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아니 자유로운 움직임, 조화로운 대위법

1) 역사적 전체 동시성, 음악(다성성 참조) decomp로 결합하는 개념. 엄격한 스타일을 대체한 창의적인 방향 - 높은 르네상스의 폴리포니. 음악학 19-초보자. 20세기 "S. 와 함께." 다성음이 결정되었습니다. 소송 17 - ser. 18세기; 20세기 초반까지 "S. s"는 이제 17세기 초부터의 모든 다성음 현상을 나타냅니다. 현재까지.

S.의 규범 승인. 17 세기에 전체 서유럽 개발의 급격한 전환점과 관련이 있습니다. 여러 역사적 사건으로 인한 소송. 이유(바로크, 르네상스 참조). 음악의 새로운 조형적 구조가 형성되고 있습니다. 작곡가는 내부의 구현에서 무한한 가능성을 발견합니다. 사람의 세계. 정확한 연대기를 제시하는 것은 불가능합니다. S. s의 시대 사이의 경계. 그리고 엄격한 스타일. 봄 여름 시즌. 노련한 웍 장인들의 공적을 바탕으로 준비했습니다. polyphony 및 그 생물의 일부. 특징(예: 장조와 단조의 우세, 기악에 대한 관심)은 많은 곳에서 발견된다. 찌르다. 엄격한 스타일. 한편, 마스터 S. s. 전임자의 경험과 기법을 사용합니다(예: 모방 기법, 복잡한 대위법, 주제 자료 변형 방법). T.O.,S.S. 엄격한 스타일을 취소하지 않고 흡수하여 15-16세기의 폴리포니를 수정합니다. 예술에 따르면. 시간 작업.

봄 여름 시즌. 그 역사를 공개합니다. 주로 기악 다성음악으로서의 독립성. 비록 instr에서 잠시 동안. 찌르다. 엄격한 합창 양식에 대한 의존도가 유지되면서(예를 들어 J. Sweelinka의 오르간 작품의 질감에서 눈에 띄게 나타남), 작곡가들은 그들이 발견한 다성 음악을 사용하기 시작했습니다. 도구 기능. 무료강의 요소는 뮤즈의 열정을 결정합니다. J. Frescobaldi의 cembalos를 위한 푸가의 연설은 오르간 op. D. Buxtehude는 A. Vivaldi 협주곡의 특수한 가소성에서 쉽게 짐작할 수 있습니다. 개발의 최고점 폴리포닉. 도구주의 17-18세기. JS Bach의 작품에 도달 - 그의 Op. 바이올린 독주와 클라비에를 위한 Well-Tempered Clavier 푸가(vol. 1, 1722, vol. 2, 1744)는 악기의 가능성인 동시성(polyphony)을 드러내는 측면에서 매우 다양합니다. S. s의 주인의 작품에서. 웍. 표현 수단은 도구주의의 영향으로 풍부해졌습니다. 따라서 그러한 스타일, 예를 들어 op. 글로리아(4번), 상투스(20번) 또는 아그누스 데이(23번)와 같이 바흐의 h-moll 미사에서 wok. 당사자는 원칙적으로 기악과 다르지 않으며 혼합 웍.-도구라고합니다.

S. s의 모습. 주로 멜로디를 결정합니다. 엄밀한 글쓰기의 성가대 다성음악에서는 멜로디의 음량이 합창단의 음역에 의해 제한되었다. 투표; 리드미컬하게 정렬되고 직각이 아닌 멜로디는 decomp라는 프레이즈로 구성되었습니다. 길이; 측정된 배치는 온음계의 단계를 따라 부드러운 움직임에 의해 지배되었습니다. 소리가 하나를 다른 소리로 넘길 때 스케일. 반대로 S. s의 멜로디에서. (푸가와 다양한 유형의 비푸가 폴리포니 모두에서) 음색의 범위는 실제로 제한되지 않으며, 다음을 포함한 멜로디에 임의의 간격 시퀀스를 사용할 수 있습니다. 음정이 넓고 불협화음 음정으로 점프합니다. Op.의 예 비교 Palestrina 및 S. s.와 관련된 작품에서. 다음과 같은 차이점을 보여줍니다.

팔레스타인. 미사 "O magnum misterium"(상위 목소리)의 베네딕투스.

C. 몬테베르디. "Poppea의 대관식", 2막(가정 합창단 주제).

D. 북스테후데. C장조의 오르간 차코나(저음).

A. Stanchinsky에서. fp용 캐논. (프로포스타의 시작)

S.의 멜로디를 위해. 고조파에 대한 의존성이 특징입니다. 종종 그림으로 표현되는 창고(순차적 구조 포함); 멜로디, 움직임은 하모니카 내에서 지시됩니다. 순서:

JS 바흐. 첼로 독주를 위한 모음곡 3번. 쿠란트.

JS 바흐. Well-Tempered Clavier 2권의 푸가 주제 G-dur.

이런 종류의 움직임은 S. s의 멜로디를 알려줍니다. 하모닉 풀 소노리티: 이른바 멜로디에서. 숨겨진 보이스와 하모니의 윤곽이 코드 사운드의 점프에서 쉽게 두드러집니다. 시퀀스.

GF 헨델. 트리오 소나타 g-mol op. 2 2번, 피날레(부분 연속 생략).

JS 바흐. 오르간 푸가 에이몰, 주제.

JS Bach의 오르간 푸가 a-moll을 주제로 한 숨겨진 보이스의 조화적 체계.

멜로디에 "새겨진" 숨겨진 목소리는 대치될 수 있으며(아래 예에서) 때로는 미터법 참조 선(바흐 푸가의 많은 주제에 일반적으로 사용됨, b 참조) 및 모방(c)의 형태를 취하기도 합니다.

JS 바흐. 바이올린 독주를 위한 파르티타 1번. 쿠란트.

JS 바흐. Well-Tempered Clavier 1권의 푸가 주제 Cis-dur.

WA 모차르트. "마술 피리", 서곡(알레그로의 시작).

숨겨진 보이스의 충만함은 .와 함께 S.의 규범으로 3 및 4 보이스의 확립에 영향을 미쳤습니다.; 엄격한 스타일의 시대에 그들이 종종 5 개 이상의 목소리로 썼다면 S. 시대에는. 5성부는 비교적 드물고(예를 들어, Bach의 Well-Tempered Clavier 푸가 48개 중 2권의 cis-moll과 b-moll의 1개 XNUMX성 푸가가 있음) 예외.

S. s의 초기 샘플에서 ilk의 엄격한 문자와 대조적으로. 자유롭게 배치 된 일시 중지가 사용되어 인물을 장식하고 다양한 싱코페이션이 사용되었습니다. 봄 여름 시즌. 모든 기간과 비율을 사용할 수 있습니다. 이 조항의 구체적인 구현은 리듬에 따라 다릅니다. 이 음악의 규범 - 역사적. 연대. 바로크와 고전주의의 질서 있는 다성음악은 명료한 리듬이 특징이다. 일반(동등한) 메트릭이 있는 도면. 로맨틱. 주장-ve 19에서 진술의 즉각성 – 조기. 20세기 R. Schumann, F. Chopin, R. Wagner의 다성음악의 특징인 barline을 기준으로 액센트 배치의 자유로움으로 표현되기도 합니다. 20세기의 폴리포니를 위해. 일반적으로 불규칙한 미터의 사용(예: IF Stravinsky의 다성 음악에서와 같이 가장 복잡한 다성 조합에서), 악센트 거부(예: 새로운 비엔나 학교 작곡가의 일부 다성 작품에서) , 폴리리듬 및 폴리메트리(예: O. Messiaen) 및 기타 메트로리듬의 특수한 형태를 사용합니다. 혁신.

S의 중요한 기능 중 하나입니다. s. – Nar와의 친밀한 관계. 음악 장르. 나르. 음악은 엄격한 표기법(예: cantus firmus)의 다성음에도 사용되지만 마스터는 이 점에서 더 일관성이 있습니다. 나르에게. 노래는 17세기와 18세기의 많은 작곡가들에 의해 다루어졌습니다(특히 민속 주제에 대한 다성 변형을 만듦). 특히 풍부하고 다양한 장르 소스(독일어, 이탈리아어, 슬라브어)는 바흐의 다성음악에 있습니다. 이러한 연결은 다성음의 비유적 확실성의 기본 기반입니다. S의 테마주의 s., 그의 멜로디의 선명도. 언어. 콘크리트 폴리포닉. S에 있는 사람들 와. 또한 그 시대에 전형적인 멜로디 리듬의 사용에 의해 결정되었습니다. 숫자, 억양 "공식". 장르의 특수성에 밀접하게 의존하는 것은 S의 또 다른 특징입니다. s. - 대조되는 동시성(polyphony)의 틀 안에서의 발전. 엄격한 스타일에서 S. s. 엄격한 스타일과 뚜렷하게 구별되는 가장 중요합니다. 대조되는 폴리포니는 음악의 특징입니다. 바흐의 드라마투르지: 예는 org에서 찾을 수 있습니다. 코랄의 편곡, 코랄이 도입되는 아리아, 그리고 목소리의 대조는 서로 다른 장르에 의해 강조될 수 있다(예를 들어, No. 칸타타 1번 중 XNUMX번 68, 코랄의 선율에 오크가 반주한다. 이탈리아 시칠리아나 캐릭터의 테마); 드라마에서. 에피소드, 당사자의 반대가 한계에 도달합니다(예: No. 1, No.의 앞부분. 마태복음 33장). 나중에 콘트라스트 폴리포니는 오페라 제작에 널리 사용됩니다. (예를 들어, W. 오페라의 앙상블에서. A. 모차르트). S.에서 콘트라스트 폴리포니의 중요성에 대한 증거. s. 모방하는 것입니다. 형식에서 반대는 동반되고 보완적인 목소리의 역할을 합니다. 엄밀한 스타일의 시대에는 다성음악의 개념이 없었습니다. 하나의 보이스에 집중된 테마, 연속적인 폴리포니로 구성되어 있습니다. 배치는 억양이 비교적 중립적입니다. 재료에 관해서. S. 음악의 모든 표현에서 더 개별적입니다. s. 각 프레젠테이션에서 쉽게 알아볼 수 있는 안도감이 있는 테마를 기반으로 합니다. 주제는 억양적으로 특징적이며 주요 내용을 담고 있습니다. 앞으로 전개될 테제인 음악적 사고는 다성음악의 기초가 된다. 찌르다. 17-18세기 작곡가들의 음악에서. (주로 푸가를 의미) 2가지 유형의 주제가 개발되었습니다. 하나 이상의 대조되지 않고 밀접하게 관련된 주제의 발전을 기반으로 하는 동종 - Tempered Clavier ) 및 대조, 다른 동기의 반대에 기반합니다(예: 같은 주기의 1권에서 g-moll 푸가의 주제). 대조되는 주제에서 그는 가장 많이 표현할 것입니다. 회전 및 눈에 띄는 리드미컬합니다. 숫자는 더 자주 시작 부분에 위치하여 멜로디를 형성합니다. 테마 코어. 대조적이고 동질적인 주제는 의미합니다.

IS 바흐. 오르간 푸가 다장조, 주제.

주제와 멜로디의 표현. 17-18세기 작곡가들 사이에서 구호. 건설 초기에 일반적으로 발생하는 불안정한(종종 감소된) 간격에 크게 의존합니다.

JS 바흐. Well-Tempered Clavier 2권의 에이몰 푸가 테마.

JS 바흐. Well-Tempered Clavier 1권의 푸가 테마 cis-moll.

JS 바흐. 미사 h단조, 카이리에, 3번(푸가 주제).

JS 바흐. 매튜 수난, 54번(주제).

엄격한 스타일의 스트렛틱 프리젠테이션이 우세했다면 17-18세기 작곡가. 한 목소리로 주제를 완벽하게 표현하고 나서야 흉내 내는 목소리가 들어가고, 초심자는 대위법으로 진행한다. 주제의 의미론적 우위는 주제의 동기가 푸가의 다른 모든 요소(반대편, 막간)의 기초가 된다면 훨씬 더 분명합니다. S. s에서 주제의 우세한 위치. 주제의 수행과 비교하여 종속적인 위치를 차지하고 종종 그것에 국제적으로 의존하는 막간으로 시작됩니다.

S. s의 모든 가장 중요한 자질. – 선율, 화성적 특징, 형태의 특징 – 주로 장조와 단조의 지배적인 음조 체계를 따릅니다. 테마는 원칙적으로 완전한 색조로 구별됩니다. 편차는 선율 반음계로 표현됩니다. 고조파 회전율; 통과 반음계는 현대의 영향을 받아 후기의 동시성에서 발견됩니다. 하모닉 아이디어(예: 피아노 푸가 cis-moll op. 101 No 2 Glazunov에서). 주제의 변조 방향은 지배적 인 사람에 의해 제한됩니다. 주제 내에서 먼 키로 변조 - 20세기의 성취. (예를 들어, Myaskovsky의 교향곡 21번 개발의 푸가에서, 주제는 C 단조에서 도리안 색조로 시작하여 gis단조로 끝납니다). S. s의 모달 조직의 중요한 표현. 그 원리는 이미 라이서카르와 푸가의 초기 예에서 결정된 음조 응답입니다.

JS 바흐. "푸가의 예술", Contrapunctus I.

JS 바흐. Well-Tempered Clavier 1권의 푸가 Es-dur.

S. s.의 메이저와 마이너의 모달 시스템. 지배하지만 유일한 것은 아닙니다. 작곡가들은 자연 온음계의 독특한 표현력을 포기하지 않았습니다. 프렛(예를 들어, 바흐의 h-moll 미사 중 푸가 Credo 12번, 엄격한 스타일의 영향으로 표시된 L. 베토벤 3중주 15번의 "in der lydischer Tonart" 20악장 참조). 그들에 대한 특별한 관심은 20세기의 거장들입니다. (예: Ravel의 모음곡 "The Tomb of Couperin"의 푸가, DD Shostakovich의 많은 푸가). 폴리포닉 프로드. decomp의 특성인 모달 기반으로 생성됩니다. 냇. 음악 문화(예를 들어, 현악을 위한 교향곡과 EM Mirzoyan의 팀파니를 위한 다성 에피소드는 아르메니아 국가 색상을 나타내고, GA Muschel의 피아노 및 조직 푸가는 우즈벡 국가 음악 예술과 연관됨). XNUMX 세기의 많은 작곡가의 작품에서 장조와 단조의 조직이 더 복잡해지고 특별한 음조 형식이 발생합니다 (예 : P. Hindemith의 전체 음조 시스템). 다중 및 무조성 유형.

17-18세기의 작곡가들은 모테트, 변주곡(오스티나토에 기반한 것을 포함하여), 칸초나, 라이서카르, 디컴프와 같이 엄밀한 글쓰기 시대에 부분적으로 형성된 형식으로 널리 사용되었습니다. 일종의 모방. 합창 형식. 실제로 S.와. 푸가와 다수를 포함합니다. 다음과 같은 형식입니다. 프리젠테이션은 동음이의어와 상호작용합니다. 17-18세기 푸가에서. 그들의 명확한 모달 기능 관계와 함께 S. s의 폴리포니의 가장 중요한 특징 중 하나입니다. – 목소리의 높이 의존성, 하모니. 서로에 대한 매력, 화음으로 병합하려는 욕구(목성의 다성 독립성과 화성적으로 중요한 수직 사이의 이러한 종류의 균형은 특히 JS Bach의 스타일을 특징짓습니다). 이 S.S. 17-18세기는 엄격한 표기의 다성음(기능적으로 약하게 연결된 수직음이 여러 쌍의 철자음이 붙은 음성의 추가로 표시됨)과 20세기의 새로운 다성음과 현저하게 다릅니다.

17-18세기 음악에서 형성되는 중요한 경향. – 대조되는 부분의 연속. 이것은 역사적으로 안정적인 전주곡 – 푸가(전주곡 대신에 – 환타지, 토카타; 어떤 경우에는 org. toccata, Adagio 및 Bach의 C-dur 푸가)의 세 부분으로 된 순환이 형성됩니다. ). 반면에 작품은 대조되는 부분이 함께 연결된 곳에서 발생합니다(예: org. work. Buxtehude, Bach의 작품: 5파트 org. fantasy G-dur, XNUMX중 XNUMX성성 org. 푸가 Es-dur는 실제로 대조 합성 형식의 변종입니다.

비엔나 고전 음악에서 S. s. 매우 중요한 역할을 하며 후기 베토벤의 작품에서 주도적인 역할을 합니다. Haydn, Mozart, Beethoven은 동시성(Polyphony)을 사용하여 동음성 주제의 본질과 의미를 드러내고, 그들은 동시성(Polyphony)을 포함합니다. 교향곡의 과정에서 자금. 개발; 모방, 복잡한 대위법은 주제의 가장 중요한 방법이됩니다. 일하다; 베토벤의 음악에서 동시성(polyphony)은 드라마를 강제하는 가장 강력한 수단 중 하나로 밝혀졌습니다. 장력(예: 교향곡 3번의 "장례 행진곡"의 후가토). 비엔나 고전 음악은 질감의 다성화와 동음성 및 다성음의 대조가 특징입니다. 프레젠테이션. 다성화는 호모포닉-다성화 혼합이 형성될 정도로 높은 수준에 도달할 수 있습니다. 떼가 눈에 띄는 음악 유형이 정의됩니다. 폴리포닉 텐션 라인 섹션(소위 대규모 폴리포닉 형식). 호모포닉 구성으로 "박힌" 폴리포닉 에피소드는 음조, 대위법 및 기타 변화로 반복되어 예술을 받습니다. 전체의 틀 내에서 단일 형식으로 발전, 동음이의어 "구분법"(고전적인 예는 모차르트의 G-dur 387중주, K.-V. 19의 피날레). 20-21세기에는 다양한 변형의 큰 다성음 형식이 널리 사용되었습니다. (예: 바그너의 뉘른베르크의 거장가수 서곡, Myaskovsky의 교향곡 32번). 후기 베토벤의 작품에서는 동음이의 표현이 완전히 없거나 뮤즈에게 눈에 띄는 영향을 미치지 않는 복잡한 유형의 다성 소나타 알레그로가 정의되었습니다. 창고(피아노포르테 소나타 9번, 교향곡 20번의 첫 부분). 이 베토베니아 전통은 별도의 Op. I. 브람스; 그것은 여러 면에서 완전히 다시 태어난다. 가장 복잡한 제품 9세기: Taneyev의 "시편을 읽은 후" 칸타타의 마지막 합창단 1번, 교향곡 1번 힌데미트의 "예술가 마티스", 교향곡 5번의 XNUMX번 쇼스타코비치. 형식의 다성화는 또한 주기의 구성에 영향을 미쳤습니다. 피날레는 다성 음악의 종합 장소로 보이기 시작했습니다. 이전 프레젠테이션의 요소.

베토벤 이후 작곡가들은 전통 음악을 거의 사용하지 않았습니다. 다성음. 형태 C. s., 그러나 폴리포닉의 혁신적인 사용으로 이를 보상합니다. 자금. 따라서 19세기 음악의 일반적인 경향과 관련하여. 조형적 구체성과 그림의 아름다움을 위해 푸가와 푸가토는 뮤즈의 임무에 복종한다. 비유적 표현(예: Berlioz의 교향곡 "Romeo and Juliet"의 시작 부분에 있는 "Battle")은 때때로 환상적으로 해석됩니다. (예를 들어, Rimsky-Korsakov의 오페라 The Snow Maiden에서 fugato는 성장하는 숲을 묘사합니다. p. 번호 253), 쉼표. 계획(만화. 바그너의 '뉘른베르크의 대가성가' 2막 피날레의 '투신' 푸가, 베를리오즈의 '환상 교향곡' 피날레의 그로테스크한 ​​푸가 등). 2층의 특징인 새로운 복합종들이 있습니다. 19 인치 형식의 합성: 예를 들어, 오페라 Lohengrin의 도입부에서 Wagner는 다음과 같은 특징을 결합합니다. 변주곡과 푸가; 타네예프는 칸타타 “다마스쿠스의 요한” 1부에서 푸가와 소나타의 특성을 결합하고 있다. 19세기 다성음악의 업적 중 하나. 푸가의 교향곡이었다. 푸가의 원리(예리한 비유적 비교 없이 점진적이고 비유적인 억양의 공개. 승인을 목적으로 하는 주제의 내용)은 모음곡 1번의 1부에서 차이코프스키에 의해 수정되었습니다. 러시아 음악에서 이 전통은 타네예프에 의해 발전되었습니다(예를 들어, 칸타타 "다마스쿠스의 요한"의 마지막 푸가 참조). 음악에 내재되어 있습니다. 19세기 아트우. 이미지의 특이성, 독창성에 대한 열망은 S. 와. 대조되는 주제의 조합을 광범위하게 사용합니다. leitmotifs의 조합은 음악의 가장 중요한 구성 요소입니다. 바그너의 연극학; 다양한 주제의 조합에 대한 많은 예는 Op. 러시아 작곡가(예: 보로딘의 오페라 "이고르 왕자"의 "폴로브치아 춤", 림스키-코르사코프의 오페라 "보이지 않는 도시 키테즈와 페브로니아의 전설"의 "케르젠트 전투", "왈츠") ' 스트라빈스키의 발레 '페트루슈카' 등 ). 19세기 음악에서 시뮬레이션 형태의 가치 감소. 새로운 폴리포닉의 개발로 균형을 이룹니다. 리셉션(모든 면에서 무료, 투표 수 변경 허용). 그 중 - 다성. 선율적인 성격의 주제의 "분기"(예: Schumann의 "Symphonic etudes"의 etude XI gis-moll, in nocturne cis-moll op. 27 No.1 쇼팽); 이런 의미에서 b. A. Zuckerman은 "가사. 폴리포니'는 차이코프스키의 멜로디를 일컫는 말입니다. 착색 가사. 주제(예를 들어, 교향곡 1번의 첫 번째 부분의 측면 부분 또는 교향곡 4번의 느린 악장의 주요 주제 개발 중); 차이코프스키의 전통은 타네예프에 의해 채택되었습니다(예를 들어, c-moll과 피아노에서 교향곡의 느린 부분. XNUMX중주 지몰), 라흐마니노프(예: 피아노. 서곡 Es-dur, 시 "The Bells"의 느린 부분), Glazunov(main. 바이올린과 관현악을 위한 협주곡 1부 주제). 새로운 대위법 수신은 또한 대위법이 분리되지 않은 "계층의 다성음"이었습니다. 선율적인 목소리, 그러나 선율과 하모니. 콤플렉스(예를 들어, 슈만의 "교향곡 연습곡"의 연습곡 II에서). 이 유형의 다성 직물은 나중에 색상과 색상을 추구하면서 음악에서 다양한 용도로 사용되었습니다. 작업(예: fp. Debussy의 "The Sunken Cathedral" 전주곡), 특히 20세기의 다성음악에서. 하모니 멜로디. 투표는 C에게 근본적으로 새로운 것이 아닙니다. 와. 그러나 19세기에 받아들였습니다. 그것은 매우 자주 그리고 다른 방식으로 사용됩니다. 따라서 바그너는 이러한 방식으로 결론에서 특별한 다성-선율적 완성도를 달성합니다. Ch의 건설. 오페라 "뉘른베르크의 거장들" 서곡 부분(소절 71 이하). 하모니 멜로디. 시퀀스는 분해의 공존과 관련될 수 있습니다. 리드미컬한 음성 옵션(예: 도입부 "Ocian-sea blue"의 XNUMX분의 XNUMX과 XNUMX분의 XNUMX 조합, orc. 그리고 합창단. Rimsky-Korsakov의 오페라 서사시 "Sadko"의 4 번째 장면 시작 부분에서 상음의 변형). 이 특징은 con의 음악에서 눈부신 발전을 받은 기술인 "비슷한 도형의 조합"과 접촉합니다. 19 – 구걸. 20cc(예:

현대의 "새로운 폴리포니"는 인본주의적이고 열정적이며 윤리적으로 충만한 예술과 폴리포니의 자연적 지성이 합리성으로, 합리성이 합리주의로 퇴보하는 예술 사이의 투쟁에 존재합니다. 폴리포니 S. s. 20세기 – 모순되고 종종 상호 배타적인 현상의 세계. 일반적인 의견은 20 세기의 다성 음악입니다. 지배적이고 안정된 뮤즈 체계가 되었습니다. 생각은 상대적으로 사실일 뿐입니다. 20세기의 일부 대가들은 일반적으로 다음을 사용할 필요성을 느끼지 않습니다. (예: K. Orff), 전체 컴플렉스를 소유한 다른 사람들은 기본적으로 "동음이의(homophonic)" 작곡가(예: SS Prokofiev)로 남아 있음을 의미합니다. 많은 마스터(예: P. Hindemith)의 경우 폴리포니가 선두이지만 유일한 것은 아닙니다. 말하는 방식. 그러나 20세기의 많은 음악적, 창조적 현상. 폴리포니에 따라 발생하고 발전합니다. 예를 들어, 전례가 없는 드라마. 쇼스타코비치 교향곡의 표현에서 스트라빈스키의 미터 에너지의 "방출"은 다성음악에 밀접하게 의존합니다. 그들의 음악의 본질. 어떤 의미입니다. 폴리포닉 프로드. 20세기와 관련된 1층의 중요한 공간 중 하나. 세기 - 뮤즈의 객관적인 본성에 초점을 맞춘 신고전주의. 내용, 엄격한 스타일과 초기 바로크 양식의 다성 연주자에게서 형태 및 기법의 원리를 차용합니다(힌데미트의 "Ludus tonalis", "시편 교향곡"을 포함한 Stravinsky의 여러 작품). 폴리포니 분야에서 개발된 일부 기술은 20음성에서 새로운 방식으로 사용됩니다. pl. 음악의 특징. XNUMX세기의 언어는 다성(polytonality), 복잡한 형태의 폴리메트리(polymetry)와 같은 것을 의미합니다. 테이프 보이싱은 의심할 여지 없이 폴리포니의 파생물입니다.

20세기 폴리포니의 가장 중요한 특징. – 불협화음과 현대의 새로운 해석. 대위법은 일반적으로 불협화음 대위법입니다. 엄격한 스타일은 자음 자음을 기반으로합니다. 통과, 보조 또는 지연 음의 형태로만 발생하는 불협화음은 확실히 양쪽의 자음으로 둘러싸여 있습니다. S. 와. 자유롭게 취한 불협화음이 여기에 사용된다는 사실에 있습니다. 하나 또는 다른 허가를 반드시 찾아야 하지만, 준비가 필요하지 않습니다. 불협화음은 한 쪽의 협화음을 의미합니다. 그리고 마지막으로 음악 pl. 20세기 작곡가의 불협화음은 화음과 정확히 같은 방식으로 적용됩니다. 즉, 준비 조건뿐만 아니라 허가 조건에도 구속되지 않습니다. 자음과 무관한 독립적인 현상으로 존재한다. 불협화음은 다소간 조화로운 기능적 연결을 약화시키고 다성음의 "모임"을 방지합니다. 목소리를 화음으로, 수직으로 들을 수 있는 단일체로. 코드 기능적 계승은 주제의 움직임을 지시하지 않습니다. 이것은 멜로디-리듬(음악이 음조라면 음조) 독립성의 강화를 설명합니다. 목소리, 많은 다른 사람들의 작품에서 폴리포니의 선형적 특성. 현대 작곡가 (엄격한 글쓰기 시대의 대위법과의 유추를 쉽게 볼 수 있음). 예를 들어, 선율적(가로, 선형) 시작은 쇼스타코비치의 교향곡 1번(5번) 32악장의 전개로부터 절정의 이중 캐논에서 너무 많이 지배되어 귀가 화성을 알아차리지 못합니다. 목소리 사이의 수직적 관계. 20세기의 작곡가들은 전통을 사용합니다. 다성음을 의미합니다. 그러나 이것은 잘 알려진 기술의 단순한 재생산으로 간주될 수 없습니다. 오히려 우리는 현대에 대해 이야기하고 있습니다. 전통적인 수단의 강화, 그 결과 새로운 품질을 얻습니다. 예를 들어, 앞서 언급한 쇼스타코비치 교향곡에서 개발 초기(17번과 18번)의 푸가토는 답이 옥타브 증가로 인해 비정상적으로 가혹하게 들립니다. 20세기의 가장 일반적인 수단 중 하나입니다. "다성 레이어"가 되고 저수지의 구조는 무한히 복잡할 수 있습니다. 따라서 레이어는 때때로 많은 목소리의 병렬 또는 반대 움직임(클러스터 형성까지)으로 형성되고, 요행 기법(예: 시리즈의 주어진 사운드에 대한 즉흥 연주) 및 소노리스틱(리듬. canon(예: 스탠드에서 연주하는 현의 경우) 등 고전적인 다성 음악으로 알려져 있습니다. 오크 반대. 20세기의 많은 작곡가의 그룹이나 악기는 특정 "리듬적인 음색의 동시성"(예: Stravinsky의 The Rite of Spring 도입부에서)으로 변형되어 논리적으로 연결됩니다. 끝, "소리가 나는 효과의 동시성"이 된다(예를 들어, K. 펜데레키). 같은 방식으로 도데카포닉 음악에서 반전과 함께 직접 및 옆으로 이동하는 사용은 엄격한 스타일의 기술에서 비롯되지만 체계적인 사용과 전체 조직의 정확한 계산에서 비롯됩니다(항상 찬성하는 것은 아닙니다. 표현력) 다른 품질을 제공합니다. 폴리포닉에서. 20세기 음악의 전통적 형식이 수정되고 새로운 형식이 탄생하는데, 그 특징은 유물론의 본질과 일반적인 음향 구성과 불가분의 관계에 있다(예를 들어, 교향곡 op.

동시발음 20세기는 근본적으로 새로운 스타일을 형성합니다. "S. 와 함께.". 2층의 이 '슈퍼 프리' 스타일의 한계를 명확하게 정의했습니다. 20세기에는 그런 정의가 없으며 아직 일반적으로 통용되는 용어도 없습니다(때로는 "20세기의 새로운 다성음"이라는 정의가 사용됨).

S.와 함께 공부해요. 오랫동안 실용성만을 추구했습니다. 으. 목표 (F. Marpurg, I. Kirnberger 등). 전문가. 역사 및 이론 연구는 19 세기에 나타났습니다. (X. 리만). 일반화 작업은 20 세기에 만들어졌습니다. (예: E. Kurt의 "Fundamentals of Linear Counterpoint") 뿐만 아니라 특별합니다. 현대 폴리포니에 대한 미학적 작업. 러시아어로 된 광범위한 문헌이 있습니다. lang., S.의 연구에 전념했습니다. BV Asafiev는 이 주제를 반복적으로 언급했습니다. 일반화하는 성격의 작품 중에서 SS Skrebkov의 "Principles of Artistic Styles"와 VV Protopopov의 "Polyphony의 역사"가 두드러집니다. 폴리포니 이론의 일반적인 문제는 다른 많은 것들에서도 다루어집니다. 폴리포니 작곡가에 대한 기사.

2) 동시성 과정의 두 번째, 마지막 부분(엄격한 스타일 (2) 이후)입니다. 음악에서 소련의 대학에서 동시성(polyphony)은 이론적인 구성 수준에서 연구되며 일부에서는 연주될 것입니다. f-최대; 중등 학교에서. 기관 – 역사 이론에 대해서만. 학과 (연주학과에서는 음악 작품 분석을 위한 일반 과정에 다성 형식에 대한 지식이 포함됩니다). 코스의 내용은 계정에 의해 결정됩니다. 소련과 공화국 문화부가 승인한 프로그램. 민 너. S.의 코스. 서면 연습의 구현을 포함합니다 ch. 아. 푸가 형식의 곡(카논, 발명, 파사칼리아, 변주곡, 다양한 도입부, 푸가를 위한 희곡 등)도 작곡된다. 이 과정의 목표는 다성음 분석을 포함합니다. 다양한 시대와 스타일의 작곡가들의 작품. 약간의 작곡가 부서에서. 기관은 다성 기술의 개발을 연습했습니다. 즉흥 연주(GI Litinsky의 "Polyphony의 문제" 참조); 역사적, 이론적 f-max 음악에 대해. 소련의 대학은 역사적으로 동시성 현상에 대한 연구에 대한 접근 방식을 확립했습니다. 측면. 올빼미 교육 방법론. 으. 기관은 다성 음악과 관련 분야의 연결을 특징으로 합니다. - 솔페지오 A. Agazhanov와 D. Blum, Moscow, 2), 음악사 등

다성 음악을 가르치는 것은 오랜 교육적 배경을 가지고 있습니다. 전통. 17-18세기에. 거의 모든 작곡가는 교사였습니다. 작곡에 손을 대는 젊은 음악가들에게 경험을 전수하는 것이 관례였습니다. S. 님과 함께 가르치고 있습니다. 가장 큰 음악가에 의해 중요한 문제로 간주됩니다. 어. 리더십은 JP Sweelinck, JF Rameau를 떠났습니다. JS Bach는 그의 뛰어난 작품을 많이 만들었습니다. – 발명품, “The Well-Tempered Clavier”, “The Art of the Fugue” – 실용. 폴리포닉 작곡 및 연주에 대한 지침. 찌르다. S. s. – J. Haydn, S. Frank, J. Bizet, A. Bruckner. 계정에서 폴리포니 문제에 주의를 기울입니다. 가이드 P. Hindemith, A. Schoenberg. 러시아어와 올빼미의 다성 문화의 발전. 음악은 작곡가 NA Rimsky-Korsakov, AK Lyadov, SI Taneev, RM Glier, AV Aleksandrov, N. Ya의 활동으로 홍보되었습니다. 먀스코프스키. S. s를 가르치는 경험을 요약한 많은 교과서가 만들어졌습니다. 소련에서.

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