클로드 드뷔시 |
작곡가

클로드 드뷔시 |

클로드 드뷔시

생년월일
22.08.1862
사망일
25.03.1918
직업
작곡가
국가
프랑스

나는 새로운 현실을 찾으려고 노력하고 있습니다. 바보들은 그것을 인상주의라고 부릅니다. C. 드뷔시

클로드 드뷔시 |

프랑스 작곡가 C. Debussy는 종종 XNUMX세기 음악의 아버지라고 불립니다. 그는 모든 소리, 화음, 음조가 새로운 방식으로 들릴 수 있고, 마치 그 소리, 침묵 속에서 점진적이고 신비로운 용해를 즐기는 것처럼 더 자유롭고 다양한 삶을 살 수 있음을 보여주었습니다. 드뷔시를 회화적 인상주의와 연관시키는 것은 참으로 많은 것입니다. 애매하고 유동적으로 움직이는 순간의 자급자족적인 광채, 풍경에 대한 사랑, 공간의 바람이 잘 통하는 떨림. Debussy가 음악에서 인상주의의 주요 대표자로 간주되는 것은 우연이 아닙니다. 그러나 그는 인상파 예술가들보다 더 멀리, 그는 전통적인 형식에서 갔고, 그의 음악은 C. Monet, O. Renoir 또는 C. Pissarro의 그림보다 훨씬 더 깊은 우리 세기로 향하고 있습니다.

드뷔시는 음악이 자연스러움, 끝없는 가변성, 형태의 다양성 면에서 자연과 같다고 믿었습니다. “음악은 바로 자연에 가장 가까운 예술입니다… 음악가만이 밤과 낮, 땅과 하늘의 모든 시를 포착하여 그들의 거대한 맥동을 리드미컬하게 전달합니다. 자연과 음악은 모두 Debussy에게 미스터리로 느껴지며 무엇보다도 탄생의 미스터리, 변덕스러운 우연의 게임의 예상치 못한 독특한 디자인으로 느껴집니다. 따라서 예술의 살아있는 현실을 무의식적으로 도식화하는 예술적 창의성과 관련하여 모든 종류의 이론적 진부한 표현과 레이블에 대한 작곡가의 회의적이고 아이러니 한 태도를 이해할 수 있습니다.

Debussy는 9 살 때 음악을 공부하기 시작했으며 이미 1872 년에 파리 음악원 주니어 부서에 입학했습니다. 이미 음악원 시절에 그의 생각의 틀에 얽매이지 않아 하모니 교사와 충돌했습니다. 반면 초보 연주자는 E. Guiraud(작곡)와 A. Mapmontel(피아노) 수업에서 진정한 만족을 얻었다.

1881년 드뷔시는 하우스 피아니스트로서 러시아 자선가인 N. von Meck(P. Tchaikovsky의 절친한 친구)와 함께 유럽 여행을 갔다가 그녀의 초청으로 두 번 러시아를 방문했습니다(1881, 1882). 그리하여 드뷔시는 자신의 스타일 형성에 큰 영향을 준 러시아 음악과 친해지기 시작했습니다. “러시아인들은 우리에게 터무니없는 제약에서 벗어나려는 새로운 충동을 줄 것입니다. 그들은 … 광활한 들판이 내려다보이는 창문을 열었습니다. Debussy는 탁월한 음색과 미묘한 묘사, N. Rimsky-Korsakov 음악의 그림 같은 아름다움, A. Borodin의 하모니의 신선함에 매료되었습니다. 그는 M. Mussorgsky를 가장 좋아하는 작곡가라고 불렀습니다. 그는 독특하며 시들지 않는 규칙 없이 터무니없는 기술이 없는 그의 예술 덕분에 독특하게 남을 것입니다. 러시아 혁신가의 성악 억양의 유연성, Debussy의 말에 따르면 형식이 프랑스 작곡가에 의해 고유한 방식으로 구현된 사전 확립된 "행정적"으로부터의 자유는 그의 음악의 필수적인 특징이 되었습니다. “보리스의 말을 들어라. 그것은 펠레아스 전체를 가지고 있습니다.” 드뷔시는 그의 오페라의 음악적 언어의 기원에 대해 말한 적이 있습니다.

1884년 음악원을 졸업한 후 드뷔시는 빌라 메디치에서 열리는 로마에서 1885년 동안 개선할 수 있는 권리를 부여하는 로마 대상 경연 대회에 참가합니다. 이탈리아(87-XNUMX)에서 보낸 몇 년 동안 Debussy는 르네상스 시대의 합창 음악(G. Palestrina, O. Lasso)을 연구했으며 먼 과거(러시아 음악의 독창성 뿐만 아니라)는 새로운 흐름을 가져왔습니다. 그의 조화로운 생각. 보고서를 위해 파리로 보낸 교향곡("Zuleima", "Spring")은 보수적인 "음악적 운명의 거장"을 기쁘게 하지 못했습니다.

예정보다 일찍 파리로 돌아온 드뷔시는 S. 말라르메가 이끄는 상징주의 시인들과 가까워진다. 상징주의 시의 음악성, 영혼의 삶과 자연 세계 사이의 신비한 연결에 대한 탐구, 그것들의 상호 해체 - 이 모든 것이 드뷔시를 매우 매료시켰고 그의 미학을 크게 형성했습니다. 작곡가의 초기 작품 중 가장 독창적이고 완벽한 것이 P. Verdun, P. Bourget, P. Louis 및 C. Baudelaire의 말에 대한 로맨스였다는 것은 우연이 아닙니다. 그 중 일부("Wonderful Evening", "Mandolin")는 음악원에서 공부하는 동안 작곡되었습니다. 상징주의 시는 최초의 성숙한 오케스트라 작품인 "목신의 오후"(1894) 전주곡에 영감을 주었습니다. 말라르메의 에클로그에 대한 이 음악적 삽화에서 드뷔시의 독특하고 미묘하게 뉘앙스가 있는 오케스트라 스타일이 발전했습니다.

상징주의의 영향은 M. Maeterlinck의 드라마의 산문 텍스트에 쓰여진 Debussy의 유일한 오페라 Pelleas et Mélisande(1892-1902)에서 가장 충분히 느껴졌습니다. 이것은 작곡가에 따르면 등장인물이 "다툼이 아니라 그들의 삶과 운명을 견뎌내는" 러브 스토리입니다. 여기에서 Debussy는 Tristan과 Isolde의 저자 인 R. Wagner와 창의적으로 주장하며 젊었을 때 Wagner의 오페라를 극도로 좋아하고 마음으로 알고 있었음에도 불구하고 자신의 Tristan을 쓰고 싶었습니다. 바그너 음악의 열린 열정 대신 암시와 상징으로 가득 찬 세련된 사운드 게임의 표현이 여기에 있습니다. “음악은 표현할 수 없는 것을 위해 존재합니다. 나는 그녀가 그대로 황혼에서 나와 잠시 후 황혼으로 돌아가기를 바랍니다. 그녀가 항상 겸손하도록 "Debussy는 썼습니다.

피아노 음악이 없는 드뷔시는 상상할 수 없습니다. 작곡가 자신은 재능 있는 피아니스트이자 지휘자였습니다. 프랑스 피아니스트 M. Long은 “그는 거의 항상 반음으로 연주했지만 샤프함은 없었지만 쇼팽이 연주한 것처럼 풍부하고 밀도 있는 사운드로 연주했습니다.”라고 회상했습니다. 드뷔시가 색채 탐구에서 거부한 것은 쇼팽의 경쾌함, 피아노 천의 소리의 공간성 때문이었습니다. 하지만 다른 출처가 있었습니다. 드뷔시 음악의 절제되고 균일한 감정적 음색은 예기치 않게 고대 전 낭만주의 음악, 특히 로코코 시대의 프랑스 하프시코드 연주자(F. Couperin, JF Rameau)에 더 가까워졌습니다. "Suite Bergamasco"와 피아노 모음곡(Prelude, Minuet, Passpier, Sarabande, Toccata)의 고대 장르는 신고전주의의 독특하고 "인상주의적인" 버전을 나타냅니다. 드뷔시는 양식화에 전혀 의존하지 않고 초기 음악의 "초상화"보다는 인상보다는 자신의 초기 음악 이미지를 만듭니다.

작곡가가 가장 좋아하는 장르는 일련의 다양한 그림과 같은 프로그램 모음(오케스트라 및 피아노)으로, 정적인 풍경이 빠르게 움직이고 종종 댄스 리듬으로 시작됩니다. 오케스트라 "Nocturnes"(1899), "The Sea"(1905) 및 "Images"(1912)를 위한 모음곡이 있습니다. 피아노의 경우 Debussy가 딸에게 헌정 한 "Images", "Children 's Corner"의 2 개의 노트북 "Prints"가 만들어집니다. Prints에서 작곡가는 처음으로 동양("Pagodas"), 스페인("Evening in Grenada")의 사운드 이미지와 움직임이 가득한 풍경, 프랑스 민요("비 속의 정원")와 빛과 그림자의 놀이.

두 개의 전주곡(1910, 1913)에서 작곡가의 전체 비유적 세계가 드러났습니다. 아마 머리를 한 소녀와 헤더의 투명한 수채화 톤은 The Terrace Haunted by Moonlight, 전주곡 Aromas and Sounds in Evening Air의 풍부한 사운드 팔레트와 대조를 이룹니다. 고대 전설은 Sunken Cathedral의 장엄한 사운드에서 생생하게 나타납니다(무소르그스키와 보로딘의 영향이 특히 두드러진 곳입니다!). 그리고 "Delphian Dancers"에서 작곡가는 사원의 엄격함과 이교도의 관능미가 가미된 ​​의식의 독특한 앤티크 조합을 찾습니다. 음악적 화신을 위한 모델 선택에서 Debussy는 완벽한 자유를 얻습니다. 예를 들어, 그는 동일한 미묘함으로 스페인 음악의 세계(알함브라 문, 중단된 세레나데)에 침투하여 미국 민스트럴 극장(라빈 장군 편심, The Minstrels ).

전주곡에서 Debussy는 그의 전체 음악 세계를 간결하고 집중된 형태로 제시하고 이를 일반화하고 여러 측면에서 이전의 시각적-음악적 대응 시스템과 작별을 고합니다. 그리고 그의 생애의 마지막 5 년 동안 그의 음악은 더욱 복잡해지고 장르의 지평을 넓히고 일종의 긴장하고 변덕스러운 아이러니가 느껴지기 시작합니다. 무대 장르에 대한 관심 증가. 이들은 발레 (V. Nijinsky와 S. Diaghilev 극단이 1912 년에 공연 한 "Kamma", "Games", 1913 년 어린이를위한 인형극 "Toy Box", 1911), 이탈리아 미래 학자 G의 수수께끼를위한 음악입니다. .d'Annunzio "성 세바스찬의 순교"(6). 발레리나 Ida Rubinshtein, 안무가 M. Fokin, 아티스트 L. Bakst가 미스터리 제작에 참여했습니다. Pelléas를 만든 후 Debussy는 반복적으로 새로운 오페라를 시작하려고했습니다. 그는 E. Poe (종탑의 악마, Escher 가문의 몰락)의 음모에 매료되었지만 이러한 계획은 실현되지 않았습니다. 작곡가는 실내 앙상블을 위한 3개의 소나타를 작곡할 계획이었지만 첼로와 피아노를 위한(1915), 플루트, 비올라와 하프를 위한(1915), 바이올린과 피아노를 위한(1917) 등 1915개를 만들었습니다. F. Chopin의 작품을 편집하면서 Debussy는 위대한 작곡가의 기억에 전념하는 Twelve Etudes (1915)를 작성했습니다. Debussy는 이미 불치병에 걸렸을 때 그의 마지막 작품을 만들었습니다. XNUMX년에 그는 수술을 받았고 그 후 XNUMX년이 조금 넘게 살았습니다.

Debussy의 일부 작곡에는 14 차 세계 대전의 사건이 반영되었습니다. "Heroic Lullaby", 노래 "The Nativity of Homeless Children", 미완성 "Ode to France". 제목 목록만 봐도 최근 몇 년 동안 극적인 주제와 이미지에 대한 관심이 증가했음을 알 수 있습니다. 반면에 작곡가의 세계관은 더욱 아이러니해진다. 유머와 아이러니는 항상 시작되었으며 Debussy의 부드러움, 인상에 대한 개방성을 보완했습니다. 그들은 음악뿐만 아니라 작곡가, 편지 및 비평 기사에 대한 잘 조준된 진술에서도 나타났습니다. 1914년 동안 Debussy는 전문 음악 평론가였습니다. 이 작업의 결과는“Mr. Krosh – Antidilettante”(XNUMX).

전후 몇 년 동안 Debussy는 I. Stravinsky, S. Prokofiev, P. Hindemith와 같은 낭만적 인 미학의 무례한 파괴자와 함께 어제 인상파의 대표자로 많은 사람들에게 인식되었습니다. 그러나 나중에, 특히 우리 시대에 소노 기술과 일반적으로 새로운 감각을 기대했던 Stravinsky, B. Bartok, O. Messiaen에 직접적인 영향을 미친 프랑스 혁신가의 엄청난 중요성이 분명해지기 시작했습니다. 음악적 공간과 시간의 – 그리고 이 새로운 차원에서 인류 예술의 본질로.

K. 젠킨


삶과 창조의 길

어린 시절과 연구 년. 클로드 아킬 드뷔시는 22년 1862월 1873일 파리 생제르맹에서 태어났다. 그의 부모(쁘띠 부르주아)는 음악을 사랑했지만 진정한 전문 예술과는 거리가 멀었습니다. 어린 시절의 무작위적인 음악적 인상은 미래 작곡가의 예술적 발전에 거의 기여하지 못했습니다. 이들 중 가장 눈에 띄는 것은 오페라를 보기 드문 방문이었다. 드뷔시는 아홉 살에야 피아노를 배우기 시작했습니다. 클로드의 비범한 능력을 인정한 가족과 가까운 피아니스트의 주장에 따라 그의 부모는 70년 그를 파리 음악원으로 보냈다. 80 세기의 XNUMX 년대와 XNUMX 년대에이 교육 기관은 젊은 음악가를 가르치는 가장 보수적이고 일상적인 방법의 거점이었습니다. 패전 당시 총에 맞은 파리 코뮌의 음악위원 살바도르 다니엘에 이어 음악원장은 작곡가 앙브루아즈 토마(Ambroise Thomas)였다.

음악원 교사 중에는 S. Frank, L. Delibes, E. Giro와 같은 뛰어난 음악가도 있었습니다. 최선을 다해 그들은 파리 음악 생활의 모든 새로운 현상, 모든 독창적인 연주 및 작곡 재능을 지원했습니다.

첫 해의 부지런한 연구는 드뷔시 연례 솔페지오 상을 수상했습니다. 솔페지오와 반주 수업(하모니를 위한 피아노 연습)에서 처음으로 새로운 화성 선회, 다양하고 복잡한 리듬에 대한 그의 관심이 나타났습니다. 조화로운 언어의 다채롭고 다채로운 가능성이 그의 앞에 열립니다.

Debussy의 피아니스트 재능은 매우 빠르게 발전했습니다. 이미 학생 시절에 그의 연주는 내면의 내용, 감성, 뉘앙스의 미묘함, 희귀 한 다양성 및 사운드 팔레트의 풍부함으로 구별되었습니다. 그러나 유행하는 외부 기교와 광채가없는 그의 공연 스타일의 독창성은 음악원 교사 나 Debussy의 동료들 사이에서 정당한 인정을받지 못했습니다. 처음으로 그의 피아니스트 재능은 슈만의 소나타 연주로 1877년에야 상을 받았습니다.

기존의 음악원 교수법과의 첫 번째 심각한 충돌은 하모니 수업에서 Debussy와 함께 발생합니다. 드뷔시의 독립적인 조화적 사고는 조화의 과정을 지배하는 전통적인 제약을 견딜 수 없었습니다. 작곡을 공부한 작곡가 E. Guiraud만이 그의 제자의 열망에 진정으로 스며들었고 예술적, 미학적 관점과 음악적 취향에서 그와 만장일치를 발견했습니다.

이미 70년대 후반과 80년대 초반으로 거슬러 올라가는 드뷔시의 첫 성악 작곡(Paul Bourget의 "Wonderful Evening", 특히 Paul Verlaine의 "Mandolin")은 그의 재능의 독창성을 드러냈습니다.

음악원을 졸업하기 전에도 Debussy는 수년 동안 PI 차이코프스키의 친한 친구 수에 속한 러시아 자선가 NF von Meck의 초청으로 서유럽으로 첫 해외 여행을 떠났습니다. 1881년 드뷔시는 폰 멕의 홈 콘서트에 참여하기 위해 피아니스트로 러시아에 왔습니다. 러시아로의 첫 번째 여행(그 후 그는 1882년과 1913년에 두 번 더 그곳에 갔다)은 그의 생애가 끝날 때까지 약해지지 않은 러시아 음악에 대한 작곡가의 큰 관심을 불러일으켰다.

1883년부터 드뷔시는 로마 대상 경연 대회에 작곡가로 참여하기 시작했습니다. 다음 해 그는 칸타타 The Prodigal Son으로 상을 받았습니다. 여러 면에서 여전히 프랑스 서정 오페라의 영향을 받고 있는 이 작품은 개별 장면의 실제 드라마(예: 레아의 아리아)에서 두드러집니다. Debussy의 이탈리아 체류(1885-1887)는 그에게 유익한 것으로 판명되었습니다. 그는 XNUMX세기의 고대 이탈리아 합창 음악(Palestrina)과 동시에 바그너의 작품(특히 뮤지컬 드라마 "트리스탄과 이졸데").

동시에 Debussy의 이탈리아 체류 기간은 프랑스의 공식 예술계와의 날카로운 충돌로 표시되었습니다. 아카데미 전 수상자 보고서는 특별 심사 위원이 파리에서 고려한 작품 형태로 발표되었습니다. 작곡가의 작품에 대한 리뷰 – 교향곡 “Zuleima”, 교향곡 모음곡 “Spring” 및 칸타타 “The Chosen One”(파리 도착 시 이미 작곡됨) – 이번에는 Debussy의 혁신적인 열망과 가장 큰 예술 기관인 프랑스에서 통치했습니다. 작곡가는 "이상하고, 이해할 수 없고, 실행 불가능한 일을 하려는 의도적인 욕망", "과도한 음악적 색채 감각"으로 인해 "정확한 그림과 형식의 중요성"을 잊게 만든다는 비난을 받았습니다. Debussy는 "폐쇄된" 인간의 목소리와 교향곡 작품에 허용되지 않는 F-sharp 장조의 키를 사용했다는 비난을 받았습니다. 아마도 그의 작품에 "평평한 회전과 진부함"이 없다는 언급이 유일하게 공정했을 것입니다.

드뷔시가 파리로 보낸 모든 작곡은 아직 작곡가의 성숙한 스타일과는 거리가 멀었지만 이미 혁신적인 기능을 보여 주었고 주로 다채로운 조화 언어와 오케스트라에서 나타났습니다. 드뷔시는 파리에 있는 한 친구에게 보낸 편지에서 혁신에 대한 열망을 분명히 밝혔습니다. 경로 … ". 이탈리아에서 파리로 돌아온 드뷔시는 마침내 아카데미와 결별한다.

90년대. 창의성의 첫 번째 꽃. 예술의 새로운 경향에 가까워지고 싶은 욕망, 예술계에서 그들의 연결과 지인을 확장하려는 욕망은 80년대 후반 드뷔시를 80세기 후반의 주요 프랑스 시인의 살롱과 상징주의자들의 이데올로기적 지도자로 이끌었습니다. - 스테판 말라르메. "화요일"에 Mallarme는 현대 프랑스 예술의 가장 다양한 경향을 대표하는 뛰어난 작가, 시인, 예술가를 모았습니다(시인 Paul Verlaine, Pierre Louis, Henri de Regnier, 예술가 James Whistler 등). 여기에서 Debussy는 90-50년대에 작곡된 많은 성악 작곡의 기초가 된 작가와 시인을 만났습니다. 그중에서 "만돌린", "Ariettes", "벨기에 풍경", "수채화", "달빛"은 Paul Verlaine의 말, "Songs of Bilitis"는 Pierre Louis의 말, "Five Poems"는 프랑스 최고의 시인 60의 말— Charles Baudelaire의 XNUMX 년대 (특히 "Balcony", "Evening Harmonies", "At the Fountain") 등.

이들 작품의 제목만 나열해도 풍경을 모티브로 하거나 사랑의 가사가 주를 이루는 문학적 텍스트에 대한 작곡가의 취향을 짐작할 수 있다. 시적인 음악 이미지의 이 영역은 드뷔시가 그의 경력 내내 가장 좋아하는 영역이 되었습니다.

그의 작품 초기에 성악에 대한 명확한 선호는 상징주의 시에 대한 작곡가의 열정으로 크게 설명됩니다. 상징주의 시인의 시에서 드뷔시는 그와 가까운 주제와 새로운 예술적 기법에 매료되었습니다. 단어 조합이 포착됩니다. 우울한 예감의 상태를 전달하려는 욕망, 미지에 대한 두려움과 같은 상징주의의 측면은 결코 Debussy를 포착하지 못했습니다.

이 시기의 대부분의 작품에서 Debussy는 자신의 생각을 표현할 때 상징주의적 불확실성과 과소 표현을 모두 피하려고 합니다. 그 이유는 작곡가의 전체적이고 건강한 예술적 성격 인 프랑스 국가 음악의 민주적 전통에 대한 충성 때문입니다 (그가 옛 거장의 시적 전통을 복잡하게 결합한 Verlaine의시를 가장 자주 언급하는 것은 우연이 아닙니다. 현대 귀족 살롱 예술에 내재 된 세련미와 함께 명확한 생각과 스타일의 단순성에 대한 열망). 드뷔시는 초기 성악 작곡에서 노래, 춤과 같은 기존 음악 장르와의 연결을 유지하는 음악적 이미지를 구현하기 위해 노력했습니다. 그러나 이 연결은 Verlaine에서와 같이 다소 정교하게 세련된 굴절에서 종종 나타납니다. Verlaine의 말에 대한 로맨스 "만돌린"입니다. 로맨스의 멜로디에서 우리는 마치 "노래"하는 것처럼 강조된 악센트없이 연주되는 "chansonnier"의 레퍼토리에서 프랑스 도시 노래의 억양을 듣습니다. 피아노 반주는 만돌린이나 기타의 특징적인 덜컥거리는 소리를 전달합니다. "빈" XNUMX도의 코드 조합은 다음 악기의 열린 현 소리와 비슷합니다.

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이미 이 작품에서 드뷔시는 그의 성숙한 스타일의 전형적인 색채 기법 중 일부를 조화롭게 사용합니다.

90년대는 성악뿐만 아니라 피아노 음악(“Suite Bergamas”, 피아노 네 손을 위한 “작은 모음곡”), 실내악(현악 XNUMX중주), 특히 교향곡( 이 시간에 가장 중요한 교향곡 중 두 곡이 만들어집니다. 전주곡 "목신의 오후"와 "야상곡").

전주곡 "목신의 오후"는 1892년 스테판 말라르메의 시를 바탕으로 작성되었습니다. 말라르메의 작품은 주로 더운 날 아름다운 님프에 대한 꿈을 꾸는 신화적 생물의 밝고 그림 같은 모습으로 작곡가를 매료시켰습니다.

전주곡에서는 말라르메의 시에서처럼 전개된 플롯이나 행동의 역동적 전개가 없습니다. 구성의 핵심에는 본질적으로 "기절하는" 반음계 억양에 기반한 "나른한" 하나의 멜로디 이미지가 있습니다. 드뷔시는 오케스트라의 구현을 위해 거의 항상 동일한 특정 기악 음색(낮은 음역의 플루트)을 사용합니다.

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전주곡의 전체 교향곡 발전은 주제 표현의 질감과 오케스트라의 변화로 귀결됩니다. 정적 전개는 이미지 자체의 특성에 의해 정당화됩니다.

작품의 구성은 XNUMX부작이다. 전주곡의 작은 중간 부분에서만 오케스트라의 현악 그룹이 새로운 온음계 주제를 연주할 때 일반 캐릭터가 더욱 강렬하고 표현력이 높아집니다(역동성은 전주곡에서 최대 음향에 도달합니다) ff, 전체 오케스트라의 tutti가 사용되는 유일한 시간). 되풀이는 마치 '나른함'이라는 주제를 녹이듯 점차 사라지면서 끝이 난다.

드뷔시의 성숙한 스타일의 특징은 이 작품에서 주로 오케스트라에서 나타났다. 오케스트라 그룹과 그룹 내 개별 악기 부분의 극도의 차별화를 통해 오케스트라 색상을 다양한 방식으로 결합하고 결합할 수 있으며 최상의 뉘앙스를 얻을 수 있습니다. 이 작품에서 오케스트라 작곡의 많은 업적은 나중에 드뷔시의 대부분의 교향곡 작품의 전형이 되었습니다.

드뷔시는 1894년 "Faun"의 공연 이후에야 파리의 더 넓은 음악계에서 연설하게 되었습니다. 그러나 드뷔시가 속한 예술적 환경의 고립과 특정한 한계, 작곡 스타일의 독창적인 개성으로 인해 작곡가의 음악이 콘서트 무대에 등장하지 못했습니다.

1897-1899년에 만들어진 녹턴 주기와 같은 드뷔시의 뛰어난 교향곡조차도 절제된 태도를 보였습니다. "녹턴"에서 드뷔시의 삶과 같은 예술적 이미지에 대한 강렬한 열망이 나타났습니다. 드뷔시의 교향곡 중 처음으로 생동감 넘치는 장르화(녹턴의 XNUMX부 - "축제")와 풍부한 색채의 자연 이미지(XNUMX부 - '구름')가 생생한 음악적 구현을 ​​받았다.

90년대에 드뷔시는 자신의 유일한 완성 오페라인 Pelleas et Mélisande를 작업했습니다. 작곡가는 오랫동안 그와 가까운 음모를 찾고있었습니다 (그는 Corneille의 비극 "Sid"를 기반으로 한 오페라 "Rodrigo and Jimena"에 대한 작업을 시작하고 중단했습니다. Debussy가 싫어했기 때문에 작업은 미완성 상태로 남아있었습니다 (자신의 말로) 역동적 인 전개 인 "행동의 부과"는 감정의 정서적 표현을 강조하고 영웅의 문학적 이미지를 대담하게 설명했습니다.) 마침내 벨기에 상징주의 작가 Maurice Maeterlinck "Pellaas et Mélisande"의 드라마에 정착했습니다. 이 작품에는 외적 행위가 거의 없고, 그 장소와 시간도 거의 변하지 않는다. 저자의 모든 관심은 캐릭터의 경험에서 가장 미묘한 심리적 뉘앙스를 전달하는 데 집중되어 있습니다. Golo, 그의 아내 Mélisande, Golo의 형제 Pelleas6. 이 작품의 줄거리는 Debussy의 말에 따르면 "캐릭터는 논쟁하지 않고 삶과 운명을 견뎌냅니다." 풍부한 하위 텍스트, 말하자면 "자신에게"라는 생각으로 인해 작곡가는 "음악은 단어가 무력한 곳에서 시작됩니다"라는 그의 모토를 실현할 수 있었습니다.

Debussy는 Maeterlinck의 많은 드라마의 주요 특징 중 하나를 오페라에서 유지했습니다. 즉, 피할 수 없는 치명적인 종말 이전에 등장인물의 치명적인 운명, 자신의 행복에 대한 사람의 불신입니다. Maeterlinck의 이 작업에서 XNUMX세기와 XNUMX세기 전환기에 부르주아 지식인의 상당 부분의 사회적, 미학적 견해가 생생하게 구현되었습니다. Romain Rolland는 자신의 저서 "Musicians of Our Days"에서 드라마에 대한 매우 정확한 역사적, 사회적 평가를 했습니다. 어떤 것도 사건의 순서를 바꿀 수 없습니다. [...] 아무도 그가 원하는 것과 그가 사랑하는 것에 대해 책임이 없습니다. […] 그들은 이유를 모르고 살고 죽습니다. 유럽의 정신적 귀족들의 피로를 반영하는 이 숙명론은 드뷔시의 음악에 의해 기적적으로 전달되었으며, 여기에 자신만의 시와 관능적인 매력을 더했다… 드뷔시는 사랑과 질투의 진정한 비극을 음악적으로 구현한 미묘하고 절제된 서정성, 진정성, 진실함으로 절망적으로 비관적인 드라마의 어조를 어느 정도 누그러뜨리는데 성공했다.

오페라의 문체적 참신함은 주로 그것이 산문으로 쓰여졌다는 사실에 기인합니다. Debussy 오페라의 보컬 부분에는 구어체 프랑스어 연설의 미묘한 음영과 뉘앙스가 포함되어 있습니다. 오페라의 선율적 발전은 점진적이지만(긴 간격으로 점프하지 않음), 선율-선율을 표현하는 선율입니다. 풍부한 가이수라, 예외적으로 유연한 리듬, 연주 억양의 빈번한 변화로 인해 작곡가는 거의 모든 산문의 의미를 음악과 함께 정확하고 적절하게 전달할 수 있습니다. 오페라의 극적인 클라이맥스 에피소드에서도 멜로디 라인의 중요한 감정적 고조는 없습니다. 행동의 긴장이 가장 고조되는 순간에 드뷔시는 자신의 원칙에 충실합니다. 따라서 펠레아스가 멜리장드에게 사랑을 고백하는 장면은 모든 오페라의 전통과 달리 '반의 속삭임'처럼 아무런 감흥 없이 연주된다. 멜리장드의 죽음 장면도 같은 방식으로 해결된다. 오페라에서 드뷔시가 놀라울 정도로 미묘한 수단으로 인간 경험의 다양한 음영의 복잡하고 풍부한 범위를 전달할 수 있었던 많은 장면이 있습니다. 세 번째, XNUMX막의 분수 장면과 XNUMX막의 멜리장드의 죽음 장면.

이 오페라는 30년 1902월 XNUMX일 코믹 오페라에서 상연되었습니다. 웅장한 공연에도 불구하고 오페라는 많은 청중과 함께 진정한 성공을 거두지 못했습니다. 비판은 일반적으로 비우호적이었고 첫 공연 이후 날카롭고 무례한 공격을 허용했습니다. 소수의 주요 음악가만이 이 작업의 장점을 높이 평가했습니다.

펠레아스를 무대에 올린 후 드뷔시는 처음부터 장르와 스타일이 다른 오페라를 작곡하려고 여러 번 시도했습니다. 대본은 Edgar Allan Poe를 기반으로 한 동화를 바탕으로 한 두 개의 오페라를 위해 작성되었습니다. Escher 가의 죽음과 종탑의 악마 스케치는 작곡가 자신이 죽기 직전에 파괴했습니다. 또한 셰익스피어의 비극 리어왕의 줄거리를 바탕으로 오페라를 만들려는 드뷔시의 의도는 실현되지 않았다. 펠레아스와 멜리장드의 예술적 원칙을 포기한 드뷔시는 프랑스 고전 오페라와 연극 연극의 전통에 더 가까운 다른 오페라 장르에서 자신을 찾을 수 없었습니다.

1900-1918년 – 드뷔시의 창조적 개화의 절정. 음악에 중요한 활동. Pelleas의 제작 직전에 Debussy의 삶에 중요한 사건이 일어났습니다. Debussy는 1901년부터 전문 음악 평론가가 되었습니다. 그를 위한 이 새로운 활동은 1901년, 1903년 및 1912-1914년에 간헐적으로 진행되었습니다. Debussy의 가장 중요한 기사와 진술은 1914 년 "Mr. Krosh는 반 아마추어입니다." 비판적 활동은 드뷔시의 미적 관점, 그의 예술적 기준 형성에 기여했습니다. 그것은 우리가 사람들의 예술적 형성에서 예술의 과제, 고전 및 현대 예술에 대한 그의 태도에 대한 작곡가의 매우 진보적 인 견해를 판단 할 수있게 해줍니다. 동시에 다양한 현상에 대한 평가와 미학적 판단에서 어느 정도 일면성과 불일치가 없는 것은 아니다.

드뷔시는 현대 비평을 지배하는 편견, 무지, 방종주의에 열렬히 반대한다. 그러나 Debussy는 또한 음악 작품을 평가할 때 독점적으로 형식적이고 기술적인 분석에 반대합니다. 그는 비판의 주요 품질과 존엄성, 즉 "진실하고 진실하며 진심 어린 감동"의 전달을 옹호합니다. 드뷔시 비판의 주된 과제는 당시 프랑스 공식 기관의 '학계'에 대한 투쟁이다. 그는 그랜드 오페라에 대해 날카롭고 가식적이며 대체로 공정한 발언을 합니다. "행복한 소원은 어떤 종류의 밝은 광선도 통과할 수 없는 완고한 형식주의의 강력하고 파괴할 수 없는 벽에 부숴집니다."

그의 미학적 원칙과 관점은 Debussy의 기사와 책에 매우 명확하게 표현되어 있습니다. 가장 중요한 것 중 하나는 주변 세계에 대한 작곡가의 객관적인 태도입니다. 그는 자연에서 음악의 근원을 봅니다. "음악은 자연에 가장 가깝습니다...". "음악가만이 밤과 낮, 땅과 하늘의 시를 품고 자연의 장엄한 떨림의 분위기와 리듬을 재창조할 수 있는 특권을 가지고 있습니다." 이 단어들은 의심할 여지 없이 다른 형태의 예술 중에서 음악의 배타적 역할에 대한 작곡가의 미학적 관점의 어느 한 편향성을 드러냅니다.

동시에 Debussy는 예술이 제한된 수의 청취자가 접근할 수 있는 좁은 범위의 아이디어에 국한되어서는 안 된다고 주장했습니다. "작곡가의 임무는 소수의 "계몽된" 음악 애호가 또는 전문가를 즐겁게 하는 것이 아닙니다." XNUMX세기 초 프랑스 예술에서 국가적 전통의 퇴화에 대한 Debussy의 진술은 놀랍게도 시의적절했습니다. , 정밀함과 형태의 침착함.” 동시에 드뷔시는 예술의 국가적 한계에 반대했습니다. "나는 예술의 자유 교환 이론에 대해 잘 알고 있으며 그것이 어떤 가치 있는 결과를 가져왔는지 압니다." 프랑스에서 러시아 음악 예술에 대한 그의 열렬한 선전은 이 이론의 가장 좋은 증거입니다.

주요 러시아 작곡가인 보로딘, 발라키레프, 특히 무소르그스키와 림스키-코르사코프의 작품은 90년대에 드뷔시가 깊이 연구했으며 그의 스타일의 일부 측면에 일정한 영향을 미쳤습니다. Debussy는 Rimsky-Korsakov의 관현악 작곡의 광채와 다채로운 그림에 가장 깊은 인상을 받았습니다. Debussy는 Rimsky-Korsakov의 Antar 교향곡에 대해 “테마의 매력과 오케스트라의 현혹을 전달할 수 있는 것은 아무것도 없습니다. Debussy의 교향곡 작품에는 Rimsky-Korsakov에 가까운 오케스트라 기법, 특히 "순수한" 음색에 대한 선호, 개별 악기의 특수 특성 사용 등이 있습니다.

무소르그스키의 노래와 오페라 보리스 고두노프에서 드뷔시는 음악의 깊은 심리적 특성, 즉 사람의 영적 세계의 모든 풍요로움을 전달할 수 있는 능력을 높이 평가했습니다. 작곡가의 말에서 우리는 "아직 그 누구도 우리를 최고로, 더 부드럽고 깊은 감정으로 바꾸지 않았습니다."라고 말합니다. 그 후 드뷔시의 다수의 성악 작품과 오페라 펠레아스와 멜리장드에서 무소르그스키의 극도로 표현력 있고 유연한 선율 언어의 영향을 느낄 수 있는데, 이는 선율 레치타티브의 도움으로 살아있는 인간 언어의 가장 미묘한 음영을 전달합니다.

그러나 드뷔시는 위대한 러시아 예술가들의 스타일과 방법의 특정 측면만을 인식했습니다. 그는 Mussorgsky의 작업에서 민주적이고 사회적인 비난 경향에 대해 외계인이었습니다. Debussy는 Rimsky-Korsakov 오페라의 매우 인간적이고 철학적으로 중요한 음모, 이러한 작곡가의 작품과 민속 기원 사이의 지속적이고 분리 할 수없는 연결과는 거리가 멀었습니다.

드뷔시의 비판적 활동에서 내적 불일치와 일부 일방적인 특징은 헨델, 글룩, 슈베르트, 슈만과 같은 작곡가들의 작품의 역사적 역할과 예술적 중요성에 대한 명백한 과소평가에서 드러났습니다.

비판적 논평에서 드뷔시는 때때로 "음악은 불가사의한 수학이며, 그 요소는 무한대와 관련되어 있다"고 주장하면서 이상주의적인 입장을 취했다.

민속 극장을 만드는 아이디어를지지하는 여러 기사에서 Debussy는 "고급 예술은 영적 귀족의 운명"이라는 역설적 인 아이디어를 거의 동시에 표현합니다. 민주적 견해와 잘 알려진 귀족의 이러한 조합은 XNUMX세기와 XNUMX세기 전환기에 프랑스 예술 지식인의 매우 전형이었습니다.

1900년대는 작곡가의 창작 활동에서 가장 높은 단계입니다. 이 시기에 드뷔시의 작품들은 창조성의 새로운 경향, 무엇보다 상징주의의 미학에서 탈피한 드뷔시를 말한다. 점점 더 작곡가는 장르 장면, 음악적 초상화 및 자연의 그림에 매료됩니다. 새로운 주제와 플롯과 함께 그의 작업에는 새로운 스타일의 특징이 나타납니다. 이에 대한 증거는 "그레나다의 저녁"(1902), "비 속의 정원"(1902), "환희의 섬"(1904)과 같은 피아노 작품입니다. 이 작곡에서 Debussy는 음악의 국가적 기원(스페인 민속과 함께 "An Evening in Grenada"에서)과 강한 연결을 발견하고 일종의 춤 굴절에서 음악의 장르 기반을 보존합니다. 그 안에서 작곡가는 피아노의 다채로운 음색과 기술적 능력의 범위를 더욱 확장합니다. 그는 단일 사운드 레이어 내에서 동적 색조의 가장 미세한 계조를 사용하거나 날카로운 동적 대조를 병치합니다. 이러한 구성의 리듬은 예술적 이미지를 만드는 데 점점 더 표현적인 역할을 하기 시작합니다. 때로는 유연하고 자유롭고 거의 즉흥적으로 변합니다. 동시에 드뷔시는 이 시기의 작품 전체나 큰 부분에 걸쳐 하나의 리드미컬한 “핵심”을 반복함으로써 작곡 전체의 명확하고 엄격한 리드미컬한 구성에 대한 새로운 욕망을 드러낸다(A단조 전주곡, "Gardens in the Rain", "Evening in Grenada", 하바네라의 리듬이 전체 구성의 "핵심"인 곳).

이 시대의 작품은 놀랍도록 완전한 삶의 인식, 대담하게 윤곽이 잡혀 있고 거의 시각적으로 인식되는 이미지가 조화로운 형태로 둘러싸여 있습니다. 이 작품의 "인상주의"는 음색의 미묘한 연주에서 다채로운 조화로운 "눈부심과 반점"을 사용하여 고조된 색상 감각에만 있습니다. 그러나이 기술은 이미지에 대한 음악적 인식의 무결성을 위반하지 않습니다. 더 부풀어 오를 뿐입니다.

900년대 드뷔시가 작곡한 교향곡 중에서 유명한 '이베리아'를 비롯한 '바다'(1903-1905)와 '이미지'(1909)가 눈에 띈다.

스위트룸 "Sea"는 "새벽부터 정오까지의 바다", "파도의 연주", "바람과 바다의 대화"의 세 부분으로 구성되어 있습니다. 바다의 이미지는 항상 다양한 경향의 작곡가와 국립 학교의 관심을 끌었습니다. 서유럽 작곡가의 "바다" 주제에 대한 프로그램 교향곡 작업의 수많은 예를 인용할 수 있습니다(멘델스존의 서곡 "Fingal's Cave", 바그너의 "The Flying Dutchman"의 교향곡 에피소드 등). 그러나 바다의 이미지는 러시아 음악, 특히 림스키-코르사코프(교향곡 사드코, 동명 오페라, 세헤라자데 모음곡, 오페라 The Tale of 차르 살탄),

림스키-코르사코프의 관현악 작품과 달리 드뷔시는 그의 작품에서 플롯이 아니라 회화적이고 색채적인 작업만을 설정한다. 그는 음악을 통해 하루 중 다른 시간에 바다의 빛 효과와 색상의 변화, 바다의 다양한 상태(고요함, 불안함, 폭풍우)를 전달하려고 합니다. 바다 그림에 대한 작곡가의 인식에는 황혼의 신비를 채색에 부여할 수 있는 동기가 전혀 없습니다. Debussy는 밝은 햇빛, 전혈 색상이 지배합니다. 작곡가는 부조 음악적 이미지를 전달하기 위해 댄스 리듬과 광활한 서사적 그림을 대담하게 사용합니다.

첫 번째 부분에서는 새벽에 천천히 잔잔하게 깨어나는 바다, 나른하게 구르는 파도, 그 위에 비치는 첫 햇살의 눈부신 모습이 펼쳐진다. 이 악장의 오케스트라 시작은 특히 다채롭습니다. 팀파니의 "바스락 거리는"배경, 두 개의 하프의 "드립"옥타브 및 높은 음역의 "냉동"트레몰로 바이올린, 오보에의 짧은 멜로디 프레이즈 파도에 비치는 태양의 섬광처럼 나타납니다. 댄스 리듬의 등장은 완전한 평화와 몽환적인 사색의 매력을 깨뜨리지 않는다.

작품에서 가장 역동적인 부분은 세 번째인 "바람과 바다의 대화"입니다. XNUMX부를 연상케 하는 초반부의 고요한 바다의 고요하고 얼어붙은 그림에서 폭풍의 그림이 펼쳐진다. Debussy는 멜로디-리듬, 다이내믹, 특히 오케스트라 등 역동적이고 강렬한 발전을 위해 모든 음악적 수단을 사용합니다.

악장 초반부에는 베이스 드럼, 팀파니, 톰톰의 잔잔한 울림을 배경으로 더블 베이스가 있는 첼로와 두 개의 오보에 사이의 대화 형식으로 진행되는 짧은 모티프가 들립니다. 오케스트라의 새로운 그룹이 점진적으로 연결되고 음이 균일하게 증가하는 것 외에도 Debussy는 여기에서 리듬 개발 원칙을 사용합니다. 점점 더 많은 새로운 댄스 리듬을 도입하고 여러 리듬의 유연한 조합으로 작품의 구조를 포화시킵니다. 패턴.

전체 구성의 끝은 바다 요소의 환희뿐만 아니라 바다, 태양에 대한 열광적인 찬가로 인식됩니다.

오케스트레이션의 원리인 "바다"의 비유적 구조에서 많은 부분이 드뷔시의 가장 중요하고 독창적인 작품 중 하나인 교향곡 "이베리아"의 등장을 준비했습니다. 그것은 스페인 사람들의 삶, 그들의 노래와 춤 문화와 가장 밀접한 관련이 있습니다. 900년대에 Debussy는 "An Evening in Grenada", 전주곡 "Gate of the Alhambra", "The Interrupted Serenade" 등 스페인과 관련된 주제로 여러 번 돌아섰습니다. 그러나 "이베리아"는 스페인 민속 음악의 끝없는 샘물("아라곤 조타"와 "마드리드의 밤"의 글린카, "스페인 카프리치오"의 림스키-코르사코프, "카르멘"의 비제, 스페인 작곡가 de Falla와 Albeniz는 말할 것도 없고 ”Bolero”와 트리오의 라벨).

"이베리아"는 "스페인의 거리와 도로에서", "밤의 향기", "휴일의 아침"의 세 부분으로 구성됩니다. 두 번째 부분은 작곡가의 미묘한 회화주의로 "작성"된 스페인 밤의 특별하고 매운 향기, 깜박이고 사라지는 이미지의 빠른 변화로 가득 찬 Debussy가 가장 좋아하는 자연 그림을 보여줍니다. 첫 번째와 세 번째 부분은 스페인 사람들의 삶을 그린 그림입니다. 특히 다채로운 것은 서로 빠르게 변화하여 다채로운 민속 명절의 생생한 그림을 만드는 다양한 노래와 춤 스페인 멜로디가 많이 포함 된 세 번째 부분입니다. 스페인의 가장 위대한 작곡가인 데 파야는 이베리아에 대해 이렇게 말했습니다. 안달루시아 밤의 도취적인 마법, 기타리스트와 반두리스트의 "갱" 화음 소리에 맞춰 춤추는 축제 군중의 생동감 … , 그리고 끊임없이 깨어 있는 우리의 상상력은 풍부한 뉘앙스와 함께 강렬하게 표현되는 음악의 강력한 미덕에 눈이 멀었습니다.”

드뷔시의 마지막 1913년은 제XNUMX차 세계 대전이 발발할 때까지 끊임없는 창작 활동과 공연 활동으로 구별됩니다. 지휘자로서의 오스트리아-헝가리 여행은 작곡가의 명성을 해외로 가져왔습니다. 그는 특히 XNUMX년 러시아에서 열렬한 환영을 받았습니다. 상트페테르부르크와 모스크바에서의 콘서트는 큰 성공을 거두었습니다. 드뷔시의 많은 러시아 음악가들과의 개인적인 접촉은 러시아 음악 문화에 대한 그의 애착을 더욱 강화했습니다.

전쟁이 시작되자 드뷔시는 애국심을 갖게 되었습니다. 인쇄된 성명서에서 그는 "Claude Debussy는 프랑스 음악가입니다."라고 자신을 단호하게 부릅니다. 이 해의 많은 작품은 "노숙자 어린이의 크리스마스"라는 노래 인 "Heroic Lullaby"라는 애국적인 주제에서 영감을 받았습니다. 두 대의 피아노 "흰색과 검은색"을 위한 모음곡에서 드뷔시는 제국주의 전쟁의 공포에 대한 자신의 인상을 전달하고 싶었습니다. Ode to France와 칸타타 Joan of Arc는 실현되지 않았습니다.

근년 드뷔시의 작업에서는 그동안 접해보지 못한 다양한 장르를 찾아볼 수 있다. 실내 성악에서 Debussy는 Francois Villon, Charles of Orleans 등의 오래된 프랑스 시와 친밀감을 찾습니다. 이 시인들과 함께 그는 주제의 갱신의 원천을 찾고 동시에 그가 항상 사랑해 온 프랑스의 오래된 예술에 경의를 표하고자 합니다. 실내악 분야에서 드뷔시는 다양한 악기를 위한 1915개의 소나타 주기를 구상합니다. 불행하게도 그는 첼로와 피아노를 위한 소나타(1915), 플루트, 하프, 비올라를 위한 소나타(1916), 바이올린과 피아노를 위한 소나타(1917-XNUMX) 등 세 곡만 작곡할 수 있었습니다. 이러한 작곡에서 드뷔시는 소나타 작곡보다 모음곡 구성의 원칙을 고수함으로써 XNUMX세기 프랑스 작곡가의 전통을 되살립니다. 동시에 이 작곡들은 새로운 예술적 기법, 악기의 다채로운 색상 조합(플루트, 하프, 비올라를 위한 소나타)에 대한 끊임없는 탐구를 증언합니다.

특히 드뷔시가 생애 마지막 1906년 동안 피아노 작업에서 이룬 예술적 업적은 "어린이 코너"(1908-1910), "장난감 상자"(1910), 1913개의 전주곡(1914 및 1915), "여섯 개의 골동품"입니다. Epigraphs' in four hands(XNUMX), XNUMX개의 연구(XNUMX).

피아노 모음곡 "Children's Corner"는 Debussy의 딸에게 헌정되었습니다. 엄격한 교사, 인형, 작은 양치기, 장난감 코끼리와 같은 평소의 이미지에서 어린아이의 눈을 통해 음악의 세계를 드러내고자 하는 드뷔시는 일상의 춤과 노래 장르, 전문 음악 장르를 폭넓게 사용합니다. 그로테스크하고 풍자화된 형태로 - "The Elephant's Lullaby"의 자장가, "The Little Shepherd"의 양치기 곡조, 동명의 연극에서 당시 유행했던 케이크 워크 댄스. 그 옆에 드뷔시는 '박사 Gradus ad Parnassum'의 전형적인 연구를 통해 부드러운 캐리커처를 통해 현학 교사와 지루한 학생의 이미지를 만들 수 있습니다.

드뷔시의 XNUMX개의 에튀드는 피아노 스타일 분야에서의 장기간의 실험, 새로운 유형의 피아노 기법 및 표현 수단에 대한 탐구와 관련이 있습니다. 그러나 이 작품들에서도 그는 순전히 거장뿐만 아니라 건전한 문제(XNUMX번째 에튀드는 "대조적인 음파를 위해"라고 함)를 해결하기 위해 노력합니다. 불행히도 드뷔시의 모든 스케치가 예술적 개념을 구현할 수 있는 것은 아닙니다. 그들 중 일부는 건설적인 원칙에 의해 지배됩니다.

그의 피아노 전주곡 두 권은 Debussy의 전체 창작 경로에 대한 합당한 결론으로 ​​간주되어야 합니다. 여기에는 작곡가의 예술적 세계관, 창작 방법 및 스타일의 가장 특징적이고 전형적인 측면이 집중되어 있습니다. 주기에는 Debussy 작품의 비유적 및 시적 영역의 전체 범위가 포함됩니다.

심각한 질병에도 불구하고 그의 생애의 마지막 날 (26 년 1918 월 XNUMX 일 독일군의 파리 폭격으로 사망)까지 Debussy는 창의적인 검색을 중단하지 않았습니다. 그는 새로운 주제와 줄거리를 찾아내어 전통적인 장르로 전환하고 그것들을 독특한 방식으로 굴절시킨다. 이러한 모든 검색은 드뷔시에서 결코 그 자체로 "새로운 것을 위한 새로운 것"이라는 목적으로 발전하지 않습니다. 다른 현대 작곡가의 작품에 대한 최근 몇 년간의 작품과 비판적 진술에서 그는 XNUMX 년대 후반 서유럽 모더니스트 예술의 많은 대표자들의 특징 인 내용 부족, 형식의 복잡성, 음악 언어의 고의적 복잡성에 지칠 줄 모르고 반대합니다. 그리고 XNUMX 세기 초. "일반적으로 형식과 느낌을 복잡하게 만들려는 의도는 저자가 할 말이 없다는 것을 보여줍니다." "음악이 없을 때마다 음악이 어려워집니다." 메마른 학문주의와 퇴폐적 세련미에 짓눌리지 않는 음악 장르를 통해 삶과의 접점을 끊임없이 모색하는 작곡가의 생생하고 창의적인 마음. 이러한 열망은 위기 시대의 부르주아 환경의 특정 이데올로기 적 한계, 그 자신과 같은 주요 예술가의 특징 인 창의적인 관심의 협소함으로 인해 드뷔시로부터 진정한 지속을 얻지 못했습니다.

B. 이오닌

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구성 :

오페라 – Rodrigue and Jimena (1891-92, 끝나지 않음), Pelléas and Mélisande (M. Maeterlinck 이후의 서정적 드라마, 1893-1902, 1902년 상연, Opera Comic, Paris); 발레 – 게임(Jeux, lib. V. Nijinsky, 1912, post. 1913, tr Champs Elysees, Paris), Kamma(Khamma, 1912, 피아노 악보; Ch. Kouklen 편성, 최종 공연 1924, 파리), Toy Box(La boîte à joujoux, 어린이 발레, 1913, 2 fp. 편곡, A. Caplet 편곡, c. 1923); 솔리스트, 합창단, 오케스트라를 위한 – Daniel(칸타타, 1880-84), Spring(Printemps, 1882), Call(Invocation, 1883; 보존된 피아노 및 보컬 부분), Prodigal Son(L'enfant prodigue, 서정적 장면, 1884), 숲의 다이아나(칸타타) , T. de Banville의 영웅 희극, 1884-1886, 미완성), The Chosen One (La damoiselle élue, 서정시, 영국 시인 DG Rossetti의 시 줄거리 기반, 프랑스어 번역 G. Sarrazin, 1887-88), Ode to France (Ode à la France, cantata, 1916-17, 미완성, Debussy가 사망한 후 스케치는 MF Gaillard에 의해 완성되고 인쇄됨); 오케스트라를 위해 – The Triumph of Bacchus(divertimento, 1882), Intermezzo(1882), Spring(Printemps, 2시 교향곡 모음곡, 1887; Debussy, 프랑스 작곡가 겸 지휘자 A. Busset의 지시에 따라 재편성됨, 1907) , Prelude to the Afternoon of a Faun (Prélude à l'après-midi d'un faune, S. Mallarme, 1892-94의 같은 이름의 eclogue를 기반으로 함), Nocturnes: Clouds, Festivities, Sirens (Nocturnes: Nuages , Fêtes; Sirènes, 여성 합창단과 함께; 1897-99 ), The Sea(La mer, 3 교향곡 스케치, 1903-05), 이미지: Gigues(Caplet이 완성한 오케스트레이션), Iberia, Spring Dances(이미지: Gigues, Ibéria, Rondes de printemps, 1906-12); 악기와 오케스트라를 위한 — 첼로 모음곡(Intermezzo, c. 1880-84), 피아노를 위한 환상곡(1889-90), 색소폰을 위한 랩소디(1903-05, 미완성, JJ Roger-Ducas 출판, 1919년 완성), 춤(하프를 위한 현악 오케스트라, 1904), 클라리넷을 위한 첫 번째 랩소디(1909-10, 원래 클라리넷과 피아노를 위한 것); 실내악 앙상블 – 피아노 트리오(G-dur, 1880), 현악 사중주(g-moll, op. 10, 1893), 플루트, 비올라와 하프를 위한 소나타(1915), 첼로와 피아노를 위한 소나타(d-moll, 1915), 소나타 바이올린과 피아노를 위한 (g-moll, 1916); 피아노 2 손 – 집시 춤(Danse bohémienne, 1880), 두 개의 아라베스크(1888), 베르가마스 모음곡(1890-1905), 꿈(Rêverie), 발라드(노예 발라드), 댄스(스티리안 타란텔라), 낭만주의 왈츠, 녹턴, 마주르카(전체) 연극 – 6), 모음곡(1890), 판화(1901), 기쁨의 섬(L'isle joyeuse, 1903), 가면(Masques, 1904), 이미지(이미지, 1904차 시리즈, 1; 1905차 시리즈, 2), 어린이 코너 (어린이 코너, 피아노 모음, 1907-1906), 스물 네 개의 서곡 (첫 번째 노트북, 08; 두 번째 노트북, 1-1910), 영웅 자장가 (Berceuse héroïque, 2; 관현악 판, 1910 (13) 연구) 다른 사람; 피아노 4 손 – Divertimento와 Andante 칸타빌레(c. 1880), 교향곡(h-moll, 1시간, 1880, 모스크바에서 발견 및 출판, 1933), 작은 모음곡(1889), 민속 주제에 따른 스코틀랜드 행진(Marche écossaise sur un tème populaire , 1891, Debussy의 교향악 오케스트라를 위해 필사됨), Six Antique Epigraphs(Six épigraphes 골동품, 1914) 등. 2대의 피아노를 위한 4개의 손 – Lindaraja(린다라자, 1901), 흰색과 검은색으로(En blanc et noir, 3개의 모음곡, 1915) 플루트 – 판의 플루트(Syrinx, 1912); 아카펠라 합창단을 위해 – Charles d' Orleans(1898-1908)의 세 곡 목소리와 피아노를 위한 – 노래와 로맨스(T. de Banville, P. Bourget, A. Musset, M. Bouchor 작사, c. 1876), 세 개의 로맨스(L. de Lisle 작사, 1880-84), Baudelaire의 다섯 시(1887) - 89), Forgotten ariettes(Ariettes oubliées, 가사 P. Verlaine, 1886-88), Two Romans(Bourget의 가사, 1891), Three Melodys(Verlaine의 가사, 1891), Lyric prose(Proses lyriques, 가사 D) , 1892-93), Songs of Bilitis(Chansons de Bilitis, 가사 P. Louis, 1897), Three Songs of France(Trois chansons de France, 가사 C. Orleans 및 T. Hermite, 1904), Three ballad on 가사. F. Villon(1910), S. Mallarmé의 세 편의 시(1913), 더 이상 집이 없는 아이들의 크리스마스(Noël des enfants qui n'ont plus de maison, Debussy의 가사, 1915) 등; 연극 공연을 위한 음악 – Lear 왕(스케치 및 스케치, 1897-99), St. Sebastian의 순교(G. D'Annunzio, 1911의 같은 이름의 오라토리오 미스터리를 위한 음악); 성적 증명서 – KV Gluck, R. Schumann, C. Saint-Saens, R. Wagner, E. Satie, PI Tchaikovsky(발레 "백조의 호수"에서 3개의 춤) 등의 작품

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