Dmitry Dmitrievich Shostakovich |

Dmitrij Shostakovich

D. Shostakovich è un classico della musica del XIX secolo. Nessuno dei suoi grandi maestri era così strettamente legato al difficile destino del suo paese natale, non poteva esprimere le urlanti contraddizioni del suo tempo con tanta forza e passione, valutarlo con un severo giudizio morale. È in questa complicità del compositore nel dolore e nei guai della sua gente che risiede il significato principale del suo contributo alla storia della musica nel secolo delle guerre mondiali e dei grandiosi sconvolgimenti sociali, che l'umanità non aveva conosciuto prima.

Shostakovich è per natura un artista di talento universale. Non c'è un solo genere in cui non abbia detto la sua parola pesante. È entrato in stretto contatto con il tipo di musica che a volte veniva trattata con arroganza da musicisti seri. È autore di numerose canzoni raccolte dalle masse di persone, e fino ad oggi i suoi brillanti adattamenti di musica popolare e jazz, a cui era particolarmente affezionato all'epoca della formazione dello stile - negli anni '20- Anni '30, delizia. Ma il principale campo di applicazione delle forze creative per lui era la sinfonia. Non perché gli altri generi di musica seria gli fossero completamente estranei: era dotato di un talento insuperabile come compositore veramente teatrale e il lavoro nel cinema gli forniva i principali mezzi di sussistenza. Ma il rimprovero maleducato e ingiusto inflitto nel 1936 nell'editoriale del quotidiano Pravda sotto il titolo "Confusione invece di musica" lo scoraggiò a lungo dall'impegnarsi nel genere operistico - i tentativi fatti (l'opera "Giocatori" di N. Gogol) è rimasto incompiuto ei piani non sono passati alla fase di attuazione.

Forse è proprio su questo che hanno influito i tratti della personalità di Shostakovich: per sua natura non era incline a forme aperte di espressione di protesta, cedeva facilmente a ostinate nullità a causa della sua speciale intelligenza, delicatezza e indifesa contro la maleducata arbitrarietà. Ma questo era solo nella vita: nella sua arte era fedele ai suoi principi creativi e li affermava nel genere in cui si sentiva completamente libero. Pertanto, la sinfonia concettuale è diventata al centro delle ricerche di Shostakovich, dove poteva dire apertamente la verità sul suo tempo senza compromessi. Tuttavia non si rifiutò di partecipare a imprese artistiche nate sotto la pressione di severi requisiti per l'arte imposti dal sistema amministrativo-comandante, come il film di M. Chiaureli “La caduta di Berlino”, dove l'elogio sfrenato della grandezza e la saggezza del "padre delle nazioni" ha raggiunto il limite estremo. Ma la partecipazione a questo tipo di monumenti cinematografici, o ad altre opere, a volte anche di talento, che hanno distorto la verità storica e creato un mito gradito alla leadership politica, non ha protetto l'artista dalla brutale rappresaglia commessa nel 1948. Il principale ideologo del regime stalinista , A. Zhdanov, ha ripetuto i duri attacchi contenuti in un vecchio articolo del quotidiano Pravda e ha accusato il compositore, insieme ad altri maestri della musica sovietica dell'epoca, di adesione al formalismo antipopolare.

Successivamente, durante il "disgelo" di Krusciov, tali accuse furono ritirate e le eccezionali opere del compositore, la cui esecuzione pubblica fu vietata, trovarono la loro strada verso l'ascoltatore. Ma il dramma del destino personale del compositore, sopravvissuto a un periodo di ingiusta persecuzione, ha lasciato un'impronta indelebile nella sua personalità e ha determinato la direzione della sua ricerca creativa, rivolta ai problemi morali dell'esistenza umana sulla terra. Questa era e rimane la cosa principale che distingue Shostakovich tra i creatori di musica nel XIX secolo.

Il suo percorso di vita non è stato ricco di eventi. Dopo essersi diplomato al Conservatorio di Leningrado con un brillante debutto - la magnifica Prima Sinfonia, iniziò la vita di un compositore professionista, prima nella città sulla Neva, poi durante la Grande Guerra Patriottica a Mosca. La sua attività di insegnante al conservatorio fu relativamente breve: vi lasciò suo malgrado. Ma fino ad oggi i suoi studenti hanno conservato la memoria del grande maestro, che ha svolto un ruolo decisivo nella formazione della loro individualità creativa. Già nella Prima Sinfonia (1925) sono chiaramente percepibili due proprietà della musica di Shostakovich. Uno di questi si rifletteva nella formazione di un nuovo stile strumentale con la sua facilità intrinseca, facilità di competizione degli strumenti da concerto. Un altro si è manifestato in un desiderio persistente di dare alla musica il più alto significato, di rivelare un concetto profondo di significato filosofico per mezzo del genere sinfonico.

Molte delle opere del compositore che seguirono un inizio così brillante riflettevano l'atmosfera inquieta dell'epoca, dove il nuovo stile dell'epoca si forgiava nella lotta tra atteggiamenti contrastanti. Così nella Seconda e Terza Sinfonia ("Ottobre" - 1927, "Primo Maggio" - 1929) Shostakovich rese omaggio al poster musicale, mostravano chiaramente l'influenza dell'arte marziale e propagandistica degli anni '20. (Non è un caso che il compositore abbia incluso in essi frammenti corali di poesie di giovani poeti A. Bezymensky e S. Kirsanov). Allo stesso tempo, hanno anche mostrato una vivida teatralità, che ha così affascinato nelle produzioni di E. Vakhtangov e Vs. Meyerhold. Sono state le loro esibizioni a influenzare lo stile della prima opera di Shostakovich The Nose (1928), basata sulla famosa storia di Gogol. Da qui nasce non solo la satira tagliente, la parodia, che raggiunge il grottesco nella rappresentazione dei singoli personaggi e il credulone, rapidamente preso dal panico e pronto a giudicare la folla, ma anche quella struggente intonazione di "risate attraverso le lacrime", che ci aiuta a riconoscere una persona anche in una nullità così volgare e deliberata, come il maggiore Kovalev di Gogol.

Lo stile di Shostakovich non solo assorbì le influenze emanate dall'esperienza della cultura musicale mondiale (qui i più importanti per il compositore furono M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky e G. Mahler), ma assorbì anche i suoni dell'allora vita musicale – che generalmente cultura accessibile del genere “leggero” che dominava le menti delle masse. L'atteggiamento del compositore nei suoi confronti è ambivalente: a volte esagera, parodia i caratteristici giri di canzoni e balli alla moda, ma allo stesso tempo li nobilita, li eleva alle vette della vera arte. Questo atteggiamento è stato particolarmente pronunciato nei primi balletti The Golden Age (1930) e The Bolt (1931), nel Primo concerto per pianoforte (1933), dove la tromba solista diventa un degno rivale del pianoforte insieme all'orchestra, e più tardi in lo scherzo e il finale delle Seste sinfonie (1939). Brillante virtuosismo, sfacciati eccentrici si combinano in questa composizione con testi sinceri, sorprendente naturalezza del dispiegamento della melodia "infinita" nella prima parte della sinfonia.

E infine, non si può non menzionare l'altro lato dell'attività creativa del giovane compositore: ha lavorato duramente nel cinema, prima come illustratore per la dimostrazione di film muti, poi come uno dei creatori di film sonori sovietici. La sua canzone dal film "Oncoming" (1932) ha guadagnato popolarità a livello nazionale. Allo stesso tempo, l'influenza della "giovane musa" ha influenzato anche lo stile, il linguaggio e i principi compositivi delle sue composizioni concerto-filarmoniche.

Il desiderio di incarnare i conflitti più acuti del mondo moderno con i suoi grandiosi sconvolgimenti e feroci scontri di forze opposte si rifletteva soprattutto nelle opere capitali del maestro del periodo degli anni '30. Un passo importante su questo percorso fu l'opera Katerina Izmailova (1932), basata sulla trama della storia di N. Leskov Lady Macbeth del distretto di Mtsensk. Nell'immagine del personaggio principale, una complessa lotta interna si rivela nell'anima di una natura integra e riccamente dotata a modo suo - sotto il giogo degli "abomini di piombo della vita", sotto il potere di ciechi, irragionevoli passione, commette gravi crimini, seguiti da una crudele punizione.

Tuttavia, il compositore ottenne il maggior successo nella Quinta Sinfonia (1937), il risultato più significativo e fondamentale nello sviluppo della sinfonia sovietica negli anni '30. (una svolta verso una nuova qualità di stile è stata delineata nella Quarta Sinfonia scritta in precedenza, ma poi non suonata - 1936). La forza della Quinta Sinfonia sta nel fatto che le esperienze del suo eroe lirico si rivelano nel più stretto legame con la vita delle persone e, più in generale, di tutta l'umanità alla vigilia del più grande shock mai vissuto dai popoli del mondo: la seconda guerra mondiale. Ciò ha determinato il dramma enfatizzato della musica, la sua intrinseca espressione intensificata: l'eroe lirico non diventa un contemplatore passivo in questa sinfonia, giudica ciò che sta accadendo e ciò che verrà con la più alta corte morale. Nell'indifferenza per le sorti del mondo, ne risentì anche la posizione civica dell'artista, l'orientamento umanistico della sua musica. Si può sentire in una serie di altre opere appartenenti ai generi della creatività strumentale da camera, tra cui spicca il Quintetto per pianoforte (1940).

Durante la Grande Guerra Patriottica, Shostakovich divenne uno dei primi ranghi di artisti, combattenti contro il fascismo. La sua Settima Sinfonia ("Leningrado") (1941) è stata percepita in tutto il mondo come la voce viva di un popolo combattente, entrato in una lotta all'ultimo sangue in nome del diritto all'esistenza, in difesa del più alto valore umano valori. In quest'opera, come nella successiva Ottava sinfonia (1943), l'antagonismo dei due campi opposti trovò un'espressione diretta e immediata. Mai prima d'ora nell'arte della musica le forze del male sono state rappresentate in modo così vivido, mai prima d'ora la noiosa meccanicità di una "macchina di distruzione" fascista indaffarata è stata esposta con tanta furia e passione. Ma le sinfonie "militari" del compositore (così come in molte altre sue opere, ad esempio, nel Trio per pianoforte in memoria di I. Sollertinsky - 1944) sono altrettanto vividamente rappresentate nelle sinfonie "di guerra" del compositore, le sinfonie spirituali bellezza e ricchezza del mondo interiore di una persona che soffre dei problemi del suo tempo.

Negli anni del dopoguerra l'attività creativa di Shostakovich si è svolta con rinnovato vigore. Come prima, la linea guida delle sue ricerche artistiche è stata presentata in monumentali tele sinfoniche. Dopo la nona un po' alleggerita (1945), una sorta di intermezzo, ma non privo di chiari echi della guerra da poco conclusa, l'autore crea l'ispirata decima sinfonia (1953), che solleva il tema della tragica sorte della artista, la misura alta della sua responsabilità nel mondo moderno. Tuttavia, il nuovo era in gran parte il frutto degli sforzi delle generazioni precedenti, motivo per cui il compositore era così attratto dagli eventi di una svolta nella storia russa. La rivoluzione del 1905, segnata da Bloody Sunday il 9 gennaio, prende vita nella monumentale undicesima sinfonia programmatica (1957), e le conquiste del vittorioso 1917 ispirarono Shostakovich a creare la dodicesima sinfonia (1961).

Riflessioni sul significato della storia, sul significato delle gesta dei suoi eroi, si riflettevano anche nel poema vocale-sinfonico in una parte "The Execution of Stepan Razin" (1964), che si basa su un frammento dell'opera di E. Yevtushenko poesia "La centrale idroelettrica di Bratsk". Ma gli eventi del nostro tempo, causati da drastici cambiamenti nella vita delle persone e nella loro visione del mondo, annunciati dal XX Congresso del PCUS, non hanno lasciato indifferente il grande maestro della musica sovietica - il loro respiro vivo è palpabile nel Tredicesimo Symphony (1962), scritta anche sulle parole di E. Yevtushenko. Nella Quattordicesima Sinfonia, il compositore si è rivolto alle poesie di poeti di vari tempi e popoli (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) – è stato attratto dal tema della caducità della vita umana e dell'eternità della creazioni di vera arte, davanti alle quali anche la morte sovrana. Lo stesso tema ha costituito la base per l'idea di un ciclo vocale-sinfonico basato su poesie del grande artista italiano Michelangelo Buonarroti (1974). E infine, nell'ultima, Quindicesima Sinfonia (1971), le immagini dell'infanzia rivivono, ricreate davanti allo sguardo di un creatore saggio nella vita, che ha conosciuto una misura davvero incommensurabile della sofferenza umana.

Nonostante tutto il significato della sinfonia nell'opera postbellica di Shostakovich, è lungi dall'esaurire tutto il più significativo che è stato creato dal compositore negli ultimi trent'anni della sua vita e del suo percorso creativo. Ha prestato particolare attenzione ai generi concertistici e strumentali da camera. Ha creato 2 concerti per violino (1948 e 1967), due concerti per violoncello (1959 e 1966) e il secondo concerto per pianoforte (1957). Le migliori opere di questo genere incarnano concetti profondi di significato filosofico, paragonabili a quelli espressi con forza così impressionante nelle sue sinfonie. La nitidezza della collisione tra lo spirituale e il non spirituale, i più alti impulsi del genio umano e l'assalto aggressivo della volgarità, la deliberata primitività è palpabile nel Secondo Concerto per violoncello, dove un semplice motivo "di strada" viene trasformato in modo irriconoscibile, esponendo il suo essenza disumana.

Tuttavia, sia nei concerti che nella musica da camera, il virtuosismo di Shostakovich si rivela nella creazione di composizioni che aprono la strada alla libera concorrenza tra i musicisti. Qui il genere principale che ha attirato l'attenzione del maestro è stato il tradizionale quartetto d'archi (ce ne sono tanti scritti dal compositore quante sinfonie – 15). I quartetti di Shostakovich stupiscono con una varietà di soluzioni, dai cicli in più parti (Undicesima – 1966) alle composizioni a movimento singolo (Tredicesima – 1970). In alcuni dei suoi lavori da camera (nell'Ottavo Quartetto – 1960, nella Sonata per viola e pianoforte – 1975), il compositore ritorna alla musica delle sue composizioni precedenti, dandole un nuovo suono.

Tra le opere di altro genere si possono citare il monumentale ciclo di Preludi e Fughe per pianoforte (1951), ispirato alle celebrazioni bachiane di Lipsia, l'oratorio Il canto delle foreste (1949), dove per la prima volta nella musica sovietica il è stato sollevato il tema della responsabilità umana per la conservazione della natura che lo circonda. Puoi anche nominare Ten Poems per coro a cappella (1951), il ciclo vocale "From Jewish Folk Poetry" (1948), cicli su poesie dei poeti Sasha Cherny ("Satires" - 1960), Marina Cvetaeva (1973).

Il lavoro nel cinema è continuato negli anni del dopoguerra: la musica di Shostakovich per i film "The Gadfly" (basato sul romanzo di E. Voynich - 1955), nonché per gli adattamenti delle tragedie di Shakespeare "Hamlet" (1964) e "King Lear" (1971) divenne ampiamente noto. ).

Shostakovich ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo della musica sovietica. Si esprimeva non tanto nell'influenza diretta dello stile e dei mezzi artistici caratteristici del maestro, quanto nel desiderio di un alto contenuto musicale, il suo legame con i problemi fondamentali della vita umana sulla terra. Umanistico nella sua essenza, veramente artistico nella forma, il lavoro di Shostakovich ha ottenuto riconoscimenti in tutto il mondo, è diventato una chiara espressione del nuovo che la musica della Terra dei Soviet ha dato al mondo.

M. Tarakanov