고전주의 |

고전주의 (lat. classicus에서 – 모범적) – 예술. 17-18세기 예술의 이론과 스타일. K.는 자연과 생명, 인간 본성의 조화를 지배하는 단일하고 보편적인 질서가 존재하는 존재의 합리성에 대한 믿음을 기반으로 합니다. 당신의 미학. K.의 대표자는 고대의 표본에서 이상을 퍼 냈습니다. 소송 및 주요. 아리스토텔레스의 시학의 조항. 바로 그 이름 "K." 클래식에 대한 어필에서 비롯됩니다. 미학의 최고 기준으로서의 고대. 완전. 합리주의에서 나온 미학 K. 전제 조건, 규범. 여기에는 예술이 준수해야 하는 엄격한 필수 규칙의 합계가 포함되어 있습니다. 일하다. 그 중 가장 중요한 것은 미와 진실의 균형, 발상의 논리적 명료성, 구성의 조화와 완성도, 장르 간의 명확한 구분에 대한 요구 사항입니다.

K.의 발전에는 두 가지 주요 역사적 사건이 있습니다. 단계: 1) K. 17세기, 바로크와 함께 르네상스 예술에서 성장하고 부분적으로는 투쟁에서, 부분적으로는 후자와의 상호 작용에서 발전했습니다. 2) 혁명 전과 관련된 18 세기의 교육 K.. 프랑스의 이데올로기 운동과 그것이 다른 유럽인의 예술에 미친 영향. 국가. 기본적인 미학적 원칙의 일반성과 함께, 이 두 단계는 많은 중요한 차이점을 특징으로 합니다. 서유럽에서. 미술사, 용어 "K." 일반적으로 예술에만 적용됩니다. 18세기의 방향인 반면, 17세기의 주장은 초기입니다. 18세기는 바로크 양식으로 간주됩니다. 양식을 기계적으로 변화하는 발전 단계로 공식적으로 이해하는 데서 출발하는 이 관점과 대조적으로, 소련에서 발전된 마르크스-레닌주의 양식 이론은 모든 역사적 사건에서 충돌하고 상호 작용하는 모순되는 경향의 총체를 고려합니다. 연대.

K. 17세기는 여러 면에서 바로크와 대조를 이루며 동일한 역사적 배경에서 성장했습니다. 주요 사회적 변화, 과학의 급속한 성장으로 특징 지어지는 과도기 시대의 모순을 다른 방식으로 반영하는 뿌리. 지식과 동시에 종교적 봉건적 반응의 강화. K. 17세기의 가장 일관되고 완전한 표현. 프랑스에서 절대군주제의 전성기를 맞았다. 음악에서 가장 두드러진 대표자는 "서정적 비극"이라는 장르의 창시자 JB Lully로, 주제 및 기본 측면에서. 문체 원칙은 P. Corneille와 J. Racine의 고전적인 비극에 가깝습니다. "셰익스피어"의 자유로운 행동, 예상치 못한 대조, 숭고함과 광대의 대담한 병치를 가진 이탈리아의 바뤼흐 오페라와 대조적으로, 룰리의 "서정적 비극"은 캐릭터의 통일성과 일관성, 엄격한 구성 논리를 가지고 있습니다. 그녀의 영역은 평범한 수준을 넘어선 사람들의 높은 영웅적, 강하고 고귀한 열정이었습니다. 룰리 음악의 극적인 표현은 전형적인 사용을 기반으로 했다. decomp를 전송하는 데 기여한 혁명. 감정적 움직임과 감정 - K의 미학의 기초가 되는 정동의 교리(정동 이론 참조)에 따라. 동시에 바로크적 특징은 Lully의 작품에 내재되어 있었고 그의 오페라의 장엄한 화려함에서 나타났습니다. 관능적 원리의 역할. 바로크와 고전적 요소의 유사한 조합이 이탈리아에서도 나타나며, 드라마투르기 이후 나폴리 학파의 작곡가들이 작곡한 오페라에도 나타납니다. A. Zeno가 프랑스 인의 모델에서 수행 한 개혁. 고전적인 비극. 영웅적 오페라 시리즈는 장르를 획득하고 건설적인 통일성, 유형 및 극작법이 규제되었습니다. 기능 차이 음악 형식. 그러나 종종 이 단합은 형식적인 것으로 밝혀졌고 재미있는 음모와 거장 웍이 전면에 나타났습니다. 싱어 솔리스트의 기술. 이탈리아어처럼. 오페라 세리아(opera seria)와 룰리(Lully)의 프랑스 추종자들의 작품은 K.

계몽주의에서 가라테의 새로운 번영기는 이데올로기적 방향의 변화뿐만 아니라 일부 독단적인 것을 극복하여 바로 그 형태의 부분적인 갱신과 관련이 있습니다. 고전 미학의 측면. 가장 높은 예는 18세기의 계몽 K.입니다. 공개적으로 혁명을 선언합니다. 이상. 프랑스는 여전히 K.의 아이디어 개발의 주요 중심지이지만 미학에서 폭넓은 공명을 발견합니다. 생각과 예술. 독일, 오스트리아, 이탈리아, 러시아 및 기타 국가의 창의성. 음악에서 문화 미학에서 중요한 역할은 Ch. Batte, JJ Rousseau 및 d'Alembert; -18세기의 미학적 사고 이 이론은 억양에 대한 이해와 관련이 있었습니다. 사실주의로 이어진 음악의 본질. 그녀를 봐. 루소는 음악에서 모방의 대상은 무생물의 소리가 아니라 감정을 가장 충실하고 직접적으로 표현하는 인간의 억양이어야 한다고 강조했다. muz.-미학의 중심에. 18세기의 분쟁. 오페라가 있었다. 프란츠. 백과사전은 안티티크에 존재했던 예술의 본연의 통일성을 회복해야 하는 장르라고 여겼다. t-re 및 다음 시대에 위반되었습니다. 이 아이디어는 60년대 비엔나에서 그가 시작한 KV Gluck의 오페라 개혁의 기초를 형성했습니다. 혁명 이전의 분위기에서 완성되었습니다. 70년대 파리의 글룩의 성숙하고 개량주의적인 오페라는 백과사전 전문가들의 열렬한 지지를 받아 고전을 완벽하게 구현했습니다. 숭고한 영웅의 이상. art-va, 열정, 위엄의 고귀함으로 구별됩니다. 스타일의 단순함과 엄격함.

17세기와 마찬가지로 계몽시대에 K.는 폐쇄적이고 고립된 현상이 아니라 2월과 접촉했다. 문체 경향, 미학. 자연 to-rykh는 때때로 그의 메인과 충돌했습니다. 원칙. 그래서, 고전의 새로운 형태의 결정화. 인스트럭션 음악은 이미 18분기에 시작됩니다. 17세기, K. XNUMX세기와 바로크 양식 모두와 연속적으로 연결되는 용감한 양식(또는 로코코 양식)의 틀 내에서. 용감한 스타일로 분류된 작곡가들(프랑스의 F. Couperin, 독일의 GF Telemann과 R. Kaiser, 이탈리아의 G. Sammartini, 부분적으로 D. Scarlatti) 중 새로운 요소가 바로크 스타일의 특징과 얽혀 있습니다. 동시에 기념비주의와 역동적인 바로크적 열망은 부드럽고 세련된 감성, 이미지의 친밀감, 드로잉의 세련미로 대체됩니다.

중간에 널리 퍼진 감상주의 경향. 18세기는 프랑스, ​​독일, 러시아에서 노래 장르의 번영으로 이어지며 XNUMX월의 등장. 냇. 단순한 이미지와 민중의 '소인'의 느낌, 일상의 풍경, 일상에 가까운 음악의 소박한 선율로 고전주의 비극의 숭고한 구조에 반대하는 오페라 형식. instr 분야에서. 음악 감상주의는 Op. 만하임파파(J. Stamitz 등)에 인접한 체코 작곡가, KFE 바흐는 조명과 관련된 작업을 했다. 운동 "폭풍과 맹공". 이 운동에 내재된 무제한에 대한 열망. 개인 경험의 자유와 즉각성이 경쾌한 서정시에서 드러난다. CFE 바흐 음악의 파토스, 즉흥적인 기발함, 날카롭고 예상치 못한 표현. 대조. 동시에 만하임파의 대표주자인 '베를린'이나 '함부르크' 바흐의 활동 등 여러 면에서 평행선은 음악 발전의 가장 높은 단계를 직접 준비했다. J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven의 이름과 관련된 K.(비엔나 클래식 학교 참조). 이 위대한 마스터들은 XNUMX월의 성과를 요약했습니다. 음악 스타일과 국립 학교, 새로운 유형의 클래식 음악을 만들고 음악에서 클래식 스타일의 이전 단계의 관습 특성을 크게 풍부하고 자유롭게합니다. 고유한 K. 품질 하모니치. 생각의 명료함, 관능적 및 지적 원칙의 균형은 현실주의의 폭과 풍부함과 결합됩니다. 세계에 대한 이해, 깊은 국적 및 민주주의. 그들의 작업에서 그들은 어느 정도 Gluck에서도 나타났던 고전주의 미학의 독단주의와 형이상학을 극복합니다. 이 단계의 가장 중요한 역사적 성취는 역동성과 발전, 모순의 복잡한 얽힘에 현실을 반영하는 방법으로서의 교향곡의 확립이었다. 비엔나 고전의 교향곡은 오페라 드라마의 특정 요소를 통합하여 크고 상세한 이데올로기 개념과 극을 구현합니다. 갈등. 반면에 교향적 사고의 원리는 XNUMX월에만 침투하는 것이 아닙니다. 인스트럭션 장르(소나타, XNUMX중주 등)뿐 아니라 오페라와 프로덕션에서도 마찬가지입니다. 칸타타 오라토리오 형식.

프랑스에서 con. 18세기 K.는 Op. 오페라(A. Sacchini, A. Salieri)에서 그의 전통을 이어받은 Gluck의 추종자들. Great French의 사건에 직접 응답하십시오. Revolution F. Gossec, E. Megyul, L. Cherubini – 오페라 및 기념비적인 wok.-instr의 저자. 높은 시민과 애국심으로 가득 찬 대중 공연을 위해 설계된 작품. 파토스. K. 경향은 러시아어에서 발견됩니다. 18세기의 작곡가 MS Berezovsky, DS Bortnyansky, VA Pashkevich, IE Khandoshkin, EI Fomin. 그러나 러시아어에서 K.의 음악은 일관된 광범위한 방향으로 발전하지 못했습니다. 감상주의, 장르별 리얼리즘과 결합하여 이 작곡가들에게 나타납니다. 초기 낭만주의의 비유와 요소(예: OA Kozlovsky).

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유.브이. 켈디시

고전주의 (lat. classicus – 예시에서 유래), 17세기 초기에 존재했던 예술적 스타일. 19세기 유럽 문학과 예술. 그 출현은 봉건적 요소와 부르주아 요소 사이의 일시적인 사회적 균형인 절대주의 국가의 출현과 관련이 있습니다. 그 당시 생겨난 이성의 변명과 거기에서 파생된 규범적 미학은 영원한 것으로 간주되는 좋은 취향의 법칙에 기반을 두고 있으며, 이는 개인과 무관하며 작가의 자의, 영감, 감성에 반한다. K.는 자연에서 좋은 취향의 규범을 도출했으며, 거기서 그는 조화의 모델을 보았습니다. 그래서 K.는 자연을 모방하라고 부르며 신뢰를 요구했다. 그것은 이상에 대한 대응으로, 현실에 대한 마음의 관념에 대응하는 것으로 이해되었습니다. K의 시야에는 사람의 의식적인 표현만이 있었다. 이성에 부합하지 않는 모든 것, 추한 모든 것이 K.의 예술에 순수하고 고상하게 나타나야 했습니다. 이것은 모범적 인 고대 예술의 아이디어와 관련이 있습니다. 합리주의는 성격의 일반화 된 아이디어와 추상적 갈등 (의무와 감정 사이의 대립 등)의 우세를 이끌었습니다. 주로 르네상스의 아이디어를 기반으로 한 K.는 그와 달리 모든 다양성의 사람이 아니라 사람이 자신을 발견하는 상황에 관심을 보였습니다. 따라서 종종 관심은 성격이 아니라 이러한 상황을 드러내는 그의 특징에 있습니다. k의 합리주의. 예술의 체계화뿐만 아니라 논리와 단순성의 요구 사항을 낳았습니다. (높은 장르와 낮은 장르의 구분, 문체 순수주의 등)을 의미합니다.

발레의 경우 이러한 요구 사항은 유익한 것으로 판명되었습니다. 이성과 감정의 대립, 개인의 상태 등 K가 발전시킨 충돌은 극에서 가장 잘 드러났습니다. K.의 드라마투르기스의 임팩트는 발레의 내용을 심화시키며 안무를 채웠다. 의미 론적 의미의 사진. 코미디 발레("The Boring", 1661, "Marriage involuntally", 1664 등)에서 Moliere는 발레 삽입물에 대한 줄거리 이해를 달성하려고 했습니다. "The Tradesman in the Nobility"( "Turkish Ceremony", 1670)와 "The Imaginary Sick"( "Dedication to the Doctor", 1673)의 발레 단편은 막간이 아니라 유기적이었습니다. 공연의 일부. 비슷한 현상이 희극-일상뿐만 아니라 목가적-신화에서도 일어났다. 표현. 발레가 바로크 스타일의 많은 특징을 여전히 특징으로 하고 있다는 사실에도 불구하고 그것은 여전히 ​​합성의 일부였습니다. 성능, 그 내용이 증가했습니다. 이는 안무가와 작곡가를 감독하는 극작가의 새로운 역할 때문이었다.

바로크의 잡색과 거추장스러움을 극도로 천천히 극복한 K.의 발레는 문학과 다른 예술에 뒤처져 있고 규제를 위해 노력했다. 장르 구분이 더욱 뚜렷해졌고 무엇보다 춤이 더욱 복잡해지고 체계화됐다. 기술. 발레. P. Beauchamp는 외번의 원리에 기초하여 고전 무용의 체계화를 위한 기초인 다리의 다섯 가지 자세(자세 참조)를 확립했습니다. 이 고전 무용은 골동품에 중점을 둡니다. 기념물에 각인된 샘플이 묘사됩니다. 미술. 나르에게서 빌린 모든 움직임. 춤, 골동품으로 전달되고 고대로 양식화되었습니다. 발레는 전문화되고 궁전 서클을 넘어갔습니다. 17세기 궁정 출신의 춤 애호가. 변경된 교수 예술가, 최초의 남성, 그리고 세기말 여성. 수행 능력의 급속한 성장이있었습니다. 1661년에는 보샹이 이끄는 왕립 무용 아카데미가 파리에 설립되었고, 1671년에는 JB 룰리(이후 파리 오페라)가 이끄는 왕립 음악 아카데미가 설립되었습니다. 룰리는 발레 K의 발전에 중요한 역할을 했다. 몰리에르(나중에 작곡가로)의 지휘 아래 무용수이자 안무가로 활동하면서 그는 뮤즈를 만들었다. 가사 장르. 플라스틱과 춤이 의미 론적 역할을 한 비극. Lully의 전통은 JB Rameau가 오페라 발레 “Gallant India”(1735), “Castor and Pollux”(1737)에서 계속되었습니다. 이러한 여전히 합성적인 표현에서의 위치 측면에서, 발레 단편은 점점 더 고전 예술의 원칙(때로는 바로크 양식을 유지함)과 일치합니다. 처음에는. 18세기는 감성적일 뿐만 아니라 가소성에 대한 이성적 이해이기도 합니다. 그들의 고립으로 이어지는 장면; 1708년 JJ Mouret의 음악과 함께 Corneille의 Horatii를 주제로 한 최초의 독립 발레가 등장했습니다. 그 이후로 발레는 특별한 종류의 예술로 자리 잡았습니다. 그것은 전환 댄스, 댄스 상태에 의해 지배되었고 그것의 정서적 모호성은 합리주의에 기여했습니다. 공연을 만들고 있습니다. 의미적 제스처는 확산되지만 preim. 가정 어구.

드라마의 쇠퇴와 함께 기술의 발달은 극작가를 억압하기 시작했다. 시작. 발레 극장의 주역은 무용수(L. Dupre, M. Camargo 등)로, 종종 안무가와 작곡가와 극작가를 배경으로 격하시키는 경우가 많습니다. 동시에 새로운 움직임이 널리 사용되어 의상 개혁이 시작되었습니다.

발레. 백과사전, SE, 1981