Musica teatrale |

musica teatrale — musica per spettacoli teatrali. teatro, in sintesi con altri tipi di art-va che partecipano alla scena. incarnazione del dramma. La musica può essere fornita dal drammaturgo, quindi è, di regola, motivata dalla trama e non va oltre i generi quotidiani (segnali, fanfare, canti, marce, balli). Muse. gli episodi introdotti nella performance su richiesta del regista e del compositore di solito hanno un carattere più generalizzato e potrebbero non avere una motivazione diretta della trama. T. m. è un drammaturgo attivo. un fattore di grande significato semantico e formativo; è in grado di creare un'atmosfera emotiva, sottolinea DOS. l'idea dell'opera teatrale (ad esempio la Sinfonia vittoriosa di Beethoven nella musica per il dramma Egmont di Goethe, la musica del Requiem di Mozart in Mozart e Salieri di Pushkin), specificare il tempo e il luogo dell'azione, caratterizzare il personaggio, influenzare il tempo e il ritmo dell'esecuzione, evidenziare il principale . culmine, per dare unità all'esecuzione con l'aiuto dell'intonazione. sviluppo e note chiave. Secondo la funzione del drammaturgo, la musica può essere in armonia con ciò che sta accadendo sul palco (sottofondo musicale consonante) o in contrasto con esso. Distinguere la musica, tolta dall'ambito del palco. azioni (ouverture, intermezzi, copricapi) e intrastage. La musica può essere scritta appositamente per l'esecuzione o composta da frammenti di composizioni già note. La scala dei numeri è diversa, da frammenti a diversi. cicli o otd. complessi sonori (i cosiddetti accenti) a grandi sinfonie. Episodi. T. m. entra in un rapporto complesso con la drammaturgia dell'opera e la regia: il compositore deve adeguare le sue intenzioni al genere dell'opera, allo stile del drammaturgo, all'epoca in cui si svolge l'azione e alle intenzioni del regista.

La storia di t. m. risale ai più antichi tipi di teatro, ereditati dalle religioni. azioni rituali dei loro sintetici. carattere. Nell'antico e nell'antico oriente. il dramma ha unito parola, musica, danza su un piano di parità. In altro greco. tragedia che è cresciuta dal ditirambo, muse. la base era il coro. canto all'unisono accompagnato da strumenti: entrerà. canto del coro (parod), al centro. canzoni (stasima), conclude. coro (eksod), cori che accompagnano le danze (emmeley), lirica. dialogo-denuncia dell'attore e del coro (kommos). Classico in India. il teatro è stato preceduto dal dramma musicale. tipi di letti teatro. spettacoli: lila (dramma musicale-danza), katakali (pantomima), yakshagana (combinazione di danza, dialogo, recitazione, canto), ecc. Più tardi ind. il teatro ha conservato musica e danza. natura. Nella storia del teatro delle balene il ruolo di primo piano spetta anche alle muse teatrali miste. rappresentazioni; una sintesi di musica e teatro si svolge in modo peculiare in uno dei principali teatri. generi del medioevo – zaju. In zaju, l'azione era concentrata attorno a un personaggio, che interpretava diversi personaggi in ogni atto. arie su brani speciali canonizzati per una determinata situazione. Arie di questo tipo sono momenti di generalizzazione, concentrazione di emozioni. tensione. In Giappone, dai vecchi tipi di teatro. spiccano soprattutto le rappresentazioni bugaku (VIII sec.) – predv. spettacoli con musica gagaku (vedi musica giapponese). Un ruolo importante è svolto anche dalla musica nei teatri noh (dal XIV al XV secolo), joruri (dal XVI secolo) e kabuki (dal XVII secolo). Nessun gioco è costruito su una base declamatorio-melodiosa con una pronuncia prolungata del testo con una voce specifica. francobollo. Il coro commenta l'azione, conduce un dialogo, narra, accompagna la danza. L'introduzione sono canti di peregrinazioni (miyuki), al culmine viene eseguita una danza di contemplazione (yugen). In joruri – antico giapponese. teatro delle marionette – il cantante-narratore accompagna la pantomima con un canto, nello spirito del nar. racconto epico per narrazione con l'accompagnamento di shamisen. Nel teatro kabuki, anche il testo viene cantato e lo spettacolo è accompagnato da un'orchestra di nar. strumenti. La musica direttamente correlata alla recitazione è chiamata "degatari" in kabuki e viene eseguita sul palco; gli effetti sonori (genza ongaku) ​​raffigurano simbolicamente i suoni e i fenomeni della natura (i battiti delle bacchette trasmettono il suono della pioggia o degli schizzi d'acqua, un certo bussare indica che ha nevicato, un colpo su apposite tavole significa la comparsa di la luna, ecc.), e i musicisti – artisti sono posti dietro uno schermo di canne di bambù. All'inizio e alla fine dello spettacolo, suona un grande tamburo (musica cerimoniale), quando il sipario viene alzato e abbassato, viene suonata la tavola "ki", viene suonata una musica speciale al momento del "seriage" - lo scenario viene innalzato sul palco. La musica gioca un ruolo importante nel kabuki. accompagnamento di pantomima (dammari) e danza.

Nel Medioevo. Zap. L'Europa, dov'è il teatro. l'eredità dell'antichità è stata consegnata all'oblio, il prof. sviluppato il dramma. arr. in linea con la causa della Chiesa. Nel IX-XIII secolo. nelle chiese cattoliche il clero suonava davanti all'altare lat. drammi liturgici; nei secoli XIV-XV. liturgico il dramma si è sviluppato in un mistero con dialoghi parlati, eseguiti fuori dal tempio al National. le lingue. In un ambiente secolare, la musica risuonava durante l'avvento. feste, cortei in maschera, nar. rappresentazioni. Dal prof. musica per il medioevo secolare. Le esibizioni hanno preservato "Il gioco di Robin e Marion" di Adam de la Halle, in cui si alternano piccoli brani di canzoni (virele, ballate, rondò), wok. dialoghi, balli con str. scorta.

Nel Rinascimento, dell'Europa occidentale. l'arte si rivolse alle tradizioni dell'antichità. Teatro; La tragedia, la commedia, la pastorale fiorirono sul nuovo suolo. Di solito erano messi in scena con magnifiche muse. intermezzi allegorici. e mitologico. contenuto, composto da wok. numeri in stile madrigale e danze (commedia di Chintio “Orbecchi” su musiche di A. della Viola, 1541; “Trojanki” di Dolce su musiche di C. Merulo, 1566; “Edipo” di Giustiniani su musiche di A. Gabrieli, 1585 ; “Aminta” del Tasso su musiche di C. Monteverdi, 1628). Durante questo periodo la musica (recitativi, arie, danze) risuonava spesso durante l'avvento. mascherate, processioni festive (ad esempio, in italiano Canti, Trionfi). Nel XVI secolo basato su poligoni. stile madrigale è nato uno speciale sintetico. genere – commedia madrigale.

L'inglese divenne una delle tappe più importanti della storia di T. m. teatro XVI secolo Grazie a W. Shakespeare e i suoi contemporanei - drammaturghi F. Beaumont e J. Fletcher – in inglese. il teatro dell'era elisabettiana sviluppò tradizioni stabili dei cosiddetti. musica di scena – piccole muse plug-in. numeri, organicamente inclusi nel dramma. Le opere di Shakespeare sono piene di commenti dell'autore che prescrivono l'esecuzione di canzoni, ballate, danze, processioni, fanfare di saluto, segnali di battaglia, ecc. Molte musiche ed episodi delle sue tragedie interpretano la drammaturgia più importante. funzione (canti di Ofelia e Desdemona, cortei funebri in Amleto, Coriolano, Enrico VI, balli al ballo dei Capuleti in Romeo e Giulietta). Le produzioni di questo periodo sono caratterizzate da una serie di spettacoli teatrali musicali. effetti, inclusa una scelta speciale di strumenti a seconda del palco. situazioni: nei prologhi e negli epiloghi risuonavano fanfare quando uscivano persone di alto rango, quando apparivano angeli, fantasmi e altri esseri soprannaturali. forze – trombe, in scene di battaglia – un tamburo, in scene di pastori – un oboe, in scene d'amore – flauti, in scene di caccia – un corno, in cortei funebri – trombone, lirica. le canzoni erano accompagnate da un liuto. Nel "Globe" t-re, oltre alla musica fornita dall'autore, c'erano introduzioni, intervalli, spesso il testo era pronunciato sullo sfondo della musica (melodramma). La musica suonata nelle rappresentazioni di Shakespeare durante la vita dell'autore non è stata preservata; noto solo ai saggi inglesi. autori dell'epoca della Restaurazione (seconda metà del II sec.). In questo momento, l'eroico dominava il teatro. dramma e maschera. Spettacoli nel genere dell'eroico. i drammi erano pieni di musica; il testo verbale in realtà teneva insieme solo le muse. materiale. La maschera che ha avuto origine in Inghilterra in con. Nel XVII secolo, durante la Riforma, si trasferì a teatro pubblico, conservando uno spettacolare carattere di divertissement. Nel XVI secolo, nello spirito della maschera, molti furono rifatti. Le opere di Shakespeare (“The Tempest” con musiche di J. Ringhiera e M. Locke, “The Fairy Queen” tratto da “A Midsummer Night's Dream” e “The Tempest” con musiche di G. Purcella). Un fenomeno eccezionale in inglese. T. m. di questo tempo è opera di G. Purcell. La maggior parte delle sue opere appartiene al campo di T. m., tuttavia, molti di loro, per l'indipendenza delle muse. la drammaturgia e la più alta qualità della musica si avvicinano a un'opera (La profetessa, La regina delle fate, La tempesta e altre opere sono chiamate semi-opera). Più tardi in terra inglese si formò un nuovo sintetico. genere – opera ballata. I suoi creatori J. Gay e J. Pepusch ha costruito la drammaturgia della loro “Opera dei mendicanti” (17) sull'alternanza di scene di conversazione con canti in Nar. spirito. In inglese. il dramma è disegnato anche da G. F.

In Spagna, la fase iniziale di sviluppo di nat. il dramma classico è associato ai generi delle rappresentazioni (rappresentazioni sacre), nonché alle egloghe (idillio del pastore) e alle farse, miste teatrali e muse. prod. con l'esecuzione di canti, recitazione di poesie, danze, le cui tradizioni continuavano nelle zarzuelas. Le attività del più grande artista spagnolo sono legate al lavoro in questi generi. poeta e comp. X. del Encina (1468-1529). Al 2° piano. XVI-XVII secolo nei drammi di Lope de Vega e P. Calderon furono eseguiti cori e divertissements di balletto.

In Francia, recitativi, cori, instr. episodi delle tragedie classiche di J. Racine e P. Corneille sono stati scritti da M. Charpentier, JB Moreau e altri. Il lavoro congiunto di JB Molière e JB Lully, che hanno creato un genere misto – commedia-balletto ("Matrimonio involontario", "Principessa di Elis", "Mr. de Pursonyak", "Georges Dandin", ecc.). Dialoghi colloquiali si alternano qui a recitativi, arie, danze. uscite (entrées) nella tradizione dei francesi. avv. balletto (ballet de cour) 1° piano. 17° secolo

Nel 18° secolo in Francia apparve il primo prodotto. nel genere del melodramma – lirica. il palcoscenico “Pygmalion” di Rousseau, rappresentato nel 1770 con musiche di O. Coignet; seguirono i melodrammi Ariadne auf Naxos (1774) e Pigmalione (1779) di Venda, Sofonisba di Nefe (1782), Semiramide di Mozart (1778; non conservato), Orfeo di Fomin (1791), Sordo e mendicante (1802) ) e Il mistero (1807) di Holcroft.

Fino al 2° piano. Musica del Settecento per il teatro. le rappresentazioni spesso avevano solo la connessione più generale con il contenuto del dramma e potevano essere liberamente trasferite da una rappresentazione all'altra. Il compositore e teorico tedesco I. Scheibe in "Critischer Musicus" (18-1737), e poi G. Lessing in "Hamburg Dramaturgy" (40-1767) hanno avanzato nuove esigenze per il palcoscenico. musica. "La sinfonia iniziale dovrebbe essere associata all'opera nel suo insieme, gli intervalli con la fine dell'azione precedente e l'inizio dell'azione successiva..., la sinfonia finale con il finale dell'opera... È necessario tenere presente il carattere di il protagonista e l'idea principale dello spettacolo e lasciati guidare da loro quando componi la musica” (I. Sheibe). “Poiché l'orchestra nelle Nostre rappresentazioni sostituisce in qualche modo l'antico coro, gli intenditori hanno espresso da tempo il desiderio che la natura della musica … sia più coerente con il contenuto delle rappresentazioni, ogni opera richiede per sé un accompagnamento musicale speciale” (G . Lessing). T. m. presto apparve nello spirito di nuove esigenze, compresa quella dei classici viennesi – WA Mozart (per il dramma “Tamos, re d'Egitto” di Gebler, 69) e J. Haydn (per la commedia “Alfred, o il Re-patriota” Bicknell, 1779); Tuttavia, la musica di L. Beethoven per l'Egmont di Goethe (1796) ha avuto la maggiore influenza sull'ulteriore destino del teatro, che è un tipo di teatro che generalmente trasmette il contenuto dei momenti chiave del dramma. L'importanza di sinfonie su larga scala e complete è aumentata. episodi (ouverture, intermezzi, finale), che potrebbero essere separati dalla rappresentazione ed eseguiti alla fine. palcoscenico (la musica di “Egmont” comprende anche “Songs of Clerchen” di Goethe, i melodrammi “Death of Clerchen”, “Egmont's Dream”).

T. m. 19esimo secolo. sviluppato nella direzione tracciata da Beethoven, ma nelle condizioni dell'estetica del romanticismo. Tra i prodotti 1° piano. musiche ottocentesche di F. Schubert su “Rosamund” di G. von Chezy (19), di C. Weber su “Turandot” di Gozzi tradotte da F. Schiller (1823) e “Preziosa” di Wolff (1809), di F. Mendelssohn a “Ruy Blas” di Hugo, “Sogno di una notte di mezza estate” di Shakespeare (1821), “Edipo in Colon” ​​e “Atalia” di Racine (1843), R. Schumann a “Manfred” Byron (1845-1848) . Un ruolo speciale è assegnato alla musica nel Faust di Goethe. L'autore prescrive un gran numero di wok. e str. sale – cori, canti, balli, marce, musica per la scena in cattedrale e Notte di Valpurga, militari. musica per la scena della battaglia. La maggior parte dei mezzi. opere musicali, la cui idea è associata al Faust di Goethe, appartengono a G. Berlioz ("Otto scene da? Faust", 51, poi convertito nell'oratorio "La condanna del Faust"). Vividi esempi di genere domestico nat. T. m. 1829esimo secolo. – “Peer Gynt” di Grieg (al dramma di G. Ibsen, 19-1874) e “Arlesiano” di Bizet (al dramma di A. Daudet, 75).

A cavallo tra XIX e XX secolo. nell'approccio a T. m. sono state delineate nuove tendenze. I migliori registi di questo periodo (KS Stanislavsky, VE Meyerhold, G. Craig, O. Falkenberg, ecc.) Hanno abbandonato la musica di conc. tipo, richiedeva colori sonori speciali, strumentazione non convenzionale, inclusione organica delle muse. episodi drammatici. Il teatro del regista di questo tempo ha dato vita a un nuovo tipo di teatro. compositore, tenendo conto non solo delle specificità del dramma, ma anche delle caratteristiche di questa produzione. Nel 19° secolo 20 tendenze interagiscono, avvicinando la musica al dramma; il primo è caratterizzato dal rafforzamento del ruolo della musica nel teatro. performance (esperimenti di K. Orff, B. Brecht, numerosi autori di musical), la seconda è legata alla teatralizzazione delle muse. generi (cantate teatrali di Orff, Le nozze di Stravinsky, oratori teatrali di A. Honegger, ecc.). La ricerca di nuove forme di unione di musica e teatro spesso porta alla creazione di particolari sintesi. generi teatrali e musicali (“La storia di un soldato” di Stravinsky è “una fiaba da leggere, recitare e ballare”, il suo “Oedipus Rex” è un opera-oratorio con lettore, “Clever Girl” di Orff è un opera con grandi scene di conversazione), nonché al revival di antiche forme di sintetico. teatro: antico. tragedia ("Antigone" ed "Edipo" di Orff con il tentativo di restaurare scientificamente il modo di pronunciare il testo nel teatro greco antico), commedia madrigale ("Racconto" di Stravinsky, in parte "Catulli Carmina" di Orff), secolo. misteri (“La risurrezione di Cristo” di Orff, “Giovanna d'Arco al rogo” di Honegger), liturgica. drammi (le parabole “The Cave Action”, “The Prodigal Son”, in parte “The Carlew River” di Britten). Il genere del melodramma continua a svilupparsi, combinando balletto, pantomima, canto corale e solista, melodeclamazione (Salamena di Emmanuel, La nascita del mondo di Roussel, Amphion e Semiramide di Onegger, Persefone di Stravinsky).

Molti musicisti di spicco del XX secolo lavorano intensamente nel genere di T. m .: in Francia si tratta di opere congiunte. membri dei “Sei” (lo schizzo “Gli sposi novelli della Torre Eiffel”, 20, secondo l'autore del testo J. Cocteau – “una combinazione di tragedia antica e moderna rivista concertistica, coro e numeri di music hall”), altri spettacoli collettivi (ad esempio, “The Queen Margot” Bourdet con musiche di J. Ibert, D. Millau, D. Lazarus, J. Auric, A. Roussel) e teatro. prod. Honegger (musica per “Dance of Death” di C. Laronde, drammi biblici “Judith” e “King David”, “Antigone” di Sofocle, ecc.); teatro in Germania. La musica di Orff (oltre alle suddette opere, la commedia satirica The Sly Ones, il testo è ritmico, accompagnato da un insieme di strumenti a percussione; un'opera sintetica Sogno di una notte di mezza estate di Shakespeare), così come la musica in teatro di B. Brecht. Muse. il design delle performance di Brecht è uno dei principali mezzi per creare l'effetto di “alienazione”, volto a distruggere l'illusione della realtà di ciò che sta accadendo sul palcoscenico. Secondo il piano di Brecht, la musica dovrebbe consistere in numeri di canzoni enfaticamente banali e di genere leggero – zong, ballate, cori, che hanno un carattere inserito, il cui testo verbale esprime in modo concentrato il pensiero dell'autore. Importanti collaboratori tedeschi hanno collaborato con Brecht. musicisti — P. Hindemith (An Instruction Play), C. Weil (The Threepenny Opera, Mahagonny Opera sketch), X. Eisler (Mother, Roundheads and Sharpheads, Galileo Galilei, Dreams Simone Machar” e altri), P. Dessau (“ Madre Coraggio e i suoi figli”, “L'uomo buono di Sezuan”, ecc.).

Tra gli altri autori di T. m. 19 – 1° piano. XX secolo – J. Sibelius (“Re dei cristiani” di Paolo, “Pelléas e Mélisande” di Maeterlinck, “La tempesta” di Shakespeare), K. Debussy (mistero G. D'Annunzio “Il martirio di San Sebastiano”) e R. Strauss (musica per l'opera teatrale di Molière “Il commerciante nella nobiltà” in un libero adattamento teatrale di G. von Hofmannsthal). Negli anni '20 - '50. 70° secolo O. Messiaen si rivolse al teatro (musica per il dramma “Edipo” per le onde di Martenot, 20), E. Carter (musica per la tragedia di Sofocle “Filottete”, “Il mercante di Venezia” di Shakespeare), V. Lutoslavsky (“Macbeth” e “The Merry Wives of Windsor” Shakespeare, “Sid” Corneille – S. Wyspiansky, “Bloody Wedding” e “The Wonderful Shoemaker” F. Garcia Lorca, ecc.), autori di elettronica e concretezza musica, tra cui A. Coge ("L'inverno e una voce senza persona » J. Tardieu), A. Thirier ("Scheherazade"), F. Arthuis ("Rumore intorno alla personalità che combatte J. Vautier"), ecc.

Russo T. m. ha una lunga storia. Anticamente, le scene di dialogo interpretate dai buffoni erano accompagnate da "canti demoniaci", suonando l'arpa, il domra e i corni. A Nar. il dramma che è nato da spettacoli di buffoni ("Ataman", "Mavrukh", "Commedia sullo zar Massimiliano", ecc.), Suonava russo. canzone e str. musica. Il genere della musica ortodossa si è sviluppato nella chiesa. azioni liturgiche – “Lavanda dei piedi”, “Azione della stufa”, ecc. (XV secolo). Nei secoli 15-17. ricchezza di design musicale era diverso cosiddetto. dramma scolastico (drammaturghi – S. Polotsky, F. Prokopovich, D. Rostovsky) con arie, cori nella chiesa. stile, piping secolare, lamenti, instr. numeri. La Commedia Choromina (fondata nel 18) aveva una grande orchestra con violini, viole, flauti, clarinetti, trombe e un organo. Dai tempi di Pietro il Grande, i festeggiamenti si sono diffusi. spettacoli teatrali (prologhi, cantate) basati sull'alternanza di drammi. scene, dialoghi, monologhi con arie, cori, balletti. Nella loro progettazione sono stati coinvolti importanti compositori russi (OA Kozlovsky, VA Pashkevich) e italiani. Fino al 1672° secolo in Russia non c'era divisione in opera e teatro. truppe; in parte per questo motivo durante continuerà. qui prevalevano generi misti (opera-balletto, vaudeville, commedia con cori, dramma musicale, dramma “sulla musica”, melodramma, ecc.). Significa. ruolo nella storia russa. T. m. ha interpretato tragedie e drammi "sulla musica", che hanno ampiamente preparato il russo. opera classica nel 19° secolo Nella musica di OA Kozlovsky, EI Fomin, SI Davydov alle tragedie nell'antichità. e mitologico. storie e russo. drammi patriottici di VA Ozerov, Ya. opere dell'alto dramma eroico del 19° secolo. problemi, ebbe luogo la formazione di grandi cori. e str. forme (cori, aperture, intermezzi, balletti); in alcune rappresentazioni venivano utilizzate forme operistiche come recitativo, aria, canto. Caratteristiche russe. nat. gli stili sono particolarmente vividi nei cori (ad esempio, in Natalya the Boyar's Daughter di SN Glinka con musiche di AN Titov); simp. episodi stilisticamente confinano con le tradizioni del classico viennese. scuola e primo romanticismo.

Al 1° piano. 19° secolo AN Verstovsky, che progettò ca. 15 AMD prod. (ad esempio, la musica per gli zingari di Pushkin messa in scena da VA Karatygin, 1832, per Le nozze di Figaro di Beaumarchais, 1829) e ha creato una serie di cantate messe in scena nelle tradizioni del XVIII secolo. (ad esempio, "A Singer in the Camp of Russian Warriors" su testi di VA Zhukovsky, 18), AA Alyabyev (musica per l'esibizione magicamente romantica di AA Shakhovsky basata su La tempesta di Shakespeare, 1827; " Rusalka" di Pushkin, 1827 ; il melodramma "Prigioniero del Caucaso" basato sul testo dell'omonimo poema di Pushkin, 1838), AE Varlamov (ad esempio, musica per l'Amleto di Shakespeare, 1828). Ma soprattutto al 1837° piano. La musica del 1° secolo è stata selezionata da prodotti già conosciuti. autori diversi ed è stato utilizzato nelle esibizioni in misura limitata. Nuovo periodo in russo. teatro nel 19° secolo ha aperto MI Glinka con la musica per il dramma di NV Kukolnik "Prince Kholmsky", scritto poco dopo "Ivan Susanin" (19). Nell'ouverture e negli intervalli, il contenuto figurativo dei momenti principali del dramma, sviluppa la sinfonia. principi del post-Beethoven tm Ci sono anche 1840 piccole opere di Glinka per i drammi. teatro - un'aria di uno schiavo con un coro per il dramma "Moldavian Gypsy" di Bakhturin (3), orc. introduzione e coro per “Tarantella” di Myatlev (1836), distici inglesi per l'opera teatrale “Bought Shot” di Voikov (1841).

Rus. T. m. 2 ° piano. Il XIX secolo è in larga misura collegato alla drammaturgia di AN Ostrovsky. intenditore e collezionista di russo. nar. canzoni, Ostrovsky usava spesso la tecnica della caratterizzazione attraverso una canzone. Le sue opere suonavano in russo antico. canzoni, canti epici, parabole, romanzi piccolo-borghesi, canzoni di fabbrica e di prigione e altri. – La musica di PI Ciajkovskij per La fanciulla di neve (19), creata per lo spettacolo del Teatro Bolshoi, in cui l'opera, il balletto e il teatro dovevano essere combinati. truppe. Ciò è dovuto all'abbondanza di musica. episodi e la loro ricchezza di genere, avvicinando lo spettacolo all'opera lirica (introduzione, intervalli, episodio sinfonico per una scena nella foresta, cori, melodrammi, canti). La trama della "fiaba di primavera" richiedeva il coinvolgimento di materiale di canzoni popolari (persistenti, balli rotondi, canti da ballo).

Le tradizioni di MI Glinka furono continuate da MA Balakirev nella musica per il re Lear di Shakespeare (1859-1861, ouverture, intervalli, processioni, canzoni, melodrammi), Ciajkovskij - per l'Amleto di Shakespeare (1891) e altri. (la musica per "Amleto" contiene un'ouverture generale del programma nella tradizione del sinfonismo lirico-drammatico e 16 numeri - melodrammi, canzoni di Ofelia, il becchino, una marcia funebre, fanfara).

Dalle opere di altri russi. compositori del XIX secolo la ballata di AS Dargomyzhsky dalla musica a “Catherine Howard” di Dumas père (19) e le sue due canzoni dalla musica a “The Schism in England” di Calderon (1848), ed. numeri dalla musica di AN Serov alla “Morte di Ivan il Terribile” di AK Tolstoj (1866) e “Nero” di Gendre (1867), il coro del popolo (scena nel tempio) di MP Mussorgsky dalla tragedia di Sofocle “Oedipus Rex” (1869-1858), musica di EF Napravnik per drammi. poesia di AK Tolstoj "Tsar Boris" (61), musica di Vas. S. Kalinnikov alla stessa produzione. Tolstoj (1898).

A cavallo tra XIX e XX secolo. in t.m. c'è stata una profonda riforma. KS Stanislavsky è stato uno dei primi a suggerire, in nome dell'integrità della rappresentazione, di limitarci alle sole muse indicate dal drammaturgo. numeri, ha spostato l'orchestra dietro il palco, ha chiesto al compositore di "abituarsi" all'idea del regista. La musica per le prime rappresentazioni di questo tipo apparteneva ad AS Arensky (intervalli, melodrammi, cori di Shakespeare La tempesta al Maly T-re, messo in scena da AP Lensky, 19), AK Glazunov (La mascherata di Lermontov) in post di VE Meyerhold, 20, oltre a danze, pantomime, il romanzo di Nina, gli episodi sinfonici di Glazunov, il Waltz-Fantasy di Glinka e il suo romanzo La notte veneziana vengono utilizzati. All'inizio. XX secolo La morte di Ivan il Terribile di Tolstoj e La fanciulla di neve di Ostrovsky con musiche di AT Grechaninov, La dodicesima notte di Shakespeare con musiche di AN Koreshchenko, Macbeth di Shakespeare e Il racconto del pescatore e del pesce con musiche di NN Cherepnin. L'unità della decisione del regista e la musica. spettacoli del Moscow Art Theatre con musiche di IA Sats (musica per "Drama of Life" di Hamsun e "Anatem" di Andreev, "The Blue Bird" di Maeterlinck, "Amleto" di Shakespeare in post. Inglese diretto da G. Craig, ecc.) differiva nel design.

Se il Moscow Art Theatre ha limitato il ruolo della musica per il bene dell'integrità della performance, allora registi come A. Ya. Tairov, KA Mardzhanishvili, PP Komissarzhevsky, VE Meyerhold, EB Vakhtangov hanno difeso l'idea del teatro sintetico. Meyerhold considerava la partitura del regista della performance come una composizione costruita secondo le leggi della musica. Credeva che la musica dovesse nascere dalla performance e allo stesso tempo plasmarla, cercava il contrappunto. fusione di musica e piani scenici (coinvolto DD Shostakovich, V. Ya. Shebalin e altri nel lavoro). Nella produzione de La morte di Tentagil di Maeterlinck allo Studio Theater on Povarskaya (1905, composta da IA ​​Sats), Meyerhold ha cercato di basare l'intera performance sulla musica; “Woe to the mind” (1928) tratto dall'opera teatrale “Woe from Wit” di Griboedov, ha messo in scena musiche di JS Bach, WA Mozart, L. Beethoven, J. Field, F. Schubert; in posta. La musica dell'opera teatrale di AM Fayko “Teacher Bubus” (circa 40 fps. delle opere di F. Chopin e F. Liszt) suonava continuamente, come nel cinema muto.

La particolarità del design musicale di un numero di spettacoli 20 – presto. Gli anni '30 associati alla natura sperimentale delle loro decisioni registiche. Così, ad esempio, nel 1921 Tairov mise in scena "Romeo e Giulietta" di Shakespeare nella Kamerny T-re sotto forma di uno "schizzo tragicomico d'amore" con buffonate grottesche, accentuando la teatralità, spostando lo psicologico. Esperienza; in base a ciò, nella musica di AN Aleksandrov per l'esibizione non c'era quasi nessun testo. linea, prevaleva l'atmosfera della commedia delle maschere. Dr. un esempio di questo tipo è la musica di Shostakovich per l'Amleto di Shakespeare in T-re im. evg. Vakhtangov nel post. NP Akimova (1932): il regista ha trasformato lo spettacolo "con una reputazione di cupo e mistico" in un allegro, allegro, ottimista. lo spettacolo, in cui prevalevano la parodia e il grottesco, non c'era Fantasma (Akimov ha rimosso questo personaggio) e invece della folle Ofelia c'era un'ebbrezza Ofelia. Shostakovich ha creato una partitura di oltre 60 numeri, da brevi frammenti inframmezzati nel testo a grandi sinfonie. Episodi. La maggior parte sono opere parodia (cancan, galoppo di Ofelia e Polonius, tango argentino, valzer filisteo), ma ce ne sono anche di tragiche. episodi (“Pantomima musicale”, “Requiem”, “Marcia funebre”). Nel 1929-31 Shostakovich scrisse musica per numerosi spettacoli di Leningrado. t-ra di giovani lavoratori - "Shot" Bezymensky, "Rule, Britannia!" Piotrovsky, spettacolo di varietà e circo “Provvisorally Murdered” di Voevodin e Ryss a Leningrado. music hall, su suggerimento di Meyerhold, a Bedbug di Mayakovsky, poi a The Human Comedy di Balzac per T-ra im. evg. Vakhtangov (1934), per la commedia Salute, Spagna! Afinogenov per Leningrado. t-ra im. Puskin (1936). Nella musica per "King Lear" di Shakespeare (pubblicata da GM Kozintsev, Leningrado. Bolshoy drama. tr., 1941), Shostakovich si discosta dalla parodia dei generi quotidiani insiti nelle sue prime opere e rivela nella musica il significato filosofico della tragedia in lo spirito della problematicità il suo simbolo. creatività di questi anni, crea una linea sinfonica trasversale. sviluppo all'interno di ciascuno dei tre nuclei. sfere figurative della tragedia (Lear – Jester – Cordelia). Contrariamente alla tradizione, Shostakovich ha concluso lo spettacolo non con una marcia funebre, ma con il tema di Cordelia.

Negli anni '30. quattro teatri. le partiture sono state create da SS Prokofiev – “Egyptian Nights” per l'esecuzione di Tairov al Chamber Theatre (1935), “Hamlet” per il Theatre-Studio di SE Radlov a Leningrado (1938), “Eugene Onegin” e “Boris Godunov » Pushkin per la Camera da Camera (le ultime due produzioni non sono state eseguite). La musica per "Le notti egiziane" (una composizione teatrale basata sulle tragedie "Cesare e Cleopatra" di B. Shaw, "Antonio e Cleopatra" di Shakespeare e la poesia "Le notti egiziane" di Pushkin) include un'introduzione, intervalli, pantomime, recitazione con un'orchestra, balli e canti con coro. Durante la progettazione di questa performance, il compositore ha utilizzato dec. metodi sinfonici. e drammaturgia operistica - un sistema di leitmotiv, il principio di individualizzazione e opposizione di decomp. sfere di intonazione (Roma – Egitto, Antonio – Cleopatra). Per molti anni ha collaborato con il teatro Yu. A. Shaporin. Negli anni 20-30. un gran numero di spettacoli con la sua musica sono stati organizzati a Leningrado. t-rah (Big Drama, Academic t-re of drama); i più interessanti sono “The Marriage of Figaro” di Beaumarchais (regista e artista AN Benois, 1926), “Flea” di Zamyatin (da NS Leskov; dir. HP Monakhov, artista BM Kustodiev, 1926), “Sir John Falstaff " basato su "Le allegre comari di Windsor" di Shakespeare (dir. NP Akimov, 1927), così come una serie di altre opere di Shakespeare, opere di Moliere, AS Pushkin, G. Ibsen, B. Shaw, gufi. drammaturghi KA Trenev, VN Bill-Belo-Tserkovsky. Negli anni '40. Shaporin ha scritto musica per gli spettacoli di Mosca. Piccolo mestiere “Ivan the Terrible” di AK Tolstoy (1944) e “Twelfth Night” di Shakespeare (1945). Tra il teatro. opere degli anni '30. grande società. La musica di TN Khrennikov per la commedia di Shakespeare Molto rumore per nulla (1936) ha avuto una risonanza.

Nel campo di T. m. ci sono molti prodotti. creato da AI Khachaturian; sviluppano le tradizioni di conc. simp. T. m. (circa 20 spettacoli; tra questi – musica per i drammi di G. Sundukyan e A. Paronyan, Macbeth e King Lear di Shakespeare, Masquerade di Lermontov).

In spettacoli basati sui giochi di gufi. drammaturghi su temi dal moderno. vita, così come nelle produzioni di classici. i giochi formavano un tipo speciale di musica. design, basato sull'uso dei gufi. massa, est. canzoni liriche e comiche, canzoncine (“The Cook” di Sofronov con musiche di VA Mokrousov, “The Long Road” di Arbuzov con musiche di VP Solovyov-Sedogo, “The Naked King” di Schwartz e “Twelfth Night” di Shakespeare con musiche da ES Kolmanovsky e altri); in alcune rappresentazioni, in particolare nella composizione di Mosk. t-ra dramma e commedia su Taganka (diretto da Yu. P. Lyubimov), includevano canzoni della rivoluzione. e anni militari, canti giovanili (“10 giorni che hanno scosso il mondo”, “I caduti e i vivi”, ecc.). In un certo numero di produzioni moderne gravitano notevolmente verso il musical, per esempio. nella commedia Leningrado. t-ra im. Consiglio comunale di Leningrado (direttore IP Vladimirov) "The Taming of the Shrew" con musica di GI Gladkov, dove i personaggi si esibiscono estr. canzoni (simili in funzione alle canzoni del teatro di B. Brecht), o The Chosen One of Fate diretto da S. Yu. Yursky (composto da S. Rosenzweig). Sul ruolo attivo della musica nella drammaturgia delle produzioni performative si avvicinano le produzioni di tipo sintetico. Meyerhold Theatre ("Pugachev" con musiche di YM Butsko e in particolare "The Master and Margarita" di MA Bulgakov con musiche di EV Denisov al Moscow Theatre of Drama and Comedy on Taganka, regista Yu. P. Lyubimov). Uno dei più significativi. opere – musiche di GV Sviridov per il dramma di AK Tolstoj “Tsar Fyodor Ioannovich” (1973, Mosca. Maly Tr).

B. anni '70. 20 c. nella regione di T. m. много работали Yu. M. Butsko, VA Gavrilin, GI Gladkov, SA Gubaidulina, EV Denisov, KA Karaev, AP Petrov, NI Peiko, NN Sidelnikov, SM Slonimsky, ML Tariverdiev, AG Schnittke, RK Shchedrin, A. Ya. Eshpai et al.

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TB Baranova