Andrey Yakovlevich Eshpay |

Andrey Eshpay

Un'unica armonia – un mondo che cambia… La voce di ogni nazione dovrebbe risuonare nella polifonia del pianeta, e questo è possibile se un artista – scrittore, pittore, compositore – esprime i suoi pensieri e sentimenti nella sua lingua figurativa nativa. Più un artista è nazionale, più è individuale. R. Eshpay

In molti modi, la stessa biografia dell'artista ha predeterminato un tocco riverente all'originale nell'arte. Il padre del compositore, Y. Eshpay, uno dei fondatori della musica professionale Mari, ha instillato in suo figlio l'amore per l'arte popolare con il suo lavoro disinteressato. Secondo A. Eshpay, “Padre era significativo, profondo, intelligente e pieno di tatto, molto modesto – un vero musicista capace di abnegazione. Grande conoscitore del folklore, sembrava farsi da parte come autore, vedendo il suo dovere nel trasmettere alla gente la bellezza e la grandezza del pensiero popolare. Si rese conto che era impossibile adattare la scala pentatonica Mari... a qualsiasi altro sistema di arte popolare armonioso e indipendente, ma estraneo. Posso sempre riconoscere l'originale dal lavoro di mio padre.

A. Eshpay fin dall'infanzia ha assorbito il folklore di diversi popoli della regione del Volga, l'intero sistema lirico-epico della dura regione ugrica. La guerra divenne un tema tragico speciale nella vita e nell'opera del compositore: perse il fratello maggiore, il cui ricordo è dedicato alla bellissima canzone "Moscoviti" ("Orecchino con Malaya Bronna"), amici. Nel plotone di ricognizione, Eshpay ha partecipato alla liberazione di Varsavia, nell'operazione di Berlino. Le lezioni di musica interrotte dalla guerra ripresero al Conservatorio di Mosca, dove Eshpay studiò composizione con N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev e pianoforte con V. Sofronitsky. Ha completato i suoi studi post-laurea sotto la guida di A. Khachaturian nel 1956.

In questo periodo furono creati Danze sinfoniche su temi mari (1951), Melodie ungheresi per violino e orchestra (1952), Primo concerto per pianoforte (1954, 2a edizione - 1987), Primo concerto per violino (1956). Queste opere hanno portato grande fama al compositore, hanno aperto i temi principali del suo lavoro, hanno rifratto in modo creativo i precetti dei suoi insegnanti. È caratteristico che Khachaturian, che ha instillato in lui, secondo il compositore, un "gusto per la scala", abbia ampiamente influenzato le idee di Eshpai sul genere del concerto.

Particolarmente indicativo è il Primo Concerto per violino con la sua esplosività temperamentale, la freschezza, l'immediatezza nell'espressione dei sentimenti, l'appello aperto al folk e al vocabolario di genere. Eshpay è anche vicino a Khachaturian con il suo amore per lo stile di M. Ravel, particolarmente pronunciato nel suo lavoro per pianoforte (Primo concerto per pianoforte, Prima sonatina per pianoforte - 1948). Armonia, freschezza, contagiosità emotiva e generosità coloristica accomunano anche questi maestri.

Il tema di Myaskovsky è una parte speciale nel lavoro di Eshpay. Le posizioni etiche, l'immagine stessa di un eccezionale musicista sovietico, un vero custode e riformatore della tradizione, si sono rivelate un ideale per il suo seguace. Il compositore rimane fedele al precetto di Myaskovsky: "essere sincero, ardente verso l'arte e guidare la propria linea". Al nome dell'insegnante sono associate opere commemorative in memoria di Myaskovsky: Organ Passacaglia (1950), Variazioni per orchestra su un tema della sedicesima sinfonia di Myaskovsky (1966), Secondo concerto per violino (1977), Concerto per viola (1987-88), in cui è stato utilizzato il materiale dell'organo Passacaglia. L'influenza di Myaskovsky sull'atteggiamento di Eshpay nei confronti del folklore è stata molto significativa: seguendo il suo insegnante, il compositore è arrivato a un'interpretazione simbolica delle canzoni popolari, alla convergenza di diversi strati tradizionali nella cultura. Il nome di Myaskovsky è anche associato a un appello a un'altra tradizione molto importante per Eshpay, che si ripete in molte composizioni, a partire dal balletto "Circle" ("Ricorda!" - 1979), - Znamenny che canta. Anzitutto, nella Quarta (1980), Quinta (1986), Sesta (Sinfonia “Liturgica” (1988), Concerto Corale (1988) personifica anzitutto il principio armonioso, illuminato, ethos, le proprietà originarie di autocoscienza nazionale, i principi fondamentali della cultura russa.Un significato speciale acquisisce un altro tema importante nell'opera di Eshpay: la lirica.Radicata nel tradizionale, non si trasforma mai in arbitrarietà individualistica, le sue qualità inalienabili sono enfatizzate moderazione e rigore, obiettività nell'espressione e spesso un collegamento diretto con intonazioni civiche.

La soluzione del tema militare, i generi del memoriale, l'appello a eventi di svolta - che si tratti di guerra, date storiche memorabili - è peculiare e i testi sono sempre presenti nella loro comprensione. Opere come la Prima (1959), la Seconda (1962) sinfonie, intrise di luce (l'epigrafe della Prima - le parole di V. Mayakovsky "Dobbiamo strappare gioia dai giorni a venire", l'epigrafe della Seconda - "Lode alla luce”), la cantata “Lenin with us” ( 1968), che si distingue per l'orecchiabilità da poster, la luminosità retorica nell'espressione e allo stesso tempo il più bel paesaggio lirico, ha posto le basi per un'originale fusione stilistica di oratorio e lirico, oggettivo e personale, significativo per le opere maggiori del compositore. L'unità di "pianto e gloria, pietà e lode" (D. Likhachev), così significativa per l'antica cultura russa, continua in diversi generi. Particolarmente importanti sono la Terza Sinfonia (In Memory of My Father, 1964), il Secondo Concerto per violino e viola, una sorta di grande ciclo: la Quarta, la Quinta e la Sesta Sinfonia, il Concerto corale. Negli anni il significato del tema lirico acquista sfumature simboliche e filosofiche, sempre più purificazione da tutto ciò che è esterno, soggettivo-superficiale, il memoriale si veste della forma di una parabola. È significativo cambiare il tema lirico dalla fiaba-folklore e dalla narrazione romantico-eroica nel balletto Angara (1975) all'immaginario generalizzato del circolo di balletto di avvertimento (Ricorda!). Diventa sempre più evidente il significato universale delle opere-dediche intrise di un significato tragico, a volte lugubre. L'accresciuta percezione della natura conflittuale del mondo moderno e la sensibilità della reazione artistica a questa qualità sono coerenti con la responsabilità del compositore nei confronti del patrimonio e della cultura. La quintessenza delle immagini è "Songs of the Mountain and Meadow Mari" (1983). Questa composizione, insieme al Concerto per oboe e orchestra (1982), è stata insignita del Premio Lenin.

Intonazione oggettivo-lirica e suono “corale” colorano l'interpretazione del genere concertistico, che incarna il principio individuale. Espresso in varie forme – un memoriale, un'azione meditativa, nella ricreazione del folklore, in un appello a un modello ripensato di un vecchio concerto grosso, questo tema è costantemente difeso dal compositore. Allo stesso tempo, nel genere concertistico, come in altre composizioni, il compositore sviluppa motivi giocosi, festosi, teatrali, la leggerezza del colore e la coraggiosa energia del ritmo. Ciò è particolarmente evidente nei Concerti per orchestra (1966), Secondo pianoforte (1972), Oboe (1982) e il Concerto per sassofono (1985-86) può essere definito un "ritratto dell'improvvisazione". "Un'armonia - un mondo che cambia" - queste parole del balletto "Circle" potrebbero servire da epigrafe al lavoro del maestro. Il trasferimento di armonioso, festoso in un mondo conflittuale e complicato è specifico del compositore.

Contemporaneamente all'incarnazione del tema delle tradizioni, Eshpay si rivolge invariabilmente al nuovo e all'ignoto. La combinazione organica del tradizionale e dell'innovativo è insita sia nelle opinioni sul processo compositivo che nel lavoro stesso del compositore. L'ampiezza e la libertà nella comprensione dei compiti creativi si riflettono nell'approccio stesso al materiale di genere. È noto che il tema e il vocabolario jazz occupano un posto speciale nell'opera del compositore. Il jazz per lui è in qualche modo il custode della musica stessa, così come del folklore. Il compositore ha prestato molta attenzione alla canzone di massa e ai suoi problemi, alla musica leggera, all'arte cinematografica, che è importante in termini di potenziale drammatico ed espressivo, fonte di idee indipendenti. Il mondo della musica e la realtà vivente appaiono in un rapporto organico: secondo il compositore, "il meraviglioso mondo della musica non è chiuso, non è isolato, ma è solo una parte dell'universo, il cui nome è vita".

M.Lobanova