Dmitry Bashkirov (드미트리 Bashkirov) |

드미트리 바쉬키로프

모스크바 음악원에서 XNUMX 대 초반에 만난 많은 젊은 음악가들은 아마도 교실 복도에서 거무스름하고 마른 청년이 성급한 움직임과 움직이고 표현력이 풍부한 얼굴에 생생한 표정을 가진 첫 모습을 기억할 것입니다. 그의 이름은 Dmitry Bashkirov였으며 그의 동료들은 곧 그를 단순히 Delik이라고 부르기 시작했습니다. 그에 대해 알려진 바가 거의 없었습니다. 그는 Anastasia Davidovna Virsaladze 밑에서 트빌리시 XNUMX년제 음악 학교를 졸업했다고 합니다. 시험 중 하나에서 Alexander Borisovich Goldenweiser는 그의 말을 들었습니다. 그는 듣고 기뻐했으며 수도에서 교육을 마치라고 조언했습니다.

Goldenweiser의 새로운 제자는 매우 재능이 있었습니다. 직접적이고 드문 감정적 인 사람인 그를 바라 보는 것은 어렵지 않았습니다. 열정적이며 사심없이 관대 한 자기 증여로 진정한 재능을 가진 사람 만이 그와 같은 환경에 반응 할 수 있습니다 …

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov는 수년에 걸쳐 콘서트 연주자로 널리 알려지게 되었습니다. 1955년에 그는 파리에서 열린 M. Long – J. Thibault 대회에서 그랑프리를 받았습니다. 이것은 그의 무대 경력을 시작했습니다. 그는 이제 그 뒤에 수백 개의 공연을 가지고 있으며 Novosibirsk와 Las Palmas, Chisinau 및 Philadelphia, 볼가의 작은 도시와 세계적으로 유명한 대형 콘서트 홀에서 박수를 받았습니다. 시간은 그의 인생에서 많이 변했습니다. 그의 성격은 훨씬 적습니다. 그는 이전과 마찬가지로 수은이 변덕스럽고 빠르며 매분 무언가에 휩쓸려 불을 붙일 준비가되어있는 것처럼 충동 적입니다 …

언급된 Bashkir 자연의 속성은 그의 예술에서 명확하게 볼 수 있습니다. 이 예술의 색상은 수년 동안 퇴색하거나 퇴색하지 않았으며 풍부함, 강렬함, 무지개 빛깔을 잃지 않았습니다. 피아니스트의 연주는 예전처럼 흥분한; 그렇지 않으면 어떻게 걱정할 수 있겠습니까? 무관심, 영적 무관심, 창의적인 탐색에 대한 포만감에 대해 예술가 Bashkirov를 비난하는 사람은 없었을 것입니다. 이를 위해 그는 어떤 종류의 꺼지지 않는 내면의 불로 끊임없이 타오르는 사람이자 예술가로서 너무 안절부절합니다. 이것이 그의 일부 무대 실패의 이유일 수 있습니다. 반면에 의심 할 여지없이 여기에서 창의적인 안절부절 함과 대부분의 업적에서 비롯됩니다.

음악 비평 언론의 페이지에서 Bashkirov는 종종 낭만적 인 피아니스트라고 불립니다. 실제로 그는 명확하게 나타냅니다. 현대 낭만주의. (VV Sofronitsky는 V. Yu. Delson과 이야기하면서 "결국 XNUMX 세기 낭만주의뿐만 아니라 현대 낭만주의도 있다는 데 동의하십니까?" (Sofronitsky의 추억. S. 199.)). 바쉬, 슈만, 하이든, 브람스 등 작곡가 바쉬키로프가 해석하는 것이 무엇이든 그는 음악이 오늘날 만들어진 것처럼 느낍니다. 그의 유형의 콘서트 참석자에게 작가는 항상 동시대 사람입니다. 그의 감정은 자신의 것으로 경험되고 그의 생각은 자신의 것이 됩니다. 이 콘서트 참석자들에게 양식화, "표현", 박물관 유물의 시연, 고풍의 가짜보다 더 외계인은 없습니다. 이것은 한 가지입니다: 예술가의 음악적 감각 우리의 였다, 우리 날. 바쉬키로프를 현대 공연 예술의 전형적인 대표자로 말할 수 있게 해주는 또 다른 것이 있습니다.

그는 정확하고 훌륭하게 만들어진 피아니즘을 가지고 있습니다. 낭만적인 음악을 만드는 것은 자유분방한 충동, 자발적인 감정의 분출, 다소 형태가 없는 사운드 스팟이기는 하지만 밝은 색상의 화려함이라고 믿었습니다. 감정가들은 낭만적인 예술가들이 "모호하고, 무지갯빛이며, 읽을 수 없고 안개가 자욱한"쪽으로 끌린다고 썼고, 그들은 "사소한 보석 그림과는 거리가 멀다"고 썼습니다. (Martins KA 개별 피아노 기술. – M., 1966. S. 105, 108.). 이제 시대가 바뀌었습니다. 기준, 판단, 취향이 수정되었습니다. 냉혹하게 엄격한 축음기 녹음 시대에 라디오와 텔레비전 방송, 소리의 "성운"과 "모호함"은 그 누구에게도, 누구에게도, 어떤 상황에서도 용서되지 않습니다. 우리 시대의 낭만주의자인 Bashkirov는 무엇보다도 그의 공연 장치의 신중한 "제작", 모든 세부 사항 및 링크의 능숙한 디버깅으로 인해 현대적입니다.

그래서 그의 음악은 '사소한 것들의 주얼리 드로잉'이라는 외부 장식의 무조건적인 완성도를 요구한다. 그의 연주 성공 목록은 Debussy의 전주곡, Chopin의 mazurkas, "Fleeting" 및 Prokofiev의 XNUMX번 소나타, Schumann의 "Colored Leaves", Fantasia 및 F-sharp-minor 소설과 같은 것들로 시작됩니다. Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel . 바흐(F단조 협주곡), 하이든(E플랫장조 소나타), 모차르트(콘서트: XNUMX번, XNUMX번, XNUMX번, XNUMX번), 베토벤(소나타: “ Lunar' , 'Pastoral', Eighteenth, 콘서트: First, Third, Fifth). 한마디로 Bashkirov의 무대 전송에서 승리하는 모든 것은 전경에서 우아하고 선명한 사운드 패턴, 악기 질감의 우아한 추격이 있는 곳입니다.

(이전에 피아노를 치는 사람들은 화가처럼 다양한 "글쓰기" 기술을 사용한다고 했습니다. 일부는 예리한 사운드 연필, 일부는 구아슈 또는 수채화, 또 다른 일부는 무거운 페달 유성 페인트와 같습니다. Bashkirov는 종종 관련이 있습니다. 피아니스트 조각가와 함께: 밝은 감정적 배경에 얇은 사운드 패턴…)

진정으로 재능있는 많은 사람들과 마찬가지로 Bashkirov는 창의적인 행복으로 변화합니다. 그는 자신을 비판하는 방법을 알고 있습니다. “이 연극에서 성공한 것 같아요.”콘서트 후 그에게서들을 수 있습니다. 흥분이 방해가 되었습니다. 무언가 "이동"했고 "초점"에서 벗어난 것으로 밝혀졌습니다. 의도한 방식이 아닙니다. 데뷔작과 거장, 음악가, 배우, 심지어 작가까지 흥분은 모든 사람을 방해하는 것으로 알려져 있습니다. 스탕달은 “내가 가장 흥분되는 순간은 시청자에게 감동을 주는 글을 쓸 수 있는 때가 아니다”라고 인정했다. 그는 이것에서 많은 목소리로 반향됩니다. 그러나 어떤 사람들에게는 흥분이 큰 장애와 문제로 가득 차 있지만 다른 사람들에게는 그보다 적습니다. 쉽게 흥분하고, 긴장하고, 확장성 있는 본성은 더 힘든 시간을 보냅니다.

무대에서 큰 흥분의 순간에 Bashkirov는 그의 의지에도 불구하고 공연 속도를 높이고 약간의 흥분에 빠집니다. 이것은 보통 그의 공연이 시작될 때 발생합니다. 그러나 점차적으로 그의 연주는 정상이 되고 사운드 형식은 선명도, 라인, 즉 자신감과 정확성을 얻습니다. 숙련된 귀를 가진 사람은 피아니스트가 과도한 무대 불안의 물결을 끌어내릴 때를 항상 포착할 수 있습니다. Bashkirov의 저녁 중 하나에서 우연히 흥미로운 실험이 시작되었습니다. 그는 같은 음악을 두 번 연속으로 연주했는데, 바로 모차르트 피아노 협주곡 XNUMX번의 피날레였습니다. 첫 번째는 조금 성급하고 신나게, 두 번째는(앙코르를 위해) 좀 더 차분하고 절제된 속도로 진행됩니다. 상황을 관찰하는 것이 흥미로웠다마이너스 흥분“게임을 변형하고, 다른, 더 높은 예술적 결과를 제공했습니다.

Bashkirov의 해석은 일반적인 스텐실, 친숙한 성능 샘플과 공통점이 거의 없습니다. 이것은 그들의 명백한 이점입니다. 그들은 논란의 여지가 있지만 무색이 아니며 너무 주관적이지만 무미건조하지는 않습니다. 아티스트의 콘서트에서 무관심한 사람들을 만나는 것은 거의 불가능하며 일반적으로 평범함에 부여되는 정중하고 사소한 칭찬으로 언급되지 않습니다. Bashkirov의 예술은 따뜻하고 열정적으로 받아 들여지거나 열렬하고 관심이 덜한 피아니스트와 논의하고 어떤면에서 그와 동의하지 않고 그와 동의하지 않습니다. 예술가로서 그는 창의적인 "반대"에 익숙합니다. 원칙적으로 이것은 인정될 수 있고 인정되어야 합니다.

일부는 다음과 같이 말합니다. Bashkirov의 게임에는 많은 외부가 있다고 말합니다. 그는 때때로 연극적이고 가식적이다… 이것 또는 저 예술적 | 성격? 협객인 바쉬키로프(Bashkirov)는 그의 본성입니다. 외부에서 밝고 밝게 자신을 드러냈습니다. 무대 과시나 다른 사람을 위한 스트러밍이 무엇이든, 그의 창조적인 "나"는 유기적이고 자연스러운 표현일 뿐입니다. (세계 극장은 거의 별난 무대 매너로 Sarah Bernhardt를 기억하고 겸손하고 때로는 눈에 띄지 않는 Olga Osipovna Sadovskaya를 기억합니다. 두 경우 모두 실제적이고 훌륭한 예술이었습니다.) 멀리 떨어져 있고 거의 구별 할 수없는 하위 텍스트로 이어집니다. 우리가 비평가의 입장을 취해야 한다면, 오히려 다른 기회에.

예, 피아니스트의 예술은 청중에게 개방적이고 강한 감정을 줍니다. 좋은 품질! 콘서트 무대에서는 과함보다는 부족함을 마주하는 경우가 많다. (일반적으로 그들은 감정 표현에서 "부족"하며 그 반대는 아닙니다.) 그러나 그의 심리적 상태 – 황홀한 흥분, 충동 등 –에서 Bashkirov는 때때로 적어도 이전에는 다소 균일했습니다. Glazunov의 B플랫단조 소나타에 대한 그의 해석을 예로 들 수 있습니다. 또는 브람스의 두 번째 협주곡 – 눈부시게 밝은 열정의 불꽃 뒤에 지난 몇 년 동안 작가의 성찰이 항상 느껴지지는 않았습니다. Bashkirov의 해석에서 높은 긴장의 흐름 인 붉은 뜨거운 표현이있었습니다. 그리고 청취자는 때때로 다른 더 먼 감정적 음조, 다른 더 대조되는 감정 영역으로의 변조에 대한 갈망을 느끼기 시작했습니다.

그러나 지금은 이전에 대해 이야기 전자. Bashkirov의 공연 예술에 대해 잘 아는 사람들은 그에게서 끊임없이 변화, 교대 및 흥미로운 예술적 변형을 찾습니다. 아티스트의 레퍼토리 선택을 더 정확하게 볼 수 있거나 이전에 익숙하지 않은 표현 방법이 드러납니다(예를 들어, 최근 몇 년 동안 클래식 소나타 주기의 느린 부분이 특히 깨끗하고 충만하게 들렸습니다). 의심할 여지 없이 그의 예술은 새로운 발견, 보다 복잡하고 다양한 감정적 뉘앙스로 풍부해졌습니다. 이것은 특히 Bashkirov의 KFE 협주곡 연주에서 볼 수 있습니다. 바이올린 협주곡 Op. 1987년 베토벤 등)

Bashkirov는 훌륭한 대화가입니다. 그는 자연스럽게 호기심이 많고 호기심이 많습니다. 그는 많은 것에 관심이 있습니다. 오늘날 그는 젊었을 때와 마찬가지로 예술과 삶과 관련된 모든 것을 면밀히 관찰합니다. 또한 Bashkirov는 자신의 생각을 명확하고 명확하게 공식화하는 방법을 알고 있습니다. 그가 음악 공연 문제에 대한 여러 기사를 발표한 것은 우연이 아닙니다.

Dmitry Alexandrovich는 대화에서 이렇게 말했습니다. 개별 개인 특성 및 속성. 이것으로 특정 예술적 현상에 대한 연기자의 접근 방식, 개별 작품의 해석이 연결됩니다. 비평가들과 대중의 일부는 때때로 이러한 상황을 고려하지 않습니다. 로 연주되는 음악을 듣고 싶습니다. 이것은 완전히 거짓입니다.

수년에 걸쳐 나는 일반적으로 일부 고정되고 모호하지 않은 공식의 존재를 점점 더 믿지 않습니다. 예를 들어, 그러한 저자, 그러한 에세이를 해석하는 것이 어떻게 필요한지 (또는 반대로 필요하지 않은지). 연습에 따르면 성능 결정은 매우 다르고 똑같이 설득력이 있습니다. 물론 이것이 예술가가 자의적이거나 문체의 자의성에 대한 권리가 있다는 것을 의미하지는 않습니다.

다른 질문. 20~30년의 경력을 가진 성숙기에 피아노를 칠 필요가 있을까? 배우기젊었을 때보다? 또는 그 반대의 경우 - 나이가 들면서 작업량의 강도를 줄이는 것이 더 합리적입니까? 이에 대한 다양한 견해와 관점이 있습니다. Bashkirov는 "여기서 대답은 순전히 개별적인 것 같습니다. "라고 믿습니다. “타고난 거장이라고 부르는 연주자들이 있습니다. 그들은 좋은 성과를 거두기 위해 확실히 노력이 덜 필요합니다. 그리고 다른 사람들이 있습니다. 물론 노력없이 그런 것을받은 적이없는 사람들. 당연히 그들은 평생을 지칠 줄 모르고 일해야 합니다. 그리고 말년에는 젊었을 때보다 훨씬 더.

사실, 나는 위대한 음악가들 사이에서 나이가 들면서 자신에 대한 요구를 약화시키는 사람들을 거의 만난 적이 없다고 말해야 합니다. 보통 그 반대가 일어난다.”

1957년부터 Bashkirov는 모스크바 음악원에서 가르치고 있습니다. 또한 시간이 지남에 따라 그에 대한 교육학의 역할과 중요성이 점점 더 커지고 있습니다. “어렸을 때 나는 종종 가르치고 콘서트 공연을 준비하는 모든 것을 할 시간이 있다고 과시했습니다. 그리고 그것은 다른 사람에게 방해가 될 뿐만 아니라 아마도 그 반대일 수도 있습니다. 하나는 다른 하나를 지원하고 강화합니다. 오늘날, 나는 이것을 논하지 않을 것입니다... 시간과 나이는 여전히 그들 자신의 조정을 합니다 - 여러분은 무언가를 다르게 평가할 수 없습니다. 요즘에는 교육이 콘서트 공연에 특정 어려움을 만들고 제한한다고 생각하는 경향이 있습니다. 여기에 끊임없이 해결하려고 노력하고 불행히도 항상 성공적이지는 않은 갈등이 있습니다.

물론 위에서 말한 것이 나 자신을 위한 교육적 작업의 필요성이나 타당성에 의문을 제기한다는 의미는 아닙니다. 안 돼요! 그것은 내 존재의 중요하고 필수적인 부분이 되었기 때문에 그것에 대한 딜레마가 없습니다. 나는 사실을 있는 그대로 말할 뿐이다.”

현재 Bashkirov는 시즌당 약 55회의 콘서트를 제공합니다. 이 수치는 그에게 상당히 안정적이며 수년 동안 거의 변하지 않았습니다. “훨씬 더 많은 것을 수행하는 사람들이 있다는 것을 알고 있습니다. 나는 이것에서 놀라운 것을 보지 못합니다. 모든 사람은 에너지, 지구력, 신체적, 정신적 힘의 비축량이 다릅니다. 가장 중요한 것은 얼마나 플레이하느냐가 아니라 어떻게 플레이하느냐입니다. 즉 공연의 예술적 가치가 무엇보다 중요하다. 무대에서 하는 일에 대한 책임감이 계속 커지고 있기 때문입니다.

오늘날 Dmitry Aleksandrovich는 계속해서 국제 뮤지컬 및 공연 현장에서 합당한 자리를 차지하는 것이 매우 어렵다고 말했습니다. 충분히 자주 플레이해야 합니다. 다른 도시와 국가에서 플레이하십시오. 다양한 프로그램을 실행합니다. 물론 모든 것을 제공하십시오. 상당히 높은 전문가 수준에서. 그러한 조건에서만 작가가 말하는 것처럼 보일 것입니다. 물론 교육학에 종사하는 사람에게는 교사가 아닌 사람보다 어렵습니다. 따라서 많은 젊은 콘서트 참석자들은 기본적으로 교육을 무시합니다. 그리고 예술 세계에서 점점 더 치열해지는 경쟁을 감안할 때 그것들을 이해할 수 있는 곳에서는 …

자신의 교육 작업에 대한 대화로 돌아가서 Bashkirov는 일반적으로 자신이 완전히 행복하다고 느낍니다. 그에게는 학생들이 있고, 그에게 큰 기쁨을 가져다준 창조적인 의사소통이 있어 행복합니다. “당신이 그들 중 최고를 본다면, 당신은 명성에 이르는 길이 누구를 위한 장미꽃으로 뒤덮인 것이 아니라는 것을 인정해야 합니다. 그들이 무엇인가를 성취했다면 그것은 대부분 자신의 노력을 통해서입니다. 그리고 할 수 있는 능력 창조적 자기계발 (음악가에게 가장 중요하다고 생각합니다). 나의 예술적 생존력 그들은 특정 대회의 일련 번호가 아니라 오늘날 세계 여러 국가의 무대에서 뛰고 있다는 사실로 증명했습니다.

일부 학생들에 대해 특별한 말씀을 드리고 싶습니다. 아주 간단히. 말 그대로 몇 마디로.

드미트리 알렉세예프. 나는 그것을 좋아한다 내적 갈등나는 그의 선생님으로서 잘 알고 있습니다. 최고의 의미에서 갈등. 눈에 잘 띄기보다는 숨겨져 있어 언뜻 잘 보이지 않을 수도 있지만 존재하고 존재하며 이는 매우 중요합니다. Alekseev는 자신의 강점과 약점을 분명히 알고 있으며 그들 사이의 투쟁과 우리의 직업에서 앞으로 나아가는 것을 의미합니다. 이 움직임은 다른 사람들과 마찬가지로 그와 함께 매끄럽고 고르게 흐르거나 위기의 형태를 취하고 새로운 창의적 영역으로의 예기치 않은 돌파구를 취할 수 있습니다. 방법은 중요하지 않습니다. 음악가가 앞으로 나아가는 것이 중요합니다. Dmitry Alekseev에 대해 과장에 빠지는 것을 두려워하지 않고 말할 수 있습니다. 그의 높은 국제적 명성은 우연이 아닙니다.

니콜라이 데미덴코. 한때 그에 대해 다소 겸손한 태도가있었습니다. 일부는 그의 예술적 미래를 믿지 않았습니다. 이것에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 일부 공연자는 더 일찍, 더 빨리 성숙하고 (때로는 당분간 소진하는 일부 괴짜처럼 너무 빨리 성숙하기도 함) 다른 사람들에게는이 과정이 더 느리고 침착하게 진행되는 것으로 알려져 있습니다. 그들이 완전히 발전하고, 성숙하고, 자립하고, 그들이 가진 최고를 이끌어내는 데는 몇 년이 걸립니다. 오늘날 Nikolay Demidenko는 풍부한 연습을하고 있으며 우리나라와 해외의 여러 도시에서 많이 뛰고 있습니다. 그의 말을 자주 듣지는 못하지만 그의 공연을 보면 그가 지금 하는 많은 것들이 예전과 같지 않다는 것을 알게 된다. 때때로 나는 우리가 수업에서 통과 한 작품에 대한 그의 해석을 거의 인식하지 못합니다. 그리고 저에게는 교사로서 이것이 가장 큰 보상입니다 …

세르게이 에로힌. VIII 차이코프스키 콩쿠르에서 그는 수상자 중 하나 였지만이 콩쿠르의 상황은 그에게 매우 어려웠습니다. 그는 소련군 대열에서 막 제대했고 당연히 그의 최고의 창의적인 형태와는 거리가 멀었습니다. 대회 이후 오랜 시간 동안 Sergei는 매우 큰 성공을 거둔 것 같습니다. 영향력있는 마드리드 신문 중 하나가 "Sergey Erokhin의 공연은 XNUMX 등상뿐만 아니라 전체 대회의 가치가있었습니다. "라고 썼던 산탄데르 (스페인) 대회에서 적어도 그의 XNUMX 등상을 상기시켜 드리겠습니다. 요컨대, 나는 Sergei가 밝은 예술적 미래를 가지고 있다는 데 의심의 여지가 없습니다. 게다가 그는 대회가 아니라 콘서트 무대를 위해 태어난 것 같아요.

알렉산더 본두리안스키. 그는 전적으로 실내악에 전념했습니다. 수년 동안 Alexander는 모스크바 트리오의 일원으로 공연하면서 그의 의지, 열정, 헌신, 헌신 및 높은 전문성으로 이를 강화했습니다. 관심을 가지고 그의 활동을 지켜보면서 뮤지션으로서 자신의 길을 찾는 것이 얼마나 중요한지 거듭 확신하게 되었습니다. 실내악 앙상블 음악 제작에 대한 Bonduryansky의 관심의 출발점은 I. Bezrodny 및 M. Khomitser와 함께 트리오에서 공동 창작 작업을 관찰한 것이라고 생각하고 싶습니다.

에이로 하이노넨. 집에서, 핀란드에서 그는 가장 유명한 피아니스트이자 교사 중 한 명입니다 (현재 그는 헬싱키의 시벨리우스 아카데미 교수입니다). 나는 그와의 만남을 기쁘게 기억합니다.

당 타이 숀. 나는 그가 모스크바 음악원에서 대학원생이었을 때 그와 함께 공부했습니다. 나중에 그를 만났다. 나는 사람이자 예술가인 Sean과의 접촉에서 매우 즐거운 인상을 받았습니다. 그는 똑똑하고 지적이고 매력적이며 놀랍도록 재능이 있습니다. 그는 위기 같은 것을 경험한 적이 있었다. 그는 단일한 스타일의 닫힌 공간에서 자신을 발견했고, 그곳에서도 때때로 그다지 다양하지 않고 다면적으로 보였다. 션은 이 위기를 대체로 극복했다. 연주에 대한 생각의 깊이, 감정의 규모, 그의 연주에 등장한 드라마 … 그는 훌륭한 피아니스트의 현재와 의심할 여지 없이 부러운 미래를 가지고 있습니다.

오늘 우리 반에는 흥미롭고 유망한 다른 젊은 음악가들이 있습니다. 그러나 그들은 여전히 ​​성장하고 있습니다. 그러므로 나는 그들에 대해 이야기하는 것을 삼가겠습니다.

모든 재능있는 교사와 마찬가지로 Bashkirov는 학생들과 함께 일하는 자신만의 스타일을 가지고 있습니다. 그는 교실에서 추상적 인 범주와 개념으로 전환하는 것을 좋아하지 않으며 공부하는 작업에서 멀리 떠나는 것을 좋아하지 않습니다. 그의 동료들과 마찬가지로 다른 예술과 유사점을 자신의 말로 드물게 사용합니다. 그는 모든 예술 형식 중에서 가장 보편적인 음악이 고유한 법칙, 고유한 "규칙", 고유한 예술적 특성을 가지고 있다는 사실에서 출발합니다. 따라서 학생을 영역을 통해 순전히 음악적 솔루션으로 이끌려는 시도 비 뮤지컬 다소 인공적이다. 문학, 회화 등과의 유추는 음악적 이미지를 이해하는 데 자극을 줄 뿐 다른 것으로 대체하지는 못합니다. 이러한 유추와 유사점은 음악에 약간의 손상을 입히기도 합니다. 음악을 단순화합니다 … 키보드.

그러나 이렇게 가르칠 수 있고 저렇게 가르칠 수 있습니다… 다시 말하지만 이 경우에는 단일하고 보편적인 공식이 있을 수 없습니다.”

그는 끊임없이 그리고 끈질기게 이 생각으로 돌아갑니다. 예술에 대한 접근 방식에서 편견, 독단주의, 일차원성보다 더 나쁜 것은 없습니다. “음악의 세계, 특히 공연과 교수법은 무한히 다양합니다. 여기에는 가장 다양한 가치 영역, 예술적 진실, 특정 창의적 솔루션이 완전히 공존할 수 있고 공존해야 합니다. 어떤 사람들은 다음과 같이 주장하기도 합니다. 당신이 그것을 좋아하지 않는다면 그것은 확실히 나쁩니다. 말하자면 그런 논리는 나에게 매우 이질적입니다. 학생들에게도 낯설게 만들려고 노력합니다.”

... 위에서 Bashkirov는 그의 학생 Dmitry Alekseev의 내부 갈등에 대해 말했습니다. Dmitry Alexandrovich를 잘 아는 사람들은 우선 그러한 갈등이 눈에 띈다는 데 동의 할 것입니다. 자신에 대한 까다로운 엄격함과 결합 된 것은 그녀였습니다 (한 번, 7-8 년 전에 Bashkirov는 그가 공연에 대한 점수와 같은 것을 자신에게 부여했다고 말했습니다. “사실상 포인트는 일반적으로 낮습니다 … 수십 번의 콘서트를 열어야 합니다. 저는 기껏해야 몇 개에 만족합니다... "이와 관련하여 GG Neuhaus가 회상하기를 좋아하는 에피소드가 무의식적으로 떠오릅니다. 이번 시즌에 83번의 콘서트를 했는데 내가 얼마나 기뻐했는지 아세요? – XNUMX번! (Neigauz GG 반사, 추억, 일기 // 선택 기사. 부모에게 보내는 편지. P. 107).) – 그리고 그가 그의 세대 피아니즘에서 가장 저명한 인물 중 한 사람이 되도록 도왔습니다. 의심의 여지없이 더 많은 창의적인 발견을 예술가에게 가져올 사람은 바로 그녀입니다.

G. 치핀, 1990