨의 Brownshirts의 잔학 행위에 대한 기억과 함께 전쟁의 구체적인 인상과 관련된 작품으로 Symphony in Three Movements (XNUMX)에 대해 말했습니다.
Stravinsky의 보편주의는 놀랍습니다. 그것은 40년 이상 지속된 피아니스트와 지휘자의 공연 활동의 강도, 다양한 창의적 검색, 세계 음악 문화 현상에 대한 폭넓은 취재에서 나타납니다. 뛰어난 사람들과의 개인적인 접촉의 규모는 전례가 없습니다. N. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, A. Glazunov, V. Stasov, S. Diaghilev, "세계 예술"의 예술가, A. Matisse, P. Picasso, R. Rolland. T. Mann, A. Gide, C. Chaplin, K. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, P. Hindemith, M. de Falla, G. Faure, E. Satie, Six 그룹의 프랑스 작곡가 – 이들은 그들 중 일부는 이름입니다. 평생 동안 Stravinsky는 가장 중요한 예술적 경로의 교차로에서 대중의 관심의 중심에 있었습니다. 그의 삶의 지리는 많은 국가를 포함합니다.
스트라빈스키는 어린 시절을 상트페테르부르크에서 보냈는데, 그에 따르면 그곳에서 "살아가는 것은 정말 흥미진진했습니다." 부모는 그에게 음악가의 직업을 주려고 하지 않았지만 모든 상황이 음악적 발전에 도움이 되었습니다. 집은 끊임없이 음악을 들었습니다 (작곡가 F. Stravinsky의 아버지는 Mariinsky Theatre의 유명한 가수였습니다). 큰 예술 및 음악 라이브러리가있었습니다. 어린 시절부터 Stravinsky는 러시아 음악에 매료되었습니다. 1922살 때 그는 자신이 우상화한 P. 차이코프스키를 만나서 수년 후 오페라 Mavra(1928)와 발레 The Fairy's Kiss(XNUMX)를 그에게 바치는 것을 보게 되어 운이 좋았습니다. Stravinsky는 M. Glinka를 "내 어린 시절의 영웅"이라고 불렀습니다. 그는 M. Mussorgsky를 높이 평가하고 그를 "가장 진실한 사람"으로 간주했으며 자신의 글에 "Boris Godunov"의 영향이 있다고 주장했습니다. Belyaevsky 서클의 구성원, 특히 Rimsky-Korsakov 및 Glazunov와 우호 관계가 생겼습니다.
Stravinsky의 문학적 관심은 일찍 형성되었습니다. 그를위한 첫 번째 실제 사건은 L. Tolstoy "어린 시절, 청소년기, 청소년"의 책이었고 A. Pushkin과 F. Dostoevsky는 평생 동안 우상으로 남아있었습니다.
음악 수업은 9살 때 시작했다. 피아노 수업이었다. 그러나 Stravinsky는 St. Petersburg University의 법학부 학생으로 Rimsky-Korsakov와 함께 공부하기 시작한 1902 년 이후에만 진지한 전문 연구를 시작했습니다. 동시에 그는 A. Siloti가 편곡 한 새로운 음악 콘서트 인 "Evenings of Modern Music"에 참석 한 "World of Art"의 예술가 인 S. Diaghilev와 친해졌습니다. 이 모든 것이 빠른 예술적 성숙의 원동력이되었습니다. 스트라빈스키의 첫 번째 작곡 실험 – 피아노 소나타(1904), 목신과 양치기 성악 및 교향곡 모음곡(1906), 마장조 교향곡(1907), 관현악을 위한 환상적인 스케르초와 불꽃놀이(1908)는 스트라빈스키의 영향으로 표시됩니다. Rimsky-Korsakov 학교와 프랑스 인상파의. 그러나 디아길레프가 러시아의 계절을 위해 의뢰한 발레 The Firebird(1910), Petrushka(1911), The Rite of Spring(1913)이 파리에서 상연된 순간부터 Stravinsky가 나중에 특히 좋아했던 장르는 발레가 "아름다움의 과제를 주춧돌로 삼는 유일한 형태의 연극 예술"이기 때문입니다.
발레의 삼합회는 첫 번째 "러시아인"이라는 창의성의 시대를 엽니다. 거주지 이름이 아닌(1910년 이후로 Stravinsky는 오랫동안 해외에서 살았고 1914년 스위스에 정착했습니다) 당시 등장한 음악적 사고는 본질적으로 국가적입니다. Stravinsky는 각 발레의 음악에서 매우 독특한 방식으로 다양한 레이어가 굴절 된 러시아 민속으로 향했습니다. Firebird는 오케스트라 색상의 풍부한 관대함, 시적인 라운드 댄스 가사 및 불타는 춤의 밝은 대조에 깊은 인상을 받았습니다. A. Benois "발레 노새"라고 불리는 "Petrushka"에서 세기 초에 인기있는 도시 멜로디, 소리, Shrovetide 축제의 시끄러운 잡종 그림이 살아나고 고통의 외로운 인물에 반대됩니다. Petrushka. 고대 이교도의 희생 의식은 파괴와 창조의 강력한 힘인 봄의 재생을 위한 원소적 충동을 구체화한 "신성한 봄"의 내용을 결정했습니다. 민속 고고학의 깊이에 빠진 작곡가는 발레가 동시대 사람들에게 폭발하는 폭탄의 인상을 준 음악적 언어와 이미지를 근본적으로 갱신합니다. "XX 세기의 거대한 등대"는 이탈리아 작곡가 A. Casella라고 불렀습니다.
이 기간 동안 Stravinsky는 집중적으로 작곡했으며 종종 성격과 스타일이 완전히 다른 여러 작품을 한 번에 작업했습니다. 예를 들어 러시아의 안무 장면인 The Wedding(1914-23)은 봄의 제전과 절묘하게 서정적인 오페라인 The Nightingale(1914)을 반영했습니다. 부푼 극장의 전통을 되살리는 여우, 수탉, 고양이, 양 이야기(1917)는 러시아 멜로가 이미 무력화되기 시작하여 떨어지는 군인의 이야기(1918)와 인접해 있다. 구성주의와 재즈 요소의 영역으로.
1920년에 스트라빈스키는 프랑스로 이주했고 1934년에 프랑스 시민권을 취득했습니다. 매우 풍부한 창작 및 공연 활동의 기간이었습니다. 젊은 세대의 프랑스 작곡가들에게 스트라빈스키는 최고의 권위자, '음악의 거장'이 되었다. 그러나 프랑스 미술아카데미(1936) 입후보 실패, 미국과의 비즈니스 관계가 계속 강화되어 두 번 성공적으로 콘서트를 열었고 1939년에는 하버드 대학교에서 미학 강의를 진행했습니다. 이 모든 것이 미국에서 제 1945 차 세계 대전이 시작될 때 그를 움직였습니다. 그는 헐리우드(캘리포니아)에 정착했고 XNUMX년에 미국 시민권을 받아들였습니다.
스트라빈스키에게 "파리지앵" 시기의 시작은 신고전주의로의 급격한 전환과 일치했지만 전체적으로 그의 작품의 전체적인 그림은 다소 다양했습니다. 발레 Pulcinella (1920)부터 G. Pergolesi의 음악에 이르기까지 그는 신고전주의 스타일의 전체 작품 시리즈를 만들었습니다. 발레 Apollo Musagete (1928), Playing Cards (1936), Orpheus (1947); 오페라 오라토리오 Oedipus Rex (1927); 멜로드라마 페르세포네(1938); 오페라 The Rake 's Progress (1951); 바람을 위한 옥텟(1923), 시편 교향곡(1930), 바이올린 협주곡(1931) 등. 스트라빈스키의 신고전주의는 보편적인 성격을 가지고 있습니다. 작곡가는 JB Lully, JS Bach, KV Gluck 시대의 다양한 음악 스타일을 모델로 삼아 "혼돈에 대한 질서의 지배"를 확립하는 것을 목표로 합니다. 이것은 감정적 범람을 허용하지 않는 엄격한 합리적 창의성 규율을 위해 노력하는 것으로 항상 구별되는 Stravinsky의 특징입니다. 예, Stravinsky가 작곡하는 바로 그 과정은 변덕스럽지 않고 "공식 시간을 가진 사람처럼 매일 정기적으로"수행했습니다.
창의적 진화의 다음 단계의 특성을 결정한 것은 바로 이러한 특성이었습니다. 50~60년대. 작곡가는 바흐 이전 시대의 음악에 빠져들고 성경적 컬트 플롯으로 바뀌며 1953년부터 엄격하게 건설적인 1955음 작곡 기법을 적용하기 시작합니다. 사도 마가를 기리는 신성한 찬가(1957), 발레 아곤(400), 오케스트라를 위한 제수알도 디 베노사 1960주년 기념비(1962), 1966세기 영국 미스터리 정신의 칸타타 우화 The Flood. (XNUMX), 레퀴엠(“Chants for the Dead”, XNUMX) – 이것은 이 시대의 가장 중요한 작품입니다.
Stravinsky의 스타일은 점점 더 금욕적이고 건설적으로 중립적이지 만 작곡가 자신은 그의 작품에서 국가적 기원의 보존에 대해 다음과 같이 말합니다. “나는 평생 러시아어를 말하고 있습니다. 내 음악에서 이것은 즉시 눈에 보이지는 않지만 음악에 내재되어 있으며 숨겨진 본성에 있습니다. Stravinsky의 마지막 작곡 중 하나는 발레 "Firebird"피날레 초기에 사용 된 러시아 노래 "Not the Pine at the Gates Swayed"를 주제로 한 캐논이었습니다.
따라서 그의 삶과 창조적 인 길을 완성한 작곡가는 먼 러시아 과거를 의인화 한 음악으로 기원으로 돌아 왔고, 그리움은 항상 마음 깊은 곳 어딘가에 있었고 때로는 진술로 돌파했으며 특히 이후에 더욱 심해졌습니다. 1962년 가을, 스트라빈스키의 소련 방문. 그때 그는 중요한 말을 했습니다.
O. 아베야노바
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