댄스 음악 |

댄스 음악 - 음악의 일반적인 의미에서. 안무 예술의 요소, 춤에 반주하는 음악(무도회장, 의식, 무대 등) 및 그것에서 파생된 뮤즈의 범주. 춤과 독립 예술을 위한 제품이 아닙니다. 값; 좁은에서 더 많이 사용할 것입니다. 센스(sense) – 대중적인 가정 무용에 어울리는 가벼운 음악. T. m의 조직화 기능 가장 일반적인 확장자를 결정합니다. 징후: 지배적인 위치 메트로리듬. 시작, 특징적인 리듬의 사용. 모델, 케이던스 공식의 명확성; 메트로리듬의 지배적인 역할은 T. m의 우세를 결정합니다. 인스트럭션 장르(노래를 제외하지는 않음). 모든 음악 분야에서. T. m의 예술 일상생활과 가장 직결되고 패션의 영향을 많이 받는 곡이다. 따라서 T.m.의 조형적 내용에는 취향과 미학의 기준이 굴절된다. 각 시대의 규범; T. m.의 표현에는 주어진 시간의 사람들의 모습과 행동 방식이 반영됩니다. 억제되고 오만한 파반, 자랑스러운 폴로네이즈, 나사가 풀린 ​​비틀기 등.

대부분의 연구자들은 노래, 춤 및 그들의 소리 반주(TM 자체가 형성된 기반)가 처음과 오랫동안 혼합되어 존재했다고 믿습니다. 단일 청구로 구성됩니다. 관련된 이 pra-music의 주요 기능. 진정성을 재구성한 istorich. 언어의 “고고학”을 다루는 언어학 손'은 고대 이집트에서 동의어였다. lang.), 민족을 연구하는 민족지학(ethnography)은 그 문화가 원시 수준에 머물렀다. 춤과 T.m의 주요 요소 중 하나. 리듬이다. 리듬 감각은 자연스럽고 생물학적입니다. 기원 (호흡, 심장 박동), 노동 과정 (예 : 드레싱 중 반복적인 움직임 등)에서 강화됩니다. 사람의 획일적인 움직임(예를 들어, 짓밟기)에 의해 생성되는 리드미컬한 소음은 T.m의 기본 원리이다. 관절 운동의 조정은 리드미컬하게 도움이 되었습니다. 악센트 – 비명, 감탄, 감정적으로 상쾌한 단조로운 행동 및 점차 노래로 발전. 따라서 원래 T. m. 보컬이며 가장 먼저 필요한 뮤즈입니다. 악기 - 가장 단순한 타악기. 예를 들어, 호주 원주민의 삶에 대한 연구에 따르면 고도 측면에서 T.m.은 거의 혼란스럽고 리드미컬하게 정의되며 특정 리드미컬한 특징이 두드러집니다. 즉흥 연주의 모델 역할을 하는 공식이며 그 자체로 리드미컬합니다. 그림은 구상성과 관련이 있기 때문에 외부 프로토타입이 있습니다(예: 캥거루 점프 모방).

사용 가능한 모든 출처 - 신화, 서사시, 이미지 및 고고학 데이터는 고대 세계 국가를 포함하여 항상 춤과 전통 무용이 광범위하게 분포되어 있음을 증언합니다. 고대 음악에 대한 기록은 없습니다. 그러나 T. m의 숭배와 관련이 있습니다. 동양, 아프리카, 미국의 국가 중 하나이며 여전히 천년 전의 살아있는 전통을 먹고 있습니다. 템플 댄서 연구소 덕분에) 과거 시대의 춤에 대한 아이디어를 제공합니다. 다른 동쪽에서. 문명의 춤과 음악은 큰 사회에 속했습니다. 그리고 이념적. 역할. 성경에는 춤에 대한 많은 언급이 있습니다(예를 들어, “점퍼와 댄서”인 다윗 왕에 대한 전설에서). 음악과 마찬가지로 춤은 종종 우주론을 받았습니다. 해석(예를 들어, 고대 인도의 전설에 따르면 세계는 우주의 춤 동안 시바 신에 의해 창조됨), 깊은 철학적 이해(고대 인도에서 춤은 사물의 본질을 드러내는 것으로 간주됨). 반면에 춤과 전통 음악은 항상 감성과 에로티시즘의 초점이었습니다. 사랑은 모든 민족의 춤의 주제 중 하나입니다. 그러나 고도로 문명화된 국가(예: 인도)에서는 이것이 춤의 높은 윤리와 충돌하지 않습니다. 관능적 원리는 지배적인 철학적 개념에 따르면 영적 본질을 드러내는 형식이기 때문입니다. 높은 윤리는 사람의 향상, 고귀함에서 춤의 목적을 볼 수있는 Dr. Greece에서 춤이있었습니다. 이미 고대부터(예를 들어, 아즈텍과 잉카 사이), 민속과 직업은 서로 달랐습니다. 궁전(의식, 연극)과 사원. T.m.의 공연을 위해, 높은 프로의 뮤지션. 필요했습니다. 수준 (그들은 일반적으로 어린 시절부터 자랐고 상속으로 직업을 받았습니다). 예를 들어 ind. 클래식 학교. kathak 춤, 음악가는 실제로 춤의 움직임을 지시하여 템포와 리듬을 변경합니다. 댄서의 기술은 음악을 정확하게 따라갈 수 있는 능력에 의해 결정됩니다.

중세 시대. 러시아뿐만 아니라 유럽에서도 기독교 도덕은 춤과 T. m을 인정하지 않았습니다. 기독교는 그들에게서 인간 본성의 비천한 면을 표현하는 한 형태인 "악마적 집착"을 보았습니다. 그러나 춤은 파괴되지 않았습니다. 금지에도 불구하고 그는 사람들과 귀족 사이에서 계속 살았습니다. 원. 전성기의 비옥한 시기는 르네상스였습니다. 르네상스의 인본주의적 성격은 특히 무용에 대한 가장 폭넓은 인식에서 드러났습니다.

T. m.의 첫 번째 생존 기록. 중세 후기(13세기)에 속한다. 일반적으로 음악 역사가 (X. Riemann 및 기타) 사이에서는 실제 연주에서 우리에게 내려온 멜로디가 일종의 cantus firmus 역할을했다는 의견이 있지만 일반적으로 모노 포닉입니다. 수반되는 목소리는 즉흥적이었다. 초기 폴리골 녹음. 티엠 15-16세기까지. 여기에는 choreae(라틴어, 그리스어 xoreiai – 원형 춤), saltationes conviviales(라틴어 – 잔치, 테이블 댄스), Gesellschaftstänze(독일어 – 사교 댄스), 볼룸 댄스, ballo , baile(영어 , 이탈리아어, 스페인어 – 볼룸 댄스), danses du 살롱(프랑스어 – 살롱 댄스). 유럽에서 가장 인기있는 출현과 확산 (20 세기 중반까지)은 다음과 같이 나타낼 수 있습니다. 테이블:

tm의 역사는 도구 개발과 밀접한 관련이 있습니다. otd의 등장은 춤과 함께입니다. 도구 및 지침. 앙상블. 예를 들어 사고가 아닙니다. 우리에게 내려온 류트 레퍼토리의 일부는 춤입니다. 연극. T.m의 공연을 위해 특별하게 만들었습니다. 앙상블, 때로는 매우 영감을 줍니다. 크기: 다른 이집트. 일부 춤을 동반한 오케스트라. Dr. Rome 댄스에서 최대 150명의 공연자(이집트 예술의 일반적인 기념비성과 일치함)로 번호가 매겨진 의식. 판토마임은 또한 거대한 규모의 오케스트라를 동반했습니다(로마인의 예술에 내재된 특별한 화려함을 달성하기 위해). 고대 악기에서는 관악기, 현악기, 타악기 등 모든 유형의 악기가 사용되었습니다. 동양의 특징인 음색에 대한 열정. 음악, 특히 타악기 그룹에서 다양한 악기에 생명을 불어넣었습니다. 다양한 타악기 소재로 제작되어 자주 단독으로 결합되었습니다. 다른 악기의 참여가 없는 오케스트라(예: 인도네시아 가믈란). 오케스트라를 위해 불어라. 악기, 특히 아프리카 악기의 경우 엄격하게 고정된 피치가 없으면 폴리리듬이 특징적입니다. 티엠 리듬이 다릅니다. 독창성과 광채 – 음색과 프렛. 모드 면에서 매우 다양함(중국 음악의 펜타토닉, 인도 음악의 특수 모드 등) Afr. 그리고 동쪽. 티엠 리드미컬할 뿐만 아니라 종종 즉흥적으로 사용되는 멜로디, 종종 마이크로톤 장식을 적극적으로 육성합니다. 패턴. 전통에 기반한 모노포니와 즉흥 연주. 모델(따라서 개별 저자가 없는 경우)은 동양의 중요한 차이점입니다. 티엠 서구에서 훨씬 나중에 발전한 것에서 – 다성 및 원칙적으로 고정. 지금까지 T.m. 공구 제작(예: 전동 공구), 전기 증폭 분야의 최신 성과를 즉시 사용합니다. 기술. 동시에 특이성 자체가 결정됩니다. 인스트럭션 사운드가 직접 렌더링됩니다. 음악에 미치는 영향. 춤의 모습과 때로는 그 표현력과 떼려야 뗄 수 없는 융합(현의 음색 없는 비엔나 왈츠, 클라리넷과 색소폰 소리 없는 20년대 폭스트롯, 최신 춤은 상상하기 어렵다), 최신 춤은 역동성을 넘어선다. 통증 역치에 도달하는 수준).

다각형 T. 엠 본질적으로 동음이의어. 고조파. 음성 상호 작용, 강화된 메트릭. 주기성은 춤 동작의 조정을 돕습니다. 유동성이 있는 동시성, 흐릿한 케이던스, 미터법. 흐릿함은 원칙적으로 T의 조직화 목적과 일치하지 않습니다. 엠 유럽의 동음이의어가 무엇보다도 춤에서 형성된 것은 당연합니다(이미 15-16세기에 이루어졌습니다. 그리고 더 일찍 T. 엠 수많은 만남. 동음이의어 패턴). T에서 제시한 리듬. 엠 앞으로, 다른 사람들과 상호 작용합니다. 음악의 요소. 언어는 그녀의 작곡 형성에 영향을 미쳤습니다. 기능을 제공합니다. 그래서 리드미컬한 반복. 그림은 음악을 같은 길이의 주제로 나누는 것을 결정합니다. 동기 구조의 명확성은 상응하는 조화의 확실성(규칙적인 변화)을 자극합니다. 동기 부여 및 조화. 균일성은 음악의 선명도를 나타냅니다. 일반적으로 떼를 기반으로 한 형태. (리듬, 멜로디, 하모니, 형식에서 광범위하게 이해되는 주기성은 유럽인에 의해 세워지고 있습니다. 얼음 의식을 T의 기본 법칙의 계급으로. m.) 뮤즈 형태의 섹션 내부에 있기 때문입니다. 자료는 일반적으로 동질적입니다(각 섹션은 이전 섹션과 목적이 유사하고 주제를 설정하지만 개발하거나 제한된 방식으로 개발하지 않음). 척도), 대비 - 보완성을 기반으로 - 전체 섹션의 비율로 표현됩니다. 각 섹션은 이전 섹션에서 없거나 약하게 표현된 것을 가져옵니다. 섹션의 구조(명확한, 해부된, 정확한 케이던스로 밑줄이 그어진 것)는 일반적으로 작은 형태(마침표, 단순 2-, 3-파트) 또는 이전 예에서 T에 해당합니다. m., 그들에게 접근합니다. (Europ의 작은 형태가 춤에 있다는 것은 반복적으로 언급되었습니다. 고전 음악; 이미 T. 엠 15-16세기의 주제들은 종종 마침표와 유사한 형태로 제시되었다.) 섹션의 수는 T. 엠 실질적인 필요에 의해 결정됨, 즉 e. 춤의 지속 시간. 따라서 자주 춤을 춥니다. 형태는 이론적으로 무제한으로 구성된 "사슬"입니다. 링크 수. 더 긴 길이에 대한 동일한 필요성으로 인해 주제가 반복됩니다. 이 원칙의 문자 그대로 반영은 europ의 초기 고정 형식 중 하나입니다. T. 엠 – estampi 또는 귀납, 많은 주제, 약간 수정된 반복 데이터(aa1, bb1, cc1 등)로 구성됩니다. 등 약간의 탈선(예를 들어, 주제를 즉시가 아니라 멀리서 반복함)으로, 주제를 "끈으로 묶는" 아이디어는 다른 춤에서도 느껴집니다. 예를 들어, 13-16세기의 형태. 그런 춤에서. 독. 론다(음악. 계획: abaaabab), virele 또는 그 이탈리아어. 다양한 발라타(abbba), 발라드(aabc) 등 나중에 주제 비교는 론도 원칙(T. 엠 반복은 DOS의 정기적인 반환의 특성을 얻습니다. 주제) 또는 광범위하고 복잡한 3부분 형식(분명히 T. m.) 및 기타. 복잡한 합성 형태. 다중 어둠의 전통은 또한 작은 춤을 결합하는 관습에 의해 뒷받침됩니다. 소개와 코다와 함께 순환적으로 재생됩니다. 풍부한 반복은 T의 발전에 기여했습니다. 엠 이는 전문 음악(예: 파사칼리아, 샤콘네)과 포크(댄스 멜로디가 예를 들어 변주로 여러 번 반복되는 짧은 멜로디인 경우)에 동등하게 고유한 변형입니다. Glinka의 "Kamarinskaya"). 나열된 기능은 T에서 값을 유지합니다. 엠 이날합니다. T에서 일어나는 엠 변화는 주로 리듬(시간이 지남에 따라 점점 더 날카로워지고 긴장됨), 부분적으로는 하모니(빠르게 복잡해짐) 및 멜로디에 영향을 미치는 반면, 형태(구조, 구조)에는 눈에 띄는 관성이 있습니다. 이질성은 복잡한 3부분 형식의 계획에 맞습니다. 특정 표준 T. m.은 객관적으로 적용된 목적에서 발생하며 Ch로 표시됩니다. 아. 의 형태로. 20인치에서 표준화는 소위의 영향으로 강화됩니다. 씨. 대중 문화, 그 광대한 영역은 T. 엠 T에 다시 도입된 즉흥 연주의 요소를 의미합니다. 엠 재즈로부터 신선함과 자발성을 주도록 설계된, 종종 반대 결과로 이어집니다. 대부분의 경우 잘 정립되고 입증된 방법(최악의 경우 템플릿)을 기반으로 수행되는 즉흥 연주는 실제로 허용된 계획의 선택적 무작위 채우기로 바뀝니다. e. 음악 평준화. 내용. 20세기 대중매체의 등장과 함께 T. 엠 가장 광범위하고 대중적인 음악이 되었습니다. 이스크바. 현대의 가장 좋은 예. T. m.은 종종 민속과 관련이 있으며 의심의 여지가 없는 표현력을 가지고 있으며 "높은" 뮤즈에 영향을 줄 수 있습니다. 예를 들어 많은 사람들의 관심에 의해 확인된 장르. 20세기 작곡가부터 재즈댄스까지(K. 드뷔시, M. 라벨, 나. F. 스트라빈스키 등). T에서 엠 포함하여 사람들의 정신을 반영합니다. h 뚜렷한 사회적 의미를 지닌다. 그래서, 직접적으로 편향적인 착취. 춤의 감성은 T에 심을 수 있는 넓은 기회를 열어줍니다. 엠 인기있는 def. 동그라미 자루. "문화에 대한 반항"이라는 아이디어의 청년.

T. m., XNUMX월에 큰 영향을 미치고 있습니다. 비 댄스 장르는 동시에 그들의 업적으로 인해 복잡했습니다. 댄싱의 콘셉트는 T의 장르를 부여하는 것이다. 엠 혼자 서. 기예. 감정의 도입뿐만 아니라 의미. 춤 표현력. 선율 리듬을 연주하여 비댄스 음악으로의 움직임. 요소 또는 리듬. 조직 T. 엠 (예를 들어, 종종 별개의 장르 제휴를 벗어납니다. 베토벤 교향곡 5번 피날레 코드). 댄스빌리티와 T. 엠 상대적인; 티. 씨. 이상적인 춤(예: 왈츠, F. 쇼팽)은 이러한 개념이 결합되어 서로 전달되는 영역을 나타냅니다. 솔로. 16세기의 ice 제품군은 이미 가치를 보유하고 있으며, 이후의 모든 유럽에 대한 결정적인 사항이 작성됩니다. 교수 음악, 대조와 일치의 원칙(템포와 리듬. 같은 주제로 만들어진 연극의 대조: pavane – galliard). 비 유적 및 언어 적 복잡성, 전체 구성의 차별화는 모음 17을 초기에 특징 짓습니다. 18 cc 여기서부터 무용성은 카메라 소나타가 가장 중요한 새로운 진지한 장르에 침투한다. 지에서 P. 헨델과 나. C. 바흐의 무용성은 가장 복잡한 장르와 형식까지도 많은 주제주의의 핵심적인 신경입니다(예를 들어, Well-Tempered Clavier 2권의 f-moll 전주곡, 독주 바이올린을 위한 a-moll 소나타의 푸가) , 브란덴부르크 협주곡의 피날레, 바흐 미사 중 글로리아 4번 h-moll). 국제적 기원의 춤은 비엔나 교향악단의 음악 요소라고 할 수 있습니다. 댄스 테마는 우아하다(V. A. 모차르트) 또는 일반적인 포크 러프(J. 하이든; 엘. 예를 들어 베토벤은 소나타 1번의 마지막 론도 XNUMX화에서 21 “오로라”) – 주기의 모든 부분의 기초 역할을 할 수 있습니다(예: “춤의 신격화” – 베토벤 교향곡 7번). 교향곡의 춤 가능성의 중심인 미뉴에트는 다성음악과 관련된 모든 것에 작곡가의 기술을 적용하는 지점입니다(Mozart의 c-moll XNUMX중주, K.-V. 406, – 유통 중인 이중 캐논), 복합 형식(XNUMX중주 Es-dur Mozart, K.-V. 428, – 소나타 박람회의 특징을 가진 초기 기간; 1773년에 쓰여진 Haydn의 소나타 A-dur는 2번째 부분이 1번째), 미터법의 갈퀴인 초기 부분입니다. 조직(XNUMX중주 op. 54 Haydn의 1번 – XNUMX마디 분할 기준). 각색 미뉴에트(교향곡 g-moll Mozart, K.-V. 550) 열렬한 로맨스를 기대합니다. 시; 생일 축하. 한편, 미뉴에트를 통해 무용성은 그 자체로 새로운 가능성이 있는 영역인 스케르초를 열어준다. 19인치에서 댄스 가능성은 낭만주의의 일반적인 표시 아래에서 발전합니다. 미니어처 장르와 프로덕션 모두에서 시화. 큰 형태. 일종의 서정 기호. 낭만주의의 경향은 왈츠(더 넓게는 - 왈츠: 차이코프스키 교향곡 5번의 2박자 6부)였습니다. F부터 널리 퍼졌다. 슈베르트 instr. 미니어처로, 그것은 로맨스(차이코프스키의 "시끄러운 공 사이에서")와 오페라(베르디의 "라 트라비아타")의 속성이 되어 교향곡에 침투합니다.

지역색에 대한 관심으로 nat가 널리 퍼졌습니다. 춤(마주르카, 폴로네즈 – 쇼팽, 할링 – E. 그리그, 맹렬한, 폴카 – at B. 사워 크림). T. 엠 생물 중 하나입니다. nat의 출현과 발달을 위한 조건. 교향곡(Glinka의 "Kamarinskaya", Dvorak의 "Slavic Dances", 나중에는 프로덕션). 올빼미. 예를 들어 작곡가. 리빌리스의 '교향곡'. 19인치에서 춤과 관련된 비 유적 음악 영역이 확장되어 낭만적 인 접근이 가능합니다. 아이러니(슈만 시인의 사랑 주기 중 "바이올린은 멜로디로 매혹"), 그로테스크(베를리오즈의 환상적인 교향곡의 피날레), 환상(멘델스존의 한여름 밤의 꿈 서곡) 등 등 생일 축하. 측면, Nar의 직접 사용. 댄스. 리듬은 음악을 장르로 만들고 언어는 민주적이고 훌륭한 조화 속에서도 접근 가능합니다. 그리고 다성. 복잡성(Bizet의 드라마 "Arlesian"의 "Carmen" 및 음악, Borodin의 "Prince Igor" 오페라 "Prince Igor"의 "Polovtsian Dances", Mussorgsky의 "Night on Bald Mountain"). 19세기의 특징. 심포니 컨버전스. 음악과 춤은 다른 방식으로 진행되었습니다. 비엔나 고전주의의 전통이 Op. M. 과. Glinka(예를 들어, "Waltz-Fantasy"의 비정사각성, 대위법. 그는 오페라 "Ivan Susanin"의 "Polonaise"와 "Krakowiak"의 조합)을 러시아인들에게 일반적으로 만들었습니다. 작곡가는 교향곡을 사용합니다. 발레 음악 기법(P. 과. 차이코프스키 A. 에게. 글라주노프). 20인치에서 T. 엠 그리고 춤 가능성은 특별한 분포와 보편적인 적용을 받습니다. 음악에서 A. N. 스크리아빈은 순수하고 이상적인 무용성이 돋보이는데, 이는 작곡가가 좀 더 날렵하게 느끼는 것, 즉 중, 후기의 작품(4번과 5번 소나타의 주요 부분, 3번 교향곡의 피날레, 준발세 op. 47 및 기타); K의 도무지 우아한 춤사위가 세련미를 더했다. 드뷔시(하프와 현을 위한 "춤". 오케스트라). 드문 경우를 제외하고(A. 베베른) 20세기의 거장들. 그들은 춤을 다양한 상태와 생각을 표현하는 수단으로 보았다: 심오한 인간 비극(라흐마니노프 교향곡 무용의 2악장), 불길한 풍자 만화(쇼스타코비치 교향곡 2번의 3악장과 8악장, 3막의 폴카) 오페라 "Wozzeck" Berg), 목가. 어린 시절의 세계(말러 교향곡 2번 중 3번) 등 20인치에서 발레는 음악의 주요 장르 중 하나가되었습니다. art-va, 현대의 많은 발견. 음악은 그 틀 안에서 만들어졌다(I. F. 스트라빈스키, S. C. 프로코피예프). 민속과 가정 T. 엠 항상 음악을 새롭게 하는 원천이었습니다. 언어; 메트로리듬의 급격한 증가. 20세기 음악의 시작. 이 의존성을 특히 "ragtime"으로 만들고 스트라빈스키의 "검은 협주곡", Ravel의 오페라 "Child and Magic"에서 Teapot and Cup의 우아한 폭스트롯을 만들었습니다. 민속춤에 응용하여 표현합니다. 새로운 음악의 수단은 다양하고 일반적으로 고급 예술을 제공합니다. 결과(Ravel의 "Spanish Rhapsody", Orff의 "Carmma burana", pl. 작전 B. 바르토카, "가야네" 발레 등 찌르다. A. 과. 하차투리안; 역설적으로 보이지만 나르 리듬의 조합은 설득력이 있다. K. 교향곡 3번의 도데카포니 기법으로 춤을 춘다. Karaev, 피아노를 위한 "여섯 개의 그림". 바바잔야나). 20세기에는 고대 무용(Prokofiev의 gavotte, rigaudon, minuet, Ravel의 pavane)에 대한 호소가 문체가 되었습니다. 신고전주의의 규범 (Branle, Sarabande, Stravinsky의 Agon의 Galliard, Op.

발레, 댄스 문서도 참조하십시오.

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TS 큐레얀