프레데릭 쇼팽 |
작곡가

프레데릭 쇼팽 |

프레 데 리크 쇼팽

생년월일
01.03.1810
사망일
17.10.1849
직업
작곡가
국가
폴란드

신비롭고, 악마적이며, 여성적이고, 용감하고, 이해할 수 없는 모든 사람들이 비극적 쇼팽을 이해합니다. S. 리히터

A. Rubinstein에 따르면 "쇼팽은 음유시인, 랩소디스트, 피아노의 영혼, 영혼입니다." 쇼팽의 음악에서 가장 독특한 점은 피아노와 관련되어 있습니다. 피아노의 떨림, 정교함, 모든 질감과 하모니의 "노래", 무지개 빛깔의 바람이 잘 통하는 "안개"로 멜로디를 감싸는 것입니다. 낭만적 인 세계관의 모든 다색성, 일반적으로 구현을 위해 기념비적 인 작곡 (교향곡 또는 오페라)이 필요한 모든 것은 피아노 음악의 위대한 작곡가이자 피아니스트에 의해 표현되었습니다 (쇼팽은 다른 악기, 인간의 목소리가 참여하는 작품이 거의 없습니다. 또는 오케스트라). 쇼팽의 낭만주의의 대조와 극단은 최고의 하모니로 바뀌었습니다. 불타는 열정, 증가된 감정적 "온도", 그리고 엄격한 전개 논리, 가사의 친밀한 기밀성, 교향곡 음계의 개념성, 예술성, 귀족적 세련미, 그리고 그 다음 그것에 – "민속 그림"의 원시적 순수성. 일반적으로 폴란드 민속의 독창성(형식, 선율, 리듬)은 폴란드 음악의 고전이 된 쇼팽의 음악 전체에 스며들었다.

쇼팽은 바르샤바 근처 Zhelyazova Wola의 프랑스 태생인 아버지가 백작가의 가정 복음 교사로 일했던 곳에서 태어났습니다. Fryderyk가 태어난 직후 쇼팽 가족은 바르샤바로 이사했습니다. 경이적인 음악적 재능은 어린 시절에 이미 나타납니다. 6세에 소년은 첫 작품(폴로네즈)을 작곡하고 7세에는 처음으로 피아니스트로 연주합니다. 쇼팽은 Lyceum에서 일반 교육을 받고 V. Zhivny에게서 피아노 레슨도 받습니다. J. Elsner의 지도하에 바르샤바 음악원(1826-29)에서 전문 음악가 양성이 완료됩니다. 쇼팽의 재능은 음악뿐만 아니라 어린 시절부터 시를 작곡하고 가정 공연에서 연주하고 훌륭하게 그림을 그렸습니다. 남은 생애 동안 쇼팽은 풍자 만화가의 재능을 유지했습니다. 그는 모든 사람이 틀림없이 이 사람을 알아볼 수 있도록 얼굴 표정으로 누군가를 그리거나 묘사할 수 있었습니다.

바르샤바의 예술적 삶은 초보 음악가에게 많은 인상을 남겼습니다. 이탈리아와 폴란드의 국립 오페라, 주요 예술가(N. Paganini, J. Hummel)의 순회 공연은 쇼팽에게 영감을 주어 그에게 새로운 지평을 열었습니다. 종종 여름 방학 동안 Fryderyk는 친구의 시골 영지를 방문하여 마을 음악가들의 연주를 들을 뿐만 아니라 때때로 자신이 악기를 연주하기도 했습니다. 쇼팽의 첫 작곡 실험은 폴란드 생활의 시적 춤(폴로네즈, 마주르카), 왈츠, 야상곡(서정적이고 사색적인 성격의 축소판)이었습니다. 그는 또한 콘서트 변주곡, 환상곡, 론도곡과 같은 당시 거장 피아니스트의 레퍼토리의 기초를 형성한 장르로 전환합니다. 그러한 작품의 재료는 원칙적으로 대중 오페라나 민요 폴란드 선율의 주제였습니다. WA 모차르트의 오페라 '돈 조반니'의 주제에 의한 변주곡에 대해 열광적인 기사를 쓴 R. Schumann의 뜨거운 호응을 얻었다. 슈만은 또한 다음과 같은 말을 소유하고 있습니다. "… 모차르트와 같은 천재가 우리 시대에 태어난다면 그는 모차르트보다 쇼팽과 같은 협주곡을 작곡할 것입니다." 2개의 협주곡(특히 E단조)은 XNUMX세 작곡가의 예술 세계의 모든 측면을 반영하는 쇼팽 초기 작품의 가장 높은 성과였습니다. 그 시절의 러시아 로맨스와 유사한 애가의 가사는 기교의 광채와 봄 같은 밝은 민속 장르의 주제로 시작됩니다. 모차르트의 완벽한 형식은 낭만주의 정신으로 가득 차 있습니다.

비엔나와 독일의 도시를 여행하는 동안 쇼팽은 폴란드 봉기(1830-31)의 패배 소식에 압도당했습니다. 폴란드의 비극은 고국으로 돌아갈 수 없다는 것과 함께 가장 강력한 개인적 비극이되었습니다 (쇼팽은 해방 운동에 참여한 일부 참가자의 친구였습니다). B. Asafiev가 언급했듯이 "그를 걱정시키는 충돌은 사랑의 피로의 다양한 단계와 조국의 죽음과 관련된 절망의 가장 밝은 폭발에 집중되었습니다." 이제부터 진정한 드라마가 그의 음악(G단조의 발라드, B단조의 스케르초, ​​C단조의 에뛰드, 종종 "혁명"이라고 불림)에 침투합니다. 슈만은 "… 쇼팽이 콘서트 홀에 베토벤의 정신을 도입했다"고 적었습니다. 발라드와 스케르초는 피아노 음악의 새로운 장르입니다. 발라드는 내러티브-극적인 성격의 상세한 로맨스라고 불 렸습니다. 쇼팽에게 이것은 시 유형의 큰 작품입니다(A. Mickiewicz와 폴란드 뒤마의 발라드의 인상으로 쓰여짐). 스케르초(보통 주기의 일부)도 다시 생각되고 있습니다. 이제 독립 장르로 존재하기 시작했습니다.

쇼팽의 이후 삶은 파리와 연결되어 1831년에 끝납니다. 이 들끓는 예술적 삶의 중심지에서 쇼팽은 다양한 유럽 국가의 예술가들을 만납니다. 작곡가 G. Berlioz, F. Liszt, N. Paganini, V. Bellini, J. Meyerbeer, 피아니스트 F. Kalkbrenner, 작가 G. Heine, A. Mickiewicz, George Sand, 작곡가의 초상화를 그린 예술가 E. Delacroix. 새롭고 낭만적인 예술의 중심지 중 하나인 30년대 XIX 세기의 파리는 학계에 맞서 싸웠습니다. 리스트에 따르면, "쇼팽은 공개적으로 낭만주의 대열에 합류했지만, 그럼에도 불구하고 그의 깃발에 모차르트의 이름을 썼습니다." 실제로 쇼팽이 그의 혁신에서 얼마나 멀리 갔는지에 상관없이(슈만과 리스트조차 그를 항상 이해한 것은 아니었습니다!), 그의 작업은 전통의 유기적 발전, 말하자면 마술적 변형의 성격에 있었습니다. 폴란드 낭만주의의 우상은 모차르트, 특히 JS 바흐였습니다. 쇼팽은 일반적으로 현대 음악을 거부했습니다. 거칠고 무례하고 극단적인 표현을 허용하지 않는 그의 고전적으로 엄격하고 세련된 취향이 여기에 영향을 미쳤을 것입니다. 모든 세속적 사교성과 친근함으로 인해 그는 억제되었고 내면 세계를 여는 것을 좋아하지 않았습니다. 그래서 그는 음악에 대해, 작품의 내용에 대해 거의 말을 하지 않았고 거의 농담처럼 위장하기도 했습니다.

파리 생활의 첫 해에 만들어진 에튀드에서 쇼팽은 예술적 내용을 표현하는 수단이자 그것과 분리될 수 없는 수단으로서의 기교에 대한 이해를 제공합니다. 그러나 쇼팽 자신은 콘서트에서 거의 공연하지 않았으며, 큰 홀보다 세속적인 살롱의 보다 편안한 분위기의 실내를 선호했습니다. 콘서트와 음악 출판물 수입이 부족했고 쇼팽은 피아노 레슨을 받아야 했다. 30대 후반. 쇼팽은 낭만주의 세계관의 주요 충돌을 반영하여 낭만주의의 진정한 백과사전이 된 전주곡의 순환을 완성합니다. 전주곡에서 가장 작은 조각, 즉 표현의 집중인 특별한 "밀도"가 달성됩니다. 그리고 다시 우리는 장르에 대한 새로운 태도의 예를 봅니다. 고대 음악에서 전주곡은 항상 어떤 작품의 도입부였습니다. 쇼팽과 함께 이것은 낭만적인 세계관과 매우 일치하는 격언과 "즉흥적인" 자유에 대한 절제된 표현을 유지하는 동시에 그 자체로 귀중한 작품입니다. 전주곡의 주기는 마요르카 섬에서 끝났고 쇼팽은 그의 건강을 개선하기 위해 조르주 상드(1838)와 함께 여행을 떠났습니다. 또한 쇼팽은 파리에서 독일로 여행(1834-1836)하여 멘델스존과 슈만을 만났고 칼스배드에서 그의 부모를 만났고 영국으로(1837) 갔다.

1840년 쇼팽은 그의 가장 비극적인 작품 중 하나인 소나타 3번 B 플랫 단조를 작곡했습니다. 그 세 번째 부분인 "장례 행진"은 오늘날까지 애도의 상징으로 남아 있습니다. 다른 주요 작품으로는 발라드(4), 스케르초(4), 환상곡 F단조, 바르카롤, 첼로, 피아노 소나타 등이 있습니다. 그러나 쇼팽에게는 낭만적인 미니어처 장르가 그다지 중요하지 않았습니다. 새로운 야상곡(총 약 20곡), 폴로네이즈(16곡), 왈츠(17곡), 즉흥곡(4곡)이 있습니다. 작곡가의 특별한 사랑은 마주르카였습니다. 폴란드 무용(mazur, kujawiak, oberek)의 억양을 시적으로 표현한 쇼팽의 52개의 마주르카는 가장 친밀한 표현인 작곡가의 "일기"인 서정적 고백이 되었습니다. "피아노 시인"의 마지막 작품이 애절한 F단조 마주르카 op인 것은 우연이 아닙니다. 68, No. 4 – 멀고 도달할 수 없는 조국의 이미지.

쇼팽의 전체 작품의 정점은 나단조 1844번 소나타(XNUMX)로, 다른 후기 작품과 마찬가지로 소리의 광채와 색상이 향상되었습니다. 불치병을 앓고 있는 작곡가는 자연과의 열광적인 황홀감, 빛으로 가득 찬 음악을 만듭니다.

생애 말년에 쇼팽은 잉글랜드와 스코틀랜드를 대대적으로 여행했는데(1848), 쇼팽은 그 이전에 조지 상드와의 관계가 단절된 것처럼 마침내 그의 건강을 해쳤습니다. 쇼팽의 음악은 F. Liszt에서 K. Debussy 및 K. Szymanowski에 이르기까지 이후 세대의 많은 작곡가에게 영향을 미쳤지만 절대적으로 독특합니다. 러시아 음악가 A. Rubinshtein, A. Lyadov, A. Skryabin, S. Rachmaninov는 그녀에게 특별한 "동족" 감정을 가지고 있었습니다. 우리에게 쇼팽의 예술은 낭만적 이상과 대담하고 투쟁으로 가득 찬 그것을 위해 노력하는 매우 통합적이고 조화로운 표현이 되었습니다.

K. 젠킨


30세기의 40~XNUMX년대, 세계 음악은 동유럽에서 온 세 가지 주요 예술 현상으로 풍요로워졌습니다. 쇼팽, 글린카, 리스트의 독창성과 함께 음악 예술의 역사에 새로운 페이지가 열렸습니다.

모든 예술적 독창성에도 불구하고, 그들의 예술의 운명에 눈에 띄는 차이가 있는 이 세 작곡가는 공통의 역사적 사명으로 뭉쳤습니다. 그들은 30세기 후반(XNUMX세기 초)의 범유럽 음악 문화의 가장 중요한 측면을 형성하는 국립 학교 창설을 위한 운동의 창시자였습니다. 르네상스 이후 XNUMX년 동안 세계적 수준의 음악적 창의성은 거의 독점적으로 세 개의 국립 센터를 중심으로 발전했습니다. 범유럽 음악의 주류로 유입된 모든 중요한 예술적 흐름은 이탈리아, 프랑스 및 오스트리아-독일 공국에서 나왔습니다. XNUMX 세기 중반까지 세계 음악 발전의 헤게모니는 전적으로 그들에게 속했습니다. 그리고 갑자기 XNUMX에서 시작하여 중부 유럽의 "주변부"에서 지금까지 음악 예술 발전의 "높은 길"에 진입하지 않은 국가 문화에 속하는 대규모 예술 학교가 차례로 나타났습니다. 모두 또는 오래 전에 떠났습니다. 그리고 오랫동안 그림자 속에 머물렀다.

이 새로운 국립 학교는 우선 러시아어(첫 번째는 아니더라도 곧 세계 음악 예술의 첫 번째 장소 중 하나를 차지함), 폴란드어, 체코어, 헝가리어, 노르웨이어, 스페인어, 핀란드어, 영어 등의 새로운 국립 학교가 요청되었습니다. 유럽 ​​음악의 고대 전통에 신선한 흐름을 불어넣습니다. 그들은 그녀에게 새로운 예술적 지평을 열었고 그녀의 표현 자원을 새롭게 하고 풍부하게 했습니다. XNUMX세기 후반의 범유럽 음악의 모습은 빠르게 번성하는 새로운 국립 학교 없이는 상상할 수 없습니다.

이 운동의 창시자는 동시에 세계 무대에 진출한 세 명의 작곡가들이다. 범유럽 전문 예술의 새로운 길을 개척한 이 예술가들은 민족 문화의 대표자로서 역할을 했으며, 지금까지 알려지지 않은 그들의 민족이 축적한 막대한 가치를 드러냈습니다. 쇼팽, 글링카, 리스트의 작품과 같은 규모의 예술은 준비된 국가 토양에서만 형성될 수 있고, 고대의 발전된 정신 문화의 결실로 성숙하고, 그 자체로 고갈되지 않고 지속적으로 탄생하는 음악적 전문성의 자체 전통 민속학. 서유럽의 일반적인 전문 음악 규범을 배경으로 동유럽 국가의 여전히 "손대지 않은"민속의 밝은 독창성은 그 자체로 엄청난 예술적 인상을 남겼습니다. 그러나 쇼팽, 글린카, 리스트와 그들의 국가 문화와의 연결은 물론 여기서 끝나지 않았습니다. 민족의 이상, 열망과 고통, 지배적인 심리적 구성, 역사적으로 확립된 예술적 삶의 형태와 삶의 방식, 이 모든 것이 음악 민속에 대한 의존과 마찬가지로 이 예술가들의 창조적 스타일의 특징을 결정했습니다. Fryderyk Chopin의 음악은 그러한 폴란드 사람들의 정신을 구현한 것이었습니다. 작곡가가 자신의 창조적 인 삶의 대부분을 고국 밖에서 보냈다는 사실에도 불구하고 우리가 우리 나라가 될 때까지 전 세계가 볼 때 일반적으로 인정받는 주요 국가의 대표자 역할을 할 운명이었습니다. 시각. 음악이 모든 교양 있는 사람들의 일상적인 영적 생활에 스며든 이 작곡가는 주로 폴란드인의 아들로 인식됩니다.

쇼팽의 음악은 즉시 보편적인 인정을 받았습니다. 새로운 예술을위한 투쟁을 주도하는 낭만적 인 작곡가를 이끄는 것은 그에게 같은 생각을 가진 사람이라고 느꼈습니다. 그의 작업은 그의 세대의 진보된 예술적 탐구의 틀에 자연스럽고 유기적으로 포함되었습니다. (쇼팽이 "Davidsbündlers" 중 한 명으로 등장하는 슈만의 비평 기사뿐 아니라 그의 "사육제"도 기억해 봅시다.) 그의 예술의 새로운 서정적 주제는 이제 낭만적인 꿈을 꾸고 폭발적으로 극적인 굴절을 특징으로 합니다. 음악적(특히 하모닉) 언어의 대담함, 장르 및 형식 분야의 혁신 - 이 모든 것이 Schumann, Berlioz, Liszt, Mendelssohn의 검색을 반영했습니다. 동시에 쇼팽의 예술은 모든 동시대 예술가들과 구별되는 사랑스러운 독창성이 특징이었습니다. 물론 쇼팽의 독창성은 동시대 사람들이 즉시 느꼈던 폴란드 민족적 기원에서 비롯되었습니다. 그러나 쇼팽 양식의 형성에서 슬라브 문화의 역할이 아무리 크다고 해도 그가 진정으로 놀라운 독창성 덕분에 그런 것은 아닙니다. 쇼팽은 다른 어떤 작곡가와도 달리 언뜻 보기에 다음과 같은 예술적 현상을 결합하고 융합할 수 있었습니다. 상호 배타적 인 것 같습니다. 쇼팽의 창의성이 가장 다양하고 때로는 극단적인 흐름을 기반으로 하는 놀랍도록 통합적이고 개별적이며 매우 설득력 있는 스타일로 결합되지 않는다면 쇼팽의 창의성의 모순에 대해 말할 수 있습니다.

따라서 쇼팽 작품의 가장 큰 특징은 바로 그 거대하고 즉각적인 접근성이다. 즉각적이고 깊이 침투하는 영향력에서 쇼팽의 음악과 견줄 수 있는 음악을 가진 다른 작곡가를 찾기가 쉽습니까? 수백만 명의 사람들이 "쇼팽을 통해" 전문 음악을 접하게 되었고, 일반적으로 음악적 창의성에 무관심한 많은 사람들이 쇼팽의 "말"을 예리한 감정으로 인식합니다. 베토벤의 교향곡 XNUMX번이나 소나타 비창, 차이코프스키의 교향곡 XNUMX번 또는 슈베르트의 "미완성"과 같은 다른 작곡가의 개별 작품만이 쇼팽의 각 마디의 엄청난 즉각적인 매력과 비교할 수 있습니다. 작곡가가 살아 있는 동안에도 그의 음악은 청중과 싸워야 했고 보수적인 청중의 심리적 저항을 극복할 필요가 없었습니다. 이는 XNUMX세기 서유럽 작곡가들 사이에서 모든 용감한 혁신가들이 공유한 운명이었습니다. 이런 의미에서 쇼팽은 현대 서유럽 낭만주의보다는 새로운 민족민주주의파(주로 XNUMX세기 후반에 설립된)의 작곡가들에 더 가깝다.

한편, 그의 작업은 XNUMX세기의 국가 민주주의 학교에서 발전된 전통으로부터의 독립성을 동시에 두드러지게 합니다. 오페라, 일상 로맨스, 프로그램 교향악 등 민족 민주주의 학교의 다른 모든 대표자들에게 주요 및 지원 역할을 한 것은 정확히 쇼팽의 유산에서 완전히 부재하거나 그 유산에서 부차적인 위치를 차지하는 장르입니다.

쇼팽의 전임자와 동시대 작곡가들에게 영감을 준 국립 오페라를 만들고자 하는 꿈은 그의 예술에서 실현되지 않았습니다. 쇼팽은 뮤지컬에 관심이 없었다. 일반적으로 교향곡, 특히 프로그램 음악은 전혀 들어가지 않았다. 그의 예술적 관심 범위. 쇼팽이 만든 가곡은 어느 정도 관심을 끌기는 하지만 그의 모든 작품에 비하면 순전히 부차적인 위치를 차지한다. 그의 음악은 민족민주주의 학교 예술의 특징인 "객관적" 단순함, 스타일의 "민족학적" 명도와는 이질적이다. 마주르카에서도 쇼팽은 Moniuszko, Smetana, Dvorak, Glinka 및 민속 무용 또는 일상 무용 장르에서 작업한 다른 작곡가들과 차별화됩니다. 마주르카에서 그의 음악은 신경질적인 예술성과 그가 표현하는 모든 생각을 구별하는 영적인 세련미로 가득 차 있습니다.

쇼팽의 음악은 최고의 의미에서의 세련미, 우아함, 정교하게 연마된 아름다움의 정수입니다. 그러나 외견상 귀족 살롱에 속해 있는 이 예술이 수천 명의 대중의 감정을 복종시키고 위대한 웅변가나 대중 호민관에게 주어지는 것 못지 않은 힘으로 전달한다는 사실을 부인할 수 있습니까?

쇼팽 음악의 '살롱니스'는 다른 면인데, 이는 작곡가의 일반적인 창작 이미지와 첨예하게 모순되는 것처럼 보인다. 살롱과 쇼팽의 관계는 논쟁의 여지가 없고 명백합니다. XNUMX세기에 쇼팽의 음악에 대한 좁은 살롱 해석이 탄생한 것은 우연이 아닙니다. 쇼팽의 음악은 XNUMX세기에도 서구의 일부 지역에서 지방 생존의 형태로 보존되었습니다. 공연자로서 쇼팽은 콘서트 무대를 좋아하지 않았고 두려워했으며 인생에서 주로 귀족적인 환경에서 이사했으며 세속적 인 살롱의 세련된 분위기는 항상 그에게 영감과 영감을주었습니다. 세속적인 살롱이 아니라면 어디에서 쇼팽 스타일의 흉내낼 수 없는 세련미의 기원을 찾아야 합니까? 화려한 연기 효과가 전혀 없는 그의 음악의 특징인 기교의 화려함과 "고급스러운" 아름다움은 실내 환경뿐만 아니라 선택된 귀족 환경에서도 비롯되었습니다.

그러나 동시에 쇼팽의 작업은 살롱리즘의 완전한 대립이다. 감정의 피상성, 거짓된, 진정한 기교가 아닌 자세, 자세, 깊이와 내용을 희생하면서 형식의 우아함 강조 - 이러한 세속적 살롱리즘의 필수 속성은 쇼팽에게 절대적으로 이질적인 것입니다. 표현 형식의 우아함과 세련됨에도 불구하고 쇼팽의 말은 항상 진지함으로 가득 차 있고 생각과 감정의 엄청난 힘으로 가득 차서 단순히 듣는 사람을 흥분시키지는 않지만 종종 충격을 줍니다. 그의 음악의 심리적, 정서적 영향은 너무 커서 서방에서는 도스토예프스키, 체호프, 톨스토이와 같은 러시아 작가들과 비교되기도 했으며, 그들과 함께 "슬라브 영혼"의 깊이를 드러냈다고 믿었습니다.

쇼팽의 모순처럼 보이는 특징을 하나 더 주목합시다. 세계 음악의 발전에 깊은 흔적을 남기고 다양한 새로운 아이디어를 자신의 작업에 반영한 천재 예술가는 피아니스트 문학만으로도 자신을 완전히 표현할 수 있음을 발견했습니다. 쇼팽의 전임자나 추종자 중 어느 작곡가도 그와 같이 전적으로 피아노 음악의 틀에 국한되지 않았습니다(피아노를 위해 작곡한 것이 아닌 쇼팽의 작품은 그의 창조적 유산에서 그다지 중요하지 않은 위치를 차지하여 다음과 같은 그림을 바꾸지 않습니다. 전체) .

XNUMX세기의 서유럽 음악에서 피아노의 혁신적인 역할이 아무리 크다고 해도, 베토벤을 시작으로 모든 서유럽의 주요 작곡가들이 피아노에 얼마나 큰 찬사를 보냈다고 해도, 베토벤의 가장 위대한 피아니스트를 포함하여 그들 중 누구도 그것에 대해 찬사를 보내지 않았습니다. 세기, Franz Listzt는 표현 가능성에 완전히 만족하지 못했습니다. 언뜻 보기에 쇼팽의 피아노 음악에 대한 독점적인 헌신은 편협한 인상을 줄 수 있습니다. 그러나 사실, 그가 한 도구의 능력에 만족할 수 있었던 것은 아이디어의 빈곤이 결코 아닙니다. 피아노의 모든 표현 자원을 독창적으로 이해한 쇼팽은 이 악기의 예술적 경계를 무한히 확장하고 이전에는 볼 수 없었던 포괄적인 의미를 부여할 수 있었습니다.

피아노 문학 분야에서 쇼팽의 발견은 교향곡이나 오페라 음악 분야에서 동시대의 업적보다 열등하지 않았습니다. 팝 피아니즘의 거장 전통이 Weber가 뮤지컬 극장에서만 발견한 새로운 창조적 스타일을 찾는 것을 방해했다면; 베토벤의 피아노 소나타가 그 모든 엄청난 예술적 의미에 대해, 뛰어난 교향악단의 훨씬 더 높은 창조적 높이에 대한 접근이었다면; 창조적 성숙에 도달한 리스트가 피아노 작곡을 거의 포기하고 주로 교향곡 작업에 전념했다면; 피아노 작곡가로서의 자질을 가장 잘 드러낸 슈만이 XNUMX년 만에 이 악기에 찬사를 보냈다고 해도 쇼팽에게는 피아노 음악이 전부였다. 작곡가의 창작 연구실이자 그의 가장 높은 일반화 업적이 나타난 영역입니다. 그것은 새로운 거장 기술을 확인하는 형태이자 가장 깊은 친밀한 분위기를 표현하는 영역이었습니다. 여기에서 놀라운 충만감과 놀라운 창의적 상상력으로 사운드의 "관능적"다채롭고 색채적인 측면과 대규모 음악 형식의 논리가 동등하게 완벽하게 실현되었습니다. 또한 XNUMX세기 유럽 음악의 발전 과정에서 제기된 문제 중 일부를 쇼팽은 피아노 작품에서 교향곡 장르 분야의 다른 작곡가들이 달성한 것보다 더 높은 수준에서 더 큰 예술적 설득력으로 해결했습니다.

쇼팽 작품의 '주제'를 논할 때도 모순처럼 보인다.

쇼팽은 조국과 민족의 역사, 삶, 예술을 찬미하는 민족적이고 민속적인 예술가였습니까? 아니면 친밀한 경험에 몰두하고 서정적인 굴절로 전 세계를 지각하는 낭만적인 사람이었습니까? 그리고 XNUMX 세기의 음악 미학의이 두 가지 극단적 인 측면이 조화로운 균형으로 그와 결합되었습니다.

물론 쇼팽의 주된 창작 테마는 그의 조국에 대한 테마였습니다. 폴란드의 이미지 - 장엄한 과거의 그림, 민족 문학의 이미지, 현대 폴란드인의 삶, 민속 무용과 노래의 소리 - 이 모든 것이 쇼팽의 작품을 끝없이 이어지며 주요 내용을 형성합니다. 무궁무진한 상상력으로 쇼팽은 이 한 가지 주제를 다양화할 수 있었고, 이것이 없으면 그의 작품은 즉시 모든 개성, 풍부함 및 예술적 힘을 잃게 될 것입니다. 어떤 의미에서 그는 "일체형" 창고의 예술가라고 부를 수도 있습니다. 예민한 음악가인 슈만이 쇼팽의 작품에 담긴 혁명적 애국적 내용을 단숨에 높이 평가해 '꽃 속에 숨겨진 총'이라고 칭한 것은 놀라운 일이 아니다.

"... 북부의 강력한 독재 군주가 쇼팽의 작품과 마주르카의 단순한 선율에서 자신에게 얼마나 위험한 적이 있는지 알았다면 음악을 금지했을 것입니다 ..." – 독일 작곡가는 이렇게 썼습니다.

그러나 이 '민중가수'의 전체적인 모습은 조국의 위대함을 노래하는 방식에서 현대 서구 낭만주의 작사가의 미학과 깊숙이 흡사한 무언가가 있다. 폴란드에 ​​대한 쇼팽의 사상과 사상은 '달성할 수 없는 낭만적인 꿈'의 형태를 띠고 있었다. 쇼팽과 그의 동시대 사람들의 눈에는 거의 절망적인 폴란드의 운명은 그의 조국에 대한 그의 감정에 도달할 수 없는 이상에 대한 고통스러운 열망의 특성과 아름다운 과거에 대한 열정적으로 과장된 감탄의 그늘을 부여했습니다. 서유럽 낭만주의의 경우 회색 일상에 대한 저항, "속물과 상인"의 현실 세계에 대한 저항은 존재하지 않는 아름다운 환상의 세계(독일 시인 노발리스의 "푸른 꽃", 영국 낭만주의 워즈워스(Wordsworth)의 "육상이나 바다의 누구도 볼 수 없는 소름 끼치는 빛", 베버와 멘델스존에서 오베론의 마법의 영역에 따르면, 베를리오즈에서 접근할 수 없는 연인의 환상적인 유령에 따르면 등). 쇼팽에게 평생의 '아름다운 꿈'은 자유 폴란드의 꿈이었습니다. 그의 작품에는 일반적으로 서유럽 낭만주의의 특징인 매혹적이고 내세적이며 동화 같은 환상적인 주제가 없습니다. Mickiewicz의 낭만적인 발라드에서 영감을 받은 그의 발라드 이미지조차도 명확하게 인지할 수 있는 동화적 풍미가 없습니다.

무한한 아름다움의 세계에 대한 쇼팽의 그리움은 몽환적인 꿈의 세계에 대한 끌림의 형태가 아니라 꺼지지 않는 향수의 형태로 나타났다.

쇼팽은 XNUMX세 때부터 외국 땅에서 살아야 했고, 그 후 거의 XNUMX년 동안 그의 발은 폴란드 땅에 발을 들이지 않았다는 사실은 조국과 관련된 모든 것에 대한 그의 낭만적이고 몽환적인 태도를 필연적으로 강화했습니다. 그의 견해에 따르면 폴란드는 현실의 거친 특징이없고 서정적 경험의 프리즘을 통해 인식되는 아름다운 이상처럼되었습니다. 그의 마주르카에서 발견되는 "장르 그림", 또는 폴로네즈의 예술적 행렬에 대한 거의 프로그램적인 이미지, 또는 미키에비치의 서사시에서 영감을 받은 그의 발라드의 광범위한 극적 캔버스 - 이 모든 것이 순수한 것과 같은 정도입니다. 쇼팽은 심리적 스케치를 객관적인 "유형" 밖에서 해석합니다. 이상화된 기억이나 황홀한 꿈, 애가의 슬픔이나 격렬한 항의, 덧없는 환상이나 번쩍이는 믿음입니다. 그렇기 때문에 쇼팽은 그의 작업이 그 장르와 분명한 연관성을 가지고 있음에도 불구하고 폴란드의 일상적인 민속 음악과 그 민족 문학 및 역사를 가지고 있음에도 불구하고 객관적인 장르의 작곡가, 서사적 또는 연극적-극적 창고가 아니라 인식되는 이유입니다. 작사가이자 몽상가로. 그렇기 때문에 그의 작품의 주요 내용을 이루는 애국적이고 혁명적인 모티프는 연극의 객관적 리얼리즘과 관련된 오페라 장르나 토양의 가계 전통에 기반한 노래에서 구현되지 않았다. 쇼팽 자신이 꿈과 서정적인 분위기의 이미지를 표현할 수 있는 엄청난 기회를 발견하고 개발한 쇼팽의 사고의 심리적 창고에 이상적으로 일치하는 것은 정확히 피아노 음악이었습니다.

우리 시대까지 쇼팽 음악의 시적 매력을 능가한 작곡가는 없습니다. 우울한 "달빛"에서 열정의 폭발적인 드라마 또는 기사도적 영웅에 이르기까지 모든 다양한 분위기와 함께 쇼팽의 문장은 항상 높은 시로 가득 차 있습니다. 쇼팽 음악의 토대, 민족적 토양, 혁명적 분위기와 비교할 수 없는 시적 영감, 절묘한 아름다움이 놀라운 조합을 이룬 것은 쇼팽의 엄청난 인기를 설명하는 것입니다. 오늘날까지 그녀는 음악에서 시 정신의 구현으로 인식되고 있다.

* * *

이후의 음악적 창의성에 대한 쇼팽의 영향은 위대하고 다재다능합니다. 그것은 피아니스트의 영역뿐만 아니라 음악 언어 분야(온음의 법칙에서 화성을 해방하려는 경향)와 음악 형식 분야(본질적으로 쇼팽은 기악 음악에서 처음으로 낭만주의의 자유로운 형태를 창조하십시오), 그리고 마지막으로 – 미학에서. 그가 이룩한 국토원칙과 최고 수준의 근대적 전문성의 융합은 여전히 ​​민족민주주의파 작곡가들의 기준이 될 수 있다.

1894세기 러시아 작곡가들이 발전시킨 경로에 대한 쇼팽의 친밀감은 러시아의 음악적 사상(Glinka, Serov, Stasov, Balakirev)의 뛰어난 대표자들에 의해 표현된 그의 작품에 대한 높은 평가에서 드러났습니다. Balakirev는 XNUMX의 Zhelyazova Vola에 Chopin 기념비를 여는 데 앞장섰습니다. 쇼팽 음악의 뛰어난 해석가는 안톤 루빈스타인이었다.

V. 코넨


구성 :

피아노와 오케스트라용:

콘서트 — 1위 이몰 op. 11(1830) 및 아니요. 2 f-몰 op. 21(1829), 모차르트 오페라 Don Giovanni op. 2(“손을 주세요, 아름다움” ​​– “La ci Darem la mano”, 1827), rondo-krakowiak F-dur op. 14, 폴란드 주제에 의한 환상 A-dur op. 13(1829), Andante spianato와 polonaise Es-dur op. 22(1830-32);

챔버 기악 앙상블:

피아노와 첼로를 위한 소나타 g-moll op. 65(1846), Rossini의 Cinderella(1830?)를 주제로 한 플루트와 피아노를 위한 변주곡, 피아노와 첼로를 위한 도입부와 폴로네즈 C-dur op. 3(1829), Meyerbeer의 Robert the Devil, O. Franchomme(1832?), 피아노 트리오 g-moll op. 8(1828);

피아노:

소나타 c 단조 op. 4(1828), b-moll op. 35(1839), b-moll op. 58(1844), 콘서트 Allegro A-dur op. 46(1840-41), 환상 f단조 op. 49(1841), 4 발라드 – G단조 op. 23(1831-35), F장조 op. 38(1839), A장조 op. 47(1841), F단조 op. 52(1842), 4 스케르초 – B단조 op. 20(1832), B단조 op. 31(1837), C 샤프 단조 op. 39(1839), E 장조 op. 54(1842), 즉석 4 — As-dur op. 29(1837), Fis-dur op. 36(1839), Ges-dur op. 51(1842), 환상 즉흥 cis-moll op. 66(1834), 21야행 (1827-46) – 3 op. 9(B단조, E 플랫장조, B장조), 3 op. 15(F장조, F장조, G단조), 2 op. 27(다장조, 다장조), 2 op. 32(H장조, A플랫장조), 2 op. 37(G단조, G장조), 2 op. 48(C단조, F샤프단조), 2 op. 55(F단조, E 플랫장조), 2 op.62(H장조, E장조), op. 72 E단조(1827), C단조 op. (1827), C 샤프 단조 (1837), 4 론도 – 다단조 op. 1(1825), F장조(mazurki 스타일) 또는. 5(1826), E 플랫 장조 op. 16(1832), 다장조 op. 메일 73(1840), 27 연구 – 12 op. 10(1828-33), 12 op. 25(1834-37), 3 "새로운"(F 단조, A 장조, D 장조, 1839); 애무 – 24 op. 28(1839), C 샤프 단조 op. 45(1841); 왈츠 (1827-47) — A 플랫 메이저, E 플랫 메이저(1827), E 플랫 메이저 op. 18, 3 op. 34(A 플랫 메이저, A 마이너, F 메이저), A 플랫 메이저 op. 42, 3 op. 64(D장조, C샤프단조, A플랫장조), 2 op. 69(A 플랫 메이저, B 마이너), 3 op. 70(G 장조, F 단조, D 장조), E 장조(대략 1829), A 단조(con. 1820-х г.), E 단조(1830); 마주르카 – 4 op. 6(F 샤프 마이너, C 샤프 마이너, E 장조, E 플랫 마이너), 5 op. 7(B장조, A단조, F단조, A장조, C장조), 4 op. 17(B장조, E단조, A장조, A단조), 4 op. 24(G단조, C장조, A장조, B단조), 4 op. 30(C단조, B단조, D장조, C샤프단조), 4 op. 33(G단조, D장조, C장조, B단조), 4 op. 41(C 샤프단조, E단조, B장조, A플랫장조), 3 op. 50(G장조, A플랫장조, C샤프단조), 3 op. 56(나장조, 다장조, 다단조), 3 op. 59(A단조, A장조, F샤프단조), 3 op. 63(B장조, F단조, C샤프단조), 4 op. 67(G장조 및 C장조, 1835; G단조, 1845; A단조, 1846), 4 op. 68(C장조, A단조, F장조, F단조), 폴로네즈 (1817-1846) — g-장조, B-장조, As-major, gis-minor, Ges-major, b-단조, 2 op. 26(시스 스몰, 에스 스몰), 2 op. 40(A장조, c단조), 44단조 op. 53, As-dur op. 61, As-dur(순수 근육) op. 3, 71 op. 43(d단조, B장조, f단조), 플루트 As-major op. 1841(XNUMX), 2개의 카운터 댄스 (B-dur, Ges-dur, 1827), 3 에코세이 (D장조, G장조, 데장조, 1830), 볼레로 C장조 op. 19(1833); 피아노 4 손 – D-dur(Moore의 주제에 따라 보존되지 않음), F-dur(둘 다 1826년 주기)의 변형; 두 대의 피아노를 위해 — 론도 C장조 op. 73(1828); 목소리와 피아노를 위한 19곡 – op. 74(1827-47, S. Witvitsky, A. Mickiewicz, Yu. B. Zalesky, Z. Krasiński 등의 시), 변화 (1822-37) – 독일 노래 E-dur (1827), Reminiscence of Paganini (나폴리 노래 "Carnival in Venice", A-dur, 1829)를 주제로, Herold의 오페라 주제에 “Louis”(B-dur op. 12, 1833), Bellini의 오페라 Le Puritani, Es-dur(1837) 중 청교도의 행진을 주제로, barcarolle Fis-dur op. 60(1846), Cantabile B-dur(1834), Album Leaf(E-dur, 1843), 자장가 Des-dur op. 57(1843), Largo Es-dur(1832?), Funeral March(c-moll op. 72, 1829).

댓글을 남겨주세요.