Musica da film |
La musica da film è una componente di un'opera cinematografica, uno dei suoi importanti mezzi di espressione. Nello sviluppo delle muse art-va. Il design del film distingue tra il periodo del muto e il periodo del cinema sonoro.
Nel cinema muto la musica non faceva ancora parte del film. Non è apparsa durante la realizzazione del film, ma durante la sua dimostrazione: la proiezione dei film era accompagnata da pianisti-illustratori, trii e talvolta orchestre. Tuttavia, l'assoluto bisogno di musica. l'accompagnamento già in questa fase iniziale dello sviluppo della cinematografia ha rivelato la sua natura sonoro-visiva. La musica è diventata una compagna indispensabile del cinema muto. Sono stati pubblicati album di musica consigliati per accompagnare i film. lavori. Agevolando il compito dei musicisti-illustratori, hanno allo stesso tempo fatto sorgere il pericolo dell'omologazione, della subordinazione delle varie arti. idee a un unico principio di illustratività diretta. Quindi, ad esempio, il melodramma era accompagnato da musica romantica isterica, comica. film - umoristici, scherzi, film d'avventura - al galoppo, ecc. I tentativi di creare musica originale per i film risalgono ai primi anni di esistenza del cinema. Nel 1908 C. Saint-Saens compose la musica (una suite per archi, strumenti, pianoforte e armonium in 5 parti) per la prima del film L'assassinio del duca di Guisa. Esperimenti simili sono stati condotti in Germania, negli Stati Uniti.
Nel Sov. Dall'unione con l'avvento di una nuova e rivoluzionaria arte cinematografica, sorse un approccio diverso alla cinematografia: iniziarono a essere creati clavicembali originali e spartiti musicali. accompagnamento di alcuni film. Tra le più famose la musica di DD Shostakovich per il film “New Babylon” (1929). Nel 1928 esso. il compositore E. Meisel ha scritto musica per dimostrare i gufi. film “La corazzata Potemkin” a Berlino. I compositori hanno cercato di trovare una soluzione musicale unica, indipendente e concreta, determinata dalla drammaturgia della cinematografia. produzione, la sua organizzazione interna.
Con l'invenzione dell'attrezzatura per la registrazione del suono, ogni film ha ricevuto la sua colonna sonora unica. La sua gamma sonora includeva una parola sonora e rumori.
Dalla nascita del cinema sonoro, già negli anni '1930. c'era una divisione della cinematografia in intraframe - concreta, motivata, giustificata dal suono di uno strumento raffigurato nell'inquadratura, un altoparlante radiofonico, il canto di un personaggio, ecc., e fuori campo - "dell'autore", "condizionato". La musica fuori campo è, per così dire, rimossa dall'azione e allo stesso tempo caratterizza gli eventi del film, esprime il flusso nascosto della trama.
Nei film degli anni '30, caratterizzati da una forte drammatizzazione della trama, il testo sonoro acquisiva grande importanza; parole e fatti sono diventati i modi più importanti per caratterizzare un personaggio. Una tale struttura cinematografica necessitava di una grande quantità di musica intra-frame, concretizzando direttamente il tempo e il luogo dell'azione. I compositori hanno cercato di dare la propria interpretazione delle muse. immagini; la musica in-frame è diventata fuori dallo schermo. Primi anni '30. segnato dalla ricerca dell'inclusione semantica della musica nel film come cinematico significativo e importante. componente. Una delle forme più popolari di caratterizzazione musicale dei personaggi e degli eventi del film è la canzone. La musica è ampiamente diffusa durante questo periodo. una commedia basata su una canzone popolare.
I campioni classici di K. di questa specie sono stati creati da IO Dunaevsky. La sua musica, canzoni per film ("Merry Fellows", 1934, "Circus", 1936, "Volga-Volga", 1938, dir. GA Alexandrov; "Rich Bride", 1938, "Kuban Cossacks", 1950, diretto da IA Pyriev), intriso di un atteggiamento allegro, distinto dal leitmotiv delle caratteristiche, tematico. semplicità, sincerità, ha guadagnato un'immensa popolarità.
Insieme a Dunayevsky, la tradizione delle canzoni del design cinematografico è stata sviluppata dai compositori fr. Pokrass, TN Khrennikov e altri, più tardi, all'inizio degli anni '50. NV Bogoslovsky, A. Ya. Eshpay, A. Ya. Lepin, AN Pakhmutova, AP Petrov, VE Basner, MG Fradkin e altri Il film "Chapaev" (70, fratello dei registi Vasiliev, comp. GN Popov) si distingue per la coerenza e l'accuratezza della selezione della musica intra-frame. La struttura della canzone-intonazione del film (la base dello sviluppo drammatico è la canzone popolare), che ha un'unica leittonizzazione, caratterizza direttamente l'immagine di Chapaev.
Nei film degli anni '30. il rapporto tra immagine e musica si basava sul cap. arr. basato sui principi del parallelismo: la musica ha intensificato questa o quella emozione, lo stato d'animo creato dall'autore del film, il suo atteggiamento nei confronti del personaggio, la situazione, ecc. lo approfondiscono. Di grande interesse a questo proposito è stata la musica innovativa di DD Shostakovich per i film Alone (1931, dir. GM Kozintsev), The Golden Mountains (1931, dir. SI Yutkevich), The Counter ( 1932, diretto da FM Ermler, SI Yutkevich). Insieme a Shostakovich, i principali gufi vengono al cinema. compositori sinfonici – SS Prokofiev, Yu. A. Shaporin, AI Khachaturian, DB Kabalevsky e altri. Molti di loro collaborano nel cinema per tutta la loro vita creativa. Spesso le immagini sorte in K. sono diventate la base per sinfonie indipendenti. o sinfonia vocale. prod. (cantata “Alexander Nevsky” di Prokofiev e altri). Insieme ai direttori di scena, i compositori sono alla ricerca di muse fondamentali. decisioni del film, si sforzano di comprendere il problema del posto e dello scopo della musica nel cinema. Una comunità veramente creativa ha collegato il computer. SS Prokofiev e dir. SM Eisenstein, che ha lavorato sul problema della struttura sonoro-visiva del film. Eisenstein e Prokofiev hanno trovato forme originali di interazione tra musica e arte visiva. La musica di Prokofiev per i film di Eisenstein "Alexander Nevsky" (1938) e "Ivan the Terrible" (1a serie - 1945; uscita sullo schermo 2a - 1958) si distingue per la concisione, la convessità scultorea delle muse. immagini, la loro esatta corrispondenza con il ritmo e la dinamica rappresenteranno. soluzioni (il contrappunto sonoro-visivo sviluppato in modo innovativo raggiunge una perfezione speciale nella scena della Battaglia sul ghiaccio del film “Alexander Nevsky”). Il lavoro congiunto nel cinema, le ricerche creative di Eisenstein e Prokofiev hanno contribuito alla formazione del cinema come importante mezzo artistico. espressività. Questa tradizione è stata adottata in seguito dai compositori degli anni '50, all'inizio. Anni '70 Il desiderio di sperimentare, la scoperta di nuove possibilità di combinare musica e immagini contraddistingue il lavoro di EV Denisov, RK Shchedrin, ML Tariverdiev, NN Karetnikov, AG Schnittke, BA Tchaikovsky e altri.
Grande misura dell'art. la generalità, caratteristica della musica come arte in generale, ne determinava il ruolo in un'opera cinematografica: K. svolge “… la funzione di un'immagine generalizzata in relazione al fenomeno rappresentato…” (SM Eisenstein), permette di esprimere i più importanti pensiero o idea per il film. Il moderno cinema sonoro-visivo prevede la presenza di muse nel film. concetti. Si basa sull'uso di musica motivata sia fuori dallo schermo che all'interno del frame, che spesso diventa un modo per una visione discreta, ma profonda e sottile dell'essenza dei personaggi umani. Insieme all'uso diffuso del metodo del parallelismo diretto di musica e immagini, l'uso “contropuntuale” della musica inizia a svolgere un ruolo sempre più importante (il cui significato è stato analizzato da SM Eisenstein già prima dell'avvento del cinema sonoro). Costruita su una contrapposizione contrastante di musica e immagini, questa tecnica esalta la drammaticità degli eventi mostrati (la fucilazione degli ostaggi nel film italiano La lunga notte del 1943, 1960, è accompagnata dalla musica allegra della marcia fascista; il lieto fine episodi del film italiano Divorzio in italiano, 1961, passano a suon di marcia funebre). Significa. la musica ha subito un'evoluzione. un leitmotiv che spesso svela l'idea generale, più importante del film (ad esempio il tema di Gelsomina nel film italiano La strada, 1954, regia di F. Fellini, comico N. Rota). A volte in chiave moderna Nel film, la musica non è usata per esaltare, ma per contenere le emozioni. Ad esempio, nel film "400 colpi" (1959), il regista F. Truffaut e il compositore A. Constantin si battono per la severità della musica. temi per incoraggiare lo spettatore a una valutazione razionale di ciò che sta accadendo sullo schermo.
Muse. il concetto del film è direttamente subordinato al concetto generale dell'autore. Quindi, ad esempio, in Giappone. film "The Naked Island" (1960, dir. K. Shindo, comp. X. Hayashi), che racconta la vita dura, difficile, ma profondamente significativa delle persone che intraprendono un duello con la natura nella lotta per l'esistenza, la musica appare invariabilmente negli scatti che mostrano quotidianamente il lavoro di queste persone, e scompare immediatamente quando i grandi eventi entrano nelle loro vite. Nel film "The Ballad of a Soldier" (1959, dir. G. Chukhrai, comp. M. Ziv), messo in scena come paroliere. racconto, musica le immagini hanno adv. base; trovata dall'intonazione musicale del compositore afferma l'eterna e immutabile bellezza dei rapporti umani semplici e gentili.
La musica del film può essere originale, scritta appositamente per questo film, o composta da note melodie, canzoni, musica classica. la musica funziona. Nel cinema moderno usa spesso la musica dei classici – J. Haydn, JS Bach, WA Mozart e altri, aiutando i registi a collegare la storia del moderno. mondo con alta umanistica. tradizioni.
La musica occupa il posto più importante nella musica. film, storia dedicata di compositori, cantanti, musicisti. Si esibisce in una certa drammaturgia. funzioni (se si tratta di una storia sulla creazione di un particolare brano musicale) o è incluso nel film come numero di inserto. Il ruolo principale della musica negli adattamenti cinematografici di opere o balletti, nonché in quelli indipendenti creati sulla base di opere e balletti. produzioni cinematografiche. Il valore di questo tipo di cinematografia sta soprattutto nell'ampia divulgazione delle migliori opere del classico. e musica moderna. Negli anni '60. in Francia, si è tentato di creare un genere di opera cinematografica originale (Gli ombrelli di Cherbourg, 1964, dir. J. Demy, comp. M. Legrand).
La musica è inclusa in film d'animazione, documentari e divulgativi. Nei film d'animazione si sono sviluppati i loro metodi musicali. disegno. La più comune è la tecnica dell'esatto parallelismo di musica e immagine: la melodia ripete o imita letteralmente il movimento sullo schermo (inoltre, l'effetto risultante può essere sia parodico che lirico). Significa. interessanti al riguardo sono i film di Amer. dir. W. Disney, e in particolare i suoi dipinti della serie "Funny Symphonies", che incarnano famose muse in immagini visive. prod. (ad esempio, "Dance of the Skeletons" sulla musica del poema sinfonico di C. Saint-Saens "Dance of Death", ecc.).
Fase di sviluppo musicale moderno. il design del film è caratterizzato dall'uguale importanza della musica tra le altre componenti del lavoro cinematografico. La musica da film è una delle voci più importanti della cinematografia. polifonia, che spesso diventa la chiave per svelare il contenuto del film.
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IM Shilova
