Franz Liszt Franz Liszt |

Franz Liszt

Senza Liszt nel mondo, l'intero destino della nuova musica sarebbe diverso. V.Stasova

L'attività compositiva di F. Liszt è inseparabile da tutte le altre forme della varia e intensissima attività di questo vero appassionato d'arte. Pianista e direttore d'orchestra, critico musicale e instancabile personaggio pubblico, era “goloso e sensibile a tutto ciò che è nuovo, fresco, vitale; il nemico di tutto ciò che è convenzionale, ambulante, routinario” (A. Borodin).

F. Liszt nacque nella famiglia di Adam Liszt, un pastore nella tenuta del principe Esterhazy, un musicista dilettante che diresse le prime lezioni di pianoforte di suo figlio, che iniziò a esibirsi pubblicamente all'età di 9 anni, e nel 1821- 22. ha studiato a Vienna con K. Czerny (pianoforte) e A. Salieri (composizione). Dopo concerti di successo a Vienna e Pest (1823), A. Liszt portò suo figlio a Parigi, ma l'origine straniera si rivelò un ostacolo all'ingresso nel conservatorio e l'educazione musicale di Liszt fu integrata da lezioni private di composizione di F. Paer e A. Reicha. Il giovane virtuoso conquista Parigi e Londra con le sue esibizioni, compone molto (l'opera in un atto Don Sancho, o Il castello dell'amore, brani per pianoforte).

La morte del padre nel 1827, che costrinse presto Liszt a prendersi cura della propria esistenza, lo pose di fronte al problema della posizione umiliante dell'artista nella società. La visione del mondo del giovane si forma sotto l'influenza delle idee del socialismo utopico di A. Saint-Simon, del socialismo cristiano dell'abate F. Lamennay e dei filosofi francesi del XIX secolo. ecc. La rivoluzione di luglio del 1830 a Parigi diede origine all'idea della "Sinfonia rivoluzionaria" (rimasta incompiuta), la rivolta dei tessitori a Lione (1834) - il pezzo per pianoforte "Lione" (con un'epigrafe - il motto dei ribelli “Vivere, lavorare o morire combattendo” ). Gli ideali artistici di Liszt si formano in linea con il romanticismo francese, in comunicazione con V. Hugo, O. Balzac, G. Heine, sotto l'influenza dell'arte di N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz. Sono formulate in una serie di articoli “Sulla posizione delle persone d'arte e sulle condizioni della loro esistenza nella società” (1835) e in “Lettere del baccelliere” (1837-39), scritte in collaborazione con M. d'Agout (in seguito scrisse sotto lo pseudonimo di Daniel Stern), con cui Liszt intraprese un lungo viaggio in Svizzera (1835-37), dove insegnò al Conservatorio di Ginevra, e in Italia (1837-39).

Gli “anni di vagabondaggio” iniziati nel 1835 continuarono in tour intensivi di numerose razze d'Europa (1839-47). L'arrivo di Liszt nella nativa Ungheria, dove fu onorato come eroe nazionale, fu un vero trionfo (i proventi dei concerti furono inviati per aiutare le persone colpite dall'alluvione che colpì il Paese). Tre volte (1842, 1843, 1847) Liszt visitò la Russia, stabilendo amicizie per tutta la vita con musicisti russi, trascrivendo la marcia di Chernomor da Ruslan e Lyudmila di M. Glinka, il romanzo di A. Alyabyev L'usignolo, ecc. Numerose trascrizioni, fantasie, parafrasi, create da Liszt in questi anni rifletteva non solo i gusti del pubblico, ma testimoniava anche la sua attività musicale ed educativa. Ai concerti per pianoforte di Liszt, le sinfonie di L. Beethoven e la “Fantastica Sinfonia” di G. Berlioz, ouverture di “Guglielmo Tell” di G. Rossini e “The Magic Shooter” di KM Weber, brani di F. Schubert, preludi d'organo e fughe di JS Bach, oltre a parafrasi e fantasie d'opera (su temi del Don Giovanni di WA Mozart, opere di V. Bellini, G. Donizetti, G. Meyerbeer, e successivamente di G. Verdi), trascrizioni di frammenti dalle opere di Wagner e così via. Il pianoforte nelle mani di Liszt diventa uno strumento universale capace di ricreare tutta la ricchezza del suono delle partiture operistiche e sinfoniche, la potenza dell'organo e la melodiosità della voce umana.

Intanto i trionfi del grande pianista, che con la forza elementare del suo burrascoso temperamento artistico conquistò tutta l'Europa, gli procurarono sempre meno vere soddisfazioni. Era sempre più difficile per Liszt assecondare i gusti del pubblico, per il quale il suo fenomenale virtuosismo e la vistosità esteriore della performance spesso oscuravano le serie intenzioni dell'educatore, che cercava di "spegnere il fuoco nel cuore delle persone". Dopo aver tenuto un concerto d'addio a Elizavetgrad in Ucraina nel 1847, Liszt si trasferì in Germania, nella tranquilla Weimar, consacrata dalle tradizioni di Bach, Schiller e Goethe, dove ricoprì l'incarico di maestro di banda alla corte principesca, diresse l'orchestra e l'opera casa.

Il periodo di Weimar (1848-61) – il tempo della “concentrazione del pensiero”, come lo definì lo stesso compositore – è soprattutto un periodo di intensa creatività. Liszt completa e rielabora molte composizioni precedentemente create o iniziate e implementa nuove idee. Quindi dal creato negli anni '30. Cresce “Album del viaggiatore” “Anni di peregrinazioni” – cicli di brani pianistici (anno 1 – Svizzera, 1835-54; anno 2 – Italia, 1838-49, con l'aggiunta di “Venezia e Napoli”, 1840-59) ; ricevere gli studi finali finali della massima abilità esecutiva ("Etudes of trascendent performance", 1851); “Grandi studi sui capricci di Paganini” (1851); “Armonie poetiche e religiose” (10 pezzi per pianoforte, 1852). Continuando a lavorare sulle melodie ungheresi (Melodie nazionali ungheresi per pianoforte, 1840-43; "Rapsodie ungheresi", 1846), Liszt crea 15 "Rapsodie ungheresi" (1847-53). L'implementazione di nuove idee porta all'emergere delle opere centrali di Liszt, incarnando le sue idee in nuove forme: Sonate in si minore (1852-53), 12 poemi sinfonici (1847-57), "Faust Symphonies" di Goethe (1854 -57) e Sinfonia per la Divina Commedia di Dante (1856). A loro si uniscono 2 concerti (1849-56 e 1839-61), “Dance of Death” per pianoforte e orchestra (1838-49), “Mephisto-Waltz” (basato su “Faust” di N. Lenau, 1860), eccetera.

A Weimar, Liszt organizza l'esecuzione delle migliori opere di classici dell'opera e della sinfonia, le ultime composizioni. Ha messo in scena per la prima volta Lohengrin di R. Wagner, Manfred di J. Byron con musiche di R. Schumann, ha diretto sinfonie e opere di G. Berlioz, ecc. allo scopo di affermare i nuovi principi dell'arte romantica avanzata (il libro F. Chopin, 1850; gli articoli Berlioz e la sua Harold Symphony, Robert Schumann, L'olandese volante di R. Wagner, ecc.). Le stesse idee sono alla base dell'organizzazione della "Nuova Unione di Weimar" e della "Generale Unione Musicale Tedesca", durante la cui creazione Liszt contava sul sostegno di musicisti di spicco raggruppati intorno a lui a Weimar (I. Raff, P. Cornelius, K. Tausig, G. Bulow e altri).

Tuttavia, l'inerzia filisteo e gli intrighi della corte di Weimar, che ostacolavano sempre più l'attuazione dei grandiosi piani di List, lo costrinsero a dimettersi. Dal 1861 Liszt visse a lungo a Roma, dove tentò di riformare la musica sacra, scrisse l'oratorio "Cristo" (1866) e nel 1865 ricevette il grado di abate (in parte sotto l'influenza della principessa K. Wittgenstein , con il quale si avvicinò già nel 1847 G.). Anche le pesanti perdite contribuirono allo stato d'animo di delusione e scetticismo: la morte del figlio Daniel (1860) e della figlia Blandina (1862), che continuò a crescere negli anni, un senso di solitudine e incomprensione delle sue aspirazioni artistiche e sociali. Si riflettevano in una serie di opere successive: il terzo "Year of Wanderings" (Roma; suona "Cypresses of Villa d'Este", 1 e 2, 1867-77), brani per pianoforte ("Grey Clouds", 1881; " Funeral Gondola”, “Czardas death”, 1882), la seconda (1881) e la terza (1883) “Mephisto Waltzes”, nell'ultimo poema sinfonico “Dalla culla alla tomba” (1882).

Tuttavia, negli anni '60 e '80 Liszt dedica una quantità particolarmente grande di forza ed energia alla costruzione della cultura musicale ungherese. Vive regolarmente a Pest, vi esegue le sue opere, comprese quelle legate a temi nazionali (l'oratorio La leggenda di Santa Elisabetta, 1862; La messa dell'incoronazione ungherese, 1867, ecc.), contribuisce alla fondazione dell'Accademia di musica a Pest (ne fu il primo presidente), scrive il ciclo pianistico “Ritratti storici ungheresi”, 1870-86), le ultime “Rapsodie ungheresi” (16-19), ecc. A Weimar, dove Liszt tornò nel 1869, si impegnò con numerose studenti provenienti da diversi paesi (A. Siloti, V. Timanova, E. d'Albert, E. Sauer e altri). Anche i compositori lo visitano, in particolare Borodin, che ha lasciato ricordi molto interessanti e vividi di Liszt.

Liszt ha sempre catturato e sostenuto il nuovo e l'originale nell'arte con eccezionale sensibilità, contribuendo allo sviluppo della musica delle scuole nazionali europee (ceche, norvegesi, spagnole, ecc.), evidenziando in particolare la musica russa - il lavoro di M. Glinka, A. Dargomyzhsky, i compositori di The Mighty Handful, arti dello spettacolo A. e N. Rubinsteinov. Per molti anni Liszt ha promosso il lavoro di Wagner.

Il genio pianistico di Liszt determinò il primato della musica per pianoforte, dove per la prima volta presero forma le sue idee artistiche, guidate dall'idea della necessità di un'attiva influenza spirituale sulle persone. Il desiderio di affermare la missione educativa dell'arte, di unire per questo tutti i suoi tipi, di elevare la musica al livello della filosofia e della letteratura, di sintetizzare in essa la profondità del contenuto filosofico e poetico con il pittoresco, si incarnava nell'idea di Liszt di ​programmabilità in musica. Lo definì come “il rinnovamento della musica attraverso la sua connessione interna con la poesia, come la liberazione del contenuto artistico dallo schematismo”, portando alla creazione di nuovi generi e forme. Le commedie di Listov degli anni di peregrinazioni, che incarnano immagini vicine a opere di letteratura, pittura, scultura, leggende popolari (sonata-fantasy “Dopo aver letto Dante”, “Petrarca Sonetti”, “Fidanzamento” basato su un dipinto di Raffaello, “Il pensatore " Basato su una scultura di Michelangelo, "La cappella di Guglielmo Tell", associata all'immagine dell'eroe nazionale della Svizzera), o immagini della natura ("Sul lago Wallenstadt", "Alla primavera"), sono poesie musicali di diverse scale. Lo stesso Liszt ha introdotto questo nome in relazione ai suoi grandi programmi sinfonici in un movimento. I loro titoli indirizzano l'ascoltatore alle poesie di A. Lamartine ("Preludi"), V. Hugo ("Ciò che si sente sulla montagna", "Mazeppa" - c'è anche uno studio per pianoforte con lo stesso titolo), F. Schiller ("Ideali"); alle tragedie di W. Shakespeare (“Amleto”), J. Herder (“Prometeo”), al mito antico (“Orfeo”), al dipinto di W. Kaulbach (“Battaglia degli Unni”), al dramma di JW Goethe (“Tasso” , la poesia è vicina alla poesia di Byron “The Complaint of Tasso”).

Nella scelta delle fonti, Liszt si sofferma su opere che contengono idee consonanti sul senso della vita, i misteri dell'essere (“Preludi”, “Faust Sinfonia”), il tragico destino dell'artista e la sua gloria postuma (“Tasso”, con il sottotitolo “Reclamo e Trionfo”). È anche attratto dalle immagini dell'elemento popolare ("Tarantella" dal ciclo "Venezia e Napoli", "Rapsodia spagnola" per pianoforte), soprattutto in relazione alla sua nativa Ungheria ("Rapsodie ungheresi", poema sinfonico "Ungheria" ). Il tema eroico ed eroico-tragico della lotta di liberazione nazionale del popolo ungherese, la rivoluzione del 1848-49, risuonava con straordinaria forza nell'opera di Liszt. e le sue sconfitte ("Rakoczi March", "Funeral Procession" per pianoforte; poema sinfonico "Lament for Heroes", ecc.).

Liszt è passato alla storia della musica come un audace innovatore nel campo della forma musicale, dell'armonia, ha arricchito il suono del pianoforte e dell'orchestra sinfonica con nuovi colori, ha fornito interessanti esempi di risoluzione dei generi dell'oratorio, una canzone romantica ("Lorelei" su L'arte di H. Heine, "Like the Spirit of Laura" su St. V. Hugo, "Three Gypsies" su St. N. Lenau, ecc.), opere per organo. Prendendo molto dalle tradizioni culturali di Francia e Germania, essendo un classico nazionale della musica ungherese, ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo della cultura musicale in tutta Europa.

E. Zareva

• La vita e il percorso creativo di Liszt →

Liszt è un classico della musica ungherese. Le sue connessioni con altre culture nazionali. Aspetto creativo, visioni sociali ed estetiche di Liszt. La programmazione è il principio guida della sua creatività

Liszt - il più grande compositore del 30° secolo, un brillante pianista e direttore d'orchestra innovatore, un'eccezionale figura musicale e pubblica - è l'orgoglio nazionale del popolo ungherese. Ma il destino di Liszt si è rivelato tale che ha lasciato presto la sua terra natale, ha trascorso molti anni in Francia e Germania, visitando solo occasionalmente l'Ungheria, e solo verso la fine della sua vita vi ha vissuto a lungo. Ciò ha determinato la complessità dell'immagine artistica di Liszt, i suoi stretti legami con la cultura francese e tedesca, dalla quale ha preso molto, ma alla quale ha dato molto con la sua vigorosa attività creativa. Né la storia della vita musicale a Parigi negli anni 'XNUMX, né la storia della musica tedesca a metà del XIX secolo, sarebbero complete senza il nome di Liszt. Tuttavia, appartiene alla cultura ungherese e il suo contributo alla storia dello sviluppo del suo paese natale è enorme.

Lo stesso Liszt raccontava che, avendo trascorso la sua giovinezza in Francia, la considerava la sua patria: “Qui riposano le ceneri di mio padre, qui, presso la sacra tomba, ha trovato rifugio il mio primo dolore. Come potevo non sentirmi figlio di un Paese dove ho tanto sofferto e tanto amato? Come potevo immaginare di essere nato in un altro paese? Quell'altro sangue scorre nelle mie vene, che i miei cari vivono altrove? Dopo aver appreso nel 1838 del terribile disastro - l'alluvione che colpì l'Ungheria, si sentì profondamente scioccato: "Queste esperienze e sentimenti mi hanno rivelato il significato della parola" patria "."

Liszt era orgoglioso della sua gente, della sua patria, e sottolineava costantemente di essere ungherese. “Di tutti gli artisti viventi”, disse nel 1847, “io sono l'unico che osa indicare con orgoglio la sua orgogliosa patria. Mentre gli altri vegetavano in pozze poco profonde, io navigavo sempre in avanti nel mare in piena corrente di una grande nazione. Credo fermamente nella mia stella guida; lo scopo della mia vita è che un giorno l'Ungheria possa indicarmi con orgoglio. E lo ripete un quarto di secolo dopo: “Mi si permetta di ammettere che, nonostante la mia deplorevole ignoranza della lingua ungherese, rimango magiaro dalla culla alla tomba nel corpo e nell'anima e, in accordo con questa gravissima modo, mi sforzo di sostenere e sviluppare la cultura musicale ungherese”.

Durante la sua carriera, Liszt si è rivolto al tema ungherese. Nel 1840 scrisse la Marcia eroica in stile ungherese, poi la cantata Ungheria, il famoso Corteo funebre (in onore degli eroi caduti) e, infine, diversi quaderni di melodie e rapsodie nazionali ungheresi (ventuno pezzi in totale). . Nel periodo centrale - il 1850, furono creati tre poemi sinfonici associati alle immagini della patria ("Lament for the Heroes", "Hungary", "Battaglia degli Unni") e quindici rapsodie ungheresi, che sono arrangiamenti gratuiti di folk melodie. I temi ungheresi possono essere ascoltati anche nelle opere spirituali di Liszt, scritte appositamente per l'Ungheria: "Grande messa", "Leggenda di Santa Elisabetta", "Messa dell'incoronazione ungherese". Ancora più spesso si rivolge al tema ungherese negli anni '70 e '80 nelle sue canzoni, brani per pianoforte, arrangiamenti e fantasie sui temi delle opere dei compositori ungheresi.

Ma queste opere ungheresi, di per sé numerose (il loro numero arriva a centotrenta), non sono isolate nell'opera di Liszt. Altre opere, soprattutto quelle eroiche, hanno caratteristiche comuni con esse, svolte specifiche separate e principi di sviluppo simili. Non esiste una linea netta tra le opere ungheresi e "straniere" di Liszt: sono scritte nello stesso stile e arricchite con le conquiste dell'arte classica e romantica europea. Ecco perché Liszt è stato il primo compositore a portare la musica ungherese nell'arena mondiale.

Tuttavia, non solo il destino della madrepatria lo preoccupava.

Fin dalla sua giovinezza, sognava di dare un'educazione musicale agli strati più ampi del popolo, in modo che i compositori creassero canzoni sul modello della Marsigliese e altri inni rivoluzionari che sollevassero le masse a lottare per la loro liberazione. Liszt ebbe la premonizione di una rivolta popolare (la cantò nel pezzo per pianoforte “Lyon”) e sollecitò i musicisti a non limitarsi ai concerti a beneficio dei poveri. “Per troppo tempo nei palazzi li hanno guardati (ai musicisti.— MD) come servitori di corte e parassiti, per troppo tempo hanno glorificato gli amori dei forti e le gioie dei ricchi: è giunta finalmente per loro l'ora di risvegliare il coraggio nei deboli e alleviare le sofferenze degli oppressi! L'arte dovrebbe infondere bellezza nelle persone, ispirare decisioni eroiche, risvegliare l'umanità, mostrarsi! Nel corso degli anni, questa convinzione nell'alto ruolo etico dell'arte nella vita della società ha provocato un'attività educativa su scala grandiosa: Liszt ha agito come pianista, direttore d'orchestra, critico - un attivo propagandista delle migliori opere del passato e del presente. Lo stesso era subordinato al suo lavoro di insegnante. E, naturalmente, con il suo lavoro, ha voluto stabilire alti ideali artistici. Questi ideali, tuttavia, non gli erano sempre presentati chiaramente.

Liszt è il più brillante rappresentante del romanticismo nella musica. Ardente, entusiasta, emotivamente instabile, appassionato alla ricerca, lui, come altri compositori romantici, ha attraversato molte prove: il suo percorso creativo è stato complesso e contraddittorio. Liszt visse in tempi difficili e, come Berlioz e Wagner, non sfuggì a esitazioni e dubbi, le sue opinioni politiche erano vaghe e confuse, amava la filosofia idealistica, a volte cercava persino conforto nella religione. "La nostra epoca è malata e noi ne siamo malati", ha risposto Liszt ai rimproveri per la mutevolezza delle sue opinioni. Ma il carattere progressivo del suo lavoro e delle sue attività sociali, la straordinaria nobiltà morale del suo aspetto di artista e di persona sono rimasti immutati per tutta la sua lunga vita.

"Essere l'incarnazione della purezza morale e dell'umanità, averla acquisita a costo di difficoltà, sacrifici dolorosi, servire come bersaglio per il ridicolo e l'invidia: questa è la solita sorte dei veri maestri d'arte", ha scritto il ventiquattrenne Liszt, quindicenne. Ed è così che è sempre stato. Ricerche intense e dure lotte, lavoro titanico e perseveranza nel superare gli ostacoli lo hanno accompagnato per tutta la vita.

I pensieri sull'alto scopo sociale della musica hanno ispirato il lavoro di Liszt. Si è sforzato di rendere le sue opere accessibili alla più ampia gamma di ascoltatori, e questo spiega la sua ostinata attrazione per la programmazione. Già nel 1837, Liszt sostanzia sinteticamente la necessità della programmazione in musica e i principi di base a cui si atterrà durante tutto il suo lavoro: “Per alcuni artisti, il loro lavoro è la loro vita … Soprattutto un musicista che si ispira alla natura, ma non copia esso, esprime in suoni i più reconditi segreti del suo destino. Egli vi pensa, incarna sentimenti, parla, ma il suo linguaggio è più arbitrario e indefinito di ogni altro, e, come belle nuvole dorate che assumono al tramonto qualsiasi forma data loro dalla fantasia di un viandante solitario, si presta anche facilmente alle più svariate interpretazioni. Pertanto, non è affatto inutile e comunque non divertente – come spesso amano dire – se un compositore abbozza in poche righe uno schizzo della sua opera e, senza cadere in dettagli e dettagli meschini, esprime l'idea che serviva lui come base per la composizione. Quindi la critica sarà libera di lodare o biasimare l'incarnazione più o meno riuscita di questa idea.

Il passaggio di Liszt alla programmazione è stato un fenomeno progressivo, dovuto all'intera direzione delle sue aspirazioni creative. Liszt voleva parlare attraverso la sua arte non con una ristretta cerchia di intenditori, ma con le masse di ascoltatori, per emozionare milioni di persone con la sua musica. È vero, la programmazione di Liszt è contraddittoria: nel tentativo di incarnare grandi pensieri e sentimenti, spesso cadeva nell'astrazione, in un vago filosofare, limitando così involontariamente la portata delle sue opere. Ma i migliori superano questa astratta incertezza e vaghezza del programma: le immagini musicali create da Liszt sono concrete, comprensibili, i temi sono espressivi e in rilievo, la forma è chiara.

Basandosi sui principi della programmazione, affermando il contenuto ideologico dell'arte con la sua attività creativa, Liszt ha arricchito insolitamente le risorse espressive della musica, cronologicamente davanti anche a Wagner sotto questo aspetto. Con le sue scoperte colorate, Liszt ha ampliato la portata della melodia; allo stesso tempo, può essere giustamente considerato uno degli innovatori più arditi del XIX secolo nel campo dell'armonia. Liszt è anche il creatore di un nuovo genere di "poema sinfonico" e di un metodo di sviluppo musicale chiamato "monotematismo". Infine, i suoi successi nel campo della tecnica e della consistenza del pianoforte sono particolarmente significativi, poiché Liszt era un brillante pianista, di cui la storia non ha avuto pari.

L'eredità musicale che ha lasciato è enorme, ma non tutte le opere sono uguali. Le aree principali nel lavoro di Liszt sono il pianoforte e la sinfonia - qui le sue innovative aspirazioni ideologiche e artistiche erano in piena forza. Di indubbio valore sono le composizioni vocali di Liszt, tra le quali spiccano le canzoni; mostrava scarso interesse per l'opera e la musica strumentale da camera.

Temi, immagini della creatività di Liszt. Il suo significato nella storia dell'arte musicale ungherese e mondiale

L'eredità musicale di Liszt è ricca e varia. Ha vissuto secondo gli interessi del suo tempo e si è sforzato di rispondere in modo creativo alle reali esigenze della realtà. Da qui l'eroico magazzino della musica, il suo dramma intrinseco, l'energia ardente, il pathos sublime. I tratti dell'idealismo insiti nella visione del mondo di Liszt, tuttavia, hanno influenzato una serie di opere, dando origine a una certa indefinitezza di espressione, vaghezza o astrattezza di contenuto. Ma nelle sue opere migliori questi momenti negativi vengono superati - in essi, per usare l'espressione di Cui, "la vita genuina ribolle".

Lo stile nettamente individuale di Liszt ha sciolto molte influenze creative. L'eroismo e il potente dramma di Beethoven, insieme al violento romanticismo e alla vivacità di Berlioz, al demonismo e al brillante virtuosismo di Paganini, hanno avuto un'influenza decisiva sulla formazione dei gusti artistici e delle visioni estetiche del giovane Liszt. La sua ulteriore evoluzione creativa procedette sotto il segno del romanticismo. Il compositore ha assorbito avidamente impressioni di vita, letterarie, artistiche e addirittura musicali.

Una biografia insolita ha contribuito al fatto che varie tradizioni nazionali sono state combinate nella musica di Liszt. Dalla scuola romantica francese, ha preso contrasti luminosi nella giustapposizione delle immagini, il loro pittoresco; dalla musica operistica italiana del XIX secolo (Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi) – passione emotiva e beatitudine sensuale della cantilena, intensa recitazione vocale; dalla scuola tedesca - l'approfondimento e l'espansione dei mezzi di espressività dell'armonia, sperimentazione nel campo della forma. A quanto detto bisogna aggiungere che nel periodo maturo della sua opera List subì anche l'influenza delle giovani scuole nazionali, in primo luogo russe, di cui studiò con grande attenzione le realizzazioni.

Tutto questo era organicamente fuso nello stile artistico di Liszt, che è inerente alla struttura nazionale-ungherese della musica. Ha certe sfere di immagini; Tra questi, si possono distinguere cinque gruppi principali:

1) Le immagini eroiche di un personaggio vivacemente maggiore e invocativo sono contrassegnate da una grande originalità. Sono caratterizzati da un magazzino orgogliosamente cavalleresco, brillantezza e brillantezza della presentazione, suono leggero del rame. Melodia elastica, ritmo punteggiato è "organizzato" da un'andatura in marcia. È così che appare nella mente di Liszt un eroe coraggioso, che lotta per la felicità e la libertà. Le origini musicali di queste immagini sono nei temi eroici di Beethoven, in parte Weber, ma soprattutto, è qui, in quest'area, che si vede più chiaramente l'influenza della melodia nazionale ungherese.

Tra le immagini di processioni solenni, ci sono anche temi più improvvisati, minori, percepiti come un racconto o una ballata sul passato glorioso del paese. La giustapposizione di minore - parallelo maggiore e l'uso diffuso della melismatica sottolineano la ricchezza del suono e la varietà del colore.

2) Le immagini tragiche sono una sorta di parallelo a quelle eroiche. Tali sono le processioni funebri preferite di Liszt oi canti di lamento (il cosiddetto "trenody"), la cui musica è ispirata ai tragici eventi della lotta di liberazione del popolo in Ungheria o alla morte delle sue principali figure politiche e pubbliche. Il ritmo della marcia qui diventa più acuto, diventa più nervoso, a scatti e spesso invece di

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(ad esempio, il secondo tema del primo movimento del Secondo Concerto per pianoforte). Ricordiamo le marce funebri di Beethoven ei loro prototipi nella musica della Rivoluzione francese alla fine del XIX secolo (vedi, ad esempio, la famosa marcia funebre di Gossek). Ma Liszt è dominato dal suono dei tromboni, dei bassi profondi, “bassi”, delle campane funebri. Come osserva il musicologo ungherese Bence Szabolczy, "queste opere tremano di una cupa passione, che troviamo solo nelle ultime poesie di Vörösmarty e negli ultimi dipinti del pittore Laszlo Paal".

Le origini nazional-ungheresi di tali immagini sono indiscutibili. Per vederlo, basta fare riferimento al poema orchestrale "Lament for the Heroes" ("Heroi'de funebre", 1854) o al popolare brano per pianoforte "The Funeral Procession" ("Funerailles", 1849). Già il primo tema, che si svolge lentamente, del "Corteo funebre" contiene un caratteristico giro di un secondo allargato, che conferisce un'oscurità speciale alla marcia funebre. L'astringenza del suono (armonica maggiore) si conserva nella successiva cantilena lirica dolente. E, come spesso con Liszt, le immagini del lutto si trasformano in immagini eroiche: a un potente movimento popolare, a una nuova lotta, la morte di un eroe nazionale sta chiamando.

3) Un'altra sfera emotiva e semantica è associata alle immagini che trasmettono sentimenti di dubbio, uno stato d'animo ansioso. Questo complesso insieme di pensieri e sentimenti tra i romantici era associato all'idea del Faust di Goethe (confronta con Berlioz, Wagner) o del Manfred di Byron (confronta con Schumann, Ciajkovskij). L'Amleto di Shakespeare era spesso incluso nella cerchia di queste immagini (confronta con Čajkovskij, con la poesia di Liszt). L'incarnazione di tali immagini richiedeva nuovi mezzi espressivi, soprattutto nel campo dell'armonia: Liszt usa spesso intervalli aumentati e diminuiti, cromatismi, anche armonie fuori tono, combinazioni di quarti, modulazioni audaci. “In questo mondo di armonia brucia una sorta di impazienza febbrile e straziante”, sottolinea Sabolci. Queste sono le frasi di apertura di entrambe le sonate per pianoforte o della Faust Symphony.

4) Spesso vengono utilizzati mezzi espressivi vicini nel significato nella sfera figurativa dove predominano la beffa e il sarcasmo, viene trasmesso lo spirito di negazione e distruzione. Quel “satanico” che Berlioz tratteggiava nel “Sabato delle streghe” della “Fantastica Sinfonia” acquista in Liszt un carattere ancora più spontaneamente irresistibile. Questa è la personificazione delle immagini del male. La base del genere – la danza – appare ora in una luce distorta, con accenti taglienti, in consonanze dissonanti, sottolineate da note di grazia. L'esempio più ovvio di ciò sono i tre Mephisto Waltzes, il finale della Faust Symphony.

5) Il foglio ha anche catturato espressamente un'ampia gamma di sentimenti d'amore: ebbrezza di passione, impulso estatico o beatitudine sognante, languore. Ora è una cantilena dal respiro teso nello spirito delle opere italiane, ora una recita oratoriamente eccitata, ora uno squisito languore di armonie "tristaniche", abbondantemente fornite di alterazioni e cromatismi.

Naturalmente, non ci sono demarcazioni nette tra le marcate sfere figurative. I temi eroici sono vicini al tragico, i motivi “faustiani” sono spesso trasformati in “Mefistofele”, e i temi “erotici” comprendono sia i sentimenti nobili e sublimi sia le tentazioni della seduzione “satanica”. Inoltre, la tavolozza espressiva di Liszt non si esaurisce in questo: nelle "Rapsodie ungheresi" predominano le immagini di danza di genere folcloristico, negli "Anni di vagabondaggio" ci sono molti schizzi di paesaggi, negli studi (o concerti) ci sono visioni fantastiche di scherzo. Tuttavia, i risultati di List in queste aree sono i più originali. Sono stati loro ad avere una forte influenza sul lavoro delle successive generazioni di compositori.

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Durante il periodo di massimo splendore dell'attività di List – negli anni 50-60 – la sua influenza era limitata a una ristretta cerchia di studenti e amici. Nel corso degli anni, tuttavia, i risultati pionieristici di Liszt sono stati sempre più riconosciuti.

Naturalmente, prima di tutto, la loro influenza ha influenzato le prestazioni e la creatività del pianoforte. Volenti o nolenti, chiunque si rivolgesse al pianoforte non poteva ignorare le gigantesche conquiste di Liszt in quest'area, che si riflettevano sia nell'interpretazione dello strumento che nella trama delle composizioni. Nel corso del tempo, i principi ideologici e artistici di Liszt hanno ottenuto riconoscimento nella pratica del compositore e sono stati assimilati da rappresentanti di varie scuole nazionali.

Si è diffuso il principio generalizzato della programmazione, proposto da Liszt come contrappeso a Berlioz, che è più caratteristico dell'interpretazione pittorico-“teatrale” della trama scelta. In particolare, i principi di Liszt erano più ampiamente utilizzati dai compositori russi, in particolare Čajkovskij, rispetto a quelli di Berlioz (sebbene questi ultimi non siano sfuggiti, ad esempio, a Mussorgsky in Una notte sul monte calvo oa Rimsky-Korsakov in Scheherazade).

Altrettanto diffuso è diventato il genere del poema sinfonico a programma, le cui possibilità artistiche si sono sviluppate fino ai giorni nostri. Subito dopo Liszt, in Francia furono scritti poemi sinfonici da Saint-Saens e Franck; nella Repubblica Ceca – Panna acida; in Germania, R. Strauss ha ottenuto i massimi risultati in questo genere. È vero, tali opere erano lungi dall'essere sempre basate sul monotematismo. I principi dello sviluppo di un poema sinfonico in combinazione con una sonata allegra venivano spesso interpretati in modo diverso, più liberamente. Tuttavia, il principio monotematico – nella sua interpretazione più libera – è stato comunque utilizzato, peraltro, in composizioni non programmate (“il principio ciclico” nelle opere sinfoniche e strumentali da camera di Frank, la sinfonia in do-moll di Taneyev e altre). Infine, i compositori successivi si sono spesso rivolti al tipo poetico del concerto per pianoforte di Liszt (vedi il concerto per pianoforte di Rimsky-Korsakov, il primo concerto per pianoforte di Prokofiev, il secondo concerto per pianoforte di Glazunov e altri).

Furono sviluppati non solo i principi compositivi di Liszt, ma anche le sfere figurative della sua musica, in particolare l'eroico, "Faustiano", "Mefistofele". Ricordiamo, ad esempio, gli orgogliosi "temi di autoaffermazione" nelle sinfonie di Scriabin. Quanto alla denuncia del male nelle immagini “mefistofeliche”, come distorte dallo scherno, sostenute nello spirito di frenetiche “danze di morte”, il loro ulteriore sviluppo si trova anche nella musica del nostro tempo (vedi le opere di Shostakovich). Diffuso anche il tema dei dubbi “faustiani”, delle seduzioni “diaboliche”. Queste varie sfere si riflettono pienamente nell'opera di R. Strauss.

Anche il colorato linguaggio musicale di Liszt, ricco di sottili sfumature, ha ricevuto uno sviluppo significativo. In particolare, la brillantezza delle sue armonie è servita come base per la ricerca degli impressionisti francesi: senza i risultati artistici di Liszt, né Debussy né Ravel sono inconcepibili (quest'ultimo, inoltre, ha ampiamente utilizzato i risultati del pianismo di Liszt nelle sue opere ).

Le "intuizioni" di Liszt dell'ultimo periodo della creatività nel campo dell'armonia furono sostenute e stimolate dal suo crescente interesse per le giovani scuole nazionali. Fu tra loro – e soprattutto tra i Kuchkisti – che Liszt trovò opportunità per arricchire il linguaggio musicale con nuove svolte modali, melodiche e ritmiche.

M.Druskin

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