Sergey Leonidovich Dorenskij |
Pianisti

Sergey Leonidovich Dorenskij |

Sergej Dorenskij

Data di nascita
03.12.1931
Data di morte
26.02.2020
Professione
pianista, insegnante
Paese
Russia, URSS

Sergey Leonidovich Dorenskij |

Sergei Leonidovich Dorensky afferma di essere stato instillato dall'amore per la musica fin dalla tenera età. Sia il padre, noto fotoreporter del suo tempo, sia la madre, entrambi amanti dell'arte disinteressatamente; a casa suonavano spesso musica, il ragazzo andava all'opera, ai concerti. Quando aveva nove anni, fu portato alla Central Music School del Conservatorio di Mosca. La decisione dei genitori era corretta, in futuro è stata confermata.

La sua prima insegnante fu Lydia Vladimirovna Krasenskaya. Tuttavia, dalla quarta elementare, Sergei Dorensky ha avuto un altro insegnante, Grigory Romanovich Ginzburg, è diventato il suo mentore. Tutta l'ulteriore biografia studentesca di Dorensky è collegata a Ginzburg: sei anni sotto la sua supervisione alla Central School, cinque al conservatorio, tre alla scuola di specializzazione. "È stato un momento indimenticabile", afferma Dorensky. “Ginsburg è ricordato come un brillante concertista; non tutti sanno che tipo di insegnante fosse. Come mostrava in classe le opere che si imparavano, come ne parlava! Accanto a lui, era impossibile non innamorarsi del pianismo, della tavolozza sonora del pianoforte, dei seducenti misteri della tecnica pianistica... A volte lavorava in modo molto semplice: si sedeva allo strumento e suonava. Noi, suoi discepoli, osservavamo tutto da vicino, da breve distanza. Hanno visto tutto come da dietro le quinte. Non era richiesto nient'altro.

… Grigory Romanovich era un uomo gentile e delicato, – continua Dorensky. – Ma se qualcosa non gli andava bene come musicista, poteva divampare, criticare severamente lo studente. Più di ogni altra cosa aveva paura del falso pathos, della pomposità teatrale. Ci ha insegnato (insieme a me a Ginzburg hanno studiato pianisti di talento come Igor Chernyshev, Gleb Akselrod, Alexei Skavronsky) la modestia del comportamento sul palco, la semplicità e la chiarezza dell'espressione artistica. Aggiungo che Grigory Romanovich era intollerante ai minimi difetti nella decorazione esterna delle opere eseguite in classe: siamo stati duramente colpiti da peccati di questo tipo. Non gli piacevano né i tempi eccessivamente veloci né le sonorità rimbombanti. Non riconosceva affatto le esagerazioni... Ad esempio, traggo ancora il più grande piacere dal suonare il pianoforte e il mezzo forte - l'ho provato sin dalla mia giovinezza.

Dorensky era amato a scuola. Gentile per natura, si è subito affezionato a coloro che lo circondavano. È stato facile e semplice con lui: non c'era un accenno di spavalderia in lui, non un accenno di presunzione, che capita di trovare tra i giovani artistici di successo. Verrà il momento e Dorensky, passato il tempo della giovinezza, assumerà la carica di preside della facoltà di pianoforte del Conservatorio di Mosca. Il post è responsabile, per molti aspetti molto difficile. Va detto direttamente che sono le qualità umane - gentilezza, semplicità, reattività del nuovo preside - che lo aiuteranno ad affermarsi in questo ruolo, a conquistare il sostegno e la simpatia dei suoi colleghi. La simpatia che ispirava ai suoi compagni di scuola.

Nel 1955, Dorensky si cimentò per la prima volta in un concorso internazionale di musicisti. A Varsavia, al V Festival Mondiale della Gioventù e degli Studenti, partecipa a un concorso pianistico e vince il primo premio. È stato fatto un inizio. Seguì una continuazione in Brasile, in una competizione strumentale nel 1957. Dorensky raggiunse qui una popolarità davvero ampia. Va notato che il torneo brasiliano di giovani artisti, al quale è stato invitato, è stato, in sostanza, il primo evento del genere in America Latina; Naturalmente, questo ha attirato una maggiore attenzione da parte del pubblico, della stampa e degli ambienti professionali. Dorensky si è esibito con successo. Gli è stato assegnato il secondo premio (il pianista austriaco Alexander Enner ha ricevuto il primo premio, il terzo premio è andato a Mikhail Voskresensky); da allora ha guadagnato una solida popolarità presso il pubblico sudamericano. Tornerà in Brasile più di una volta – sia come concertista che come insegnante che gode di autorevolezza tra i giovani pianisti locali; qui sarà sempre il benvenuto. Sintomatiche, ad esempio, sono le righe di uno dei giornali brasiliani: “… Di tutti i pianisti… che si sono esibiti con noi, nessuno ha suscitato tanta simpatia da parte del pubblico, tanta gioia unanime come questo musicista. Sergey Dorensky ha una profonda intuizione e temperamento musicale, che conferiscono al suo modo di suonare una poesia unica. (Per capirsi // Cultura sovietica. 1978. 24 gennaio).

Il successo a Rio de Janeiro ha aperto la strada a Dorensky sui palcoscenici di molti paesi del mondo. È iniziato un tour: Polonia, RDT, Bulgaria, Inghilterra, Stati Uniti, Italia, Giappone, Bolivia, Colombia, Ecuador … Allo stesso tempo, le sue attività esecutive nella sua terra natale si stanno espandendo. Esteriormente, il percorso artistico di Dorensky sembra abbastanza buono: il nome del pianista sta diventando sempre più popolare, non ha crisi o crolli visibili, la stampa lo favorisce. Tuttavia, lui stesso considera la fine degli anni Cinquanta - l'inizio degli anni Sessanta la più difficile della sua vita teatrale.

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“È iniziato il terzo, ultimo nella mia vita e, forse, il più difficile “concorso” – per il diritto di condurre una vita artistica indipendente. I primi erano più facili; questa “competizione” – lunga, continua, a volte estenuante… – decideva se dovevo o meno fare il concertista. Mi sono subito imbattuto in una serie di problemi. In primis - che giocare? Il repertorio si è rivelato piccolo; non molto è stato reclutato durante gli anni di studio. Era necessario rifornirlo con urgenza e, nelle condizioni di un'intensa pratica filarmonica, non è facile. Ecco un lato della questione. Un altro as giocare. Alla vecchia maniera, sembra impossibile: non sono più uno studente, ma un concertista. Bene, cosa significa suonare in un modo nuovo, diversamenteNon mi immaginavo molto bene. Come molti altri, ho iniziato con una cosa fondamentalmente sbagliata – con la ricerca di alcuni “mezzi espressivi” speciali, più interessanti, insoliti, luminosi o qualcosa del genere… Presto ho notato che stavo andando nella direzione sbagliata. Vedi, questa espressività è stata introdotta nel mio gioco, per così dire, dall'esterno, ma deve venire dall'interno. Ricordo le parole del nostro meraviglioso regista B. Zakhava:

“… La decisione della forma della performance si trova sempre in fondo al contenuto. Per trovarlo, devi immergerti fino in fondo: nuotando in superficie, non troverai nulla " (Zakhava BE L'abilità dell'attore e del regista. – M., 1973. P. 182.). Lo stesso vale per noi musicisti. Nel tempo l'ho capito bene.

Doveva ritrovarsi sul palco, trovare il suo "io" creativo. E ci è riuscito. Prima di tutto, grazie al talento. Ma non solo. Va notato che con tutta la sua semplicità di cuore e larghezza d'animo, non ha mai smesso di essere una natura integra, energica, coerente, laboriosa. Questo alla fine gli ha portato il successo.

Per cominciare, ha deciso nella cerchia di opere musicali a lui più vicine. “Il mio insegnante, Grigory Romanovich Ginzburg, credeva che quasi ogni pianista avesse il proprio “ruolo” sul palco. Ho, in generale, opinioni simili. Penso che durante i nostri studi, noi artisti dovremmo cercare di coprire quanta più musica possibile, provare a riprodurre tutto ciò che è possibile... In futuro, con l'inizio del vero concerto e della pratica esecutiva, si dovrebbe salire sul palco solo con ciò che ha più successo. Era convinto fin dalle sue prime esecuzioni di aver avuto successo soprattutto con la sesta, l'ottava, la trentunesima sonata di Beethoven, il carnevale e i frammenti fantastici di Schumann, le mazurche, i notturni, gli studi e alcuni altri brani di Chopin, la Campanella di Liszt e gli adattamenti di Liszt delle canzoni di Schubert , Sonata in sol maggiore di Tchaikovsky e Le quattro stagioni, Rapsodia su un tema di Paganini di Rachmaninov e Concerto per pianoforte di Barber. È facile vedere che Dorensky gravita non su uno o l'altro repertorio e strati di stile (diciamo, classici - romanticismo - modernità ...), ma su certi gruppi opere in cui la sua individualità si rivela più pienamente. “Grigory Romanovich ha insegnato che si dovrebbe suonare solo ciò che dà all'esecutore un senso di conforto interiore, “adattamento”, come ha detto, cioè fusione completa con l'opera, lo strumento. Questo è quello che cerco di fare…”

Poi ha trovato il suo stile di esecuzione. Il più pronunciato in esso era inizio lirico. (Un pianista può spesso essere giudicato dalle sue simpatie artistiche. Dorensky nomina tra i suoi artisti preferiti, dopo GR Ginzburg, KN Igumnov, LN Oborin, Art. Rubinstein, dal giovane M. Argerich, M. Pollini, questo elenco è di per sé indicativo .) La critica nota la morbidezza del suo gioco, la sincerità dell'intonazione poetica. A differenza di molti altri rappresentanti della modernità pianistica, Dorensky non mostra una particolare inclinazione verso l'ambito del piano toccato; Come concertista, non gli piacciono né le costruzioni sonore "ferree", né i fragorosi rintocchi del fortissimo, né il cinguettio secco e acuto delle capacità motorie delle dita. Le persone che hanno assistito spesso ai suoi concerti assicurano che non ha mai preso una sola nota dura in vita sua...

Ma fin dall'inizio si dimostrò un maestro nato della cantilena. Ha dimostrato di poter incantare con uno schema sonoro plastico. Ho scoperto un gusto per i colori pianistici delicatamente tenui, argentei e iridescenti. Qui ha agito come l'erede dell'originale tradizione pianistica russa. "Dorensky ha un bellissimo pianoforte con molte sfumature diverse, che usa abilmente" (pianisti moderni. – M., 1977. P. 198.), hanno scritto i revisori. Così era nella sua giovinezza, la stessa cosa adesso. Si distingueva anche per sottigliezza, un'amorevole rotondità di fraseggio: il suo modo di suonare era, per così dire, adornato da eleganti vignette sonore, morbide curve melodiche. (In un senso simile, ancora una volta, suona oggi.) Probabilmente, in niente Dorensky non si è mostrato a tal punto uno studente di Ginzburg, come in questa abile e attenta lucidatura delle linee sonore. E non sorprende, se ricordiamo quanto ha detto prima: "Grigory Romanovich era intollerante ai minimi difetti nella decorazione esterna delle opere eseguite in classe".

Questi sono alcuni tratti del ritratto artistico di Dorensky. Cosa ti colpisce di più a riguardo? Un tempo LN Tolstoy amava ripetere: affinché un'opera d'arte meriti rispetto e piaccia alle persone, deve essere buono, è uscito direttamente dal cuore dell'artista. È sbagliato pensare che questo si applichi solo alla letteratura o, diciamo, al teatro. Questo ha la stessa relazione con l'arte dell'esecuzione musicale come con qualsiasi altra.

Insieme a molti altri allievi del Conservatorio di Mosca, Dorensky ha scelto per sé, parallelamente allo spettacolo, un altro percorso: la pedagogia. Come per molti altri, negli anni è diventato sempre più difficile per lui rispondere alla domanda: quale di queste due strade è diventata la principale nella sua vita?

Insegna ai giovani dal 1957. Oggi ha più di 30 anni di insegnamento alle spalle, è uno dei professori di spicco e rispettati del conservatorio. Come risolve l'annoso problema: l'artista è un insegnante?

“Onestamente, con grande difficoltà. Il fatto è che entrambe le professioni richiedono una "modalità" creativa speciale. Con l'età, ovviamente, arriva l'esperienza. Molti problemi sono più facili da risolvere. Anche se non tutto… a volte mi chiedo: qual è la difficoltà maggiore per chi è specializzato nell'insegnamento della musica? Apparentemente, dopotutto, per fare un'accurata "diagnosi" pedagogica. In altre parole, "indovina" lo studente: la sua personalità, carattere, capacità professionali. E di conseguenza costruisci tutto il lavoro successivo con lui. Musicisti come FM Blumenfeld, KN Igumnov, AB Goldenweiser, GG Neuhaus, SE Feinberg, LN Oborin, Ya. I. Zak, Ya. V. Volantino…”

In generale, Dorensky attribuisce grande importanza alla padronanza dell'esperienza di eccezionali maestri del passato. Comincia spesso a parlarne, sia come insegnante nella cerchia degli studenti, sia come preside del dipartimento di pianoforte del conservatorio. Per quanto riguarda l'ultimo incarico, Dorensky lo detiene da molto tempo, dal 1978. Durante questo periodo è giunto alla conclusione che il lavoro, in generale, gli piaceva. “Per tutto il tempo che sei nel bel mezzo della vita conservatrice, comunichi con persone viventi, e mi piace, non lo nascondo. Le preoccupazioni e i problemi, ovviamente, sono innumerevoli. Se mi sento relativamente fiducioso, è solo perché cerco di affidarmi in tutto al consiglio artistico della facoltà di pianoforte: qui sono riuniti i più autorevoli dei nostri insegnanti, con l'aiuto del quale vengono risolte le più gravi questioni organizzative e creative.

Dorensky parla di pedagogia con entusiasmo. È entrato in contatto con molto in questo settore, sa molto, pensa, si preoccupa…

“Mi preoccupa l'idea che noi educatori stiamo riqualificando i giovani di oggi. Non vorrei usare la parola banale "allenamento", ma, onestamente, da dove andrai?

Tuttavia, dobbiamo anche capire. Gli studenti oggi si esibiscono molto e spesso - a concorsi, feste di classe, concerti, esami, ecc. E noi, siamo noi, siamo personalmente responsabili delle loro esibizioni. Che qualcuno provi a mettersi mentalmente nei panni di una persona il cui studente, essendo, diciamo, un partecipante al Concorso Čajkovskij, esce per suonare sul palco della Sala Grande del Conservatorio! Temo che dall'esterno, senza aver provato io stesso sensazioni simili, non lo capirai … Eccoci qui, insegnanti, e cerchiamo di fare il nostro lavoro nel modo più completo, solido e completo possibile. E di conseguenza... Di conseguenza, trasgrediamo alcuni limiti. Stiamo privando molti giovani dell'iniziativa creativa e dell'indipendenza. Ciò accade, ovviamente, involontariamente, senza ombra di intenti, ma l'essenza rimane.

Il guaio è che i nostri animali domestici sono pieni al limite di ogni sorta di istruzioni, consigli e istruzioni. Tutte conoscere e capire: sanno cosa devono fare nei lavori che eseguono, e cosa non dovrebbero fare, non è raccomandato. Possiedono tutto, sanno tutti come, tranne una cosa: liberarsi internamente, dare libero sfogo all'intuizione, alla fantasia, all'improvvisazione scenica e alla creatività.

Ecco il problema. E noi, al Conservatorio di Mosca, ne discutiamo spesso. Ma non tutto dipende da noi. La cosa principale è l'individualità dello studente stesso. Com'è brillante, forte, originale. Nessun insegnante può creare l'individualità. Può solo aiutarla ad aprirsi, mostrarsi dal lato migliore.

Continuando l'argomento, Sergei Leonidovich si sofferma su un'altra domanda. Sottolinea che l'atteggiamento interiore del musicista, con cui entra in scena, è estremamente importante: è importante quale posizione si pone rispetto al pubblico. Se l'autostima di un giovane artista è sviluppata, dice Dorensky, se questo artista è in grado di dimostrare indipendenza creativa, autosufficienza, tutto ciò influisce direttamente sulla qualità del gioco.

“Qui, per esempio, c'è un provino competitivo… Basta guardare la maggioranza dei partecipanti per vedere come cercano di accontentare, di impressionare i presenti. Come si sforzano di conquistare la simpatia del pubblico e, ovviamente, dei membri della giuria. In realtà, nessuno lo nasconde … Dio non voglia “essere colpevole” di qualcosa, fare qualcosa di sbagliato, non segnare punti! Un tale orientamento – non alla Musica, e non alla Verità Artistica, come la sente e la intende l'esecutore, ma alla percezione di chi la ascolta, valuta, confronta, distribuisce punti – è sempre gravido di conseguenze negative. Lei scivola chiaramente nel gioco! Di qui il sedimento di insoddisfazione nelle persone sensibili alla verità.

Ecco perché di solito dico agli studenti: pensa meno agli altri quando sali sul palco. Meno tormento: "Oh, cosa diranno di me ..." Devi suonare per il tuo piacere, con gioia. Lo so per esperienza personale: quando fai qualcosa volontariamente, questo "qualcosa" funziona quasi sempre e ha successo. Sul palco te ne assicuri con particolare chiarezza. Se esegui il programma del tuo concerto senza goderti il ​​processo stesso di fare musica, l'esecuzione nel suo insieme si rivela infruttuosa. E viceversa. Pertanto, cerco sempre di risvegliare nello studente un senso di soddisfazione interiore da ciò che fa con lo strumento.

Ogni esecutore può avere alcuni problemi ed errori tecnici durante la performance. Né i debuttanti né i maestri esperti ne sono immuni. Ma se questi ultimi di solito sanno come reagire a un incidente imprevisto e sfortunato, i primi, di regola, si perdono e iniziano a farsi prendere dal panico. Pertanto, Dorensky ritiene che sia necessario preparare in anticipo lo studente per eventuali sorprese sul palco. “È necessario convincere che non c'è niente, dicono, di terribile, se questo accade all'improvviso. Anche con gli artisti più famosi, questo è successo - con Neuhaus e Sofronitsky, e con Igumnov, e con Arthur Rubinstein ... Da qualche parte a volte la loro memoria li ha delusi, potrebbero confondere qualcosa. Ciò non ha impedito loro di essere i favoriti del pubblico. Inoltre, non si verificherà alcuna catastrofe se uno studente inavvertitamente "inciampa" sul palco.

La cosa principale è che ciò non rovini l'umore del giocatore e quindi non influisca sul resto del programma. Non è un errore terribile, ma un possibile trauma psicologico che ne deriva. Questo è esattamente ciò che dobbiamo spiegare ai giovani.

A proposito, sugli "infortuni". Questa è una cosa seria, e quindi aggiungerò qualche parola in più. Le “lesioni” devono essere temute non solo sul palco, durante le esibizioni, ma anche nel corso delle attività ordinarie e quotidiane. Qui, ad esempio, uno studente ha portato per la prima volta a lezione un'opera teatrale che aveva imparato da solo. Anche se ci sono molti difetti nel suo gioco, non dovresti dargli una sberla, criticarlo troppo duramente. Ciò potrebbe avere ulteriori conseguenze negative. Soprattutto se questo studente è tra le nature fragili, nervose, facilmente vulnerabili. Infliggere una ferita spirituale a una persona del genere è facile come sgusciare le pere; curarlo in seguito è molto più difficile. Si formano alcune barriere psicologiche, che risulta essere molto difficile da superare in futuro. E l'insegnante non ha il diritto di ignorarlo. In ogni caso, non dovrebbe mai dire a uno studente: non ci riuscirai, non ti viene dato, non funzionerà, ecc.

Quanto tempo devi lavorare al pianoforte ogni giorno? – chiedono spesso i giovani musicisti. Rendendosi conto che è quasi impossibile dare una risposta univoca ed esauriente a questa domanda, Dorensky spiega allo stesso tempo, come in cosa la direzione dovrebbe cercare la risposta. Cerca, ovviamente, a ciascuno per se stesso:

“Lavorare meno di quanto richiedono gli interessi della causa non va bene. Anche di più non va bene, cosa che, tra l'altro, i nostri eccezionali predecessori - Igumnov, Neuhaus e altri - hanno parlato più di una volta.

Naturalmente, ognuno di questi tempi sarà il proprio, puramente individuale. Non ha quasi senso essere uguale a qualcun altro qui. Svyatoslav Teofilovich Richter, ad esempio, ha studiato negli anni precedenti per 9-10 ore al giorno. Ma è Richter! È unico in ogni modo e cercare di copiare i suoi metodi non è solo inutile ma anche pericoloso. Ma il mio insegnante, Grigory Romanovich Ginzburg, non ha trascorso molto tempo allo strumento. In ogni caso, "nominalmente". Ma lavorava costantemente "nella sua mente"; sotto questo aspetto era un maestro insuperabile. La consapevolezza è così utile!

Sono assolutamente convinto che a un giovane musicista debba essere insegnato a lavorare in modo speciale. Introdurre l'arte dell'organizzazione efficace dei compiti. Noi educatori spesso ce ne dimentichiamo, concentrandoci esclusivamente sui problemi di prestazione – su come giocare qualsiasi saggio, come interpretare un autore o un altro, e così via. Ma questo è l'altro lato della questione".

Ma come ritrovare nei suoi contorni quella linea vacillante, vagamente distinguibile, indefinita, che separa “meno di quanto esigono gli interessi della causa” da “più”?

“C'è solo un criterio qui: la chiarezza della consapevolezza di ciò che stai facendo alla tastiera. Chiarezza delle azioni mentali, se vuoi. Finché la testa funziona bene, le lezioni possono e devono continuare. Ma non oltre!

Lascia che ti dica, ad esempio, come appare la curva delle prestazioni nella mia pratica. All'inizio, quando inizio le lezioni, sono una specie di riscaldamento. L'efficienza non è ancora troppo alta; Suono, come si suol dire, non a piena forza. Non vale la pena intraprendere lavori difficili qui. È meglio accontentarsi di qualcosa di più facile, più semplice.

Quindi riscaldati gradualmente. Senti che la qualità delle prestazioni sta migliorando. Dopo un po' di tempo – penso dopo 30-40 minuti – raggiungi il massimo delle tue capacità. Rimani a questo livello per circa 2-3 ore (facendo, ovviamente, piccole pause nel gioco). Sembra che nel linguaggio scientifico questa fase del lavoro sia chiamata "plateau", non è vero? E poi compaiono i primi segni di stanchezza. Crescono, diventano più evidenti, più tangibili, più persistenti - e poi devi chiudere il coperchio del pianoforte. Ulteriore lavoro non ha senso.

Succede, ovviamente, che semplicemente non vuoi farlo, la pigrizia, la mancanza di concentrazione vince. Allora è richiesto uno sforzo di volontà; non può farne a meno neanche. Ma questa è una situazione diversa e la conversazione non riguarda questo ora.

A proposito, raramente incontro oggi tra i nostri studenti persone letargiche, volitive, smagnetizzate. I giovani ora stanno lavorando sodo e duramente, non è necessario pungolarli. Tutti capiscono: il futuro è nelle sue mani e fa tutto ciò che è in suo potere, al limite, al massimo.

Qui, piuttosto, si pone un problema di tipo diverso. A causa del fatto che a volte fanno troppo - a causa dell'eccessiva riqualificazione di singole opere e interi programmi - la freschezza e l'immediatezza del gioco si perdono. I colori emotivi svaniscono. Qui è meglio lasciare i pezzi imparati per un po'. Passa a un altro repertorio…”

L'esperienza di insegnamento di Dorensky non si limita al Conservatorio di Mosca. È abbastanza spesso invitato a condurre seminari pedagogici all'estero (lo chiama "pedagogia del tour"); a tal fine ha viaggiato in diversi anni in Brasile, Italia, Australia. Nell'estate del 1988, ha agito per la prima volta come insegnante consulente ai corsi estivi di arti performative superiori a Salisburgo, presso il famoso Mozarteum. Il viaggio gli ha fatto una grande impressione: c'erano molti giovani interessanti dagli Stati Uniti, dal Giappone e da un certo numero di paesi dell'Europa occidentale.

Una volta Sergei Leonidovich ha calcolato che durante la sua vita ha avuto la possibilità di ascoltare più di duemila giovani pianisti seduti al tavolo della giuria in vari concorsi, oltre che in seminari pedagogici. In una parola, ha una buona idea della situazione nel mondo della pedagogia pianistica, sia sovietica che straniera. “Tuttavia, a un livello così alto come quello che abbiamo, con tutte le nostre difficoltà, problemi irrisolti, persino errori di calcolo, non insegnano in nessuna parte del mondo. Di norma, nei nostri conservatori si concentrano le migliori forze artistiche; non ovunque in Occidente. Molti dei principali artisti o evitano del tutto l'onere di insegnare lì o si limitano a lezioni private. Insomma, i nostri giovani hanno le condizioni più favorevoli per crescere. Anche se, non posso fare a meno di ripetere, chi lavora con lei a volte vive momenti molto difficili”.

Lo stesso Dorensky, ad esempio, ora può dedicarsi completamente al pianoforte solo in estate. Non abbastanza, ovviamente, ne è consapevole. “La pedagogia è una grande gioia, ma spesso questa gioia è a spese degli altri. Qui non c'è niente da fare.»

* * *

Tuttavia, Dorensky non interrompe il suo lavoro concertistico. Per quanto possibile, cerca di mantenerlo nello stesso volume. Suona dove è ben noto e apprezzato (nei paesi del Sud America, in Giappone, in molte città dell'Europa occidentale e dell'URSS), scopre nuove scene per se stesso. Nella stagione 1987/88 porta in scena per la prima volta la Seconda e la Terza ballata di Chopin; Più o meno nello stesso periodo, ha imparato ed eseguito – sempre per la prima volta – i Preludi e le Fughe di Shchedrin, la sua suite per pianoforte dal balletto Il cavallino gobbo. Allo stesso tempo, ha registrato alla radio diversi corali di Bach, arrangiati da S. Feinberg. Vengono pubblicati i nuovi dischi di grammofono di Dorensky; Tra quelli pubblicati negli anni 'XNUMX ci sono i CD delle sonate di Beethoven, le mazurche di Chopin, la Rapsodia su un tema di Paganini di Rachmaninov e la Rapsodia in blu di Gershwin.

Come sempre accade, Dorensky riesce in qualcosa di più, qualcosa di meno. Considerando i suoi programmi degli ultimi anni da un punto di vista critico, si potrebbero fare alcune affermazioni contro il primo movimento della sonata "Patetica" di Beethoven, il finale di "Lunar". Non si tratta di alcuni problemi di prestazioni e incidenti che potrebbero essere o non essere. La conclusione è che nel pathos, nelle immagini eroiche del repertorio pianistico, nella musica ad alta intensità drammatica, il pianista Dorensky si sente generalmente alquanto imbarazzato. Non è proprio qui il suo mondi emotivo-psicologici; lo sa e lo ammette candidamente. Quindi, nella sonata "Patetica" (prima parte), in "Moonlight" (terza parte) Dorensky, con tutti i vantaggi del suono e del fraseggio, a volte manca di scala reale, drammaticità, potente impulso volitivo, concettualità. D'altra parte, molte delle opere di Chopin gli fanno un'impressione affascinante, ad esempio le stesse mazurche. (Il disco delle mazurche è forse uno dei migliori di Dorensky.) Lascia che lui, come interprete, parli qui di qualcosa di familiare, già noto all'ascoltatore; lo fa con tale naturalezza, apertura spirituale e calore che è semplicemente impossibile rimanere indifferenti alla sua arte.

Tuttavia, oggi sarebbe sbagliato parlare di Dorensky, figuriamoci giudicare le sue attività, avendo in vista solo un palco per concerti. Insegnante, capo di una grande équipe educativa e creativa, concertista, lavora per tre e va percepito contemporaneamente in tutte le sue sembianze. Solo così si può avere un'idea reale della portata del suo lavoro, del suo reale contributo alla cultura pianistica sovietica.

G. Cypin, 1990

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