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독일어 Konzert, 이탈리아어에서. 협주곡 – 콘서트, 조명. – 위도에서 경쟁 (투표). 협주곡 - 경쟁

참여하는 악기나 목소리의 작은 부분이 대부분 또는 전체 앙상블에 반대되는 많은 연주자를 위한 작품으로 주제로 인해 두드러집니다. 음악의 구호. 악기나 목소리의 모든 가능성을 사용하는 재료, 다채로운 사운드. 18세기 말부터 가장 흔한 것은 오케스트라와 함께 한 독주 악기를 위한 협주곡입니다. 오케스트라와 함께 여러 악기를 위한 협주곡은 덜 일반적입니다. "double", "triple", "quadruple"(독일어: Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). 특수 품종은 k입니다. 하나의 악기(오케스트라 없이), k. 오케스트라의 경우(솔로 부분이 엄격하게 정의되지 않은 경우), k. 오케스트라와 함께하는 목소리(음성)의 경우, k. 합창단을 위한 아카펠라. 과거에는 성악 다성 음악이 널리 표현되었습니다. K.와 콘체르토 그로소. K. 의 출현을위한 중요한 전제 조건은 다중 합창단과 합창단, 솔리스트 및 악기의 비교였으며, 이는 베네치아 학교 대표, wok.-instr의 할당에 의해 처음 널리 사용되었습니다. 음성 및 악기의 솔로 부분 구성. 초기 K. 16세기와 17세기 초 이탈리아에서 일어났다. 웍. 다성 교회. 음악 (Concerti ecclesiastici for double choir A. Banchieri, 1595; Motets for 1-4-voice sing with digital bass "Cento concerti ecclesiastici" by L. Viadana, 1602-11). 그러한 콘서트에서는 다양한 작곡 – 수많은 것을 포함합니다. 웍. 그리고 악기 몇 개의 웍만 번호를 매길 때까지 파티. 파티와베이스 장군의 일부. 협주곡이라는 이름과 함께 같은 유형의 작곡에는 종종 motetti, motecae, cantios sacrae 등의 이름이 붙었습니다. 교회 웍의 발전에서 가장 높은 단계. K. 폴리포닉. 스타일은 1층에 등장했습니다. JS Bach의 18세기 칸타타로, 그는 자신이 협주곡이라고 불렀습니다.

장르 K. 는 러시아어에서 널리 사용됩니다. 교회 음악(17세기 말부터) – 파트 노래 분야와 관련된 아카펠라 합창단을 위한 폴리포닉 작품. 그러한 결정의 "창조"이론은 NP Diletsky에 의해 개발되었습니다. 루스. 작곡가들은 교회 종의 폴리포닉 기법을 크게 발전시켰습니다(4, 6, 8, 12개 이상의 음성, 최대 24개의 음성에 대해 작동). 모스크바의 총회 합창단 도서관에는 V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin 등이 쓴 500-17 세기의 최대 18K가 있습니다. 교회 연주회의 발전은 18세기 말까지 계속되었다. MS Berezovsky 및 DS Bortnyansky, 작업에서 멜로디 아리오스 스타일이 우세합니다.

17 세기에 원래 이탈리아에서 여러 솔로 ( "콘서트") 목소리의 "경쟁", "경쟁"의 원칙이 instr. 음악 - 모음곡과 교회에서. 기악 영화 장르의 등장을 준비하는 소나타 (Balletto Concertata P. Melli, 1616; Sonata Concertata D. Castello, 1629). 오케스트라(투티)와 독주자(솔로) 또는 독주 악기 그룹과 오케스트라(협주곡 그로소)의 대조되는 병치("경쟁")는 17세기 말에 등장한 것들의 기초입니다. 기악 K.의 첫 번째 예 (Concerti da camera a 3 con il cembalo G. Bononcini, 1685; Concerto da camera a 2 violini e Basso continuo G. Torelli, 1686). 그러나 보논키니와 토렐리의 협주곡은 소나타에서 K로 넘어가는 과도기 형식에 불과했고, 실제로 1층으로 발전했다. A. Vivaldi의 작품에서 18세기. 이 때의 K.는 두 개의 빠른 익스트림 파트와 느린 중간 파트로 구성된 2부 구성이었습니다. 빠른 부분은 일반적으로 하나의 주제를 기반으로 합니다(1개의 주제에 대한 경우는 거의 없음). 이 주제는 후렴구-리토르넬로(론달 형식의 단조적 알레그로)로 바뀌지 않고 오케스트라에서 연주되었습니다. Vivaldi는 바이올린, 첼로, viol d'amour 및 다양한 영혼을 위한 협주곡과 독주 협주곡을 모두 만들었습니다. 도구. 독주 협주곡에서 독주 악기 부분은 처음에는 주로 바인딩 기능을 수행했지만 장르가 발전함에 따라 점점 더 뚜렷한 콘서트 및 주제 특성을 갖게 되었습니다. 독립. 음악의 발전은 투티(tutti)와 독주(solo)의 대립을 기반으로 했으며, 그 대비는 역동성에 의해 강조되었다. 수단. 순전히 동성애적이거나 다성적인 창고의 부드러운 움직임의 조형적인 질감이 우세했습니다. 솔리스트의 콘서트는 일반적으로 장식적인 기교의 성격을 가졌습니다. 중간 부분은 ariose 스타일로 작성되었습니다 (일반적으로 오케스트라의 화음 반주에 대한 솔리스트의 한심한 아리아). 이런 종류의 K.는 18층에서 받았습니다. 1세기 일반 배포. JS Bach가 만든 클라비에 협주곡도 그에게 속합니다(그 중 일부는 자신의 바이올린 협주곡과 비발디의 2, 4, XNUMX 클라비에를 위한 바이올린 협주곡 편곡입니다). JS Bach의 이 작품들과 GF Handel의 클라비에와 관현악을 위한 K.는 피아노 발전의 시작을 알렸습니다. 콘서트. 헨델은 오르간 k의 조상이기도 합니다. 솔로 악기로는 바이올린과 클라비에 외에도 첼로, 비올 다무르, 오보에(종종 바이올린을 대체하는 역할을 함), 트럼펫, 바순, 가로 플루트 등이 사용되었습니다.

2층. 18세기는 비엔나 고전에서 명확하게 결정화된 독주 기악 k의 고전적인 유형을 형성했습니다.

K.에서는 sonata-symphony의 형식이 확립되었습니다. 주기이지만 특이한 굴절이 있습니다. 일반적으로 콘서트 사이클은 세 부분으로 구성됩니다. 그것은 완전한 3악장 주기의 세 번째 부분, 즉 미뉴에트 또는 (나중에) 스케르초(나중에 스케르초는 때때로 K에 포함됩니다. – 예를 들어, Prokofiev의 바이올린과 오케스트라를 위한 3st K., 또는 예를 들어 A. Litolf, I. Brahms의 피아노와 오케스트라를 위한 협주곡에서와 같이 완전한 1악장 주기의 일부로, 바이올린과 오케스트라를 위한 1st K. 쇼스타코비치). K의 개별 파트 구성에도 특정 기능이 설정되었습니다. 1부에서는 이중 노출의 원리가 적용되었습니다. 키, 그리고 그 후에야 2차 박람회에서 독주자의 주역인 같은 메인의 메인 테마가 제시되었습니다. 음조, 측면 하나 – 다른 하나는 소나타 알레그로 체계에 해당합니다. 솔리스트와 오케스트라 간의 비교, 경쟁은 주로 개발에서 이루어졌습니다. 프리 클래식 샘플에 비해 콘서트 공연의 원리 자체가 크게 바뀌었고 컷이 주제와 더 밀접하게 연결되었습니다. 개발. K. 소위 작곡의 주제에 대한 솔리스트의 즉흥 연주를 제공했습니다. 코드로의 전환에 위치한 cadenza. Mozart에서 K. 의 질감은 주로 비 유적이며 선율적이고 투명하며 플라스틱이며 Beethoven에서는 스타일의 일반적인 각색에 따라 긴장으로 가득 차 있습니다. Mozart와 Beethoven은 그림 구성에서 상투적인 표현을 피하며 종종 위에서 설명한 이중 노출 원칙에서 벗어납니다. 모차르트와 베토벤의 협주곡은 이 장르의 발전에서 최고봉을 이룬다.

낭만주의 시대에는 고전에서 출발합니다. k의 부품 비율. 낭만주의는 한 부분으로 된 k를 만들었습니다. 두 가지 유형: 작은 형태 – 소위. 콘서트 작품(나중에 콘체르티노라고도 함)과 교향시 구성에 해당하는 큰 형식으로 1부 소나타-교향곡 주기의 특징을 한 부분으로 번역했습니다. 고전적인 K. 억양과 주제. 일반적으로 낭만적 인 부분 사이의 연결은 없었습니다. K. monothematism, leitmotif 연결, "개발을 통해"의 원칙이 가장 중요한 의미를 얻었습니다. 낭만주의의 생생한 예. 시적인 한 부분 K. 는 F. Liszt에 의해 만들어졌습니다. 로맨틱. 19층에서 신청합니다. XNUMX 세기는 낭만주의 전체 경향 (N. Paganini, F. Liszt 등)의 문체 적 특징이 된 특별한 종류의 다채롭고 장식적인 기교를 개발했습니다.

베토벤 이후 K.에는 "virtuoso"와 "symphonized"라는 두 가지 종류(두 가지 유형)가 있었습니다. 거장 K. instr. 기교와 콘서트 공연은 음악 발전의 기초를 형성합니다. 첫 번째 계획은 주제가 아닙니다. 개발 및 cantilena와 운동성 간의 대조 원리, decomp. 질감 유형, 음색 등 많은 거장 K. 주제. 개발이 완전히 없거나 (Viotti의 바이올린 협주곡, Romberg의 첼로 협주곡) 하위 위치를 차지합니다 (바이올린과 오케스트라를위한 Paganini의 1st 협주곡 1 부). 교향곡 K에서 음악의 발전은 교향곡을 기반으로합니다. 드라마투르기, 주제 원리. 비 유적으로 주제에 반대되는 개발. 구체. K. 에서 상징 극작술의 도입은 비유적, 예술적, 이데올로기 적 의미에서 교향곡과의 수렴 때문이었습니다 (I. Brahms의 콘서트). 두 유형의 K. 는 극작가가 다릅니다. 주요 기능 구성 요소: virtuoso K.는 솔리스트의 완전한 헤게모니와 오케스트라의 하위 (반주) 역할이 특징입니다. 교향곡 K를 위해 – 드라마투르기. 오케스트라의 활동 (주제별 자료의 개발은 솔리스트와 오케스트라가 공동으로 수행), 솔리스트와 오케스트라의 상대적 평등으로 이어집니다. Symphonic K에서 기교는 드라마의 수단이 되었습니다. 개발. 교향곡에는 카덴차와 같은 장르의 특정 거장 요소도 포함되어 있습니다. virtuoso K.에서 cadenza는 기술을 보여주기 위해 의도되었습니다. 솔리스트의 기술, 교향곡에서 그녀는 음악의 전반적인 발전에 참여했습니다. 베토벤 시대 이후로 작곡가들은 카덴차를 쓰기 시작했습니다. 1번째 fp에서. 베토벤의 협주곡 케이던스가 유기적으로 변합니다. 작품 형식의 일부.

기교와 교향곡의 명확한 구분 k. 항상 가능한 것은 아닙니다. 콘서트와 교향곡의 특성이 밀접하게 결합된 K. 유형이 널리 보급되었습니다. 예를 들어 F. Liszt, PI Tchaikovsky, AK Glazunov, SV Rachmaninov symphonic의 콘서트에서. 극작술은 솔로 부분의 화려한 거장 캐릭터와 결합됩니다. 20세기에는 교향곡이 주를 이루는 SS Prokofiev, B. Bartok의 협주곡에서 거장의 연주가 주를 이룬다. 예를 들어 Shostakovich의 1st 바이올린 협주곡에서 자질이 관찰됩니다.

교향곡에 상당한 영향을 미쳤으므로 교향곡은 교향곡의 영향을 받았습니다. 19세기 말. 작품을 통해 특별한 "콘서트"의 다양한 교향곡이 생겨났습니다. R. Strauss("Don Quixote"), NA Rimsky-Korsakov("Spanish Capriccio"). 20세기에는 콘서트 공연의 원리에 따라 오케스트라를 위한 협주곡도 꽤 많이 등장했습니다(예: 소비에트 음악에서 아제르바이잔 작곡가 S. Gadzhibekov, 에스토니아 작곡가 J. Ryaets 등).

실질적으로 K.는 모든 유럽을 위해 만들어졌습니다. 악기 – 피아노, 바이올린, 첼로, 비올라, 더블 베이스, 목관 악기 및 금관 악기. RM Gliere는 매우 인기 있는 음성 및 오케스트라용 K.를 소유하고 있습니다. 올빼미. 작곡가는 nar를 위해 K.를 썼습니다. 악기 – balalaika, domra (KP Barchunova 및 기타), 아르메니아 타르 (G. Mirzoyan), 라트비아어 kokle (J. Medin) 등 올빼미 음악 장르에서 K.는 decomp에서 널리 퍼졌습니다. 전형적인 형태이며 많은 작곡가 (SS Prokofiev, DD Shostakovich, AI Khachaturian, DB Kabalevsky, N. Ya. Myaskovsky, TN Khrennikov, SF Tsintsadze 등)의 작품에서 널리 표현됩니다.

참조 : Orlov GA, 소비에트 피아노 협주곡, L., 1954; Khokhlov Yu., 소비에트 바이올린 협주곡, M., 1956; Alekseev A., 기악의 협주곡 및 실내악 장르, 책: 러시아 소비에트 음악의 역사, vol. 1, M., 1956, pp. 267-97; 라벤 L., 소비에트 기악 협주곡, L., 1967.

LH 라벤