Educazione musicale |

Il processo di padronanza delle conoscenze, abilità e abilità necessarie per l'attività musicale, nonché la totalità delle conoscenze e delle relative abilità e abilità ottenute come risultato della formazione. Sotto M. o. Capire spesso il sistema stesso di organizzazione delle muse. apprendimento. Il modo principale per ottenere M. o. – preparazione sotto la guida di un insegnante, il più delle volte nel conto. istituzione. Un ruolo importante può essere svolto dall'autoeducazione, così come dall'assimilazione di conoscenze e abilità nel processo del prof. praticare la musica o partecipare ad attività amatoriali. fare musica. Distinguere M. circa. generale, che fornisce conoscenze, abilità e abilità nella misura necessaria per attività amatoriali o solo per la percezione della musica, e M. o. speciale, preparando per il prof. lavoro (compositivo, performativo, scientifico, pedagogico). M.o. può essere primaria (inferiore), media e superiore, un taglio in quasi tutti i paesi è speciale. carattere. Didattica generale. il principio dell'educazione nutritiva è anche direttamente correlato al M. o. e si riflette nei suoi contenuti, metodi e forme organizzative. Generale e speciale M. o. suggerisce un'unità organica di educazione musicale e musica. educazione: non solo un insegnante di musica è un'educazione generale. scuole, insegnando ai bambini e impartendo loro un'educazione musicale generale, li educa per mezzo della musica e li conduce alla sua comprensione, ma il maestro prof. scuole di musica di qualsiasi livello, introducendo il futuro della musica. figura a conoscenze e abilità speciali, allo stesso tempo forma la sua personalità: visione del mondo, ideali estetici ed etici, volontà e carattere.

M.o. – la categoria di storico, e in una società di classe – storico di classe. Obiettivi, contenuto, livello, metodi e organizzazione. Le forme di M. circa. determinato dal cambiamento nel corso della storia delle muse. cultura, relazioni sociali, nat. specificità, il ruolo della musica. art-va nella vita di questa società, muz.-estetico. viste, stile della musica. creatività, forme musicali esistenti. attività, funzioni svolte dai musicisti, pedagogico generale dominante. idee e il livello di sviluppo delle muse. pedagogia. Il personaggio di M. circa. anche per l'età dello studente, le sue capacità, il tipo di musica. attività per le quali lo stanno preparando, e molte altre. altra musica. L'insegnamento di un bambino è costruito in modo diverso da quello di un adulto, e suonare, diciamo, il violino è diverso dal suonare il piano. Allo stesso tempo, è generalmente riconosciuto nella musica principale moderna. La pedagogia (per tutte le incalcolabili differenze nelle forme e nei metodi) sono due principi: generale M. o. non può e non deve essere sostituito da uno speciale (in cui l'enfasi è spesso posta sull'insegnamento delle abilità tecniche, sulla padronanza delle informazioni teorico-musicali, ecc.); musica generale. educazione e formazione è quella base obbligatoria su cui è necessario costruire speciali. M.o.

Nelle prime fasi dello sviluppo della società umana, quando non c'era una funzione speciale di un musicista e tutti i membri del collettivo tribale stessi creavano la magia della produzione primitiva. azioni sul ghiaccio e le eseguiva da sole, muse. le abilità, a quanto pare, non furono insegnate in modo specifico e furono adottate dai più giovani dagli anziani. Nel futuro, musica e magia. le funzioni furono assunte da sciamani e capi tribù, ponendo così le basi per la separazione nei successivi tempi di sincretismo. arti. professione, in cui era contemporaneamente il musicista. ballerino e paroliere. Quando l'art. la cultura, anche nelle condizioni della società pre-classe, ha raggiunto un livello relativamente alto, c'era bisogno di speciali. apprendimento. Ciò, in particolare, è testimoniato dai fatti relativi alle società. la vita degli indiani del nord. L'America prima della sua colonizzazione da parte degli europei: tra i nativi del nord. America, c'era un compenso per insegnare nuove canzoni (dalla voce); gli antichi abitanti del Messico avevano un'educazione musicale. istituzioni per l'insegnamento di canti e danze e gli antichi peruviani insegnavano la recita melodiosa dell'epica. leggende. Approssimativamente quando nelle civiltà del mondo antico il culto rituale, il palazzo, l'esercito iniziarono a essere chiaramente divisi. e musica di melograno e quando si forma dec. tipi di musicisti che stanno a diversi livelli sociali (musicisti di tempio guidati da un sacerdote-cantante; musicisti di palazzo che lodano la divinità-monarca; militari. musicisti di fiati e percussioni, a volte di rango militare relativamente alto; infine i musicisti, spesso erranti, cantavano e suonavano durante le cuccette. feste e feste di famiglia), contengono le prime notizie sparse su M. di. I più antichi appartengono all'Egitto, dove alla fine del periodo dell'Antico Regno (c. 2500 a.C. e.) avv. i cantanti passarono una formazione speciale e in seguito, durante il periodo della XII dinastia del Medio Regno (2000-1785), i sacerdoti, a giudicare dalle immagini sopravvissute, agirono come insegnanti che insegnarono a cantare con l'accompagnamento della cetra, battere le mani e tamburellare . Si presume che Menfi sia stata per un lungo periodo il fulcro delle scuole in cui si studiava musica di culto e profana. Nell'antica Cina nell'XI-III secolo. AVANTI CRISTO. e. durante l'era Zhou. circa., to-roe inviato speciale. dipartimento del palazzo sotto la supervisione dell'imperatore, ha svolto un ruolo di primo piano nella vita della società e comprendeva il cap. arr. che ai ragazzi veniva insegnato a cantare, suonare strumenti e ballare. La Grecia è stato uno dei primi paesi in cui ha attribuito una tale importanza al socio-politico. lato della musica, il suo “ethos” e dove le muse. la formazione perseguiva apertamente l'etica politico-politica. educare. obiettivi. È generalmente accettato che le origini del greco M. di. furono fondate nell'isola di Creta, dove i ragazzi delle classi libere impararono a cantare, instr. musica e ginnastica, che erano considerate una sorta di unità. A 7 pollici AVANTI CRISTO. e. un'altra isola greca, Lesbo, era un "conservatorio continuo". Qui, guidato da Terpander, che perfezionò la kithara, si formò una scuola di kitfared e le basi dell'arte del prof. cifaristica, es la capacità di pronunciare recitativamente il testo, cantare e accompagnare. L'arte degli aeds (cantanti-narratori), che facevano parte della bottega degli artigiani nell'antica Grecia ed erano i custodi di alcune tradizioni orali, si tramandava di generazione in generazione. M. di. L'aeda consisteva nel fatto che il maestro (spesso il padre) insegnava al ragazzo a suonare la cetra, la recitazione melodica misurata e le regole della poesia. versificazione e gli trasmise un certo numero di canti composti dal maestro stesso o che gli erano pervenuti per tradizione. A Sparta, con il suo stile di vita e di stato paramilitare. supervisionare il progresso dell'istruzione, coro. il canto era considerato un aspetto necessario dell'educazione dei giovani, che periodicamente dovevano esibirsi in società e festività. Ad Atene, nel processo del cosiddetto. educazione musicale, i ragazzi hanno studiato tra gli altri. materie e musica, e l'insegnamento era strettamente connesso con l'assimilazione dei migliori esempi di greco. letteraria e didattica. poesia. Di solito, fino all'età di 14 anni, i ragazzi erano impegnati a suonare la cetra nelle scuole private a pagamento e padroneggiavano l'arte del citarismo. Un monocordo è stato utilizzato per perfezionare gli intervalli e le altezze. notevole influenza sulla musica. la formazione in Grecia è stata resa da musica ed estetica. e opinioni pedagogiche di Platone e Aristotele. Platone credeva che "l'educazione musicale" fosse disponibile per ogni giovane e che non dovesse e non potesse esserci la questione della musicalità o della non musicalità dello studente. Informazioni su M. di. nel dott. Roma è molto scarsa. T. perché Roma è diventata politica. centro nel II sec. AVANTI CRISTO. e., durante il periodo di massimo splendore dell'ellenismo. civiltà, poi la musica romana. cultura e, a quanto pare, il romano M. di. sviluppato sotto la ben nota influenza dell'ellenismo. La musica, tuttavia, è stata spesso considerata scientifica. disciplina, al di fuori dei suoi legami diretti con la vita, e questo non poteva che influenzare l'apprendimento. Buon compleanno lati, m. di.

Il lato etico dell'educazione musicale, che era in prima linea presso gli antichi greci, ricevette molta meno attenzione durante l'impero romano.

Negli anni della musica altomedievale e classica. la cultura è stata creata da figure che si collocavano a diversi livelli della gerarchia sociale: musicisti-teorici e musicisti-praticanti (cantori e strumentisti, in primis organisti) legati alla chiesa e alla musica di culto, trovatori, trovatori e menestrelli, avv. musicisti, bardi-narratori, montagne. strumentisti a fiato, vagabondi e goliardi, spielmans e menestrelli, ecc. Questi gruppi diversi, spesso antagonisti, di musicisti professionisti (oltre a nobili musicisti dilettanti, secondo le loro muse. preparazione, a volte non inferiore ai professionisti) padroneggiava conoscenze e abilità in diversi modi: alcuni – nel canto. scuole (cap. arr. presso monasteri e cattedrali), e a partire dal XIII secolo. e con alti stivali di pelliccia, altri – nelle condizioni delle muse. formazione in negozio e in pratica direttamente. trasmissione delle tradizioni dal maestro agli studenti. Nei monasteri, che nell'alto medioevo erano focolai dell'educazione greco-romana, si studiava, insieme al greco. e lat. lingue e aritmetica, musica. Coristi monastici e un po' più tardi della cattedrale. le scuole erano i fuochi del prof. M. o., e la maggior parte delle muse prominenti uscì dalle mura di queste scuole. figure di quel tempo. Uno dei cantanti più importanti. scuole era la “Schola Cantorum” presso la corte pontificia di Roma (fondazione ca. 600, riordinato nel 1484), che serviva da modello per la contabilità. stabilimenti simili. digitare le città di Zap. Europa (molti di loro hanno raggiunto un livello elevato, in particolare le scuole di Soissons e Metz). Metodi didattici del coro. il canto si basava sull'assimilazione dei canti a orecchio. L'insegnante usava i metodi della chironomia: il movimento della voce su e giù era indicato da movimenti condizionali della mano e delle dita. Per padroneggiare le informazioni teoriche esistevano speciali. tre. manuali scritti a mano, solitamente sotto forma di dialoghi tra un insegnante e uno studente (ad esempio, un libro. “Dialogue de musica” – “Dialoghi sulla musica”, attribuito a O. von Saint-Maur); erano spesso imparati a memoria. Per chiarezza sono state utilizzate figure e tabelle. Come nell'antichità, il monocordo serviva a spiegare gli intervalli tra i suoni. Metodi musicali. l'istruzione subì alcune modifiche dopo la riforma di Guido d'Arezzo (XI secolo), che costituì la base del moderno. scrittura musicale; ha introdotto un pentagramma di quattro righe, la designazione della lettera delle chiavi e nomi sillabici. passi del tasto a sei passi. Dal X sec. circa focus scuole monastiche cap. arr. nella pratica del canto rituale e perde interesse per la musica e la scienza. educazione. Anche se continuano a ricoprire una posizione di primo piano nella chiesa della musica per molti anni a venire. illuminazione, gradualmente iniziativa nel campo dello sviluppo delle muse. culture, in particolare o., va alle scuole cattedrali. Qui si delinea una tendenza sempre crescente (soprattutto nel XII secolo) a combinare teorico-musicale. formazione con la pratica, l'esecuzione e la composizione. Una delle principali istituzioni insegnanti di questo tipo è stata la scuola presso la cattedrale di Notre Dame (Parigi), che è servita da prototipo per futuri metris. In un cavallo. 12 trovi a Parigi sorse una "corporazione universitaria" di maestri e studenti, che gettò le basi per l'Università di Parigi (principale. 1215). In esso, presso la facoltà di arte, insieme allo sviluppo della musica sacra. la vita quotidiana è stata studiata nell'ambito delle “sette arti libere” e della musica. In accordo con le concezioni comuni in quegli anni in Europa, la massima attenzione è stata riservata all'aspetto scientifico e teorico. lato, considerato nello spirito del razionalismo teologico e astratto. Allo stesso tempo, i membri della corporazione universitaria, essendo a volte non solo musicisti teorici, ma anche professionisti (interpreti e compositori), erano in stretto contatto con la musica di tutti i giorni. Ciò ha influenzato anche la musica. apprendimento. Nei secoli 12-14. stivali di pelliccia alti, in cui si studiava la musica. scienza, sorse in altre città dell'Europa occidentale: a Cambridge (1129), Oxford (1163), Praga (1348), Cracovia (1364), Vienna (1365), Heidelberg (1386). In alcuni di essi, teorico-musicale. erano richiesti esami per la laurea triennale e magistrale. Il più grande insegnante-musicista universitario di quest'epoca era I. Muris, conoscenza delle opere di cui per molti anni è stata considerata obbligatoria in Europa. un-tah Per il Medioevo. M. di. era anche caratteristico: musica seria, per niente amatoriale. formazione, che spesso riceveva giovinezza cavalleresca, nelle scuole dei monasteri e cattoliche. templi, alle corti, così come nel processo di conoscenza durante i viaggi e le campagne con muse straniere. culture; formazione pratica degli strumentisti (cap. arr. trombettisti, trombonisti e violisti) nelle condizioni che si erano sviluppate nel XIII secolo. corporazioni artigianali di musicisti, dove la natura e la durata del lavoro con i futuri artisti erano determinate da regole speciali di laboratorio sviluppate nel corso dei decenni; formazione di musicisti strumentisti professionisti e organisti di cattedrali (i metodi di questi ultimi furono generalizzati nel XV secolo.

Nel Rinascimento, le principali muse. figure si oppongono alla scolastica nella teoria musicale e nella musica. apprendimento, vedere il significato delle lezioni di musica nella pratica. fare musica (nel comporre musica e nell'esecuzione), tenta di armonizzare teoria e pratica nell'assimilazione delle muse. la conoscenza e l'acquisizione di abilità, ricercano nella musica stessa e nella musica. imparare la capacità di combinare l'estetica. e inizio etico (principio mutuato dall'estetica antica). A proposito di questa linea generale di muse. La pedagogia è anche evidenziata dall'orientamento pratico di alcuni uch. libri pubblicati in con. 15 – implorare. XVI secolo (oltre al trattato menzionato Pauman), – le opere dei francesi. scienziato N. Vollik (insieme al suo insegnante M. Schanpecher), tedesco – I. Kohleus, che ha resistito a numerose edizioni, svizzero – G. Glarean, ecc.

Lo sviluppo di M. di. A ciò contribuirono il sistema di notazione musicale relativamente accurata e allo stesso tempo flessibile, che si formò nel Rinascimento, e l'inizio della notazione musicale. Musica riformata. scrittura e pubblicazione a stampa di musica. dischi e libri con esempi musicali creavano i presupposti che facilitavano notevolmente le muse. insegnamento e trasmissione della musica. esperienza di generazione in generazione. Sforzi musicali. la pedagogia mirava alla formazione di un nuovo tipo di musicista, guadagnando gradualmente una posizione di primo piano nella musica. cultura, – un musicista pratico istruito, che è migliorato nel coro fin dall'infanzia. cantare, suonare l'organo, ecc. strumenti per il ghiaccio (in continuo aumento, soprattutto a partire dal XVI secolo, il valore di instr. la musica ha influenzato l'apprendimento), nella musica. teoria e arte-ve per comporre musica e to-ry in seguito ha continuato a impegnarsi in una varietà di prof. attività del ghiaccio. Stretta specializzazione in moderno. capire, di regola, non lo era: un musicista, per necessità, doveva potersi muovere da un tipo di attività all'altra, e il mestiere di comporre musica e improvvisare negli anni in cui comporre non era autonomo. professione, tutti ricevono M. di. La formazione di un nuovo tipo di musicista di ampio profilo ha portato all'emergere di scuole di musica. abilità, allo stesso tempo queste stesse scuole guidate da mezzi. personalità del ghiaccio hanno contribuito alla formazione di musicisti professionisti. Queste singole scuole, ospitate in diversi periodi storici e in diversi paesi, sono diverse. forme organizzative, solitamente create in grandi centri, dove c'erano le condizioni per la formazione e la pratica. attività di giovani musicisti. In alcune scuole, l'enfasi era sull'enciclopedia. formazione e pratica di scrittura del teorico musicale, in altri (soprattutto nel 18° secolo) – sulle arti performative (tra i cantanti, ad esempio, e nella formazione di abilità virtuosistiche). Tra i musicisti di spicco che hanno fondato queste scuole ci sono alcuni nomi di G. Dufai, X. Isaka, Orlando Lasso, A. Willart e J. Tsarlino (XV-XVI secolo) a J. B. Martini, F. E. Bah, N. Porpora e J. Tartini (XVIII sec.). Scuole di musica. professionalità sono state create in stretta connessione con l'una o l'altra nat. cultura del ghiaccio, tuttavia, l'impatto di questi nazionali. scuole di pedagogia musicale dr. paesi è stato molto significativo. Abbastanza spesso attività, ad esempio niderl. gli insegnanti hanno proceduto in Germania, tedesco – in Francia, e francese., Niderl. o esso. giovani musicisti hanno completato M. di. in Italia o Svizzera, ecc. di. i risultati delle singole scuole sono diventati paneuropei. beni comuni. Organizzazione musicale. l'apprendimento ha avuto luogo in varie forme. Uno dei più importanti (soprattutto in Francia e nei Paesi Bassi) è la metriza. In questa scuola di cantanti sotto i templi cattolici sistematicamente. insegnamento della musica ai ragazzi (canto, organo, teoria) e allo stesso tempo. le materie di educazione generale venivano somministrate fin dalla tenera età. Indica il numero dei più grandi maestri polifonici dei secoli XV-XVII. ricevuto M. di. in metriza, che esisteva fino ai Grandi Francesi. rivoluzione (solo in Francia era allora ca. 400 metri). Scuole di tipo simile esistevano anche in altri paesi (ad esempio, la scuola della Cattedrale di Siviglia). In Italia, dagli orfanotrofi (conservatorio), dove venivano portati ragazzi (Napoli) e ragazze (Venezia) musicalmente dotati, nel XVI secolo. c'erano ghiaccio speciale tre. stabilimenti (vedi Conservatorio). Oltre agli orfanotrofi “di orientamento musicale” in Italia ne sono stati creati altri. scuole di musica. Eccezionali maestri insegnati in alcuni conservatori e scuole (A. Scarlatti, A. Vivaldi e altri). A 18 pollici Di fama tutta europea godette l'Accademia Filarmonica di Bologna (cfr. Accademia Filarmonica di Bologna), membro e vero capo dello sciame fu J. B. Martini. Musica. l'allenamento è continuato con stivali di pelliccia alti; Tuttavia, in diversi paesi è stato effettuato in modi diversi. Caratteristica è una tendenza generale: l'insegnamento della musica nei secoli XV-XVI. a poco a poco si affranca dalla scolastica, e la musica comincia ad essere studiata non solo come scienza, ma anche come arte. Così il docente universitario G. Nelle sue lezioni e nei suoi scritti, Glare-an considerava la musica sia come una scienza che come un'arte. pratica Nel 17 ° secolo, quando lo studio della musica. teorie in gran parte d'Europa. stivali di pelliccia alti tendevano a diminuire (interesse per la musica e la scienza. le discipline cominciarono a rinascere solo a metà. 18° secolo), in Inghilterra le tradizioni della vecchia teoria musicale. l'apprendimento è stato preservato. Tuttavia, il ruolo della musica nei circoli umanistici e con l'inglese. Il cantiere era molto significativo, quindi le università di Oxford e Cambridge hanno cercato di preparare professionisti e dilettanti che non solo conoscessero la teoria musicale, ma avessero anche abilità pratiche. abilità (insieme al canto, gli studenti hanno imparato a suonare il liuto, la viola e il virginale). In alcune città della Germania, la musica. formazione presso l'università “artistica. f-tov ”si è spostato in collegi privati ​​organizzati all'interno delle facoltà. Quindi, a Colonia all'inizio. 16 trovi c'erano quattro di queste società, indipendenti l'una dall'altra, ma che riferivano a un leader. Musica. la formazione era organizzata anche nelle cappelle (presso corti secolari o spirituali), dove l'avv. Kapellmeister – musicista spesso autorevole – insegnava musica a giovani strumentisti, futuri partecipanti alla corte. ensemble, così come i bambini di famiglie nobili. Ottenere generale, e talvolta speciale. M. di. ha anche contribuito ad alcune organizzazioni che non hanno perseguito uch. obiettivi, ad es. Comunità amatoriali tedesche di maestri di canto (meistersingers), i cui membri obbediscono a tradizioni rigorosamente regolamentate. regole e consegna per un numero di anni speciale. prove, scalarono progressivamente la “scala dei titoli” da “cantante” a “scrittore di testi” e, infine, a “maestro”. Un tipo di musica leggermente diverso. “fratellanza” (cant. e instr.) erano disponibili anche in altri. Europa. paesi. Il generale M. o., capriolo a partire dal XVI secolo circa. più nettamente separato da quello speciale, è stato svolto in diversi tipi di scuole secondarie Ch. arr. cantori responsabili della chiesa scolastica. music. A 17 pollici nei paesi protestanti (M. Lutero e altri rappresentanti della Riforma attribuivano grande etica. significato per l'ampio M. o.) i cantori, oltre all'insegnamento delle materie scolastiche, insegnavano anche il canto e guidavano il coro della scuola, che svolgeva alcuni compiti nella chiesa. e montagne. vita. In alcune scuole i cantori guidavano anche l'istr. classi, offrendo l'opportunità di suonare musica per bambini e adolescenti che, per un motivo o per l'altro, non sapevano cantare. Tuttavia, di norma, il percorso verso lo strumento passava poi attraverso il canto. In connessione con la maggiore attenzione alle scienze naturali e alla matematica, nonché all'influenza del razionalismo, ecc. fattori nel 18° secolo. il significato e il volume della musica. classi in lat. le scuole sono diminuite (con poche eccezioni, come nella Thomasschule di Lipsia). Se i cantori negli anni precedenti avevano ricevuto una formazione universitaria, erano ampiamente informati nel campo delle discipline umanistiche e avevano spesso il titolo di bachelor o master, allora nel 2° jol. 18 trovi si trasformarono in insegnanti di musica scolastica, la cui formazione si limitava al seminario degli insegnanti. Sulla musica. l'istruzione è stata seriamente influenzata da pensatori eccezionali: il ceco J. A. Comenius (XVII secolo) e il francese J. G. Rousseau (XVIII secolo). Uh. i manuali, pubblicati nei secoli XVI-XVIII, riflettevano lo stato delle muse. pedagogia, ha contribuito allo sviluppo di generali e speciali. M. di. e ha contribuito a far conoscere ai musicisti di un paese le conquiste musicali e pedagogiche di un altro. Trattati del XVI e XVII secolo (Tommaso di Santa Maria, 16; J. Diruta, 1 ora, 1593, con numerose ristampe successive, 2 ore, 1609; Spiridion, 1670) furono dedicati. ch. arr. suonare gli strumenti a tastiera e la teoria della composizione musicale. Indica il numero dei più interessanti e ha resistito alla prova del tempo uch. pubblicazioni, come a riassumere e consolidare i risultati di instr., wok. e teorico musicale. educazione, fu pubblicato nel 18° secolo: il libro di I. Mattheson "The Perfect Kapellmeister" ("Der vollkommene Capelmeister ...", 1739), coprendo in modo completo la musica. pratica del suo tempo, uch. manuali di basso generale e teoria della composizione di F. A. Marpurga – “Trattato sulla Fuga” (“Abhandlung von der Fuge”, TI 1-2, 1753-1754); “Guida al basso generale e alla composizione” (“Handbuch bey dem Generalbasse und Composition”, Tl 1-3, 1755-58), opere di I. E. Fuchs “Passo al Parnaso” (“Gradus ad Parnassum…”, 1725, in lat. lang., poi pubblicato in tedesco, italiano, francese. e inglese. lang.) e J. B. Martini “Esempio o fondamentale esperienza pratica del contrappunto” (“Esemplare o sia saggio fondamentale pratico di contrappunto …”, pt. 1-2, 1774-75); trattati e scuole, in cui DOS. l'attenzione è rivolta all'apprendimento della musica. strumenti, m. Saint-Lambert "Esibizione al clavicembalo" ("Principes de Clavecin", 1702), P. Couperin "L'arte di suonare il clavicembalo" ("L'art de toucher le Clavecin", 1717), P. E. Bach “Un'esperienza nel modo corretto di suonare il clavicembalo” (“Versuch über die wahre Art, das Ciavier zu spielen”, Tl 1-2, 1753-62), I. E. Quantz “Esperienza nella gestione dell'esecuzione del flauto traverso” (“Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen”, 1752, con successive ristampe. in tedesco, francese e più yaz.), L. “L'esperienza di una solida scuola di violino” di Mozart (“Versuch einer gründlichen Violinschule”, 1756, con successive ristampe); lavoro wok. pedagogia p. F. Tosi “Discorsi su vecchi e nuovi cantori” (“Opinioni de'cantori antichi e moderni”, 1723, tradotti con integrazioni. sì. E. F. Agricola, 1757, così come su altri. Europa. scrivere.). A 18 pollici è stata creata una vasta letteratura musicale, in cui gli autori hanno deliberatamente assegnato compiti educativi e pedagogici – dalle scuole originali per violino, violoncello, viola, arpa, flauto, fagotto, oboe, clavicembalo e canto M. Correta (1730-82) a capolavori come gli “Essercizi” (detti sonate) di D. Scarlatti, invenzioni e sinfonie I.

Ottimo francese. La rivoluzione segnò una svolta nella storia della cultura musicale e, in particolare, in M. di. La creazione del Conservatorio di Parigi è direttamente collegata a questo evento. Circa. 18 trovi M. di. si forma sotto l'influenza di nuovi fattori e subisce gli esseri. cambiamenti, sebbene alcune antiche tradizioni pedagogiche e metodi di insegnamento rimangano invariati per decenni. Democratizzazione del teatro musicale. e conc. vita, l'emergere di nuovi teatri d'opera, la creazione di una nuova orchestra. collettivi, fiorente istr. musica e virtuosismo, l'ampio sviluppo della musica casalinga e tutti i tipi di cantanti. società, un po' più di preoccupazione nel dipartimento. paesi sull'insegnamento della musica al liceo: tutto ciò richiedeva più muse. figure (interpreti e insegnanti), oltre a concentrarsi sul miglioramento in una particolare specialità ristretta. Fondamentalmente il più significativo in questa specializzazione è stato che la formazione delle arti dello spettacolo come interprete e virtuoso, oltre che amatoriale, era separata dalla formazione della composizione e dell'improvvisazione e dalla formazione di un musicista teorico, anche se in misura leggermente inferiore misura, era separato dalla formazione di un compositore. La specializzazione in un campo di un tipo o dell'altro si esibirà. art-va, oltre ai requisiti di virtuosismo dell'interprete, to-rye ha presentato le muse. letteratura, ha portato alla creazione di un nuovo tipo di account. indennità – bozzetti destinati Ch. arr. per lo sviluppo di istr. tecnica (schizzi di M. Clementi, I. Cramer, K. Cherny e altri. per pp.; R. Kreuzer, J. Mazasa, Sh. Berio e altri. per violino, ecc.). Anche l'educazione musicale è stata influenzata dal cambiamento sempre crescente e qualitativo rispetto al 18° secolo. il ruolo delle varie istituzioni educative – private, cittadine e statali. Dopo quello di Parigi, uno dopo l'altro, vengono aperti conservatori o simili. istituzioni (accademie, scuole superiori di musica, collegi) a pl. paesi d'Europa. Questi uch. le istituzioni erano molto diverse non solo in termini di qualifiche pedagogiche. composizione, ma anche in base ai compiti loro assegnati. Molti di loro hanno insegnato a professionisti e dilettanti, bambini, adolescenti e adulti, studenti di diversi livelli di sviluppo e formazione. L'obiettivo della maggior parte dei conservatori era quello di esibirsi. art-in, in alcuni-ryh sono stati formati anche insegnanti per scuole e muse. educazione familiare. A 19 pollici orlare. i conservatori, ad eccezione del parigino, non hanno suonato in modo significativo. ruolo nella formazione dei compositori. I metodi di insegnamento dei musicisti al conservatorio erano diversi. Quindi, in Francia, a differenza di altri paesi, dall'inizio 19 in. la base per la formazione di musicisti di varie specialità (in tutte le fasi della formazione) era il corso di solfeggio e dettatura musicale. Un posto importante in questo paese era occupato da un sistema di concorsi. Nel 2° tempo. 19 trovi da molti sulla stampa Da anni ci sono controversie tra i sostenitori dell'educazione al conservatorio ei loro oppositori, che preferivano la formazione di musicisti al di fuori di quella accademica. stabilimenti. I critici del sistema educativo conservatore (tra loro c'era R. Wagner) riteneva che la vasta formazione di musicisti professionisti ostacolasse la formazione dell'arte. individualità dei più dotati. Difensori dei conservatori (nei primi anni 20 in. le loro argomentazioni furono riassunte da G. Krechmar), concordando con alcune osservazioni private dei suoi oppositori (che scrissero sullo studio formale-scolastico della teoria musicale. discipline e la loro separazione dalla pratica, la ristrettezza e unilateralità del repertorio oggetto di studio, la perdita in altri casi da parte di persone dotate di forza e di tempo nel corso di una formazione congiunta con studenti mediocri), allo stesso tempo indicavano il decisivo vantaggi della formazione di musicisti nel campo dell'insegnamento. istituzioni: 1) l'opportunità di combinare classi nella specialità con lo studio di ulteriori. discipline del ghiaccio (solfeggio, armonia, analisi delle forme, storia della musica, obbligatorie per tutti i FP. ecc.) e pratico. suonare musica in un'orchestra, ensemble, coro e talvolta opera; 2) il ruolo stimolante dei singoli esempi vividi e della competizione nel processo di studio in gruppo; 3) maggiore disponibilità di M. di. per una fascia relativamente ampia di persone. Come prima, nello sviluppo di M. di. Un ruolo di eccezionale importanza è stato svolto dalle scuole di eccellenza guidate da grandi insegnanti o da musicisti creativi (indipendentemente dal fatto che queste scuole siano state create negli stabilimenti o all'esterno). Si possono distinguere quelli pianistici (ad esempio, M. Clementi, K. Cherni, F. Chopin, F. Elenco, A. F. Marmonte, L. Dimera, T. Leshetitsky, L. Godovsky e altri), violino (ad esempio, A. Violana, Y. Gioacchino, R. Kreutzer), direttori d'orchestra (R. Wagner, G. Malera) e altri. scuole. A 19 pollici Le università hanno sviluppato due sistemi alquanto diversi di M. o., sostanzialmente conservata nel XX secolo. In alcuni paesi (Germania, Austria, Svizzera, ecc.), gli stivali di pelliccia alta sono diventati centri solo per la teoria musicale. formazione scolastica; la pratica musicale (cori di studenti, orchestre, ensemble) era qui di natura amatoriale, a volte, tuttavia, raggiungendo un livello relativamente alto. Riassumendo la discussione su M. di. con stivali alti di pelliccia, G. Krechmar nel 1903 lo scrisse per studiare al non-quelli pratici. disciplina sarebbe illogica come insegnare la grammatica elementare e il disegno all'università, e che i candidati all'università dovrebbero essere musicisti praticamente ben formati e passare qui solo la musicologia fondamentale. ed estetista generale. discipline. In altri paesi (prima in Gran Bretagna, poi negli USA, ecc.), dove la formazione dei musicologi avveniva anche con stivali alti di pelliccia, studenti insieme a musicologi. discipline musicali padroneggiate.

Nei moderni paesi capitalisti e in via di sviluppo, il sistema di M. about., generale e speciale, è molto diverso. Nella maggior parte dei paesi, solo qualche musica speciale uch. le istituzioni sono finanziate dallo stato, mentre la maggior parte di esse è gestita da privati ​​e società. organizzazioni; significa. numero di scuole muse non hanno un profilo chiaro, e spesso tengono lezioni con professionisti e dilettanti, con bambini e adulti; tassa di iscrizione a pl. uch. istituzioni è relativamente alto e solo fondi di borse di studio privati ​​consentono di ricevere M. o. studenti dotati provenienti da famiglie a basso reddito.

Nel Regno Unito, lezioni di musica nell'istruzione generale. le scuole dei primi due ordini (scuola dell'infanzia e dell'infanzia) sono concentrate Ch. arr. sul canto. Allo stesso tempo, lo sviluppo dell'udito si basa molto spesso sul metodo "tonic-sol-fa" di J. Curwen. I cori delle scuole unite eseguono spesso un repertorio piuttosto complesso, dalle opere di Palestrina all'op. R. Vaughan Williams. Negli anni '1970 su iniziativa della famiglia Dolmech, che promosse il block-fly e ne organizzò la produzione in Gran Bretagna, e poi in altri paesi dell'Europa occidentale. Paesi; questo strumento insieme a percussioni melodiche. gli strumenti (la sede di K. Orff) occuparono un posto importante nella musica della scuola. apprendimento. Studenti di diversi livelli di istruzione generale. le scuole (anche secondarie) possono, se lo desiderano, prendere lezioni di pianoforte da insegnanti privati. o orco. Strumenti. Le orchestre scolastiche e gli ensemble sono costituiti da questi studenti. In un certo numero di contee ci sono muse della terra. scuole, in molte città di musica giovanile privata. scuole (Scuola di Musica Juniores). Gli alunni di scuole di vario genere (così come gli insegnanti privati) hanno l'opportunità di mostrare le loro muse. competenze in organizzazioni speciali (Certificato Generale di Educazione, Consiglio Associato delle Scuole Reali di Musica, ecc.). Dopodiché, la questione è decisa se continuare gli studi in musica. scuole di livello superiore (collegi musicali, conservatori, accademie) o con stivali di pelliccia alta. Le scuole per musicisti più famose si trovano a Londra (King Academy of Music and Dramatic Arts, King College of Music, King College for Organists), Manchester (King Manchester College of Music) e Glasgow (King Scottish Academy of Music). Nelle grandi città dove ci sono stivali di pelliccia alti e muse. collegi, spesso viene redatto un piano comune del loro lavoro, volto non solo alla formazione di musicologi, ma anche di musicisti praticanti, incl. insegnanti. In Italia, l'istruzione generale. le scuole prestano poca attenzione alla musica. Qui, oltre a privato e chiesa. scuole di musica, ci sono statali. conservatori e montagne. licei musicali (i programmi didattici di questi ultimi differiscono poco da quelli del conservatorio). Per essere ammessi alle prove finali, gli studenti dei conservatori in tutto il conto. corso deve superare gli esami per i livelli inferiore e superiore. Per compositori, organisti, pianisti, violinisti e violoncellisti uch. il corso dura 10 anni. Al Conservatorio “Santa Cecilia” (Roma), per compositori e strumentisti diplomati in uno dei conservatori, sono stati istituiti corsi di musica superiore. qualificazione. A Siena, presso l'Accademia di Chidzhana (gestita da un ente pubblico internazionale), si tengono, come in molte altre. più alto uch. istituzioni di altri paesi europei, seminari estivi per migliorare le competenze dei musicisti (le classi sono guidate da insegnanti di diversi paesi).

In Francia, dal 1946, la musica ha occupato un posto crescente nel curriculum. programmi di educazione generale. scuole. La formazione è condotta secondo un unico stato. programma, in cui viene prestata molta attenzione allo sviluppo dell'udito e alla produzione della voce. Nella musica di stato e privata. scuole, e anche nei conservatori M. circa. ricevuto da dilettanti e professionisti; significa. alcuni degli studenti sono bambini. Oltre al Conservatorio di Parigi, nella capitale ci sono anche autorevoli istituti di istruzione superiore privati. istituzioni. Le più grandi sono: “Ecole de Músique de classical religios” (fondata nel 1853 da L. Niedermeyer), “Schola Cantorum” (fondata nel 1894 da A. Gilman e V. d'Andy), “Ecole Normale de Músique” (fondata da L. Niedermeyer). nel 1919 A. Cortot e A. Manzho). È caratteristico che in Francia, dove nell'organizzazione della formazione speciale. musica Nelle scuole il sistema competitivo gioca un ruolo importante; Gli insegnanti di musica per i licei sono selezionati anche per il concorso, che consiste nella verifica della musica. e le conoscenze e abilità pedagogiche del candidato. La formazione degli insegnanti di musica della più alta qualificazione (per le scuole secondarie di istruzione generale) si svolge a Parigi presso il Lyceum. J. La Fontaine, dove speciali corsi triennali.

In Germania non esiste una gestione centralizzata delle questioni culturali, e quindi la formulazione dell'istruzione negli stati federali è alquanto peculiare. In generale l'educazione musicale è obbligatoria nelle scuole. Corale, così come bambini e cuccette. le scuole di musica si prefiggono l'obiettivo di dare un M. o. In alcune di queste scuole, imparare a suonare la musica. strumenti secondo un programma speciale inizia all'età di 4 anni. Per bambini dotati al dep. le scuole di educazione generale sono aperte alla musica. classi, e in alcune città stabilite speciali. scuole di musica. Gor. e le scuole di musica private sono unite nelle società FRG. organizzazione – l'Unione dei tedeschi. scuole di musica, to-ry dal 1969 hanno iniziato a sviluppare programmi di formazione per tutte le muse. specialità. I compiti del prof. l'istruzione è decisa da conservatori (di norma, istituti di istruzione musicale secondaria), scuole superiori di musica. causa, musica. accademie e un-you (qui studiano i principali musicologi arr.).

L. Barenboim

Negli USA origine M. circa. associato all'emergere di numerose scuole di cantori del XVIII secolo che si preparavano per il coro. cantare nelle chiese e nella religione. riunioni; gli insegnanti di solito non erano musicisti professionisti, ma sacerdoti che usavano l'esperienza dell'inglese. cantando in chiesa. Nel 18 apparvero i primi manuali per tali scuole; i loro autori furono il prete J. Tufts e T. Walter. con attività religiose. la comunità dei Fratelli Moravi (l'insediamento di Betlemme, presso Filadelfia, 1721) è associata alla prima esperienza di M. o. regolare.

All'inizio 19 in. iniziò a svilupparsi la pratica delle lezioni private. Nel 1830 amer. illuminista L. Mason ha insistito per l'introduzione dell'obbligatorio. lezioni di musica nel curriculum scolastico. L'assenza di muse superiori. tre. istituzioni e l'incapacità di migliorare in casa hanno costretto molti. amaro. musicisti a studiare in Europa (cap. arr. in Francia e Germania). Successivamente a Oberlin (Ohio) è stata fondata mus. collegio (1835), nello stesso luogo – il conservatorio (1865), nel 1857 – Mus. Accademia di Filadelfia, nel 1862 – musica. piedi dell'Harvard College, nel 1867 - New England. conservatorio di Boston, Mus. college di Chicago e il Conservatorio di Cincinnati, nel 1868 – il Peabody Institute di Baltimora, nel 1885 – Nat. conservatorio di New York, nel 1886 – Amer. conservatorio di Chicago, nel 1896 – musica. Facoltà della Columbia University. Molte di queste istituzioni muse sono state create a spese dei mecenati. Nel 1876, l'Associazione Nazionale Insegnanti di Musica (MTNA). Alla cornice di M. di. forte influenza è stata esercitata dal tradizionale europeo. sistema educativo (il Conservatorio di Parigi è diventato il prototipo di molti conservatori statunitensi, ac. i manuali erano usati principalmente in tedesco). Immigrati da paesi europei in con. 19 – implorare. 20 cc diedero slancio allo sviluppo di Amer. eseguire. scuole, es perché molti dei musicisti virtuosi che arrivarono presero l'insegnamento. lavoro (I. Vengerova, I. Levi, E. Zimbalist e altri); sono stati creati nuovi account. istituzioni. Di particolare rilievo fu l'attività delle Muse Juilliard. scuole di New York nel 1926), la Eastman School of Music di Rochester (1921), il Curtis Institute di Philadelphia (1924), il San Francisco Conservatory. Le muse iniziarono ad acquisire sempre più importanza. f-tu agli stivali di pelliccia alti. Negli anni '1930 in connessione con la diffusione del fascismo in diversi paesi europei, molti emigrarono negli Stati Uniti. musicisti eccezionali che hanno collegato le loro attività con l'Amer. un-tami (P. Hindemith - con la Yale University, A. Schoenberg – con la California a Los Angeles, P. G. Lang – con Columbia, ecc.). Se i primi stivali di pelliccia alta negli Stati Uniti erano limitati alla formazione degli insegnanti (interpreti e compositori di solito ricevevano un'istruzione in conservatorio), nel tempo hanno iniziato a formare personale creativo e musicologi per condurre ricerche musicali. Nuove tendenze sono state sviluppate nelle università del sud. California e Indiana, e negli anni '1950 e '60. sono diventati un fenomeno tipico per la maggior parte delle università statunitensi. Negli anni '50 iniziò a sentire una forte carenza di insegnanti. cornici. Su suggerimento del comp. N. La Fondazione Dello Gioio Ford ha ideato il Progetto del moderno. musica, secondo Krom, i giovani compositori avrebbero guidato il processo di M. di. nelle scuole, il che renderebbe l'apprendimento più creativo. natura. Negli anni 60-70. il principio della sperimentazione nella messa in scena musicale. tre. processo è diventato diverso. tratto dell'Amer. M. di. Include l'uso di Z. Kodaya, K. Orfa, T. Suzuki, oltre alle esperienze con computer e sintetizzatori sonori, la creazione di un insegnamento jazz superiore. stabilimenti (Boston, ecc.). Negli anni '70. musica per la scuola dell'infanzia e dell'infanzia. l'istruzione negli Stati Uniti si basa sull'uso del principio del gioco di apprendimento, che include il canto, il ritmo. esercizi, dimestichezza con la notazione musicale, ascolto di musica. Al liceo (college) le lezioni di musica di solito includono suonare strumenti; coro comune. ensemble, gruppi di fiati e jazz, sinfonia. orchestre. mn. Le università attirano artisti altamente professionali al lavoro. ensemble, nonché compositori sotto contratto per un anno o più. tre.

In Canada, M. o. ha molto in comune con M. o. Negli USA. Tra le musiche speciali uch. le istituzioni più grandi sono l'Accademia di musica del Quebec (fondata nel 1868), il Conservatorio canadese di Toronto (1870), il conservatorio di Montreal (1876), Toronto (1886) e Halifax (1887). I migliori educatori sono focalizzati sulla musica. stivali di pelliccia alta di Toronto, Montreal, ecc. Molti degli stivali di pelliccia alta hanno un coro. e gruppi da camera, e alcuni – sinfonici. orchestre.

In Australia, nella prima metà sono state create scuole di musica del tipo più semplice. 1 ° secolo Più tardi c'erano le muse. college di Adelaide (fondazione nel 19; trasformato in conservatorio), musica. una scuola a Melbourne (poi Conservatorio N. Melba), un conservatorio a Sydney (fondato nel 1883), nel New South. Wells e altri. All'inizio. Creata musica del 1914° secolo. f-tu con stivali di pelliccia alti di Melbourne, Sydney, Adelaide. Da con. Gli anni '20 nei programmi di account iniziarono ad essere introdotti moderni. musica, nuovi principi e metodi di insegnamento cominciarono ad essere applicati. Il ruolo principale in questo movimento appartiene alle Muse di Canberra. scuola, principale nel 1960, secondo il tipo di Amer. Scuola Julliard. Gli studenti estivi hanno iniziato a funzionare. campi (dalla metà degli anni '1965; Melbourne, Adelaide), in cui si tenevano lezioni di musica, si tenevano concerti e si tenevano incontri con musicisti di spicco. L'attività delle Muse Australiane è di grande importanza. commissione d'esame che conduce prove annuali di teoria. soggetti e strumenti da gioco al fine di esaltare le muse complessive. livello. Nel 1960 è stata creata l'Associazione delle regioni di Mosca.

Nei paesi del lat. America M. o. sviluppato più o meno allo stesso modo: dalla pratica privata e dalle muse primitive. scuole all'organizzazione della musica. collegi, conservatori e muse. f-tov a stivali alti di pelliccia, e in un primo momento fu copiato europeo. sistema e solo negli anni '1950. cominciarono ad emergere forme nazionali. Musicisti dei paesi del Lat. Gli americani che hanno studiato in precedenza in Europa e negli Stati Uniti scelgono sempre di più di studiare nel proprio paese. I paesi leader nel campo della dichiarazione M. circa. — Argentina, Brasile, Messico.

In Argentina, il primo musical uch. istituzione (Accademia di Musica) fu aperta nel 1822 a Buenos Aires, su iniziativa del comp. A. Williams, qui fu creato un conservatorio (1893, in seguito intitolato anche ad A. Williams). Più tardi a Buenos Aires – musica. centro di lat. America, furono fondati altri due conservatori: il National intitolato a CL Buchardo (1924) e il Municipal intitolato a M. de Falla. È nata tutta la musica R. 60-70. uch. istituzioni a Cordoba (gruppo sperimentale della Scuola di Belle Arti, 1966), Scuola Superiore di Musica a Mendoza, musica. f-tu al Cattolico. le università di Buenos Aires e le università di La Plata, Higher Music. in-t presso l'Università del Litoral di Rosario e altri. Un evento importante è stata la creazione di Lat.-Amer. centro della musica superiore. ricerche presso Ying-quelli T. Di Tellya (1965). L'attività di Argent è di grande importanza. Società degli insegnanti di musica (fondata nel 1964).

In Brasile, il primo musical uch. istituzione – Re. conservatorio di Rio de Janeiro (1841, dal 1937 – Scuola Nazionale di Musica). Un grande contributo allo sviluppo di M. circa. ha presentato Komi. E. Vila Lobos, che ha fondato un certo numero di muse. scuole, nonché il Conservatorio nazionale del coro. canto (1942, principalmente per scopi pedagogici), poi Vraz. accademia musicale. OL Fernandis (1945, Rio de Janeiro). Alla musica più importante uch. Anche le istituzioni brasiliane possiedono Braz. il conservatorio di Rio de Janeiro (fondato nel 1940), il Conservatorio di teatro e musica di San Paolo (fondato nel 1909). Negli anni '1960 c'erano nuove forme sperimentali di M. about.: Svobodny mus. seminario presso l'Università di Bahia, Corsi estivi a Teresopolis (vicino a Rio de Janeiro), Mus. Seminario Pro Arte (Rio de Janeiro); musica organizzata. scuole a Recife, Porto Alegre, Belo Horizonte, ecc.

In Messico, i centri del M. o. superiore. sono Mex. nat. conservatorio e musica. un-ta school a Città del Messico, così come la musica. sede dell'Istituto Nazionale di Belle Arti (Città del Messico), Conservatorio di Guadalajara, ecc.

Praticamente in tutti i paesi Lat. L'America ha le muse più alte. uch. istituzioni (conservatori o musica. F-you high fur boots), to-rye differiscono principalmente nel livello di impostazione del conto. processo, piuttosto che programmi e metodi di insegnamento.

OK. ser. Iniziò la penetrazione europea del XIX secolo. forme M. o. nei paesi asiatici e africani. Il concetto eurocentrico, secondo il quale la maggioranza dei non europei. civiltà riconosciute come sottosviluppate o addirittura primitive, quasi completamente negate nat. valori culturali. Missionari e poi Cristo. le organizzazioni religiose hanno abituato gli africani al cattolico. o chiesa protestante. cantando. L'amministrazione coloniale ha piantato nelle scuole europee. sistema educativo, incl. e musicale. Successivamente, molti musicisti di talento provenienti da paesi asiatici e africani iniziarono a studiare in Gran Bretagna (Trinity College, dove ricevettero la loro educazione molti compositori dell'Africa occidentale), Francia, Germania e Stati Uniti. A casa coltivavano l'Europa occidentale. musica e principi didattici. T. o., musica. l'alfabetizzazione e la professionalità in quanto tali si sono avvicinate all'Europa occidentale. la musica educa. qualificazione. Tendenze positive in M. circa. connesso, da un lato, con l'illuminazione. attività del dipartimento importanti musicisti europei in Asia e Africa (ad esempio, A. Schweitzer), d'altra parte, con i tentativi di figure nazionali. culture per trovare un compromesso accettabile tra l'Oriente. e app. sistemi (esperimenti di R. Tagore in Shantiniketon).

La rinascita culturale nella maggior parte dei paesi dell'Asia e dell'Africa ha suscitato un profondo interesse per le tradizioni. forme di contenzioso nazionale. Sorsero molti problemi difficili: annotare nar. musica o coltivarla nella tradizione orale, preservare immutato il folklore o svilupparlo, utilizzare l'Europa occidentale. sperimentarlo o non applicarlo. Una rete di muse sta già prendendo forma in molti paesi. istituzioni, programmi di formazione sono in fase di sviluppo e ci sono specialisti qualificati.

In Giappone, il processo di costruzione delle muse. in tov moderno. il tipo è iniziato prima che in altri paesi dell'Asia e dell'Africa - all'inizio. 19° secolo Nel 1879 il governo giapponese per l'organizzazione del M. circa. Amer. è stato invitato nelle scuole del paese. musicista-educatore LW Mason (ha lavorato lì per tre anni; la pratica musicale scolastica in Giappone ha mantenuto per molto tempo il nome di "canzoni di Mason"). Dal Ser. I programmi scolastici degli anni '1970 sono sviluppati e supervisionati dal Ministero dell'Istruzione. Grande valore in M. per bambini circa. aveva il metodo di T. Suzuki, associato allo sviluppo delle capacità uditive attraverso il violino. Giochi. Tra le istituzioni superiori del Giappone spiccano: un-you art a Tokyo (ex Academic School of Music) e Osaka, Mus. Tentsokugakuan Academy (dal 1967), musica. Kiusu University School, Chiba, Toyo College.

In India i centri M. circa. divenne l'Accademia di musica, danza e teatro ("Sangeet Natak Academy", 1953) a Delhi con sedi in molte altre. stati del paese, musica. College “Carnatic” a Madras, Università di Gandharva a Bombay, Accademia di Musica a Thiruvananthapuram, musica. università a Mysore, Varanasi (Benares), Delhi, Patna, Calcutta, Madras e altre città. I migliori maestri dell'ind. sono coinvolti nell'insegnamento. musica – ustadi che prima agivano in isolamento e non avevano le condizioni necessarie per una sistematica. insegnare ai giovani (suonare il sitar e il vino, l'arte del ragi, l'improvvisazione, ecc.). I programmi di formazione coprono l'intera varietà di ind. musica, e riflettono anche la sua connessione con altre arti (danza, teatro). Zap. I sistemi di M. circa. L'India non ha ricevuto molto sviluppo.

Significa. il sistema di M. circa ha subito trasformazioni. scuole primarie, secondarie e superiori in arabo. Paesi. Al Cairo, in Egitto, nel 1959 è stato fondato un conservatorio con attività teoriche ed esecutive. f-tami; Dal 1971 è operativa l'Accademia degli Schiavi. musica (già Scuola di Musica Orientale, poi, dal 1929, Istituto di Musica Araba), dove si studia la musica tradizionale. musica e gioco su nat. Strumenti. Lo sviluppo di M. circa. nelle scuole ha contribuito all'educazione pedagogica. personale (Ist. per la formazione degli insegnanti di musica a Zamalek, Cairo). In Iraq, la musica il centro era l'Accademia di Belle Arti con un dipartimento di musica (fondata nel 1940, Baghdad), in Algeria - l'Istituto Nazionale di Musica, composto da tre dipartimenti (ricerca, pedagogico e folclore), ecc. In molti di queste istituzioni educative, musicisti sovietici.

In Iran ci sono il Conservatorio nazionale e il Conservatorio d'Europa. musica, principale nel 1918 a Teheran, il Conservatorio di Tabriz (1956), così come i dipartimenti di musica delle università di Teheran e Shiraz. Presso la radio e la televisione iraniana è stato creato uno studio musicale per bambini e giovani.

In Turchia, M. o. concentrato nei conservatori di Istanbul e Ankara.

Processi complessi si verificano in M. o. Paesi africani. I primi conservatori del continente (a Cape Town, Johannesburg, l'East African Conservatory a Nairobi) sono operativi da decenni, ma erano destinati principalmente ai non africani. Dopo aver ottenuto l'indipendenza nella maggior parte dei paesi dell'Africa M. il lago è entrato attivamente. Ha ricevuto uno sviluppo speciale in Ghana, dove è stata creata la Facoltà di Musica e Teatro presso l'Università di Ligon, l'Istituto per lo Studio dell'Africa (la ricerca musicale è alla base delle sue attività), Nat. Accademia di Musica di Winneba, Istituto Africano di Musica di Accra, mus. ft Ying-ta a Cape Coast. Muse. I college di Akropong e Achimota ne hanno sollevati diversi. generazioni di musicisti ghanesi.

La musica è di grande importanza in Nigeria. università di Lagos, Ibadan e Ile-Ife, nonché college di Zaria e Onich. Un livello relativamente alto è stato raggiunto dalla produzione di M. di o. in Senegal, Mali (Scuola Nazionale di Musica di Conakry) e Guinea, i dipartimenti di musica delle università di Makerere (Uganda), Lusaka (Zambia), Dar es Salaam (Tanzania) iniziano ad avere un ruolo sempre più importante.

Nei conservatori dei paesi africani si studia principalmente app. musica (discipline teoriche e suonare strumenti), e sulla musica. f-tah un-tov un'attenzione speciale è rivolta a nat. musica, l'Istituto per lo Studio dell'Africa è impegnato nel problema della conservazione e dello sviluppo del folklore del continente.

La messa in scena di M. o. sta diventando sempre più importante. all'inizio. e scuole secondarie (in molti paesi la musica è una materia obbligatoria). Il compito più importante è la trasmissione delle tradizioni. patrimonio, ma i suoi metodi rimangono sostanzialmente gli stessi di secoli fa.

Il problema di M. – uno dei principali nella conservazione e sviluppo delle antiche culture dell'Asia e dell'Africa, quindi UNESCO, Intern. Music Council, International Society of Music insegnanti e altri prestano particolare attenzione ad esso.

Sono in corso di elaborazione programmi che tengano conto delle specificità e del grado di sviluppo di M. o. in questo Paese si utilizzano metodologie didattiche nuove, talvolta sperimentali (ad esempio secondo i sistemi di Z. Kodaly e K. Orff), si tengono conferenze, congressi e seminari, si effettuano consulenze e scambi di personale.

JK Mikhailov.

L'educazione musicale nel periodo prerivoluzionario. Russia e URSS. A proposito di M. o. in Dr. Poche informazioni sono state conservate in Russia. Nella pedagogia che si sviluppò tra la gente, insieme a proverbi, detti, fiabe e canti, anche il sincretismo giocava un ruolo importante. (compresa la musica) art. azioni, in cui si rifletteva una miscela di altre lingue. e rituali cristiani. A Nar. l'ambiente è nato come una specie di buffone: un "attore" multilaterale professionale, le abilità to-rogo sono state acquisite nel processo di formazione in famiglia o in negozio. Di generazione in generazione si tramandava anche la musica poetica. tradizioni dei compositori di canti eroici-glorificanti. L'insegnamento sistematico della musica (più precisamente, il canto di chiesa) avveniva sia nelle scuole istituite presso chiese e monasteri, dove venivano formati il ​​clero e gli alfabetizzati necessari allo stato, sia direttamente nei cori dei templi, che non erano solo gruppi di esibizioni, ma anche scuole di canto. . Cantanti e cantori della chiesa furono allevati in tali scuole (vedi il canto di Znamenny).

Durante il periodo di isolamento feudale delle terre russe, le capitali dei principati specifici - Vladimir, Novgorod, Suzdal, Pskov, Polotsk, ecc. – divenne il centro della chiesa. veleno. culture e qui hanno sviluppato i loro cantanti locali. scuole che si basavano sui principi generali del canto znamenny, ma introducevano in esso alcune caratteristiche peculiari. Le informazioni su uno dei cantanti più antichi e migliori sono state conservate. scuole del 12° secolo, fondate da Andrey Bogolyubsky a Vladimir. Qualche tempo dopo, il ruolo principale nella chiesa. Novgorod iniziò a suonare cantando e insegnando quest'arte, che per molti anni ha mantenuto la sua posizione di leader. Cantante di Novgorod. La scuola ha preparato eccezionali figure della musica. cultura di quel tempo: interpreti, compositori di musica, teorici e insegnanti. Durante il periodo di organizzazione di una Rus centralizzata. state-va, guidato da Mosca nat. cantante. la scuola ha assorbito i risultati di molte scuole locali e soprattutto di Novgorod. Due novgorodiani: i fratelli S. e B. Rogovyh, l'attività to-rykh appartiene al centro. XVI secolo, considerati i fondatori di Mosca. scuole ecclesiastiche. cantando. Savva Rogov godette di una fama speciale come insegnante. I suoi famosi studenti - Fedor Krestyanin (in seguito un famoso insegnante) e Ivan il Naso furono presi da Ivan il Terribile come cortigiano. maestri di canto a Mosca. Le tradizioni della scuola di Novgorod sono state sviluppate anche dal terzo illustre studente di Rogov – Stefan Golysh, musicale e pedagogico. l'attività to-rogo si svolgeva negli Urali in possesso dei mercanti Stroganov. Distribuzione e sviluppo del canto. la cultura fu promossa dal decreto della “Cattedrale di Stoglavy” (Mosca, 1551), che rese necessario che sacerdoti e diaconi creassero Mosca a casa in tutte le città. Scuole russe per insegnare ai bambini non solo a leggere e scrivere, ma anche a "cantare il salterio della chiesa". L'istituzione di queste scuole aveva lo scopo di sostituire l'istruzione delle cosiddette. maestri di alfabetizzazione (impiegati e “gente del mondo” che si impegnavano con i bambini del dipartimento a leggere, scrivere, pregare e cantare) e ampliare la rete di uch. istituzioni che esistevano nei secoli XIV-XV. in alcune città il dott. Russia. Maestri della Chiesa. cantando, che facevano parte dell'avvento. hora (creato in con. 15° secolo), furono spesso inviati in altre città, monasteri e chiese per elevare il livello del coro. e le prestazioni. La teoria musicale più semplice. cantanti servivano da ausili. alfabeti (inclusi in decomp. raccolte dei secoli XV-XVII, vedi Alfabeto musicale), in cui si riportava una breve serie e abbozzi di segni della lettera uncinata. Approvazione del nuovo, tanti traguardi. stile coro. cantando (cfr. Canto di parti) e la relativa sostituzione della scrittura znamenny con la notazione a 5 lineari al 2° piano. 17 trovi ha rivoluzionato il modo di insegnare la musica. Sistematico. una serie di regole per il canto in partes è data nel trattato di N. AP Diletsky "Music Grammar", destinato alla formazione di cantanti e compositori. A differenza dei famosi “alfabeti”, basati su prettamente empirici. principio, il lavoro di Diletsky è caratterizzato dal razionalismo. orientamento, il desiderio non solo di stabilire le regole, ma anche di spiegarle. Un tipo speciale di indennità di conto, che godeva di una ben nota distribuzione in con. 17° secolo, rappresentano i cosiddetti. doppi segni, contenenti una presentazione parallela di brani in znamenny e notazione 5-lineare. La "Chiave di comprensione" di Tikhon Makarievsky appartiene a questo tipo. Con cavallo. 15° secolo, quando a Mosca. Rus iniziò a invitare musicisti stranieri, iniziò il coinvolgimento del russo. sapere in istr.

Nella Russia sudoccidentale, che faceva parte dei secoli 16-17. nella struttura dello stato polacco-lituano-va, il valore noto nella distribuzione di M. circa. ebbe scuole cosiddette fraterne, istituite religiose ed educative. organizzazioni e fungeva da roccaforte di russo, ucraino. e bielorusso., la popolazione contro il nat. oppressione e conversione al cattolicesimo. Dopo la scuola di Leopoli (fondata nel 1586), ca. 20 scuole fraterne. In questi avanzati per il loro conto tempo. le istituzioni (molti principi pedagogici di queste scuole si rifletterono in seguito nella "Grande Didattica" di Ya. A. Comenius) insegnavano il canto e le materie del quadrivio, che includeva la musica. Sulla base della scuola fraterna di Kiev (fondata nel 1632) e della scuola della Kiev-Pechersk Lavra (fondata nel 1615) che si unirono nel 1631, fu fondata la prima scuola ucraina. istituto di istruzione superiore - il collegio Kiev-Mohyla (dal 1701 - l'accademia), in cui, insieme ad altre materie, si studiava anche la musica. A Mosca, sul modello del Kyiv Collegium, nel 1687 fu aperto lo slavo-greco-lat. accademia, dove si insegnava anche la chiesa. il canto e le “sette arti libere”.

Nel 18° secolo, sotto l'influenza delle riforme di Pietro I, to-rye contribuì all'inclusione del paese nel corso generale di sviluppo dell'Europa. civiltà, contenuto e organizzazione di M. o. creature sopportate. cambiare. Liberazione della cultura musicale dalla tutela ecclesiastica, restringimento del ruolo della musica di culto, produzione musicale profana in continua espansione (orchestre e cori militari nelle strade e nelle piazze, balli e musiche da tavola nelle “assemblee”, spettacoli musicali e teatrali , l'emergere della fine della vita) e, infine, il crescente desiderio di fare musica amatoriale in una società nobile – tutto ciò ha influenzato il carattere di M. o. Rivela diverse tendenze: la più importante è iniziare ad acquisire musica. educazione laica, e non solo spirituale. in-tah; nella vita diff. maestri spirituali. istituzioni penetrano instr. musica; M. o., soprattutto al 2° piano. Settecento, orientato non solo alle esigenze della corte. e, in parte, la chiesa. vita quotidiana, ma anche per soddisfare i bisogni di società molto più ampie. cerchi. La necessità di musicisti praticanti e la necessità di un Mo generale per tutto il XVII secolo. aumentato sempre di più. Muse. l'educazione della nobiltà fu svolta dal cap. arr. visitatori maestri d'orchestra, violinisti di orchestre e clavicembali, tra cui grandi maestri. La formazione di musicisti professionisti è stata svolta più spesso nelle istituzioni educative, che possono essere suddivise condizionatamente in due tipi. Alcuni stabiliscono il compito di formare musicisti professionisti, cap. arr. orchestratori e cantanti. Anche all'inizio del XVIII secolo a Mosca, e poi a St. San Pietroburgo, musicisti militari congedati dall'estero e in servizio presso la corte. alle orchestre veniva insegnato a suonare il fiato (ottoni e legno) e le percussioni. strumenti dei giovani, scelti dalla composizione dell'avv. coristi. Nel 1740, all'Avvento. cappella (trasferita a S. Pietroburgo nel 1713), che per più di due secoli ha allevato coristi qualificati, un coro. direttori, e nel dipartimento casi e compositori (D. S. Bortnyansky, M. S. Berezovsky), sono stati istituiti sotto la direzione di. direttore d'orchestra I. Le lezioni di Gyubner imparano a suonare l'orco. strumenti. In precedenza, nel 1738, una scuola di canto e strumentazione fu aperta a Glukhov, in Ucraina. musica (suonare il violino, l'arpa e la bandura); qui a portata di mano. un reggente speciale ricevette l'iniziale M. o. principalmente il futuro avv. coristi. Tra l'altro uch. stabilimenti – S. Pietroburgo. Teatro. scuola (fondata nel 1738, ma definitivamente formata nel 1783), in cui insegnavano non solo spettacoli teatrali, ma anche musica. art-wu e musica. classi dell'Accademia delle Arti. aperto nel 1760. ed esisteva da diversi decenni (tra gli alunni – comp. B. I. Fomino). Circa l'attenzione, che è stata prestata nel 18 ° secolo. organizzazioni prof. M. o., testimoniare ai governi. decreti (non adempiuti) sull'istituzione della Musica Ekaterinoslav.

In conto. istituzioni di tipo diverso, un aspetto importante dell'educazione della nobiltà, e in parte del raznochin, la giovinezza è la filologia generale. La prima scuola secolare, nel programma di uno sciame sin dagli anni '1730 del Settecento. comprendeva lezioni sistematiche di musica, era il Cadet Corps (allora la nobiltà terriera). A causa della pratica, molte di queste istituzioni hanno spesso formato musicisti professionisti. A tali studenti le istituzioni dovrebbero essere assegnate alla musica. classi stabilite al 1° piano. Settecento nella palestra dell'Accademia delle Scienze, al 18° piano. 2° secolo — a Mosca. un-quelli (palestra nobili e raznochinny e il Noble Boarding School presso l'un-quelli), nell'Istituto Smolny per Nobili Fanciulle e con esso il "dipartimento piccolo-borghese", a Mosca. e Pietroburgo. educare. case, nel ginnasio di Kazan, subordinato a Mosca. un-tu, e in un certo numero di palestre in altre province. Lezioni di musica in molte di queste scuole. gli stabilimenti si trovavano a grande altezza (erano guidati da musicisti di spicco, spesso stranieri). Pertanto, gli alunni dell'Istituto Smolny (il sistema di educazione musicale che si era sviluppato in esso è stato successivamente trasferito ad altre istituzioni educative di classe nobile di tipo simile) sono stati formati non solo nell'esecuzione (suonare l'arpa, il pianoforte, il canto), ma anche teoria musicale e, in alcuni casi, composizione. In futuro, alcuni degli alunni dei nobili impoveriti iniziarono a prepararsi per il musical e la pedagogia. attività. A causa del fatto che in molte proprietà terriere e montagne. case nobiliari organizzato cori servi della gleba, instr. (incluso il corno) ensemble e orchestre, oltre a t-ry, è diventato necessario formare musicisti dai servi. Si svolgeva sia in casa (musicisti stranieri, che venivano invitati nelle tenute), sia in special modo. scuole di musica per servi, create nelle città. Apparentemente, le prime scuole di questo tipo iniziarono a funzionare negli anni '18 del Settecento. Qui insegnavano a cantare, a suonare l'orco. e tastiere, così come il basso generale e la composizione di musica. A volte, per preparare il repertorio necessario, i musicisti servi venivano inviati a tali scuole in interi gruppi.

Nelle classi pedagogiche nell'ultimo quarto del 18° secolo. (soprattutto dopo che la raccolta di canzoni popolari di V. Trutovsky, 1776-95, e I. Prach, 1790, uscì di stampa), il russo iniziò a svolgere un ruolo sempre più importante. nar. canto e ballo (nell'originale, arrangiamenti e trascrizioni). La distribuzione di M. circa. in diversi strati della società russa ha creato la necessità di pubblicare pratiche. uch. indennità (prima trasferibili). Uno dei primi manuali che ha avuto un ruolo importante nella storia della Russia. M. o., era la "Scuola del clavicembalo, o Indicazione breve e solida per la concordia e la melodia" di GS Lelein (1773-74), che si basava sulla pratica del clavicembalo, conteneva disposizioni generali della teoria della composizione e si distingueva per un pozzo -l'illuminazione nota. latitudine. All'inizio. Sono uscite traduzioni del XIX secolo di altra musica. libri di testo (ad esempio, L. Mozart – “The Fundamental Violin School”, 19; V. Manfredini – “Harmonic and melodic Rules for Teaching tutta la musica”, tradotto da SA Degtyarev, 1804), nonché una scuola domestica di pianoforte. I. Pracha (1805).

Fino agli anni '60. XIX secolo nel sistema russo. insegnante. M. o. non ci sono stati cambiamenti fondamentali, anche se è aumentata la necessità di musicisti di varie specialità e sono state poste richieste sempre più elevate alla qualità della loro formazione. Nelle scuole teatrali di S. A San Pietroburgo e Mosca non si sono formati solo attori drammatici, ma anche cantanti e membri d'orchestra per teatri d'opera, e all'inizio. Nel XIX secolo furono istituite classi musicali "superiori" per coloro che avevano particolarmente successo. Questi uch. stabilimenti, nonché Pridv. chanter la cappella erano gli unici governi. in-tami, che ha posto il compito di formare musicisti professionisti. M. o. ampliato alla cappella: in con. 1830 classi di orchi furono aperte. strumenti, e un po' più tardi, le classi di fp. e saggi. All'inizio. Le scuole di musica per servi della gleba del 2° quarto del 19° secolo persero la loro precedente importanza e gradualmente cessarono di esistere. ruolo importante nella diffusione della musica. culture (in parte nella formazione di musicisti professionisti) erano ancora suonate da uch medio e alto. istituzioni, in cui c'erano le muse. classi, – palestre, stivali di pelliccia alta (Mosca, St. Pietroburgo, Kazan, Kharkov), Mining in-t, Uch-sche jurisprudence, Women's closed in-you. In questi istituti femminili, nonostante una serie di carenze nell'organizzazione di MO, si formò un sistema educativo (che includeva suonare lo strumento, musica d'insieme, solfeggio, armonia e pratica pedagogica), che in seguito divenne la base per l'insegnamento. piano dei conservatori e le insegnanti degli istituti femminili hanno preparato seri lavori su questioni musicali. (cap. arr. pp.) pedagogia. Specialista. musica privata. c'erano pochissime scuole (una di queste è stata aperta da DN Kashin nel 1840 a Mosca) e musica casalinga. la formazione ha continuato ad essere molto efficace. Le lezioni private venivano impartite da stranieri che legavano il loro destino al russo. cultura musicale (I. Gesler, J. Campo, A. Henselt, L. Mauro, K. Schubert, A. Villùan), rus. compositori (A. L. Gurilev, A. E. Varlamov e altri), strumentisti e compositori (A. O. Sikra, D. N. Kashin, N. E. Afanasiev e altri), e negli anni '50. giovane A. G. e n. G. Rubinstein e M. A. Balakirev. Le lezioni a casa erano generalmente limitate alla pratica di suonare uno strumento o cantare; teorico-musicale. e storico-musicale. gli studenti generalmente non ricevevano istruzione. Riempi queste creature. divario solo in misura molto piccola potrebbe essere pubblico. lezioni, to-rye concordato con con. 1830 cap. arr. A Pietroburgo. Sorgono in questi anni progetti per l'organizzazione di speciali. musica uch. istituzioni hanno testimoniato l'urgenza di un M. o. Uno di questi piani apparteneva al direttore d'orchestra Mosca. Grande Tesoriere F. Scholz, che presentò nel 1819 un progetto per l'istituzione delle Muse a Mosca. conservatorio. Il progetto non venne attuato, Scholz riuscì a ottenere solo nel 1830, poco prima della sua morte, il permesso di organizzare a casa sua l'insegnamento gratuito di basso generale e composizione. L'autore di un altro progetto non realizzato fu A. G. Rubinshtein, che propose nel 1852 di aprire a St. Pietroburgo all'Accademia delle Arti delle Muse.

All'inizio del 1860 la cultura del ghiaccio russa "minacciava un divario tra l'intellighenzia compositiva, che si sforzava di conquistare le vette dell'arte, e gli ascoltatori dell'ambiente della democrazia russa, che avevano gusti molto eterogenei" (B. A. Asafiev, "C'erano tre di loro...", Sat. “Musica sovietica”, vol. 2, 1944, pag. 5-6). Solo un'ampia preparazione delle patrie potrebbe aiutare la causa. artisti, insegnanti e compositori, to-rye sarebbe in grado di elevare ulteriormente il livello del russo. vita sul ghiaccio non solo a Mosca e St. Pietroburgo, ma in tutto il paese. In questo periodo l'attività dell'A. G. Rubinstein e i suoi collaboratori, che hanno deciso di organizzare sotto gli auspici della Rus. ice ob-va (aperto nel 1859) il primo russo. conservatorio. Questa attività si è svolta in condizioni difficili: negli scontri con la frontiera. reazionario. circoli e in un clima di acceso dibattito con coloro che temevano l'“accademismo senza nazionalità” creato dal prof. tre. istituzioni. Istituito sotto la Rus. ice ob-ve nel 1860 mus. classi (canto, pianoforte, violino, violoncello, teoria elementare, coro. canto e saggio di pratica) servì come base per la scoperta nel 1862 di S. Pietroburgo. conservatorio (fino al 1866 fu chiamato Mus. insegnante) guidato da A. G. Rubinstein. Nello stesso anno, in opposizione al conservatorio M. A. Balakirev e G. Ya Lomakin fondata a St. Musica Libera di San Pietroburgo. scuola, uno dei cui compiti era quello di dare un generale M. di. (informazioni teorico-musicali elementari, capacità di cantare in un coro e suonare in un'orchestra, ecc.) per gli amanti della musica. Nel 1866, anche sulla base delle muse precedentemente organizzate (nel 1860). classi, fu fondata la Mosca. conservatorio, il cui direttore fu l'iniziatore della sua creazione, N. G. Rubinstein. Entrambi i conservatori hanno svolto un ruolo enorme nello sviluppo del russo. insegnante. M. di. e hanno ottenuto il riconoscimento mondiale principalmente perché sono stati insegnati da musicisti eccezionali: a St. Pietroburgo – A. G. Rubinstein (tra i suoi allievi della prima laurea c'era P. E. Ciajkovskij), F. O. Leshetitsky (dal 1862), L. C. Auer (dal 1868), N. A. Rimsky-Korsakov (dal 1871), A. A. Lyadov (dal 1878), F. M. Blumenfeld (dal 1885), A. N. Esipova (dal 1893), A. A. Glazunov (dal 1899), L. A. Nikolaev (dal 1909) e altri; a Mosca – N. G. Rubinstein, p. E. Ciajkovskij (dal 1866), S. E. Taneev (dal 1878), V. E. Safonov (dal 1885), A. N. Scriabin (dal 1898), K. N. Igumnov (dal 1899), A. B. Goldenweiser (dal 1906), N. A. Mettner (dal 1909) e altri. Nel corso dei decenni è cambiata la struttura dei conservatori che formavano musicisti in tutte le specialità, ma sono rimaste costanti le seguenti caratteristiche: la divisione in due dipartimenti – quello inferiore (gli studenti venivano accolti anche nell'infanzia) e quello superiore; "classi scientifiche" (servite a migliorare l'istruzione generale. livello studentesco); premiazione agli studenti che hanno completato l'intero corso del conservatorio e superato lo speciale. esami finali, diploma di “artista libero” (fino al 1860. Questo titolo è stato ricevuto solo dai laureati dell'Accademia delle Arti). I conservatori hanno contribuito alla formazione del russo. eseguire. e scuole di compositore. Vero, patria. voc. La scuola si è formata molto prima sotto l'immediata influenza di M. E. Glinka e A. C. Dargomyzhsky, che ha insegnato il dipartimento. alunni non solo i principi generali della musica. performance, ma anche il cantante. abilità; uno di coloro che alimentarono i compositori della nuova scuola russa fu M. A. Balakirev, che istruì i giovani musicisti nello spirito dei precetti di Glinka. Una portata incomparabilmente più ampia sta acquisendo le attività dei fondatori di quelle scuole che si sono sviluppate nei conservatori. I fondatori dei due più grandi russi. scuole di compositore divennero: a S. Pietroburgo – N. A. Rimsky-Korsakov, a Mosca – P. E. Čajkovskij. Nel 2° tempo. 19 e primi 20 cc numero di ghiaccio russo tre. gli stabilimenti sono gradualmente aumentati. Filiali locali Rus. ice about-va ha aperto le muse. scuola a Kiev (1863), Kazan (1864), Saratov (1865) e successivamente in altre. città del paese. Successivamente, le scuole di Saratov (1912), Kiev e Odessa (1913) furono riorganizzate in un conservatorio. Nel 1865 fu istituito il capitolo. direzione Rus. ice about-va, a cui lo sciame ha passato "tutti i doveri e le preoccupazioni sullo sviluppo di Mo in Russia". Lo scopo dell'organizzazione di questa direzione, che era guidata da uno dei membri della famiglia reale, era di garantire che il governo, senza guidare ufficialmente le muse. tre. istituzioni, hanno avuto l'opportunità di controllare i loro affari e di interferire nel loro lavoro da una posizione di casta. Nel 1883 fu aperto il Musical Drama Theatre presso il conservatorio npiB-ax. scuola vicino a Mosca. Filarmonica. circa-ve. Nel 1887 l'A. G. Rubinstein con il progetto della musica universale per bambini. istruzione, proponendo di introdurre nelle classi inferiori tutto l'artigianato e le cuccette. scuola, palestre classiche e reali, coro d'obbligo del corpo dei cadetti. canto, solfeggio e teoria musicale elementare. Questo progetto utopico per quegli anni è stato realizzato solo in alcune aree privilegiate. stabilimenti. Significa ruolo nello sviluppo del russo. M. di. suonato da molti musicisti privati. scuole aperte in con. 19 – implorare. 20 cc a S. Pietroburgo (dramma musicale. corsi E. AP Rapgofa, 1882; Muse. classi I. A. Glisser, 1886; Specialista. scuola fp. giochi e corsi di pianisti-metodologi S. F. Schlesinger, 1887), Mosca (musica. scuola B. Yu Zograf-Plaksina, 1891; sorelle Evg. F., Elena F. Gnesine, 1895; A. A. Selivanova, 1903), Kiev, Odessa, Kharkov, Rostov sul Don, Tbilisi, ecc. le città. Conservatori, uch-shcha e muse. scuole pre-rivoluzionarie La Russia esisteva principalmente a causa delle tasse universitarie relativamente alte, e quindi M. di. potevano ricevere solo i figli di genitori facoltosi o singoli studenti dotati supportati da mecenati o, in via eccezionale, esentati dalle tasse universitarie. Per attaccarsi alla musica. cultura della popolazione più ampia, musicisti progressisti con. 19 – implorare. 20 secoli, continuando in un certo senso la tradizione della musica libera. scuole, iniziò a creare uch. stabilimenti (alcuni erano chiamati Nar. conservatori), dove è stato possibile ricevere M. di. gratuito o con un piccolo contributo. A St. San Pietroburgo, queste scuole includevano: Public Music. classe Pedagog. il museo (bas. nel 1881), che servì come base per la ricerca nel campo della musica per bambini. pedagogia; Musica per bambini gratis. scolarli. Glinka, organizzata nel 1906 su iniziativa di M. A. Balakireva e S. M. Lyapunova; Nome conservatorio, aperto nel 1906 da N. A. Rimskij-Korsakov A. A. Lyadov A. A. Verzhbilovich e L. C. Auer (ai laureati è stata conferita la qualifica di Nar. insegnanti di musica e canto). Una delle istituzioni più efficaci e autorevoli di questo tipo era Nar. conservatorio di Mosca nel 1906), i musicisti più importanti hanno preso parte alla costituzione e alle attività dello sciame – S. E. Tanev, E. E. Lineava, B. L. Yavorskij, N.

Ott La rivoluzione ha comportato cambiamenti radicali nell'organizzazione e nella messa in scena di M. di. Orientamento e cura finanziaria delle muse. tre. le istituzioni furono rilevate dallo Stato (decreto del Consiglio del Nar. Commissari sul trasferimento di tutti i conti. stabilimenti a Vedepie Nar. del Commissariato dell'Educazione del 5 luglio 1918), aprendo la strada alla diffusa diffusione del generale M. circa., mettendo a disposizione degli studenti il ​​prof. tre. istituzioni istruzione gratuita e borse di studio. Ciò ha aperto l'accesso all'istruzione per i giovani lavoratori, incl. e rappresentanti di nazionalità culturalmente arretrate. Tra i governi. eventi che hanno contribuito all'attrazione per la musica superiore. scuola degli operai e dei contadini, erano l'organizzazione dei cosiddetti. Arti Unite. facoltà operaie, il trasferimento della sua musica. dipartimento (istituito nel 1923) sotto l'autorità di Mosca. conservatorio (1927) e poi l'apertura delle scuole operaie a Mosca. (1929) e Leningrado. (1931) conservatori. Nei primissimi anni post-rivoluzionari, i principi generali che sono stati alla base della ristrutturazione di M. di. Il più significativo di essi: 1) la proclamazione dell'obbligo della musica universale. educazione (decreto delle Muse. Dipartimento di Narkomiros sull'insegnamento del canto e della musica in una scuola di lavoro unificata, entro e non oltre il 19 ottobre. 1918) e il riconoscimento della grande importanza del generale M. di. sia per elevare la cultura delle persone, sia per individuare persone musicalmente capaci adatte al prof. lezioni di musica; 2) una comprensione della necessità di formare musicisti che abbiano una specializzazione ben definita (esecuzione, composizione, insegnamento, illuminazione, musicologia) e allo stesso tempo possiedano un'ampia gamma di conoscenze nella loro specialità, in materie e società correlate. discipline; 3) consapevolezza dell'enorme ruolo della produzione. pratiche nell'uch. istituzione e oltre (questo portò all'organizzazione di studi d'opera presso i conservatori; il primo di essi fu aperto nel 1923 a Pietrogrado. conservatorio); 4) stabilendo il requisito che un musicista di qualsiasi professione potesse affiancare il suo prof. attività educative. Per la formazione del sistema dei gufi. M. di. ruolo particolarmente importante è stato svolto dall'organizzazione e dal metodo. ricerche nel periodo 1917-27. Fondamentale per l'ulteriore sviluppo del prof. M. di. sono stati firmati B. E. Decreto Lenin del Consiglio del popolo. Komissarov del 12 luglio 1918 sulla transizione di Pietrogrado. e Moschea. conservatori "sotto la giurisdizione del Commissariato popolare per l'istruzione su un piano di parità con tutte le istituzioni di istruzione superiore con l'eliminazione della dipendenza dalla Società musicale russa", nonché successive risoluzioni dello stesso anno, che annunciavano provinciale e città. tre. stabilimenti Rus. stato di ghiaccio circa-va. Alla fine del primo e all'inizio del secondo decennio del XX secolo. musica sotto i riflettori. pubblico – interrogazioni del generale M. di. e a questo proposito il lavoro è enormemente illuminante. scuole che hanno aperto a Pietrogrado, Mosca, ecc. le città. Le scuole avevano nomi diversi: Nar. scuole di ghiaccio, scuole di musica educazione, nar. conservatorio, corsi di musica popolare generale, ecc. Nel lavoro di queste istituzioni che posava metodico. le basi dei gufi. il generale M. o., hanno preso parte importanti musicisti: a Pietrogrado – B. A. Asafev, M. H. Barinova, S. L. Ginzburg, N. L. Grodzenskaja, W. G. Karatigin, L. A. Nikolaev, V. A. Sofronitsky e altri; a Mosca – A. A. Aleksandrov, N. Ya Bryusova A. F. Gedike, A. D. Kastalsky, W. N. Shatskaya e altri. Nella fase iniziale di sviluppo dei gufi. M. di. i suoi organizzatori hanno dovuto affrontare una serie di difficoltà. Le radici di alcuni sono andate al pre-rivoluzionario. formazione pratica musicale, quando la formazione dei futuri professionisti e dilettanti non era differenziata, M. di. non è stata suddivisa in fasi a seconda dell'età degli studenti. La dottoressa le difficoltà furono causate dall'emergere, spesso spontaneo (soprattutto nel 1918-20), di molte muse diverse. tre. stabilimenti di tipo speciale e generale. Si chiamavano scuole, corsi, studi, circoli, scuole tecniche e persino conservatori e istituti, non avevano un profilo chiaro e non potevano essere attribuiti con sufficiente certezza all'istruzione primaria, secondaria o superiore. istituzioni. Parallelismo nel lavoro di questi conti. le istituzioni iniziarono a rallentare lo sviluppo di M. di. Il primo e tuttora imperfetto tentativo di creare un sistema armonioso di M. di. fu intrapresa nel 1919 nei “Disposizioni di base sull'Università musicale statale” (con questo nome si intendeva l'intera rete delle scuole speciali). e il generale M. di. da elementare ad avanzato). Seguendo il pensiero di A. A. Lunacharsky che l'intero sistema di istruzione generale, dalla scuola materna all'università, dovrebbe essere "una scuola, una scala continua", i compilatori delle "Disposizioni di base ..." hanno suddiviso lo speciale. ghiaccio tre. istituzioni in tre livelli secondo il livello della musica. conoscenze e abilità degli studenti. Tuttavia, non potevano né dividere i compiti di educazione, educazione e illuminazione, né fissare limiti di età per l'istruzione ai tre livelli dell'“Università della musica”. Ulteriore lavoro sulla tipizzazione della musica. tre. istituzioni e l'aggiornamento dei loro programmi, a cui hanno preso parte i gufi più importanti. musicisti legati alle attività di B. L. Yavorsky, che dal 1921 era a capo del Mus. Dipartimento della Direzione Generale dell'Istruzione Professionale. Per la successiva ristrutturazione M. di. la sua relazione “Sui principi di costruzione dei curricula e dei programmi in una scuola professionale di musica” (letta il 2 maggio 1921) ebbe un forte impatto, in cui, in particolare, per la prima volta nella musica. pedagogia del 20° secolo la tesi è stata avanzata con tale perseveranza: “l'elemento della creatività dovrebbe essere incluso nei programmi di tutti i corsi” presi in didattica. istituzioni a vari livelli. Intorno al 1922 si delinea una tendenza caratteristica, che continua ad incidere negli anni successivi: sempre più attenzione viene riservata alle domande del prof. M. di. e spec. discipline (strumenti, canto). A questo tempo appartiene anche l'organizzazione delle prime muse secondarie specializzate. scuole – musica. scuole tecniche, negli anni '30. ribattezzato scuola. Al 2° piano. 20s una certa struttura si è sviluppata. o., conservato per un certo numero di anni: 1) iniziale M. di. sotto forma di due tipi di scuole – 4° livello di 1 anni (per bambini), che lavoravano in parallelo con la scuola del lavoro ed erano indipendenti. tre. istituzioni, o i primi legami delle muse. scuole tecniche, e corsi di generale M. di. per gli adulti che avevano solo musica – illuminare. compiti; 2) medio prof. M. di. – scuole tecniche (performative e istruttori-pedagogiche); 3) superiore – conservatorio. In connessione con la riforma circa. nel 1926 il Centro fu organizzato a Leningrado. scuola tecnica del ghiaccio, nel cui lavoro si rifletteva una nuova creatività. tendenze e ricerche nella musica. pedagogia, che ha avuto un grave impatto sull'ulteriore sviluppo dei gufi. M. di. Tra gli insegnanti della scuola tecnica c'erano eccezionali Leningraders. musicisti. Nella storia del M. superiore. di. una pietra miliare importante fu il documento Nar. Commissariato dell'Educazione, preparato sulla base dei rapporti delle figure più importanti della cultura musicale sovietica A. B. Goldenweiser, M. F. Gresina, M. A. Ivanov-Boreckij, L. A. Nikolaeva A. A. Ossovsky e altri, – "Regolamento sui Conservatori di Mosca e Leningrado" (1925). Questo documento legittimava infine l'appartenenza dei conservatori al più alto livello di M. o., ne fu stabilita la struttura (scientifico-compositore, performativo e istruttore-pedagogico. f-you), è stato determinato il profilo dei laureati e le modalità di formazione, è stato istituito l'istituto dei laureati. Con signore. Anche i musicologi degli anni '20 iniziarono a formarsi nei conservatori (prima, prima della rivoluzione, non esisteva un'istituzione che formasse tali specialisti). Tuttavia, l'inizio della musicologia superiore. educazione nel paese sovietico – 1920, quando a Pietrogrado, presso l'Istituto di Storia dell'Arte, fu aperta la Facoltà di Storia della Musica (esisteva fino al 1929 sotto forma di Corsi per la Formazione di Specialisti in Storia dell'Arte). Nel 1927, l'ordinamento della struttura generale dei gufi. M. di. è stato in gran parte completato, anche se ha subito successive modifiche. Quindi, muse di 4 anni. le scuole furono convertite in scuole di 7 anni (nel 1933) e furono istituite scuole di musica in numerosi conservatori. scuole decennali, è stato ampliato il sistema delle facoltà dei conservatori (da ser. 30s), organizzato da musical e pedagogico. in-you (il primo fu aperto nel 1944 Muz.-Pedagogical.

Kser. Sistema organizzativo anni '70 M. di. nell'URSS c'è una traccia. modo. Il livello più basso è la musica per bambini di 7 anni. scuole (secondo grado aggiuntivo – per chi si prepara ad entrare nella musica. uch-sche), il cui scopo è di dare un M. di. e identificare gli studenti più capaci che vogliono diventare speciali. M. di. Le discipline qui studiate includono: suonare uno strumento (fp., arco, fiato, folk), solfeggio, musica. diploma e teoria, coro. canto e ensemble. Al livello più basso del generale M. di. ci sono anche scuole serali per adolescenti e giovani. Alla fase intermedia M. di. includere 4 anni uch. istituzioni: scuola di musica, nella quale formano musicisti professionisti di media qualificazione (strumentisti, cantanti, maestri di coro, teorici) per lavorare in orchestre, cori e insegnare musica per bambini. scuole (i più dotati, dopo essersi diplomati alla scuola, partecipano al concorso nell'istruzione superiore. stabilimenti); musicale-pedagogico. uch-scha, insegnanti di musica diplomati per l'istruzione generale. dirigenti di scuole e scuole materne di musica. In alcuni conservatori e istituti ci sono speciali per 11 anni. scuole di ghiaccio dove gli studenti, preparandosi per l'ammissione alla musica. le università ricevono M. di. e allo stesso tempo. seguire un corso di educazione generale. scuola media. Il livello più alto M. di. comprende: conservatori, musico-pedagogico. in-you e in-you art-in (con la facoltà di musica); la loro durata di formazione è di 5 anni. Qui vengono formati specialisti della più alta qualificazione: compositori, strumentisti, cantanti, sinfonisti, opera e cori. direttori d'orchestra, musicologi e direttori di musica. t-ditch Il livello più alto è anche musicale e pedagogico. f-tu in pedagogia. in-tah; i futuri insegnanti di musica della più alta qualifica (metodologi) vengono formati qui per l'istruzione generale. scuole e insegnanti di musica e pedagogia. discipline per la pedagogia. università Nella maggior parte delle scuole di musica e delle università ci sono dipartimenti serali e di corrispondenza, dove gli studenti ricevono un'istruzione senza interrompere il loro lavoro. Con molte muse. università e n.-e. sono organizzati studi post-laurea in-ta (con 3 anni a tempo pieno e 4 anni di formazione nei dipartimenti di corrispondenza), destinati alla preparazione scientifica. lavoratori e docenti delle università sulla storia e la teoria della musica e dello spettacolo. causa, musica. estetica, metodi di insegnamento della musica. discipline. Formazione di insegnanti-compositori e insegnanti-esecutori per la musica. istituti di istruzione superiore è svolto in un assistente-tirocinio organizzato presso i principali conservatori e istituti (corso di studio a tempo pieno 2, corso per corrispondenza – 3 anni). Divulgazione ricevuto corsi per la formazione avanzata degli insegnanti di musica. scuole, uch-shch e licei presso autorevoli muse medie e superiori. tre. stabilimenti. Molta attenzione è rivolta alla creazione di vari tipi di muse. scuole nelle repubbliche nazionali. Nella RSFSR, Bielorussia e Ucraina, nelle repubbliche del Baltico e della Transcaucasia, nonché nelle SSR kazake, kirghise, tagiche, turkmene e uzbeke, che erano nel pre-rivoluzionario. aree di arretramento del tempo, ha creato una vasta rete di muse. tre. istituzioni. Nel 1975, ci sono 5234 istituzioni musicali per bambini nell'URSS. scuole, 231 musica. università, 10 università di isk-v, 12 insegnante di musica. scuola, 2 musica. scuola coreografica, 20 conservatori, 8 istituti d'arte, 3 musicali e pedagogici. in-ta, 48 musica. f-tov a pedagogico. in-tah. Realizzazioni m. di. in URSS sono anche dovuti al fatto che pedagogico. il lavoro nelle università di musica era e viene condotto dai più importanti compositori, esecutori, musicologi e metodologi. Dal 1920-ies. nelle università di ghiaccio dei gufi iniziò un serio n.-e. e metodologo. lavoro, che ha portato a una revisione basata sulle disposizioni del marxismo-leninismo, dei contenuti e dei metodi di insegnamento tradizionali per il pre-rivoluzionario. conservatorio di teoria musicale e storico-musicale. articoli, così come la creazione di nuovi account. discipline. In particolare, corsi speciali di storia e teoria dell'esecuzione, nonché metodi didattici per suonare diversi strumenti. Lo stretto rapporto tra pedagogia e scienza. la ricerca ha contribuito alla creazione di mezzi. numero di libri di testo e uch. benefici per le discipline di base incluse nei piani gufo.

In altri paesi socialisti dove M. o. è di proprietà statale, la sua struttura generale (la divisione delle istituzioni educative musicali in 3 livelli – primario, secondario e superiore) è in generale simile a quella adottata in URSS (sebbene in alcuni di questi paesi i musicologi non siano formati nell'educazione musicale. istituzioni, ma con stivali alti di pelliccia). Allo stesso tempo, in ogni paese dell'organizzazione di M. circa. ce ne sono alcuni specifici. caratteristiche dovute alle peculiarità della sua nazionale. cultura.

In Ungheria, dove M. o. sulla base della stessa metodologia. principi di B. Bartok e Z. Kodály, e dove lo studio degli ungheresi occupa un posto enorme a tutti i livelli. nar. musica e seguendo un corso di solfeggio basato sulla relativa solmisizzazione, lo schema per costruire l'istruzione dopo il 1966 è il seguente: istruzione generale di 7 anni. scuola con orientamento musicale (e con apprendimento facoltativo a suonare strumenti musicali) o musica per bambini di 7 anni. una scuola in cui i bambini studiano mentre frequentano le lezioni di istruzione generale. scuola; il passo successivo è un prof secondario di 4 anni. una scuola (con annesso un ginnasio di educazione generale), e per coloro che non intendono diventare musicisti, una scuola quinquennale di educazione musicale generale; Liceo Musicale. querelarli. F. Liszt (Budapest) con un corso di studi di 5 anni, in cui i musicisti vengono formati in tutte le specialità, incl. musicologi (il dipartimento di musicologia fu istituito nel 5) e insegnanti di musica per gli inizi. scuole (presso un dipartimento speciale; studio per 1951 anni).

In Cecoslovacchia, muse superiori. e musicale-pedagogico. ah. ci sono istituzioni a Praga, Brno e Bratislava; ci sono conservatori (istituti di istruzione musicale secondaria) e in numerose altre città. Un ruolo importante nella musica-pedagogico. vita del paese e nello sviluppo dei metodi della musica. imparare a giocare a Chesh. e slovacco. musica about-va, che unisce insegnanti-musicisti di diverse specialità.

Nella RDT ci sono scuole superiori di musica. cause legali a Berlino, Dresda, Lipsia e Weimar; le scuole di Berlino e Dresda includono musica specializzata. scuola, conservatorio (istituto musicale secondario) e istruzione superiore vera e propria. istituzione. Alla Scuola superiore di musica di Berlino fino al 1963 ha funzionato la facoltà operaio-contadina.

In Polonia – 7 muse superiori. ah. istituzioni – a Varsavia, Danzica, Katowice, Cracovia, Lodz, Poznan e Wroclaw. Stanno preparando la decomposizione dei musicisti. professioni, incl. e ingegneri del suono (dipartimento speciale della Scuola Superiore di Musica di Varsavia). Specialisti nella storia della musica, musica. l'estetica e l'etnografia sono in preparazione presso l'Istituto di musicologia di Varsavia.

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