Lezione 4
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Uno dei concetti più complessi nella teoria musicale è la polifonia musicale. Tuttavia, questa è anche una delle categorie più importanti, senza la quale è impossibile capire la musica orchestrale, o cantare un bel duetto di una melodia complessa con un accompagnamento musicale completo, o anche registrare e mixare un semplice brano, dove , oltre al suono di voce, chitarra, basso e batteria.
Quindi iniziamo.
Il piano d'azione è chiaro, quindi mettiamoci al lavoro!
Il concetto di polifonia
Il termine “polifonia” deriva dal latino polyphonia, dove poli significa “molti” e phonia si traduce come “suono”. Per polifonia si intende il principio dell'addizione di suoni (voci e melodie) sulla base dell'uguaglianza funzionale.
Si tratta della cosiddetta polifonia, cioè del suono simultaneo di due o più melodie e/o voci. La polifonia implica la fusione armonica di più voci e/o melodie indipendenti in un unico brano musicale.
Inoltre, la disciplina con lo stesso nome "Polifonia" viene insegnata nelle istituzioni educative musicali presso le facoltà e i dipartimenti di arte del compositore e musicologia.
Il termine straniero polyphonia in russo non ha subito trasformazioni significative, ad eccezione della scrittura in cirillico invece che in latino. E, a quanto pare, obbedisce alla regola "come si sente, così è scritto". La sfumatura è che questo termine viene ascoltato in modo diverso da tutti e anche gli accenti sono posizionati in modo diverso.
Quindi, nel "Dizionario della lingua slava e russa", pubblicato dall'Accademia imperiale delle scienze nel 1847, è prescritto di enfatizzare la seconda "o" nella parola "polifonia" e la seconda "e" nella parola “polifonico” [Dizionario, V.3, 1847]. Ecco come appare pagina in questa edizione:
Dalla metà del XX secolo e fino ad oggi, in lingua russa coesistono pacificamente due varianti di accento: sull'ultima "o" e sulla seconda lettera "i". Quindi, nella "Great Soviet Encyclopedia" si propone di porre l'accento sull'ultima "o" [V. Fraenov, 20]. Qui screenshot della pagina TSB:
Nel Dizionario esplicativo, curato dal linguista Sergei Kuznetsov, nella parola "polifonia" la seconda lettera "i" è sottolineata [S. Kuznetsov, 2000]. Nella parola "polifonico" l'accento è posto sulla lettera "e", come nelle precedenti edizioni:
Tieni presente che Google Translate supporta quest'ultima opzione e se inserisci la parola "polifonia" nella colonna di traduzione e fai clic sull'icona dell'altoparlante, sentirai chiaramente l'accento sull'ultima lettera "e". icona dell'altoparlante cerchiato in rosso nella foto:
Ora che abbiamo capito, in generale, cos'è la polifonia e come si pronuncia correttamente questa parola, possiamo approfondire l'argomento.
Origine e sviluppo della polifonia
La polifonia è un fenomeno piuttosto complesso nella musica e ha le sue caratteristiche nelle diverse culture. Quindi, nei paesi dell'Est, la polifonia aveva inizialmente una base prevalentemente strumentale. In altre parole, vi erano diffusi strumenti musicali a più corde, ensemble di archi, accompagnamento di archi del canto. Nei paesi occidentali, la polifonia era più spesso vocale. Era un canto corale, inclusa l'a cappella (senza accompagnamento musicale).
Lo sviluppo della polifonia nella fase iniziale è solitamente chiamato "eterofonia", cioè dissonanza. Così, già nel VII secolo, fu adottata la pratica di aggiungere una, due o più voci sopra il suono del corale, cioè il canto liturgico.
Nell'era del Medioevo e del Rinascimento, il mottetto si diffuse: voci a più voci. Non era un corale più una sovrastruttura di voci nella sua forma più pura. Questo era già un lavoro vocale più complesso, sebbene in esso gli elementi del corale siano molto evidenti. In generale, il mottetto è diventato una forma musicale ibrida che ha assorbito le tradizioni del canto ecclesiastico e secolare.
Anche il canto in chiesa è progredito tecnicamente. Così, nel Medioevo, si diffuse la cosiddetta Messa cattolica. Si basava sull'alternanza di parti soliste e corali. In generale, le messe e i mottetti dei secoli XV-XVI usavano piuttosto attivamente l'intero arsenale della polifonia. Il mood è stato creato aumentando e diminuendo la densità del suono, diverse combinazioni di voci alte e basse, l'inclusione graduale di singole voci o gruppi di voci.
Si sviluppò anche una tradizione canora esclusivamente laica. Quindi, nel XVI secolo, un formato di canzone come un mandrigal sta guadagnando popolarità. Questa è un'opera a due o tre voci, di regola, di un contenuto lirico d'amore. Gli inizi di questa cultura della canzone apparvero già nel XIV secolo, ma a quel tempo non ricevettero molto sviluppo. I madrigali dei secoli XVI-XVII sono caratterizzati da una varietà di ritmi, libertà di guida vocale, uso della modulazione (passaggio a un'altra tonalità alla fine dell'opera).
Il termine “richecar” deriva dal francese rechercher, che significa “cercare” (vi ricordate il famoso Cherchez la femme?) e, in relazione alla musica, può essere interpretato in diversi modi. Inizialmente, il termine indicava la ricerca dell'intonazione, in seguito la ricerca e lo sviluppo di motivi. Le forme più famose di richecar sono un pezzo per clavicembalo, un pezzo per un ensemble strumentale o vocale-strumentale.
Il richecar più antico è stato trovato in una raccolta di opere teatrali pubblicata nel 1540 a Venezia. Altri 4 brani per clavicembalo sono stati ritrovati nella raccolta di opere del compositore Girolamo Cavazzoni, pubblicata nel 1543. Il più famoso è il richecar a 6 voci dall'Offerta musicale di Bach, scritto dal grande genio già nel XVIII secolo.
Va notato che gli stili e la melodia della polifonia vocale erano già in quegli anni strettamente legati al testo. Quindi, per i testi lirici, i canti sono caratteristici e per le frasi brevi - la recitazione. In linea di principio, lo sviluppo delle tradizioni polifoniche può essere ridotto a due tendenze polifoniche.
Tendenze polifoniche del Medioevo:
| ✔ | Lettera rigorosa (stile rigoroso) - rigida regolamentazione dei principi della melodia e della guida vocale sulla base dei modi diatonici. Era usato principalmente nella musica sacra. |
| ✔ | lettera gratuita (stile libero) - una grande variabilità nei principi di costruzione di melodie e guida vocale, l'uso di modi maggiori e minori. Era usato principalmente nella musica profana. |
Hai imparato a conoscere i tasti nella lezione precedente, quindi ora capisci qual è la posta in gioco. Questa è l'informazione più generale sullo sviluppo delle tradizioni della polifonia. Maggiori dettagli sulla storia della formazione della polifonia nelle diverse culture e tendenze polifoniche possono essere trovati nella letteratura educativa speciale sul corso "Polifonia" [T. Muller, 1989]. Lì puoi anche trovare spartiti per brani musicali medievali e, se sei interessato, imparare alcune parti vocali e strumentali. A proposito, se non sai ancora cantare, ma vorresti imparare, puoi fare i primi passi verso la padronanza vocale studiando il nostro corso "Sviluppo vocale e vocale".
Ora è il momento di passare alle tecniche della polifonia per comprendere più chiaramente come la polifonia si forma in un'unica melodia.
Tecniche polifoniche
In qualsiasi corso di formazione sulla polifonia, puoi trovare un termine come contrappunto. Deriva dalla locuzione latina punctum contra punctum, che significa “punto contro punto”. O, in relazione alla musica, “nota contro nota”, “melodia contro melodia”.
Ciò non toglie che il termine “contrappunto” abbia diversi significati. E ora diamo un'occhiata ad alcune tecniche di base della polifonia.
imitazione
L'imitazione è quando una seconda voce (imitante) si unisce dopo un po 'al suono monofonico iniziale, che ripete il passaggio suonato in precedenza sulla stessa nota o su una nota diversa. Schematicamente sembra nel seguente modo:
Chiariamo che il termine “contrario” utilizzato nel diagramma è una voce che accompagna un'altra voce in una melodia polifonica. La consonanza armonica si ottiene utilizzando varie tecniche: ritmo aggiuntivo, cambio di schema melodico, ecc.
Imitazione canonica
Canonico, è anche imitazione continua – una tecnica più complessa in cui si ripete non solo il passaggio suonato in precedenza, ma anche la contro-addizione. Ecco com'è sembra uno schema:
Il termine "collegamenti", che vedi nel diagramma, si riferisce solo alle parti ripetute dell'imitazione canonica. Nell'illustrazione sopra, vediamo 3 elementi della voce iniziale, che vengono ripetuti dalla voce imitante. Quindi ci sono 3 link.
Canone finale e infinito
Il canone finito e il canone infinito sono varietà dell'imitazione canonica. Il canone infinito implica il ritorno del materiale originale a un certo punto nel tempo. Il canone finale non prevede tali ritorni. La figura sopra mostra una variante del canone finale. E ora vediamo che aspetto ha il canone infinito, e capisci la differenza:
Chiariamo che il canone infinito della 1a categoria significa un'imitazione con 2 maglie, e il canone infinito della 2a categoria è un'imitazione con il numero di maglie da 3 o più.
Sequenza semplice
Una sequenza semplice è il movimento di un elemento polifonico a un tono diverso, mentre il rapporto (intervallo) tra le parti componenti dell'elemento non cambia:
Quindi, nel diagramma, la lettera "A" indica convenzionalmente la voce iniziale, la lettera "B" indica la voce imitante, ei numeri 1 e 2 indicano il primo e il secondo spostamento dell'elemento polifonico.
Contrappunto complesso
Il contrappunto complesso è una tecnica polifonica che combina molte tecniche polifoniche che consentono di generare nuove melodie dalla polifonia originale modificando il rapporto delle voci o apportando modifiche alle melodie che compongono la polifonia originale.
Varietà di contrappunto complesso:
A seconda della direzione di permutazione delle voci melodiche si distinguono contrappunti mobili verticali, orizzontali e doppi (contemporaneamente verticali e orizzontali).
Infatti il contrappunto difficile si chiama solo “complesso”. Se lavori bene sul materiale della prossima lezione di ear training, riconoscerai facilmente questa tecnica polifonica a orecchio.
Queste sono solo alcune delle tecniche polifoniche più semplici da comprendere per un musicista principiante. Puoi saperne di più su queste e altre tecniche polifoniche dal libro di testo della musicologa, membro dell'Unione dei compositori della Russia, membro corrispondente dell'Accademia delle scienze e delle arti Petrovsky Valentina Osipova “Polyphony. Tecniche polifoniche” [V. Osipova, 2006].
Dopo aver studiato alcune delle tecniche della polifonia, ci sarà più facile comprendere la classificazione dei tipi di polifonia.
Tipi di polifonia
Ci sono 4 tipi principali di polifonia. Ciascuno dei tipi si basa principalmente su un certo tipo di tecniche polifoniche. I nomi dei tipi di polifonia nella maggior parte dei casi parlano da soli.
Quali sono i tipi di polifonia?
| 1 | imitazione – un tipo di polifonia in cui diverse voci si alternano suonando la stessa melodia. La polifonia d'imitazione include vari metodi di imitazione. |
| 2 | subvocale – un tipo di polifonia, in cui suonano simultaneamente la melodia principale e le sue variazioni, i cosiddetti echi. Gli echi possono avere diversi gradi di espressione e indipendenza, ma obbediscono necessariamente alla linea generale. |
| 3 | a contrasto (different-dark) – un tipo di polifonia, dove voci diverse e molto contrastanti sono combinate in un suono comune. Il contrasto è enfatizzato dalla differenza di ritmi, accenti, climax, velocità di movimento dei frammenti di melodia e in altri modi. Allo stesso tempo, l'unità e l'armonia della melodia sono fornite dalle relazioni complessive di tonalità e intonazione. |
| 4 | nascosto – un tipo di polifonia, in cui una linea melodica monofonica, per così dire, si scompone in diverse altre linee, ognuna delle quali ha le proprie inclinazioni intonazionali. |
Puoi leggere di più su ogni tipo di polifonia nel libro “Polyphony. Tecniche polifoniche” [V. Osipova, 2006], quindi lo lasciamo alla tua discrezione. Ci siamo avvicinati a un argomento così importante per ogni musicista e compositore come mixare musica.
Nozioni di base sul missaggio musicale
Il concetto di "polifonia" è direttamente correlato al missaggio della musica e all'ottenimento di una traccia audio completa. In precedenza abbiamo appreso che per polifonia si intende il principio dell'addizione di suoni (voci e melodie) sulla base dell'uguaglianza funzionale. Si tratta della cosiddetta polifonia, cioè del suono simultaneo di due o più melodie e/o voci. La polifonia implica la fusione armonica di più voci e/o melodie indipendenti in un unico brano musicale.
A rigor di termini, mixare musica è la stessa polifonia, solo su un computer e non su un pentagramma musicale. Il missaggio implica anche l'interazione di almeno due linee musicali: voce e "base musicale" o accompagnamento di uno strumento musicale. Se ci sono molti strumenti, la miscelazione si trasforma in un'organizzazione dell'interazione di molte linee melodiche, ognuna delle quali può essere continua durante l'intero lavoro, oppure apparire e scomparire periodicamente.
Se torni un po' indietro e guardi di nuovo la rappresentazione schematica delle tecniche polifoniche, vedrai molto in comune con l'interfaccia della maggior parte dei programmi per computer progettati per funzionare con il suono. Proprio come la maggior parte delle tecniche polifoniche sono rappresentate secondo lo schema "una voce - una traccia", i programmi di elaborazione del suono hanno una traccia separata per ogni linea melodica. Ecco come potrebbe apparire la versione più semplice del missaggio di due tracce su Soundforge:
Di conseguenza, se devi mixare, ad esempio, voce, chitarra elettrica, basso, sintetizzatore e batteria, ci saranno 5 tracce. E se devi fare una registrazione orchestrale in studio, ci saranno già diverse dozzine di tracce, una per ogni strumento.
Il processo di missaggio della musica non consiste solo nel seguire la notazione musicale e la posizione esatta dell'inizio e della fine delle linee musicali l'una rispetto all'altra. Anche se questo non è facile, se ci sono molte note da un sedicesimo, trentaduesimo e sessantaquattresimo nella registrazione, che sono più difficili da colpire rispetto ai numeri interi.
Certo, il produttore del suono deve ascoltare e neutralizzare le inclusioni di suoni estranei che possono apparire anche durante la registrazione in un buon studio, per non parlare delle registrazioni effettuate a casa o, al contrario, durante i concerti. Tuttavia, una registrazione dal vivo può anche essere di altissima qualità.
Un esempio è l'album dal vivo HAARP del gruppo rock britannico Muse. La registrazione è stata effettuata allo stadio di Wembley. Quindi, con una differenza di 1 giorno, si sono svolti 2 concerti del gruppo: il 16 e il 17 giugno. È interessante notare che per la versione audio su CD hanno preso la registrazione del 16 giugno e per la versione video su DVD hanno utilizzato registrazione del concerto, tenutasi il 17 giugno 2007:
In ogni caso, un tecnico del suono o un produttore del suono dovrà lavorare sodo per trasformare anche una complessa polifonia ben registrata in un lavoro finito a tutti gli effetti. Questo è davvero un processo creativo in cui devi tenere conto di molte sfumature. Ma, come abbiamo visto più volte, la musica è descritta da categorie numerabili piuttosto specifiche: hertz, decibel, ecc. E ci sono anche criteri per il missaggio di alta qualità di una traccia, e lì vengono utilizzati concetti artistici sia tecnici oggettivi che soggettivi.
Criteri per la registrazione audio di qualità
Questi criteri sono stati sviluppati dall'Organizzazione internazionale per la radiodiffusione televisiva e radiofonica (OIRT), che esisteva nella seconda metà del XX secolo, e sono noti come Protocollo OIRT, e le disposizioni del Protocollo prendono ancora molte strutture come base per valutare la qualità delle registrazioni audio. Consideriamo brevemente quali criteri dovrebbe soddisfare una registrazione di alta qualità secondo questo Protocollo.
Panoramica delle disposizioni del protocollo OIRT:
1 | Spaziale impressione – resta inteso che la registrazione deve suonare voluminosa e naturale, l'eco non deve soffocare il suono, i riflessi di riverbero e altri effetti speciali non devono interferire con la percezione della musica. |
2 | Trasparenza – implica l'intelligibilità del testo della canzone e la distinguibilità del suono di ogni singolo strumento che partecipa alla registrazione. |
3 | Musicale equilibrio – un rapporto confortevole tra il volume di voci e strumenti, varie parti del lavoro. |
4 | Timbro – suono confortevole del timbro di voci e strumenti, naturalezza della loro combinazione. |
5 | stereo – implica la simmetria della posizione dei segnali diretti e dei riflessi, l'uniformità e la naturalezza della posizione delle sorgenti sonore. |
6 | Qualità suono Immagine – assenza di difetti, distorsioni non lineari, interferenze, rumori estranei. |
7 | Caratterizzazione esecuzione – colpire le note, ritmo, tempo, intonazione corretta, buon lavoro di squadra. È consentita la deviazione dal tempo e dal ritmo per ottenere una maggiore espressione artistica. |
8 | Gamma dinamica – implica il rapporto tra segnale utile e rumore, il rapporto tra il livello sonoro ai picchi e alle sezioni più silenziose della registrazione, la corrispondenza della dinamica alle condizioni di ascolto attese. |
Il rispetto dei criteri del Protocollo è valutato su una scala a 5 punti. Il protocollo OIRT è seguito più da vicino nella valutazione della musica classica, folk e jazz. Per la musica elettronica, pop e rock, non esiste un unico protocollo per valutare la qualità del suono e le disposizioni del protocollo OIRT sono di natura più consultiva. In un modo o nell'altro, per effettuare una registrazione di alta qualità, sono necessarie determinate condizioni tecniche. Parliamo di loro in modo più dettagliato.
Supporto tecnico
Sopra, abbiamo già iniziato a parlare del fatto che per un risultato finale di alta qualità, è importante materiale sorgente di alta qualità. Pertanto, per la registrazione di alta qualità di musica jazz, classica e folk, viene spesso utilizzata la registrazione su una coppia di microfoni stereo, che successivamente non richiede il missaggio. In realtà, per il missaggio vengono utilizzate console di missaggio analogiche, digitali o virtuali (sono anche mixer). I sequencer vengono utilizzati per il missaggio virtuale delle tracce.
I requisiti tecnici per un computer sono generalmente prescritti dai produttori di programmi per computer per lavorare con il suono. Pertanto, puoi verificare la conformità del tuo dispositivo ai requisiti quando decidi sulla scelta del software. Ad oggi, ci sono diversi programmi popolari per l'elaborazione audio e il missaggio del suono.
Sound Forge
Innanzitutto, è già menzionato sopra Sound Forge. È conveniente perché ha una serie di funzioni di base per l'elaborazione del suono e puoi trovare una versione gratuita in lingua russa [MoiProgrammy.net, 2020]:
Se hai bisogno di capire la versione inglese, c'è una descrizione dettagliata [B. Kairov, 2018].
In secondo luogo, un altro programma in lingua russa comodo e semplice [Audacia, 2020]:
Oltre alla versione gratuita, puoi trovare un manuale molto sensato [Audacity 2.2.2, 2018].
Disumanizzatore 2
In terzo luogo, è amato dagli sviluppatori di giochi per computer e voci estreme. Disumanizzatore 2. L'interfaccia è in inglese ed è notevolmente più complicata, ma puoi capirlo:
E non sarà solo mixaggio, ma anche opportunità per il sound design [Krotos, 2020].
Cubase Elements
In quarto luogo, vale la pena prestare attenzione al programma Cubase Elements [Elementi di Cubase, 2020]. Lì, oltre al set standard di funzioni, c'è anche un pannello degli accordi che ti permetterà di creare una traccia "da zero" o "riportare alla mente" una registrazione precedentemente effettuata, applicando nella pratica le tecniche polifoniche apprese in precedenza:
Prima di iniziare, studia la panoramica delle funzioni del programma [A. Olenchikov, 2017].
Effectrix
E infine, questo è il sequencer di effetti Effectrix. Per lavorare con esso, hai bisogno di esperienza, ma vale la pena prendere nota di questo programma ora, perché con la pratica regolare, l'esperienza arriverà molto presto [Sugar Bytes, 2020]:
Puoi saperne di più dall'articolo "Programmi per mixare musica e voce", dove vengono presi in considerazione una dozzina di programmi, tra cui quelli per musicisti professionisti e DJ [V. Kairov, 2020]. E ora parliamo della preparazione per il missaggio del brano.
Preparazione della miscelazione e processo di miscelazione
Più sei preparato, più veloce e migliore sarà il mix. Non si tratta solo di supporto tecnico, un posto di lavoro confortevole e un'illuminazione di alta qualità. È importante tenere conto di diversi problemi organizzativi, nonché delle caratteristiche del lavoro degli emisferi cerebrali. In generale, prendi nota...
Come prepararsi per il processo di miscelazione:
| ✔ | Etichetta tutti i file audio di origine in modo che sia chiaro dove si trova tutto. Non solo 01, 02, 03 e oltre, ma “voce”, “basso”, “batteria”, “cori” e così via. |
| ✔ | Indossa le cuffie e rimuovi i clic manualmente o con un software di pulizia del suono. Anche se usi i programmi, controlla il risultato a orecchio. Questo lavoro di routine dovrebbe essere svolto prima dell'inizio del processo creativo. diversi emisferi del cervello sono responsabili della creatività e della razionalità e il passaggio costante da un processo all'altro ridurrà la qualità di entrambi. Puoi scegliere un programma nella recensione "I 7 migliori plug-in e programmi per pulire il suono dal rumore" [Arefyevstudio, 2018]. |
| ✔ | Bilancia il volume ascoltando prima la registrazione in mono. Ciò ti consentirà di identificare rapidamente lo squilibrio del volume nel suono di diversi strumenti musicali e voci. |
| ✔ | Regola tutti gli equalizzatori per migliorare il bilanciamento delle frequenze. Ricordare che l'impostazione dell'equalizzatore influisce sulle prestazioni del volume. Pertanto, dopo l'accordatura, controllare nuovamente il bilanciamento del volume. |
Inizia il processo di missaggio con la batteria, poiché occupa una parte significativa della gamma di frequenze dalle basse (grancassa) alle alte frequenze (piatti). Solo dopo passa ad altri strumenti e alla voce. Dopo aver mixato gli strumenti principali, aggiungere, se previsto, effetti speciali (eco, distorsione, modulazione, compressione, ecc.).
Successivamente, è necessario formare un'immagine stereo, ovvero disporre tutti i suoni nel campo stereo. Successivamente, regola l'arrangiamento, se necessario, e inizia a lavorare sulla profondità del suono. Per fare questo, aggiungi ritardi e riverbero ai suoni, ma non troppo, altrimenti "premerà sulle orecchie" degli ascoltatori.
Al termine, controllare nuovamente il volume, l'equalizzazione, le impostazioni degli effetti e regolare se necessario. Prova il brano finito in studio, e poi su diversi dispositivi: esegui il file audio sul tuo smartphone, tablet, ascoltalo in macchina. Se ovunque il suono viene percepito normalmente, allora tutto è fatto correttamente!
Se ti imbatti in molte parole sconosciute, leggi il libro "Computer Sound Processing" [A. Zagumennov, 2011]. Non essere imbarazzato dal fatto che si consideri molto sull'esempio delle vecchie versioni dei programmi per computer. Le leggi della fisica non sono cambiate da allora. A coloro che hanno già provato a lavorare con i programmi di missaggio del suono, si può consigliare di leggere "Errori durante il missaggio della musica", che allo stesso tempo fornisce consigli su come evitarli [I. Evsyukov, 2018].
Se trovi più facile percepire una spiegazione dal vivo, puoi vedere video di allenamento su questo argomento:
Durante il processo di miscelazione, si consiglia di fare brevi pause ogni 45 minuti. Questo è utile non solo per la tua salute, ma anche per ripristinare l'obiettività della percezione uditiva. L'orecchio musicale è molto importante per un missaggio di alta qualità. Tutta la nostra prossima lezione è dedicata allo sviluppo dell'orecchio per la musica, ma per ora ti offriamo di superare un test per padroneggiare il materiale di questa lezione.
Test di comprensione della lezione
Se vuoi mettere alla prova le tue conoscenze sull'argomento di questa lezione, puoi sostenere un breve test composto da diverse domande. Solo 1 opzione può essere corretta per ogni domanda. Dopo aver selezionato una delle opzioni, il sistema passa automaticamente alla domanda successiva. I punti che ricevi sono influenzati dalla correttezza delle tue risposte e dal tempo dedicato al passaggio. Tieni presente che le domande sono diverse ogni volta e le opzioni vengono mescolate.
E ora passiamo allo sviluppo dell'orecchio musicale.
