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dal greco orxestra – piattaforma rotonda, poi semicircolare del teatro antico, dove, eseguendo movimenti ritmici, il coro della tragedia e della commedia cantava le loro parti, da orxeomai – danzo

Un gruppo di musicisti che suonano vari strumenti destinati all'esecuzione congiunta di opere musicali.

Fino al ser. 18° secolo la parola "Oh". inteso nell'antichità. senso, mettendolo in relazione con l'ubicazione dei musicisti (Walther, Lexikon, 1732). Solo nell'opera di I. Mattheson “Rediscovered Orchestra” (“Das neu-eröffnete Orchestre”, 1713) la parola “O”. insieme al vecchio significato ne acquisì uno nuovo. Moderno fu definito per la prima volta da JJ Rousseau nel Dictionary of Music (Dictionnaire de la musique, 1767).

Esistono diversi principi di classificazione di O.: il principale è la divisione di O. secondo instr. composizione. Distinguere tra composizioni miste, inclusi strumenti di diversi gruppi (sinfonico O., estr. O.) e omogenei (ad esempio, orchestra d'archi, banda di ottoni, O. strumenti a percussione). Le composizioni omogenee hanno le proprie divisioni: ad esempio, uno strumento a corda può essere costituito da strumenti ad arco oa pizzico; Nel vento O. si distingue una composizione omogenea: una composizione di rame ("banda") o mista, con l'aggiunta di legni, a volte percussioni. Dr. il principio della classificazione di O. procede dalla loro nomina nelle muse. la pratica. Ci sono, ad esempio, una banda militare, estr. O. Un tipo speciale di O. è rappresentato da numerosi. nat. ensemble e O. Nar. strumenti, sia di composizione omogenea (domrovy O.), sia misti (in particolare, l'orchestra napoletana, composta da mandolini e chitarre, taraf). Alcuni di loro sono diventati professionisti (la Great Russian Orchestra, creata da VV Andreev, gli strumenti popolari O. Uzbek, organizzati da AI Petrosyants e altri). Per O. nat. strumenti dell'Africa e dell'Indonesia sono caratterizzati da composizioni con una predominanza di percussioni, ad esempio. gamelan, O. batteria, O. xilofoni. Nei paesi europei la forma più alta di instr. la performance è diventata sinfonica. O., composto da strumenti ad arco, a fiato e a percussione. Tutte le parti di archi sono eseguite in sinfonia. O. da un intero gruppo (almeno due musicisti); questo O. differisce da instr. ensemble, dove ogni musicista suona otd. festa.

Storia della sinfonia. O. risale all'inizio del XVI-XVII secolo. I grandi collettivi di strumenti esistevano prima: nell'antichità, nel Medioevo, nel Rinascimento. Nei secoli XV-XVI. nelle celebrazioni. sono stati raccolti casi avv. ensemble, to-rye includevano tutte le famiglie di strumenti: archi e corde pizzicate, legni e ottoni, tastiere. Tuttavia, fino al XVII sec. non c'erano ensemble che recitavano regolarmente; l'esecuzione della musica era programmata per feste e altri eventi. L'aspetto di O. in moderno. il significato della parola è associato all'emergere a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. nuovi generi di musica omofonica, come opera, oratorio, wok solista. concerto, in cui O. iniziò a svolgere la funzione di accompagnamento strumentale di voci vocali. Allo stesso tempo, collettivi come O. portavano spesso altri nomi. Sì, italiano. compositori con. 16 – implorare. Il più delle volte del XVII secolo erano indicati con i termini “concerto” (ad esempio “Concerti di voci e di stromenti” y M. Galliano), “cappella”, “coro”, ecc.

Lo sviluppo di O. è stato determinato da molti. materiale e art. fattori. Tra questi ce ne sono 3 più importanti: l'evoluzione dell'orco. strumenti (l'invenzione di nuovi, il miglioramento di quelli vecchi, la scomparsa di strumenti obsoleti dalla pratica musicale), lo sviluppo dell'orc. performance (nuove modalità di esecuzione, collocazione dei musicisti sul palco o nella fossa degli orchi, gestione di O.), con cui è collegata la storia degli stessi orchi. collettivi e, infine, un cambiamento nell'orco. mente dei compositori. Così, nella storia di O., estetica materiale ed estetica musicale sono strettamente intrecciate. Componenti. Pertanto, quando si considera il destino di O., non si intende tanto la storia della strumentazione o dell'orco. stili, quante componenti materiali dello sviluppo di O.. La storia di O. a questo proposito è condizionatamente suddivisa in tre periodi: O. dal 1600 al 1750 circa; A. 2° piano. 18 – implorare. XX secolo (circa prima dell'inizio della prima guerra mondiale 20-1); O. XX secolo (dopo la prima guerra mondiale).

O. nel periodo 17 – 1° piano. XVIII secolo Dal Rinascimento, O. ereditò una ricca strumentazione in termini di selezione timbrica e tessiturale. I principi più importanti della classificazione di orc. gli strumenti all'inizio del XVII secolo erano: 18) la divisione degli strumenti in fisico. la natura del corpo sonoro in archi e fiati, proposta da A. Agazzari e M. Pretorius; quest'ultimo ha anche individuato la batteria. Tuttavia, secondo Pretorius, l'associazione, ad esempio, di archi include tutti gli strumenti "con corde tese", non importa quanto diversi siano nel timbro e nella produzione del suono: viole, violini, cetre, liuti, arpe, tromba, monocordo, clavicordo , cembalo, ecc. 17) Separazione degli strumenti all'interno dello stesso tipo secondo la tessitura determinata dalla loro dimensione. Nacquero così famiglie di strumenti omogenei, di solito comprendenti 1 varietà di tessitura, talvolta più, corrispondenti a voci umane (soprano, contralto, tenore, basso). Sono presentati nelle tavole degli strumenti nella parte 2 del “Codice delle scienze musicali” (“Syntagma musicum”, parte II, 4). Compositori dell'inizio del XVI-XVII secolo. avevano, quindi, famiglie ramificate di archi, fiati e percussioni. Tra le famiglie d'archi, viole (acuti, contralto, basso grande, contrabbasso; varietà speciali – viol d'amour, baritono, viola-bastarda), lire (compreso da braccio), violini (acuti a 2 corde, tenore, basso, Francese a 1618 corde - pochette, acuti piccoli accordati una quarta più alta), liuti (liuto, tiorba, archiliuto, ecc.). Gli strumenti per flauto (una famiglia di flauti longitudinali) erano comuni tra gli strumenti a fiato; strumenti a doppia canna: flauto (tra cui un gruppo di bombarde da un basso a pommer a un tubo di violino), corni storti – krummhorns; strumenti per imboccatura: legno e osso di zinco, tromboni decomp. dimensioni, tubi; percussioni (timpani, campane, ecc.). Wok-str. il pensiero dei compositori del XVII secolo saldamente basato sul principio della tessitura. Tutte le voci e gli strumenti della tessitura acuti, così come gli strumenti della tessitura contralto, tenore e basso, sono stati combinati all'unisono (le loro parti sono state registrate su una riga).

La caratteristica più importante dell'emergere sull'orlo dei secoli 16-17. stile omofonico, così come omofonico-polifonico. lettere (JS Bach, GF Handel e altri compositori), divenne basso continua (vedi Basso generale); a questo proposito, insieme al melodico. voci e strumenti (violini, viole, vari strumenti a fiato) apparvero i cosiddetti. gruppo continuo. Strumento la sua composizione è cambiata, ma la sua funzione (esecuzione del basso e l'armonia poligonale di accompagnamento) è rimasta invariata. Nel periodo iniziale dello sviluppo dell'opera (ad esempio le scuole d'opera italiane), il gruppo del continuo comprendeva l'organo, il cembalo, il liuto, la tiorba e l'arpa; al 2° piano. 17 ° secolo il numero di strumenti in esso è notevolmente ridotto. Ai tempi di Bach, Handel, compositori francesi. Il classicismo si limita a uno strumento a tastiera (nella musica sacra – un organo, in alternanza con un cembalo, nei generi profani – uno o due cembalo, a volte una tiorba nell'opera) e bassi – un violoncello, un contrabbasso (Violono), spesso un fagotto.

Per O. 1° piano. Seicento caratterizzato da instabilità delle composizioni, causata da molteplici ragioni. Uno di questi è la revisione delle tradizioni rinascimentali nella selezione e nel raggruppamento degli strumenti. La strumentazione è stata radicalmente aggiornata. Hanno lasciato la musica. pratiche di liuto, viola, soppiantate da violini – strumenti dal tono più forte. Le bombarde infine lasciarono il posto ai fagotti ricavati dal basso a pommer e agli oboi ricostruiti dalla cannuccia; lo zinco è sparito. I flauti longitudinali sono sostituiti da flauti trasversali che li superano in potenza sonora. Il numero delle varietà di tessitura è diminuito. Tuttavia, questo processo non si concluse nemmeno nel XVIII secolo; per esempio, archi come violino piccolo, violoncello piccolo, così come il liuto, viola da gamba, viol d'amour, appaiono spesso nell'orchestra di Bach.

Dr. il motivo dell'instabilità delle composizioni è la selezione casuale degli strumenti nell'avv. teatri d'opera o cattedrali. Di norma, i compositori scrivevano musica non per la composizione stabile generalmente accettata, ma per la composizione dell'O. definita. teatro o priv. cappelle. All'inizio. XVII secolo sul frontespizio dello spartito si riportava spesso l'iscrizione: “buone da cantare et suonare”. Talvolta nella partitura o nel frontespizio veniva fissata la composizione che era presente in questo teatro, come nel caso della partitura dell'opera Orfeo (17) di Monteverdi, che scrisse per la corte. teatro a Mantova.

Cambiare gli strumenti associati a una nuova estetica. richieste, ha contribuito al cambiamento interno. organizzazioni O. Graduale stabilizzazione dell'orco. le composizioni andavano principalmente lungo la linea dell'origine del moderno. noi il concetto di orco. un gruppo che combina strumenti legati nel timbro e nella dinamica. proprietà. La differenziazione del gruppo timbrico omogeneo di archi - violini di diverse dimensioni - avveniva principalmente nella pratica dell'esecuzione (per la prima volta nel 1610 nell'opera ad arco parigina "24 violini del re"). Nel 1660-85, la Cappella Reale di Carlo II fu organizzata a Londra secondo il modello parigino, uno strumento composto da 24 violini.

La cristallizzazione del gruppo d'archi senza viole e liuti (violini, viole, violoncelli, contrabbassi) fu la conquista più importante dell'opera seicentesca, che si rifletteva principalmente nella creatività operistica. L'opera Dido and Eneas (17) di Purcell è stata scritta per l'arpa ad arco con continuo; l'aggiunta di un trio di strumenti a fiato - Cadmo ed Hermione di Lully (1689). I gruppi di fiati e ottoni non hanno ancora preso forma nell'ortodossia barocca, sebbene tutti i principali fiati, oltre ai clarinetti (flauti, oboi, fagotti), siano già stati introdotti in O. Nelle partiture di JB Lully, un trio di fiati è spesso elencato: 1673 oboi (o 2 flauti) e un fagotto, e nelle opere di F. Rameau ("Castor and Pollux, 2) è un gruppo incompleto di legni: flauti, oboi, fagotti. Nell'orchestra di Bach, la sua intrinseca attrazione per gli strumenti del XVII secolo. influenzò anche la scelta degli strumenti a fiato: le antiche varietà dell'oboe – oboe d`amore, oboe da caccia (il prototipo del moderno corno inglese) sono utilizzate in abbinamento a un fagotto oa 1737 flauti e un fagotto. Le combinazioni di ottoni si sviluppano anche da ensemble di tipo rinascimentale (ad esempio, zinco e 17 tromboni nel Concertus Sacri di Scheidt) a gruppi di ottoni-percussioni locali (2 trombe e timpani nel Magnificat di Bach, 3 trombe con timpani e corni nella propria cantata n. 3). Quantità. La composizione di O. non aveva ancora preso forma in quel momento. Stringhe. il gruppo era talvolta piccolo e incompleto, mentre la selezione degli strumenti a fiato era spesso casuale (vedi tabella 3).

Dal 1° piano. Fu eseguita la divisione del 18 ° secolo. composizioni in connessione con la funzione sociale della musica, il luogo della sua esecuzione, il pubblico. La divisione delle composizioni in chiesa, opera e concerto era anche associata ai concetti di chiesa, opera e stili da camera. La selezione e il numero degli strumenti in ciascuna delle composizioni oscillavano ancora ampiamente; tuttavia, l'opera lirica (gli oratori di Handel venivano eseguiti anche nel teatro dell'opera) era spesso più satura di strumenti a fiato rispetto a quella da concerto. In relazione alla dif. nelle situazioni di trama, insieme ad archi, flauti e oboi, trombe e timpani, erano spesso presenti tromboni (nella Scena dell'inferno nell'Orfeo di Monteverdi si utilizzava un insieme di zinco e tromboni). Di tanto in tanto veniva introdotto un piccolo flauto ("Rinaldo" di Handel); nell'ultimo terzo del XVII sec. appare un corno. Verso la Chiesa. O. includeva necessariamente un organo (nel gruppo continuo o come strumento da concerto). Verso la Chiesa. O. nell'op. Bach, insieme ad archi, fiati (flauti, oboi), a volte canne con timpani, corni, tromboni, raddoppiando le voci del coro (cantata n. 17), sono spesso presentati. Come nella chiesa, così nell'opera O. creature. il ruolo era svolto da strumenti obbligati (vedi Obbligo) che accompagnavano il canto solista: violino, violoncello, flauto, oboe, ecc.

La composizione del concerto di O. dipendeva interamente dal luogo e dalla natura della musica. Per le celebrazioni. avv. cerimonie barocche (incoronazione, matrimonio), nelle cattedrali insieme a quelle liturgiche. musica suonata istr. concerti e fanfare eseguite dalla corte. musicisti.

Privato secolare i concerti si tenevano sia nel teatro dell'opera che all'aperto – in mascherate, processioni, fuochi d'artificio, “sull'acqua”, così come nelle sale dei castelli o dei palazzi di famiglia. Tutti questi tipi di concerti richiedevano dec. composizioni O. e il numero degli esecutori. In “Music for Fireworks” di Handel, eseguita al Green Park di Londra il 27 aprile 1749, solo fiati e percussioni (minimo 56 strumenti); nella versione da concerto, eseguita un mese dopo al Foundling Hospital, il compositore, oltre a 9 trombe, 9 corni, 24 oboi, 12 fagotti, percussioni, utilizzava anche strumenti a corda. Nello sviluppo dell'attuale conc. O. il ruolo più importante è stato svolto da generi dell'era barocca come concerto grosso, concerto solista, orc. suite. Anche qui si nota la dipendenza del compositore dalla composizione disponibile – solitamente piccola. Tuttavia, anche in questo quadro, il compositore assegna spesso speciali compiti virtuosistici e timbrici legati allo stile cameristico dei concerti omofonico-polifonici. base. Questi sono i 6 Concerti Brandeburghesi di Bach (1721), ognuno dei quali ha una composizione individualizzata di solisti-esecutori, esattamente elencati da Bach. In alcuni casi, il compositore ha indicato decomp. varianti di composizione ad libitum (A. Vivaldi).

Creature. La struttura dell'orchestra del periodo barocco è stata influenzata dai principi stereofonici (in senso moderno) della musica multicoro. L'idea della giustapposizione spaziale dei suoni fu adottata nel XVII secolo. dal coro. polifonia antifonale del XVI secolo. La posizione di diversi cori. e str. le cappelle nei cori delle grandi cattedrali creavano l'effetto della divisione spaziale delle sonorità. Questa pratica iniziò ad essere ampiamente utilizzata nella Cattedrale di San Marco a Venezia, dove lavorò G. Gabrieli, conosceva anche G. Schutz, che studiò con lui, nonché S. Scheidt e altri compositori. Una manifestazione estrema della tradizione del wok multicoro.-instr. La lettera fu eseguita nel 17 nel duomo di Salisburgo da O. Benevoli, una messa festiva, per la quale ci vollero 16 cori (secondo i contemporanei erano addirittura 1628). L'impatto del concetto di multi-coro si rifletteva non solo nel culto polifonico. musica (La Passione secondo Matteo di Bach è stata scritta per 8 cori e 12 opere), ma anche in generi profani. Il principio del concerto grosso è la divisione dell'intera massa di esecutori in due gruppi disuguali che eseguono decomp. funzioni: concertino - un gruppo di solisti e concerto grosso (grande concerto) - un gruppo di accompagnamento, è stato utilizzato anche in O. oratorio, opera (Handel).

La disposizione di O. musicisti del periodo 1600-1750 rifletteva tutte le tendenze sopra menzionate. Per quanto ci permettono di giudicare gli schemi forniti dai teorici del Settecento e le incisioni, l'ubicazione dei musicisti di O. differiva notevolmente da quella utilizzata successivamente. Sistemazione di musicisti nel teatro dell'opera, conc. la sala o la cattedrale richiedevano soluzioni individuali. Il centro dell'opera d'opera era il chambalo del capobanda e i bassi ad arco situati vicino ad esso: il violoncello e il contrabbasso. Alla destra del capobanda c'erano le corde. strumenti, a sinistra – strumenti a fiato (legni e corni), raccolti presso il secondo, cembalo di accompagnamento. Le stringhe si trovavano anche qui. bassi, tiorbe, fagotti, che insieme al secondo cembalo formano il gruppo del continuo.

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Posizione di musicisti in un'orchestra d'opera nel XVIII secolo. (dal libro: Quantz J., Versuch einer Anweisung, die Flöte traversiere zu spielen, Berlino, p. 18).

In fondo (a destra) si potevano collocare canne e timpani. Nella composizione del concerto, i solisti erano in primo piano vicino al capobanda, il che ha contribuito all'equilibrio della sonorità. La specificità di tale disposizione dei posti a sedere era la combinazione funzionale di strumenti che formano diversi complessi sonori spazialmente separati: 2 gruppi continui, un gruppo a concertino in un concerto, a volte in un'opera, 2 grandi gruppi contrastanti (archi, legno) intorno a 2 cembalo . Una tale struttura richiedeva una gestione a più stadi. Parte degli artisti ha seguito il chambalo di accompagnamento, O. nel suo insieme ha seguito il chambalo del capobanda. Anche il metodo del doppio controllo è stato ampiamente utilizzato (vedi Conduzione).

A. 2° piano. 18 – implorare. 20 ° secolo O. questo periodo, che copre tale decomp. fenomeni stilistici come la scuola classica viennese, il romanticismo, il superamento del romantico. tendenze, impressionismo e molti dissimili tra loro, che avevano i propri. l'evoluzione delle scuole nazionali, invece, è caratterizzata da un unico processo comune. Questo è lo sviluppo dell'orco. apparato, indissolubilmente legato con una netta divisione della trama verticalmente sulla base dell'armonica omofonica. pensiero. Ha trovato espressione nella struttura funzionale dell'orco. tessuto (evidenziando le funzioni di melodia, basso, armonia sostenuta, orc. pedale, contrappunto, figurazione in esso). Le basi di questo processo sono poste nell'era delle muse viennesi. classici. Alla fine, fu creato un orco. apparato (sia in termini di composizione degli strumenti che di organizzazione funzionale interna), che divenne, per così dire, il punto di partenza per l'ulteriore sviluppo di romantici e compositori in russo. scuole.

Il segno più importante della maturità è l'armonica omofonica. tendenze in orc. pensiero musicale – appassimento nel 3° quarto. Gruppi di basso continuo del XVIII secolo La funzione di accompagnamento del cembalo e dell'organo entrava in conflitto con il ruolo crescente dell'orco vero e proprio. armonia. Sempre più orchi alieni. i contemporanei immaginavano anche il timbro del clavicembalo da suonare. Tuttavia, in un nuovo genere – le sinfonie – uno strumento a tastiera che svolga la funzione del basso continuo (chembalo) è ancora abbastanza diffuso – in alcune sinfonie della scuola di Mannheim (J. Stamitz, A. Fils, K. Cannabih), nei primi sinfonie di J. Haydn. Verso la Chiesa. Nella musica la funzione del basso continuo è sopravvissuta fino agli anni '18. XVIII secolo (Requiem di Mozart, Messe di Haydn).

Nell'opera dei compositori del classico viennese. La scuola sta ripensando la divisione in chiesa, teatro e composizioni da camera di O. Fin dall'inizio. 19° secolo il termine “chiesa O”. cadde effettivamente in disuso. La parola "camera" iniziò ad essere applicata agli ensemble, in contrapposizione all'orco. prestazione. Allo stesso tempo, divenne di grande importanza la differenziazione tra gli ensemble operistici e da concerto dell'opera. Se la composizione dell'opera O. è già del XVIII secolo. contraddistinto dalla completezza e varietà degli strumenti, poi l'attuale conc. la composizione, così come i generi della sinfonia e degli stessi concerti solistici, era agli inizi, terminando solo con L. Beethoven.

La cristallizzazione delle composizioni di O. procedeva parallelamente al rinnovamento della strumentazione. Al 2° piano. 18 ° secolo a causa del cambiamento nell'estetica. ideali dalla musica. pratiche scomparse. strumenti – tiorbe, viole, oboe d'amore, flauti longitudinali. Sono stati progettati nuovi strumenti che hanno arricchito la scala timbrica e di tessitura di O. L'ubiquità nell'opera negli anni '80. Il 18° secolo ricevette un clarinetto disegnato (c. 1690) da I. Denner. L'introduzione del clarinetto alla sinfonia. O. finì all'inizio. 19° secolo la formazione di uno spirito di legno. gruppi. Il corno di bassetto (corno di bassetto), una varietà contralta del clarinetto, sopravvisse a un breve periodo di prosperità. Alla ricerca di uno spirito basso. i bassisti si sono rivolti al controfagotto (l'oratorio di Haydn).

Al 2° piano. Nel 18° secolo il compositore dipendeva ancora direttamente dalla composizione disponibile di O. Di solito la composizione del primo classico. O. 1760-70. ridotto a 2 oboi, 2 corni e archi. Non è stato unificato in Europa. O. e il numero di strumenti all'interno delle corde. gruppi. avv. O., in Krom c'erano più di 12 corde. strumenti, era considerato grande. Tuttavia, è al 2° piano. 18° secolo in connessione con la democratizzazione della musica. vita, la necessità di composizioni stabili di O. crebbe. In questo momento, la nuova costante O., pl. di cui in seguito divennero ampiamente noti: O. “Concerti spirituali” (concerto spirituel) a Parigi, O. Gewandhaus a Lipsia (1781), O. Ob-va concerti del conservatorio di Parigi (1828). (Vedi tabella 2)

In Russia, i primi passi nella creazione di O. sono stati fatti solo nel 2° tempo. XVII secolo Nel 17, in connessione con la creazione dell'avv. t-ra a Mosca sono stati invitati all'estero. musicisti. All'inizio. Pietro I del 1672° secolo introdusse la musica di reggimento in Russia (vedi Musica militare). Negli anni '18. 30° secolo con il russo La vita teatrale e concertistica si sviluppa nel cortile. Nel 18 a San Pietroburgo furono istituiti gli stati della prima corte. O., composto da stranieri. musicisti (con lui c'erano studenti russi). L'orchestra comprendeva archi, flauti, fagotti, un gruppo di ottoni senza tromboni, timpani e clavi-chambalos (fino a 1731 persone in totale). Nel 40 un italiano fu invitato a San Pietroburgo. una compagnia d'opera guidata da F. Araya, i russi hanno suonato in O. adv. musicisti. Al 1735° piano. 2° secolo avv. O. è stato diviso in 18 gruppi: "musicisti da camera del primo O." (secondo gli stati 2-1791 persone, accompagnatore K. Canobbio) e "il secondo O. musicisti sono la stessa sala da ballo" (47 persone, accompagnatore VA Pashkevich). Il primo O. era composto quasi interamente da stranieri, il secondo – dai russi. musicisti. I servi erano molto diffusi; alcuni di loro erano altamente professionali. L'orchestra di NP Sheremetev (le tenute di Ostankino e Kuskovo, 43 musicisti) ha ricevuto grande fama.

In sinfania. l'opera di L. Beethoven ha finalmente cristallizzato la composizione di sinfonie “classica”, o “beethoveniana”. LA: archi, composizione in coppia di legni (2 flauti, 2 oboi, 2 clarinetti, 2 fagotti), 2 (3 o 4) corni, 2 trombe, 2 timpani (nella seconda metà dell'2 fu classificato come piccolo simbolo di composizione O.). Con la 19a sinfonia (9), Beethoven gettò le basi per una vasta (in senso moderno) composizione di sinfonie. LA: archi, coppie di legni con strumenti aggiuntivi (1824 flauti e un piccolo flauto, 2 oboi, 2 clarinetti, 2 fagotti e controfagotto), 2 corni, 4 trombe, 2 tromboni (usati per la prima volta nel finale della V sinfonia), timpani , triangolo, piatti, grancassa. Quasi contemporaneamente. (3) 5 tromboni furono usati anche nella “Sinfonia incompiuta” di F. Schubert. Nelle opere liriche del 1822° secolo. in connessione con le situazioni sceniche inclusi strumenti che non erano inclusi nella conc. la composizione del simbolo LA: piccolo, controfagotto. Nel gruppo delle percussioni, oltre ai timpani, porta ritmica. funzione, apparve un'associazione persistente, usata più spesso negli episodi orientali (la cosiddetta musica turca o "musica da giannizzeria"): una grancassa, i piatti, un triangolo, a volte un rullante ("Iphigenia in Tauris" di Gluck, "The Rapimento dal Serraglio” di Mozart) . Nel reparto In alcuni casi compaiono campane (Glcckenspiel, Flauto magico di Mozart), tam-tom (Marcia funebre per la morte di Mirabeau di Gosseca, 3).

primi decenni del XIX secolo. segnato da un radicale miglioramento dello spirito. strumenti che eliminavano carenze come la falsa intonazione, la mancanza di cromatismo. scale di ottoni. Flauto, e più tardi altri spiriti di legno. gli strumenti erano dotati di un meccanismo a valvola (l'invenzione di T. Boehm), i corni naturali e le canne erano dotati di un meccanismo a valvola, che rendeva cromatica la loro scala. Negli anni '19. A. Sachs migliorò il clarinetto basso e progettò nuovi strumenti (corni da sax, sassofoni).

Un nuovo impulso allo sviluppo di O. fu dato dal romanticismo. Con il fiorire di programmi musicali, paesaggistici e fantastici. elemento nell'opera, la ricerca dell'orco venne alla ribalta. colore e dramma. espressività timbrica. Allo stesso tempo, i compositori (KM Weber, P. Mendelssohn, P. Schubert) rimasero inizialmente nell'ambito della composizione in coppia dell'opera (nell'opera con il coinvolgimento di varietà: un piccolo flauto, un corno inglese, ecc.). L'uso economico delle risorse di O. è inerente a MI Glinka. Coloristica la ricchezza della sua O. si ottiene sulla base di stringhe. gruppi di fiati e coppie (con strumenti aggiuntivi); attacca i tromboni a corni e canne (3, raramente 1). G. Berlioz fece un passo decisivo nell'usare le nuove possibilità di O. Presentando crescenti richieste di dramma, scala del suono, Berlioz ampliò significativamente la composizione di O. Nella Fantastic Symphony (1830), aumentò le corde. gruppo, indicando esattamente il numero degli esecutori in partitura: almeno 15 primi e 15 secondi violini, 10 viole, 11 violoncelli, 9 contrabbassi. In questa op. in connessione con la sua accentuata programmabilità, il compositore si discosta dalla precedente rigida distinzione tra opera e concerto. composizioni inserendo il simbolo. O. così caratteristico nel colore. strumenti di pianificazione, come l'inglese. corno, clarinetto, arpe (2), campane. La dimensione del gruppo in rame aumentò, oltre a 4 corni, 2 trombe e 3 tromboni, comprendeva 2 cornetti-a-pistone e 2 ophicleides (poi sostituiti da tube).

Il lavoro di R. Wagner è diventato un'epoca nella storia di O. Koloristich. la ricerca e la lotta per la densità della trama già in Lohengrin ha portato a un aumento degli orchi. fino a una composizione tripla (solitamente 3 flauti o 2 flauti e un piccolo flauto, 3 oboi o 2 oboi e un corno inglese, 3 clarinetti o 2 clarinetti e clarinetto basso, 3 fagotti o 2 fagotti e controfagotto, 4 corni, 3 trombe, 3 trombone, basso tuba, batteria, archi). Nel 1840 completò la formazione del moderno. gruppo di rame, che comprendeva 4 corni, 2-3 trombe, 3 tromboni e una tuba (introdotta per la prima volta da Wagner nell'ouverture Faust e nell'opera Tannhäuser). Nell'"Anello dei Nibelunghi" O. divenne il membro più importante delle muse. Dramma. Il ruolo principale del timbro nelle caratteristiche leitmotiv e la ricerca dei drammi. espressività e dinamica. La potenza del suono ha spinto il compositore a introdurre in O. una scala timbrica esclusivamente differenziata (aggiungendo varietà di tessitura di strumenti a fiato in legno e canne). La composizione di O., quindi, aumentata a quadrupla. Wagner rafforzò il gruppo di rame con un quartetto di tube di corno francese (o "Wagner") disegnate su suo ordine (vedi Tuba). Le richieste fatte dal compositore alla tecnica dell'orco virtuoso sono cresciute radicalmente. musicisti.

Il percorso tracciato da Wagner (in parte proseguito da A. Bruckner nel genere sinfonico) non fu l'unico. Contemporaneamente nell'opera di I. Brahms, J. Bizet, S. Frank, G. Verdi, tra i compositori russi. La scuola stava sviluppando ulteriormente la linea "classica" di orchestrazione e ripensando a una serie di romantiche. tendenze. Nell'orchestra di PI Ciajkovskij, la ricerca psicologica. l'espressività del timbro si coniugava con l'uso estremamente economico dell'ork. fondi. Rifiutare l'orco dell'espansione. apparato nelle sinfonie (composizione in coppia, spesso con 3 flauti), il compositore solo nelle opere in programma, nelle opere successive e nei balletti si rivolse al complemento. colori degli orchi. tavolozze (es. corno inglese, clarinetto basso, arpa, celesta in Lo Schiaccianoci). Nel lavoro di NA Rimsky-Korsakov, altri compiti sono fantastici. la colorazione, le immagini hanno spinto il compositore a utilizzare ampiamente (senza andare oltre le composizioni di coppia-tripla e tripla) sia i timbri principali che quelli caratteristici del supplemento O.K. agli strumenti si aggiunsero il clarinetto piccolo, le varietà contralto del flauto e della tromba, aumentò il numero degli strumenti a percussione con funzioni decorative e decorative, furono introdotte le tastiere (secondo la tradizione Glinka – pp., così come l'organo). L'interpretazione dell'orchestra di NA Rimsky-Korsakov, adottata dal russo. i compositori della generazione più giovane (AK Glazunov, AK Lyadov, IF Stravinsky nel primo periodo della creatività), hanno avuto un'influenza nella sfera degli orchi. colore e sul lavoro dell'Europa occidentale. compositori – O. Respighi, M. Ravel.

Un ruolo importante nello sviluppo del pensiero timbrico nel XX secolo. l'orchestra di C. Debussy ha suonato. La crescente attenzione al colore ha portato al trasferimento della funzione del tema al separato. motivi o texture di sfondo e coloristici. elementi di tessuto, così come la comprensione di fonich. lati O. come fattore di forma. Queste tendenze determinarono la sottile differenziazione dell'orco. fatture.

L'ulteriore sviluppo delle tendenze wagneriane portò all'orlo del XIX-XX secolo. alla formazione nell'opera di alcuni compositori (G. Mahler, R. Strauss; Rimsky-Korsakov in Mlada, AN Scriabin, e anche Stravinsky in La sagra della primavera) della cosiddetta superorchestra – ampliata rispetto a la composizione quadrupla di O. Mahler e Scriabin ricorreva a una grandiosa composizione orchestrale per esprimere le loro visioni del mondo. concetti. L'apogeo di questa tendenza è stato l'esecutore. composizione dell'ottava sinfonia di Mahler (19 solisti, 20 cori misti, coro di voci bianche, cinque composizioni di una grande sinfonia O. con archi rinforzati, un gran numero di percussioni e strumenti di decorazione, nonché un organo).

Gli strumenti a percussione nel XIX secolo non formavano un'associazione stabile. All'inizio del XX secolo il gruppo di decoratori a percussione si è notevolmente ampliato. Oltre ai timpani, comprendeva un grande e rullante, un tamburello, cembali, un triangolo, nacchere, tom-tam, campane, un glockenspiel, uno xilofono. L'arpa (19 e 20), celesta, pianoforte e organo erano spesso inclusi nella grande O., meno spesso - "strumenti per l'occasione": un sonaglio, una macchina a fiato, un ciak, ecc. Al centro. e con. Nuovi orchi del 1° secolo continuano a formarsi. ensemble: New York Philharmonic Orchestra (2); Colonna dell'orchestra a Parigi (19); Orchestra del Festival Wagner di Bayreuth (1842); Orchestra di Boston (1873); l'orchestra Lamoureux a Parigi (1876); Orchestra di corte ("Coro musicale di corte") a San Pietroburgo (1881; ora Sinfonia accademica della Filarmonica di O. Leningrado).

Nell'O. del XIX secolo, in contrasto con l'O. del periodo barocco, prevale il monocorismo. Tuttavia, nella musica di Berlioz, il multicoro ha trovato di nuovo applicazione. In Tuba mirum dal “Requiem” di Berlioz, scritto per un insieme ampliato di grandi sinfonie. O., gli artisti sono divisi in 19 gruppi: sinfonia. O. e 5 gruppi di strumenti in rame posti agli angoli del tempio. Nell'opera (a cominciare dal Don Giovanni di Mozart) sono apparse anche tali tendenze: O. “sul palco”, “dietro il palco”, le voci dei cantanti e degli instr. assolo “dietro il palco” o “al piano di sopra” (Wagner). Diversità degli spazi. il posizionamento degli artisti ha trovato sviluppo nell'orchestra di G. Mahler.

Nella disposizione dei posti a sedere dei musicisti O. al 2° piano. 18° secolo e anche nel 19° secolo. Parzialmente conservati sono lo smembramento e la separazione dei complessi timbrici, che sono caratteristici del barocco O.. Tuttavia, già nel 1775 IF Reichardt avanzò un nuovo principio di seduta, la cui essenza è la miscelazione e la fusione dei timbri. Il primo e il secondo violino si trovavano a destra ea sinistra del direttore in una linea, le viole erano divise in due parti e formavano la fila successiva, lo spirito. gli strumenti erano posti dietro di loro in profondità. Su questa base, in seguito è sorta la posizione dell'orco. musicisti, che si diffusero nel 19° e nel 1° piano. XX secolo e successivamente ricevette il nome della disposizione dei posti “europea”: i primi violini – alla sinistra del direttore, il secondo – a destra, viole e violoncelli – dietro di loro, legni – alla sinistra del direttore, ottoni – a destra (nell'opera) o in due file: prima in legno, dietro di loro – rame (in concerto), dietro – batteria, contrabbassi (vedi figura sopra).

O. nel 20° secolo. (dopo la prima guerra mondiale 1-1914).

Il 20° secolo ha proposto nuove forme di spettacolo. pratica O. Insieme al tradizionale. Le opere radiofoniche e televisive e le opere in studio sono apparse come concerti d'opera e concerti. Tuttavia, la differenza tra radio e opera lirica e concerti sinfonici, oltre a quello funzionale, risiede solo nella disposizione dei posti a sedere dei musicisti. Composizioni sinfoniche. Le città delle città più grandi del mondo sono quasi completamente unificate. E sebbene gli spartiti continuino a indicare il numero minimo di archi in ordine per l'op. potrebbe anche essere eseguito da O. più piccolo, una grande sinfonia. O. Il 20° secolo coinvolge una squadra di 80-100 (a volte di più) musicisti.

Nel 20° secolo si combinano 2 percorsi di evoluzione delle composizioni di O. Uno di questi è associato all'ulteriore sviluppo delle tradizioni. grande simbolo. A. I compositori continuano a rivolgersi alla composizione di coppia (P. Hindemith, "Artist Mathis", 1938; DD Shostakovich, Sinfonia n. 15, 1972). Un ampio posto era occupato da una triplice composizione, spesso ampliata per aggiunte. strumenti (M. Ravel, opera "Child and Magic", 1925; SV Rachmaninov, "Symphonic Dances", 1940; SS Prokofiev, sinfonia n. 6, 1947; DD Shostakovich, sinfonia n. 10, 1953; V. Lutoslavsky, sinfonia n. 2, 1967). Spesso i compositori si rivolgono anche a una composizione quadrupla (A. Berg, opera Wozzeck, 1925; D. Ligeti, Lontano, 1967; BA Tchaikovsky, sinfonia n. 2, 1967).

Allo stesso tempo, in connessione con le nuove tendenze ideologiche e stilistiche del primo Novecento, è emersa un'orchestra da camera. In molti simp. e wok.-symp. le composizioni usano solo una parte della composizione di una grande sinfonia. O. – cosiddetto. composizione non normativa o individualizzata di O. Ad esempio, nella "Sinfonia dei salmi" di Stravinsky (20) dal tradizionale. clarinetti, violini e viole vengono sequestrati in gran numero.

Per il 20° secolo è caratteristico il rapido sviluppo del gruppo di percussioni, i to-rye si sono dichiarati un orco a tutti gli effetti. associazione. Negli anni 20-30. colpo. agli strumenti iniziò ad essere affidato non solo ritmico, coloristico, ma anche tematico. funzioni; sono diventati una componente importante della trama. A questo proposito, il gruppo di tamburi per la prima volta ha ricevuto l'indipendenza. significato nel simbolo. O., dapprima nella O. di composizione non normativa e cameristica. Esempi sono La storia di un soldato di Stravinsky (1918), Musica per archi, percussioni e Celesta di Bartók (1936). Apparve per una composizione a predominanza di percussioni o esclusivamente per loro: ad esempio, Les Noces di Stravinsky (1923), che comprende, oltre a solisti e un coro, 4 pianoforti e 6 gruppi di percussioni; “Ionization” di Varèse (1931) è stato scritto per soli strumenti a percussione (13 esecutori). Il gruppo di percussioni è dominato da strumenti indefiniti. le altezze, tra cui strumenti dissimili dello stesso tipo (un insieme di grandi tamburi o cembali, gong, blocchi di legno, ecc.) si sono diffusi. Tutto R. e soprattutto il 2° piano. Hit del 20° secolo. il gruppo occupava una posizione di parità con i gruppi di archi e di fiati sia nella normativa (“Turangalila” di Messiaen, 1946-48) che nelle composizioni non normative di O. (“Antigone” di Orff, 1949; “Colors of the Heavenly City” di Messiaen per pianoforte solo, 3 clarinetti, 3 xilofoni e strumenti a percussione in metallo, 1963; Luke Passion di Penderecki, 1965). Nel reparto è cresciuto anche lo stesso gruppo di percussioni. Nel 1961 fu organizzato uno speciale a Strasburgo. ensemble di percussioni (140 strumenti e vari oggetti sonori).

Il desiderio di arricchire la scala timbrica di O. ha portato all'episodio. inclusione nel simbolo. O. utensili elettrici. Tali sono le “onde di Martenot” costruite nel 1928 (A. Honegger, “Giovanna d'Arco al rogo”, 1938; O. Messiaen, “Turangalila”), elettronio (K. Stockhausen, “Prozession”, 1967), ionico ( B. Tishchenko, 1a sinfonia, 1961). Si stanno tentando di includere una composizione jazz in O.. Negli anni '60-'70. la registrazione su nastro iniziò ad essere introdotta nell'apparato di O. come una delle componenti del suono (EV Denisov, Il sole degli Incas, 1964). K. Stockhausen (Mixtur, 1964) definì tale espansione della composizione di O. come "elettronica dal vivo". Insieme alla brama di rinnovamento timbrico nella sinfonia. O. ci sono tendenze verso il revival di strumenti e otd. principi di O. Barocco. Dal I quarto del XX secolo oboe d'amore (C. Debussy, “Danze primaverili”; M. Ravel, “Bolero”), corno di bassetto (R. Strauss, “Electra”), viola d'amore (G. Puccini, “Chio-Chio-san”; SS Prokofiev, “Romeo e Giulietta”). In connessione con il restauro nel XX secolo. non passarono inosservati gli strumenti musicali del Rinascimento e gli strumenti dei secoli XV-XVI. (M. Kagel, “Music for Renaissance Instruments”, 1; coinvolge 20 interpreti, A. Pärt, “Tintinnabuli”, 20). In O. XX secolo. riflesso trovato e il principio di composizione della varianza. cap. Ives ha utilizzato una modifica in parte della composizione di O. nell'opera teatrale The Question Left Unanswered (15). La libera scelta della composizione all'interno dei gruppi O. prescritti dalla partitura è prevista in Ozveny di L. Kupkovich. Il concetto stereofonico di O è stato ulteriormente sviluppato. I primi esperimenti sulla divisione spaziale di O. appartengono a Ives ("The Question Left Unanswered", 16a Sinfonia). Negli anni '1966. la pluralità delle sorgenti sonore si ottiene con diff. modi. La divisione dell'intero orco. messe per più "cori" o "gruppi" (in un significato diverso da prima - non timbrico, ma spaziale) è usato da K. Stockhausen ("Gruppi" per 23 O., 1976; "Kappe" per 20 O. e coro , 1908). La composizione dell'O. “Gruppo” (4 persone) è suddivisa in tre complessi identici (ciascuno con il proprio conduttore), disposti ad U; i posti degli ascoltatori sono nello spazio formato tra le orchestre. 70. Mattus nell'opera The Last Shot (3, basato sulla storia di BA Lavrenyov The Forty-First) ha usato tre O. situato in un orco. fossa, dietro il pubblico e in fondo al palco. J. Xenakis in “Terretektor” (1957) ha posizionato 4 musicisti di una grande orchestra sinfonica in modo simile a un raggio rispetto al direttore al centro; il pubblico sta non solo intorno a O., ma anche tra le consolle, mescolandosi con i musicisti. “Moving stereophony” (il movimento dei musicisti con gli strumenti durante l'esecuzione) è usato in “Klangwehr” di M. Kagel (1960) e nella 109a sinfonia di AG Schnittke (3).

Orchestra |

Tabella 3.

Durante l'utilizzo vengono utilizzate disposizioni personalizzate dei posti a sedere per i musicisti di O.. operazione. composizione non normativa; in questi casi il compositore fa opportune indicazioni in partitura. Durante il normale utilizzo di O. come unico complesso monocoro al 1° piano. Nel XX secolo esisteva la disposizione dei posti a sedere "europea" sopra descritta. Dal 20 iniziò ad essere ampiamente introdotto il cosiddetto sistema “cosiddetto” introdotto da L. Stokowski. Amer. posti a sedere. Il 1945° e 1° violino si trovano alla sinistra del direttore, i violoncelli e le viole sono a destra, i contrabbassi sono dietro di essi, gli strumenti a fiato sono al centro, dietro le corde, la batteria, il pianista sono accesi la sinistra.

Fornire una maggiore solidità del suono degli archi nel registro acuto "Amer". la disposizione dei posti non è priva, secondo alcuni direttori, ed è negata. lati (ad esempio, indebolendo il contatto funzionale di violoncelli e contrabbassi situati distanti l'uno dall'altro). A questo proposito, vi sono tendenze a restituire all'”europeo” la collocazione dei musicisti O. Il lavoro della sinfonia. O. in condizioni di studio (radio, televisione, registrazione) propone una serie di precisazioni. requisiti di posti a sedere. In questi casi, il bilanciamento del suono è regolato non solo dal direttore d'orchestra, ma anche dal maestro di tono.

La stessa radicalità dei cambiamenti vissuti da O. nel XX secolo testimonia che egli è ancora uno strumento vivo di creatività. volontà dei compositori e continua a svilupparsi fruttuosamente sia nella sua composizione normativa che aggiornata (non normativa).

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IA Barsov

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