영화 음악 |

영화음악은 영화의 중요한 표현수단 중 하나인 작품의 구성요소이다. art-va 뮤즈의 발전. 영화의 디자인은 무성 시대와 사운드 시네마 시대를 구분한다.

무성 영화에서 음악은 아직 영화의 일부가 아니었습니다. 그녀는 영화를 만드는 과정이 아니라 시연 중에 등장했습니다. 영화 상영에는 피아니스트-일러스트레이터, 트리오, 때로는 오케스트라가 동반되었습니다. 그럼에도 불구하고 음악이 절대적으로 필요합니다. 반주는 이미 영화 기술 발전의 초기 단계에서 사운드-비주얼 특성을 드러냈습니다. 음악은 무성영화의 필수 동반자가 되었습니다. 영화에 추천하는 음악 앨범이 발매되었습니다. 공장. 음악가 - 일러스트 레이터의 작업을 용이하게하면서 동시에 다양한 예술의 종속, 표준화의 위험을 초래했습니다. 직접적인 설명의 단일 원칙에 대한 아이디어. 예를 들어 멜로 드라마에는 히스테리 로맨스 음악, 만화가 동반되었습니다. 유머러스한 영화, 스케르초, ​​모험 영화 등을 전속력으로 달리는 등. 영화를 위한 독창적인 음악을 만들려는 시도는 영화가 처음 등장한 때로 거슬러 올라갑니다. 1908년 C. Saint-Saens는 영화 The Assassination of Guise of Guise의 초연을 위해 음악(현악기, 악기, 피아노 및 하모니움 5부 모음)을 작곡했습니다. 미국 독일에서도 비슷한 실험을 했다.

소브에서. 새롭고 혁신적인 영화 예술의 출현과 함께 영화 촬영에 대한 다른 접근 방식이 생겨났습니다. 즉, 독창적인 클라비에와 악보가 만들어지기 시작했습니다. 특정 영화의 반주. 가장 유명한 것 중 하나는 DD Shostakovich의 영화 "New Babylon"(1929)의 음악입니다. 1928년에. 작곡가 E. Meisel은 올빼미를 표현하기 위해 음악을 썼습니다. 베를린에서 영화 "전함 포템킨". 작곡가들은 영화 촬영술의 연극학에 의해 결정된 독특하고 독립적이며 구체적인 음악적 해법을 모색했습니다. 생산, 내부 조직.

녹음 장비의 발명으로 각 영화는 고유한 사운드트랙을 받았습니다. 그의 음역에는 들리는 단어와 소음이 포함됩니다.

사운드 시네마의 탄생 이후, 이미 1930년대. 영화 촬영은 프레임 내에서 구체적이고 동기가 부여되고 프레임, 라디오 확성기, 캐릭터의 노래 등으로 정당화되고 오프 스크린 - "작가", "조건부"로 분할되었습니다. 화면 밖의 음악은 말 그대로 액션에서 제거됨과 동시에 영화의 사건을 특징짓는 동시에 플롯의 숨겨진 흐름을 표현합니다.

줄거리를 날카롭게 각색한 것이 특징이었던 30년대 영화에서는 소리나는 텍스트가 큰 비중을 차지했다. 말과 행동은 캐릭터를 특징짓는 가장 중요한 수단이 되었습니다. 이러한 영화적 구조는 많은 양의 프레임 내 음악을 필요로 했으며, 이는 액션의 시간과 장소를 직접적으로 구체화했습니다. 작곡가들은 뮤즈에 대한 자신만의 해석을 제시하려고 했습니다. 이미지; 프레임 내 음악이 화면에서 벗어났습니다. 30대 초반. 의미 있고 중요한 영화로서의 음악의 의미론적 포함을 찾는 것으로 특징지어진다. 요소. 영화의 등장인물과 사건의 음악적 특성화의 가장 인기 있는 형태 중 하나는 노래입니다. 이 기간 동안 음악이 널리 보급됩니다. 대중가요를 원작으로 한 코미디 영화.

이 종의 K. 클래식 샘플은 IO Dunaevsky가 만들었습니다. 그의 음악, 영화용 노래("Merry Fellows", 1934, "Circus", 1936, "Volga-Volga", 1938, dir. GA Alexandrov; "Rich Bride", 1938, "Kuban Cossacks", 1950, IA 감독) Pyriev), 특성, 주제의 주제로 구별되는 쾌활한 태도로 가득 차 있습니다. 단순함, 성실함이 엄청난 인기를 얻었습니다.

Dunayevsky와 함께 영화 디자인의 노래 전통은 작곡가 br. Pokrass, TN Khrennikov 및 기타, 나중에 50년대 초. NV Bogoslovsky, A. Ya. Eshpay, A. Ya. Lepin, AN Pakhmutova, AP Petrov, VE Basner, MG Fradkin 및 기타 영화 "Chapaev"(70, 감독 형제 Vasiliev, comp. GN Popov)는 프레임 내 음악 선택의 일관성과 정확성으로 구별됩니다. 단일 화음이 있는 영화의 노래-억양 구조(극적 전개의 기초는 민요)는 차파예프의 이미지를 직접적으로 특징짓는다.

30년대 영화에서. 이미지와 음악의 관계는 Ch. 아. 평행주의의 원리에 따라: 음악은 이런저런 감정을 강화하고, 영화의 작가가 만든 분위기, 인물에 대한 태도, 상황 등은 그것을 심화시킵니다. 이와 관련하여 가장 큰 관심을 끌었던 것은 영화 Alone(1931, 감독 GM Kozintsev), The Golden Mountains(1931, 감독 SI Yutkevich), The Counter(1932, FM Ermler 감독, SI Yutkevich)에 대한 DD Shostakovich의 혁신적인 음악이었습니다. Shostakovich와 함께 주요 올빼미가 영화관에옵니다. 교향곡 작곡가 - SS Prokofiev, Yu. A. Shaporin, AI Khachaturian, DB Kabalevsky 등. 그들 중 많은 사람들이 평생 동안 영화에서 협력합니다. 종종 K.에서 발생한 이미지는 독립 교향곡의 기초가되었습니다. 또는 보컬 교향곡. 찌르다. (Prokofiev 등의 칸타타 "Alexander Nevsky"). 작곡가들은 무대감독들과 함께 근본적인 뮤즈를 찾고 있다. 영화의 결정, 영화에서 음악의 위치와 목적의 문제를 이해하기 위해 노력합니다. 진정으로 창의적인 커뮤니티가 컴퓨터를 연결했습니다. SS Prokofiev 및 dir. 영화의 사운드-비주얼 구조 문제를 작업한 SM Eisenstein. Eisenstein과 Prokofiev는 음악과 시각 예술 사이의 독창적인 상호 작용 형태를 발견했습니다. 에이젠슈타인의 영화 "Alexander Nevsky"(1938)와 "Ivan the Terrible"(첫 번째 시리즈 – 1년, 스크린에 공개된 두 번째 – 1945년)에 대한 Prokofiev의 음악은 뮤즈의 간결함, 조각적 볼록함으로 구별됩니다. 이미지, 리듬 및 다이내믹과의 정확한 일치를 묘사합니다. 솔루션(혁신적으로 개발된 사운드-비주얼 대위법은 영화 "Alexander Nevsky"의 Battle on the Ice 장면에서 특별한 완성도에 도달합니다). 영화에서의 공동 작업, Eisenstein과 Prokofiev의 창의적인 검색은 중요한 예술 수단으로 영화의 형성에 기여했습니다. 표현력. 이 전통은 나중에 2년대 작곡가들에 의해 초기에 채택되었습니다. 1958년대 실험에 대한 열망, 음악과 이미지를 결합하는 새로운 가능성의 발견은 EV Denisov, RK Shchedrin, ML Tariverdiev, NN Karetnikov, AG Schnittke, BA Tchaikovsky 등의 작업을 구별합니다.

예술의 위대한 척도. 일반적으로 예술로서의 음악의 특성인 일반성은 영화 작업에서 그 역할을 결정했습니다. K.는 "... 묘사된 현상과 관련하여 일반화된 이미지의 기능 ..."을 수행하여 가장 중요한 표현을 허용합니다. 영화에 대한 생각이나 아이디어. 현대의 사운드-비주얼 시네마는 영화에서 뮤즈의 존재를 제공합니다. 개념. 그것은 종종 인간 캐릭터의 본질에 대한 눈에 거슬리지 않지만 깊고 미묘한 통찰력의 방법이 되는 오프 스크린 및 인트라 프레임, 동기 부여된 음악의 사용을 기반으로 합니다. 음악과 이미지를 직접 병렬화하는 방법의 광범위한 사용과 함께 음악의 "대항적" 사용이 점점 더 중요한 역할을 하기 시작합니다(이 의미는 사운드 시네마가 출현하기 전에도 SM Eisenstein에 의해 분석되었습니다). 음악과 이미지의 대조적인 병치를 기반으로 하는 이 기법은 보여지는 사건의 드라마를 향상시킵니다(1943년 이탈리아 영화 '긴 밤'에서 인질 총격 사건은 파시스트 행진의 경쾌한 음악을 동반합니다. 이탈리아 영화 Divorce in Italian, 1960의 에피소드는 장례식 행진의 소리로 전달됩니다. 수단. 음악은 진화를 거듭했다. 영화의 일반적이고 가장 중요한 아이디어(예: F. Fellini, 코미디언 N. Rota가 감독한 1961년 이탈리아 영화 The Road에서 Gelsomina의 주제)를 자주 드러내는 주제입니다. 가끔 현대 영화에서 음악은 감정을 고양시키기 위해서가 아니라 감정을 담기 위해 사용된다. 예를 들어, 영화 "1954번의 구타"(400)에서 F. Truffaut 감독과 작곡가 A. Constantin은 음악의 심각성을 위해 노력합니다. 시청자가 화면에서 일어나는 일에 대한 합리적인 평가를 하도록 격려하는 테마.

뮤즈. 영화의 개념은 총작가의 개념에 직접적으로 종속된다. 예를 들어 일본에서요. 생존을 위한 투쟁 속에서 자연과 결투를 벌이는 사람들의 가혹하고 힘들지만 깊이 의미 있는 삶을 그린 영화 “The Naked Island”(1960, 감독 K. Shindo, comp. X. Hayashi), 음악은 언제나 등장한다. 이 사람들의 일상적인 작업을 보여주는 장면에서 주요 사건이 그들의 삶에 들어오면 즉시 사라집니다. 영화 "The Ballad of a Soldier"(1959, dir. G. Chukhrai, comp. M. Ziv)에서 작사가로 무대에 올랐습니다. 이야기, 음악 이미지에는 adv가 있습니다. 기초; 작곡가의 음악적 억양에서 찾아낸 소박하고 친절한 인간관계의 영원하고 변치 않는 아름다움을 확인시켜줍니다.

영화의 음악은 독창적이거나 이 영화를 위해 특별히 작성되었거나 잘 알려진 멜로디, 노래, 클래식 음악으로 구성될 수 있습니다. 음악 작품. 현대 영화에서 J. Haydn, JS Bach, WA ​​Mozart 등의 고전 음악을 자주 사용하여 영화 제작자가 현대의 이야기를 연결할 수 있도록 돕습니다. 인본주의가 높은 세상. 전통.

음악은 음악에서 가장 중요한 위치를 차지합니다. 영화, 작곡가, 가수, 음악가에 대한 헌신적인 이야기. 그녀는 특정 연극을 수행합니다. 기능(특정 음악 창작에 대한 이야기인 경우) 또는 삽입 번호로 영화에 포함됩니다. 오페라나 발레 공연을 영화화한 영화와 오페라와 발레를 기반으로 한 독립 공연에서 음악의 주요 역할. 영화 제작. 이러한 유형의 촬영 기법의 가치는 주로 고전 최고의 작품을 널리 대중화하는 데 있습니다. 그리고 현대 음악. 60년대. 프랑스에서는 오리지널 영화 오페라 장르를 만들려는 시도가 있었습니다(The Umbrellas of Cherbourg, 1964, dir. J. Demy, comp. M. Legrand).

음악은 애니메이션, 다큐멘터리 및 대중 과학 영화에 포함됩니다. 애니메이션 영화에서는 그들 자신의 음악 방식이 발전했습니다. 설계. 그 중 가장 일반적인 것은 음악과 이미지의 정확한 병렬 처리 기술입니다. 멜로디는 문자 그대로 화면의 움직임을 반복하거나 모방합니다(또한 결과 효과는 패러디적이고 서정적일 수 있음). 수단. 이와 관련하여 흥미로운 것은 Amer의 영화입니다. 디렉토리 W. Disney, 특히 유명한 뮤즈를 시각적 이미지로 구현한 "Funny Symphonies" 시리즈의 그림. 찌르다. (예를 들어, C. Saint-Saens의 교향시 "Dance of Death"의 음악에 대한 "Dance of the Skeletons" 등).

현대 음악 발전 단계. 영화의 디자인은 영화 작업의 다른 구성 요소와 마찬가지로 음악의 중요성이 특징입니다. 영화 음악은 영화 촬영의 가장 중요한 목소리 중 하나입니다. 폴리포니는 종종 영화의 내용을 드러내는 열쇠가 됩니다.

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