Anatoly Ivanovich Orfenov |

Anatolij Orfenov

Il tenore russo Anatoly Ivanovich Orfenov è nato nel 1908 nella famiglia di un prete nel villaggio di Sushki, nella provincia di Ryazan, non lontano dalla città di Kasimov, l'antica tenuta dei principi tartari. La famiglia aveva otto figli. Tutti hanno cantato. Ma Anatoly è stato l'unico, nonostante tutte le difficoltà, a diventare un cantante professionista. “Vivevamo con lampade a cherosene”, ha ricordato il cantante, “non avevamo intrattenimento, solo una volta all'anno, a Natale, si tenevano spettacoli amatoriali. Avevamo un grammofono che iniziavamo in vacanza, e ascoltavo i dischi di Sobinov, Sobinov era il mio artista preferito, volevo imparare da lui, volevo imitarlo. Il giovane avrebbe potuto immaginare che in pochi anni sarebbe stato fortunato a vedere Sobinov, a lavorare con lui alle sue prime parti d'opera.

Il padre di famiglia morì nel 1920 e, sotto il nuovo regime, i figli di un sacerdote non potevano contare su un'istruzione superiore.

Nel 1928, Orfenov arrivò a Mosca e, per qualche provvidenza di Dio, riuscì a entrare in due scuole tecniche contemporaneamente: musica pedagogica e serale (ora Accademia Ippolitov-Ivanov). Ha studiato canto nella classe del talentuoso insegnante Alexander Akimovich Pogorelsky, un seguace della scuola italiana di belcanto (Pogorelsky era uno studente di Camillo Everardi), e Anatoly Orfenov ne ha avuto abbastanza di questo bagaglio di conoscenze professionali per il resto della sua vita. La formazione del giovane cantante avvenne in un periodo di intenso rinnovamento del palcoscenico operistico, quando si diffuse il movimento di studio, opponendosi alla direzione accademica semiufficiale dei teatri statali. Tuttavia, nelle viscere degli stessi Bolshoi e Mariinsky c'era un'implicita rifusione di antiche tradizioni. Le rivelazioni innovative della prima generazione di tenori sovietici, guidati da Kozlovsky e Lemeshev, hanno cambiato radicalmente il contenuto del ruolo di “tenore lirico”, mentre a San Pietroburgo Pechkovsky ci ha fatto percepire in modo nuovo la frase “tenore drammatico”. Orfenov, entrato nella sua vita creativa, fin dai primi passi è riuscito a non perdersi tra tali nomi, perché il nostro eroe aveva un complesso personale indipendente, una tavolozza individuale di mezzi espressivi, quindi “una persona con un'espressione non generale”.

Per prima cosa, nel 1933, riuscì a entrare nel coro dell'Opera Theatre-Studio sotto la direzione di KS Stanislavsky (lo studio si trovava nella casa di Stanislavsky in Leontievsky Lane, successivamente trasferito a Bolshaya Dmitrovka negli ex locali dell'operetta). La famiglia era molto religiosa, mia nonna si opponeva a qualsiasi vita secolare e Anatoly ha nascosto a sua madre per molto tempo che lavorava a teatro. Quando ha riferito questo, è rimasta sorpresa: "Perché nel coro?" Il grande riformatore del palcoscenico russo Stanislavsky e il grande tenore della terra russa Sobinov, che non cantava più ed era consulente vocale presso lo Studio, notò un giovane alto e bello del coro, prestò attenzione non solo a questa voce, ma anche alla diligenza e modestia del suo proprietario. Così Orfenov divenne Lensky nella famosa interpretazione di Stanislavsky; nell'aprile 1935 il maestro stesso lo presentò allo spettacolo, tra gli altri nuovi interpreti. (I momenti più stellari del destino artistico continueranno ad essere collegati all'immagine di Lensky: il debutto alla filiale del Teatro Bolshoi, e poi sul palco principale del Bolshoi). Leonid Vitalievich ha scritto a Konstantin Sergeevich: “Ho ordinato a Orfenov, che ha una bella voce, di preparare urgentemente Lensky, ad eccezione di Ernesto di Don Pasquale. E più tardi: "Mi ha dato Orfen Lensky qui, e molto bene". Stanislavsky ha dedicato molto tempo e attenzione all'esordiente, come dimostrano le trascrizioni delle prove e le memorie dell'artista stesso: “Konstantin Sergeevich mi ha parlato per ore. Riguardo a cosa? Sui miei primi passi sul palcoscenico, sul mio benessere in questo o quel ruolo, sui compiti e sulle azioni fisiche che ha sicuramente portato nella partitura del ruolo, sul rilascio dei muscoli, sull'etica dell'attore nella vita e sul palco. È stato un grande lavoro educativo e ne sono grato con tutto il cuore al mio maestro”.

Lavorare con i più grandi maestri dell'arte russa ha finalmente formato la personalità artistica dell'artista. Orfenov prese rapidamente una posizione di leadership nella compagnia del Teatro dell'Opera Stanislavsky. Il pubblico è rimasto affascinato dalla naturalezza, sincerità e semplicità del suo comportamento sul palco. Non è mai stato un “codificatore di suoni dolci”, il suono non è mai stato fine a se stesso per il cantante. Orfenov veniva sempre dalla musica e dalla parola promessa sposa, in questa unione cercava i nodi drammatici dei suoi ruoli. Per molti anni Stanislavskij nutrì l'idea di mettere in scena il Rigoletto di Verdi, e nel 1937-38. avevano otto prove. Tuttavia, per una serie di motivi (inclusi, probabilmente, quelli di cui Bulgakov scrive in una forma grottescamente allegorica in The Theatre Novel), il lavoro sulla produzione è stato sospeso e lo spettacolo è stato rilasciato dopo la morte di Stanislavsky sotto la direzione di Meyerhold , il principale direttore del teatro in quel momento. Quanto sia stato emozionante il lavoro su "Rigoletto" può essere giudicato dalle memorie di Anatoly Orfenov "First Steps", che sono state pubblicate sulla rivista "Soviet Music" (1963, n. 1).

si è sforzato di mostrare sul palco la "vita dello spirito umano"... Per lui era molto più importante mostrare la lotta degli "umiliati e insultati" - Gilda e Rigoletto, piuttosto che sorprendere il pubblico con una dozzina di bellissime note di testa di i cantanti e lo splendore del paesaggio … Ha offerto due opzioni per l'immagine del Duca. Odino è un voluttuoso lascivo che esteriormente assomiglia a Francesco I, interpretato da V. Hugo nel dramma Lo stesso re si diverte. L'altro è un giovane bello e affascinante, ugualmente appassionato della contessa Ceprano, della semplice Gilda e di Maddalena.

Nella prima foto, quando si alza il sipario, il Duca è seduto sulla veranda superiore del castello al tavolo, nell'espressione figurativa di Konstantin Sergeevich, “foderato” di dame … Cosa potrebbe esserci di più difficile per un giovane cantante che non ha esperienza di palcoscenico, come stare in mezzo al palco e cantare la cosiddetta “aria con i guanti”, cioè la ballata del Duca? Da Stanislavskij il duca cantava una ballata come una canzone da bevute. Konstantin Sergeevich mi ha affidato tutta una serie di compiti fisici, o, forse, sarebbe meglio dire, azioni fisiche: camminare intorno al tavolo, tintinnare i bicchieri con le signore. Mi ha chiesto di avere il tempo di scambiare sguardi con ognuno di loro durante la ballata. In questo modo ha protetto l'artista dai "vuoti" nel ruolo. Non c'era tempo per pensare al “suono”, al pubblico.

Altra novità di Stanislavskij nel primo atto è stata la scena del duca Rigoletto che fustiga con la frusta, dopo aver “insultato” il conte Ceprano… Questa scena non mi è andata bene, la fustigazione si è rivelata “opera”, cioè era difficile crederci, e alle prove mi sono innamorato di lei ancora di più.

Nel secondo atto del duetto, Gilda si nasconde dietro la finestra della casa paterna, e il compito affidato da Stanislavskij al Duca era quello di attirarla fuori di lì, o almeno di farla guardare fuori dalla finestra. Il Duca ha un mazzo di fiori nascosto sotto il mantello. Un fiore alla volta, li dona a Gilda attraverso la finestra. (La famosa fotografia alla finestra è stata inclusa in tutti gli annali dell'opera - A.Kh.). Nel terzo atto, Stanislavsky ha voluto mostrare il Duca come un uomo del momento e dell'umore. Quando i cortigiani dicono al Duca che "la ragazza è nel tuo palazzo" (la produzione era in una traduzione russa diversa da quella generalmente accettata - A.Kh.), si trasforma completamente, canta un'altra aria, quasi mai eseguita nei teatri. Quest'aria è molto difficile e, sebbene non ci siano note più alte della seconda ottava, è molto tesa nella tessitura.

Con Stanislavsky, che ha combattuto instancabilmente contro il vampuca operistico, Orfenov ha anche interpretato le parti di Lykov in The Tsar's Bride, the Holy Fool in Boris Godunov, Almaviva in The Barber of Seville e Bakhshi in Lev Stepanov's Darvaz Gorge. E non avrebbe mai lasciato il teatro se Stanislavskij non fosse morto. Dopo la morte di Konstantin Sergeevich, iniziò una fusione con il Teatro Nemirovich-Danchenko (erano due teatri completamente diversi e l'ironia del destino era che erano collegati). In questo periodo "travagliato", Orfenov, già artista meritevole della RSFSR, prese parte ad alcune delle produzioni epocali di Nemirovich, cantò Parigi in "Beautiful Elena" (questa performance, fortunatamente, fu registrata alla radio nel 1948 ), ma ancora nello spirito era un vero Stanislav. Pertanto, il suo passaggio nel 1942 dal teatro Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko al Bolshoi fu predeterminato dal destino stesso. Sebbene Sergei Yakovlevich Lemeshev nel suo libro "The Way to Art" esprima il punto di vista che cantanti eccezionali (come Pechkovsky e lui stesso) hanno lasciato Stanislavsky a causa di una sensazione di oppressione e nella speranza di migliorare le capacità vocali in spazi più ampi. Nel caso di Orfenov, a quanto pare, questo non è del tutto vero.

L'insoddisfazione creativa nei primi anni '40 lo costrinse a "placare la sua fame" "da parte", e nella stagione 1940/41 Orfenov collaborò con entusiasmo con l'Ensemble dell'Opera di Stato dell'URSS sotto la direzione di IS Kozlovsky. Il tenore di spirito più “europeo” dell'era sovietica era allora ossessionato dalle idee di un'opera lirica in un concerto (oggi queste idee hanno trovato un'incarnazione molto efficace in Occidente nella forma del cosiddetto semi-messo in scena , "semi-spettacoli" senza scene e costumi, ma con interazione recitativa) e come regista, ha messo in scena produzioni di Werther, Orpheus, Pagliatsev, Mozart e Salieri, Katerina di Arkas e Natalka-Poltavka di Lysenko. "Sognavamo di trovare una nuova forma di rappresentazione operistica, la cui base sarebbe stata il suono, e non lo spettacolo", ha ricordato Ivan Semenovich molto più tardi. Alle anteprime, lo stesso Kozlovsky ha cantato le parti principali, ma in futuro aveva bisogno di aiuto. Così Anatoly Orfenov ha cantato sette volte la parte carismatica di Werther, così come Mozart e Beppo in Pagliacci (la serenata di Arlecchino doveva essere bissata 2-3 volte). Gli spettacoli sono stati allestiti nella Sala Grande del Conservatorio, nella Casa degli Scienziati, nella Casa Centrale degli Artisti e nel Campus. Purtroppo, l'esistenza dell'ensemble è stata di breve durata.

Militare 1942. I tedeschi stanno arrivando. Bombardamento. Ansia. Lo staff principale del Teatro Bolshoi è stato evacuato a Kuibyshev. E a Mosca oggi suonano il primo atto, domani suonano l'opera fino alla fine. In un momento così ansioso, Orfenov iniziò a essere invitato al Bolshoi: prima per una volta, poco dopo, come parte della troupe. Modesto, esigente con se stesso, dai tempi di Stanislavskij ha saputo percepire tutto il meglio dai suoi compagni di scena. E c'era qualcuno che lo percepiva: l'intero arsenale d'oro delle voci russe era allora funzionante, guidato da Obukhova, Barsova, Maksakova, Reizen, Pirogov e Khanaev. Durante i suoi 13 anni di servizio al Bolshoi, Orfenov ha avuto l'opportunità di lavorare con quattro direttori principali: Samuil Samosud, Ariy Pazovsky, Nikolai Golovanov e Alexander Melik-Pashaev. Purtroppo, ma l'era di oggi non può vantare tanta grandezza e magnificenza.

Insieme ai suoi due colleghi più stretti, i tenori lirici Solomon Khromchenko e Pavel Chekin, Orfenov ha preso la linea del "secondo scaglione" nella classifica teatrale subito dopo Kozlovsky e Lemeshev. Questi due tenori rivali godevano di un amore popolare fanatico davvero onnicomprensivo, al limite dell'idolatria. Basta ricordare le feroci battaglie teatrali tra gli eserciti dei "Kazloviti" e dei "Lemeshisti" per immaginare quanto fosse difficile non perdersi e, inoltre, prendere un posto degno in questo contesto di tenore per ogni nuovo cantante di un simile ruolo. E il fatto che la natura artistica di Orfenov fosse vicina nello spirito al sincero inizio "Yesenin" dell'arte di Lemeshev non richiedeva prove speciali, così come il fatto che con onore superò la prova dell'inevitabile confronto con i tenori idol. Sì, le anteprime venivano date raramente e le esibizioni con la presenza di Stalin venivano messe in scena ancora meno spesso. Ma sei sempre il benvenuto a cantare in sostituzione (il diario dell'artista è pieno di note "Invece di Kozlovsky", "Invece di Lemeshev. Segnalato alle 4 del pomeriggio"; era Lemeshev Orfenov che più spesso si assicurava). I diari di Orfenov, in cui l'artista ha scritto commenti su ciascuna delle sue esibizioni, potrebbero non avere un grande valore letterario, ma sono un documento inestimabile dell'epoca: abbiamo l'opportunità non solo di sentire cosa significa essere nel "secondo fila” e allo stesso tempo ricevere una felice soddisfazione dal suo lavoro, ma, soprattutto, per presentare la vita del Teatro Bolshoi dal 1942 al 1955, non in una prospettiva ufficiale di parata, ma dal punto di vista del lavoro ordinario giorni. Hanno scritto delle anteprime sulla Pravda e hanno assegnato loro i premi Stalin, ma è stato il secondo o il terzo cast a sostenere il normale funzionamento delle esibizioni nel periodo successivo alla prima. Era proprio un lavoratore così affidabile e instancabile del Bolshoi che era Anatoly Ivanovich Orfenov.

È vero, ha anche ricevuto il Premio Stalin – per Vasek in La sposa venduta di Smetana. È stata una performance leggendaria di Boris Pokrovsky e Kirill Kondrashin nella traduzione russa di Sergei Mikhalkov. La produzione è stata realizzata nel 1948 in onore del 30° anniversario della Repubblica Cecoslovacca, ma è diventata una delle commedie più amate dal pubblico ed è rimasta nel repertorio per molti anni. Molti testimoni oculari considerano l'immagine grottesca di Vashek l'apice della biografia creativa dell'artista. “Vashek aveva quel volume di carattere che tradisce la vera saggezza creativa dell'autore dell'immagine scenica: l'attore. Vashek Orfenova è un'immagine realizzata in modo sottile e intelligente. Le stesse carenze fisiologiche del personaggio (balbuzie, stupidità) sono state vestite sul palco con i panni dell'amore, dell'umorismo e del fascino umani ”(BA Pokrovsky).

Orfenov era considerato uno specialista nel repertorio dell'Europa occidentale, che veniva eseguito principalmente presso la Filiale, quindi molto spesso doveva cantare lì, nell'edificio del Teatro Solodovnikovsky su Bolshaya Dmitrovka (dove si trovavano l'Opera Mamontov e l'Opera Zimin a a cavallo tra il XIX e il XX secolo, e ora lavora "Operetta di Mosca"). Grazioso e affascinante, nonostante la depravazione del suo carattere, era il suo duca in Rigoletto. Il valoroso conte Almaviva brillava di raffinatezza e arguzia ne Il barbiere di Siviglia (in quest'opera, difficile per qualsiasi tenore, Orfenov stabilì una sorta di record personale: la cantò 19 volte). Il ruolo di Alfred ne La Traviata è stato costruito sui contrasti: un timido giovane innamorato si è trasformato in un geloso accecato dall'irritazione e dalla rabbia, e alla fine dell'opera è apparso come una persona profondamente amorevole e pentita. Il repertorio francese è stato rappresentato dall'opera comica Fra Diavolo di Faust e Aubert (la parte del titolo in questa performance è stata l'ultima opera teatrale per Lemeshev, proprio come per Orfenov - il ruolo lirico dell'amoroso carabinieri Lorenzo). Ha cantato Don Ottavio di Mozart in Don Giovanni e Jacquino di Beethoven nella famosa produzione di Fidelio con Galina Vishnevskaya.

La galleria delle immagini russe di Orfenov è giustamente aperta da Lensky. La voce del cantante, che aveva un timbro gentile e trasparente, morbidezza ed elasticità del suono, corrispondeva idealmente all'immagine di un giovane eroe lirico. Il suo Lensky si distingueva per uno speciale complesso di fragilità, insicurezza dalle tempeste mondane. Un'altra pietra miliare è stata l'immagine del santo stolto in "Boris Godunov". In questa performance storica di Baratov-Golovanov-Fyodorovsky, Anatoly Ivanovich ha cantato davanti a Stalin per la prima volta nella sua vita nel 1947. Uno degli eventi "incredibili" della vita artistica è anche collegato a questa produzione - un giorno, durante Rigoletto , Orfenov è stato informato che alla fine dell'opera sarebbe dovuto arrivare dal ramo sul palco principale (5 minuti a piedi) e cantare il Santo Matto. Fu con questa performance che il 9 ottobre 1968 il team del Teatro Bolshoi celebrò il 60 ° anniversario dell'artista e il 35 ° anniversario della sua attività creativa. Gennady Rozhdestvensky, che ha diretto quella sera, ha scritto nel "duty book": "Lunga vita alla professionalità!" E l'esecutore del ruolo di Boris, Alexander Vedernikov, ha osservato: Orfenov ha la proprietà più preziosa per un artista: il senso delle proporzioni. Il suo Santo Matto è un simbolo della coscienza del popolo, così come l'ha concepito il compositore”.

Orfenov è apparso 70 volte nell'immagine di Sinodal in The Demon, un'opera che ora è diventata una rarità, e all'epoca una delle più di repertorio. Una seria vittoria per l'artista sono state anche feste come l'ospite indiano a Sadko e lo zar Berendey a Snegurochka. E viceversa, secondo lo stesso cantante, Bayan in "Ruslan and Lyudmila", Vladimir Igorevich in "Prince Igor" e Gritsko in "Sorochinsky Fair" non hanno lasciato una traccia luminosa (l'artista ha considerato il ruolo del ragazzo nell'opera di Mussorgsky inizialmente "ferito", poiché durante la prima esibizione di questa esibizione si è verificata un'emorragia nel legamento). L'unico personaggio russo che ha lasciato indifferente il cantante è stato Lykov in La sposa dello zar - scrive nel suo diario: "Lykov non mi piace". Apparentemente, anche la partecipazione alle opere sovietiche non ha suscitato l'entusiasmo dell'artista, tuttavia, quasi non vi ha partecipato al Bolshoi, ad eccezione dell'opera di un giorno di Kabalevsky “Under Moscow” (giovane moscovita Vasily), l'opera per bambini di Krasev “ Morozko” (Nonno) e l'opera di Muradeli “La grande amicizia”.

Insieme al popolo e al paese, il nostro eroe non è sfuggito ai vortici della storia. Il 7 novembre 1947, al Teatro Bolshoi ebbe luogo una grande rappresentazione dell'opera La grande amicizia di Vano Muradeli, in cui Anatoly Orfenov eseguì la parte melodica del pastore Dzhemal. Quello che è successo dopo, lo sanno tutti: il famigerato decreto del Comitato centrale del PCUS. Perché proprio questa opera "canzone" completamente innocua sia servita da segnale per l'inizio della nuova persecuzione dei "formalisti" Shostakovich e Prokofiev è un altro enigma della dialettica. La dialettica del destino di Orfenov non è meno sorprendente: era un grande attivista sociale, deputato del Consiglio regionale dei deputati del popolo e, allo stesso tempo, per tutta la vita mantenne fedelmente in Dio, andò apertamente in chiesa e si rifiutò di aderire al Partito Comunista. È sorprendente che non sia stato piantato.

Dopo la morte di Stalin, nel teatro fu organizzata una buona epurazione: iniziò un artificiale ricambio generazionale. E Anatoly Orfenov fu uno dei primi a cui fu dato di capire che era giunto il momento per una pensione di anzianità, anche se nel 1955 l'artista aveva solo 47 anni. Tale era la sua proprietà vitale: partire immediatamente da dove non era il benvenuto.

La fruttuosa collaborazione con la radio è iniziata con Orfenov negli anni '40: la sua voce si è rivelata sorprendentemente "radiogena" e si adattava bene alla registrazione. In quel momento non dei migliori per il paese, quando la propaganda totalitaria era in pieno svolgimento, quando l'aria era piena dei discorsi cannibalistici del capo accusatore ai processi inventati, la trasmissione musicale non si limitava affatto a marce di entusiasti e canzoni su Stalin , ma promosso alti classici. Suonava per molte ore al giorno, sia in registrazione che in trasmissione da studi e sale da concerto. Gli anni '50 sono entrati nella storia della radio come il periodo di massimo splendore dell'opera: è stato durante questi anni che è stato registrato lo stock d'oro del fondo radiofonico. Oltre alle note partiture, sono rinate molte opere operistiche dimenticate e raramente eseguite, come Pan Voyevoda di Rimsky-Korsakov, Voyevoda e Oprichnik di Tchaikovsky. In termini di significato artistico, il gruppo vocale della Radio, se inferiore al Teatro Bolshoi, era solo di poco. I nomi di Zara Dolukhanova, Natalia Rozhdestvenskaya, Deborah Pantofel-Nechetskaya, Nadezhda Kazantseva, Georgy Vinogradov, Vladimir Bunchikov erano sulla bocca di tutti. Il clima creativo e umano alla Radio di quegli anni era eccezionale. Il più alto livello di professionalità, gusto impeccabile, competenza del repertorio, efficienza e intelligenza dei dipendenti, senso di comunità corporativa e assistenza reciproca continuano a deliziare molti anni dopo, quando tutto questo è finito. Le attività alla radio, dove Orfenov non era solo un solista, ma anche il direttore artistico di un gruppo vocale, si sono rivelate estremamente fruttuose. Oltre a numerose registrazioni di repertorio, in cui Anatoly Ivanovich ha dimostrato le migliori qualità della sua voce, ha introdotto in pratica concerti pubblici di opere radiofoniche nella Sala delle Colonne della Casa dei Sindacati. Sfortunatamente, oggi questa ricchissima raccolta di musica registrata si è rivelata fuori luogo e pesa come un peso morto: l'era del consumo ha messo in primo piano priorità musicali completamente diverse.

Anatoly Orfenov era anche ampiamente conosciuto come artista da camera. Ha avuto particolarmente successo nei testi vocali russi. Le registrazioni di anni diversi riflettono lo stile acquerello intrinseco del cantante e, allo stesso tempo, la capacità di trasmettere il dramma nascosto del sottotesto. Il lavoro di Orfenov nel genere da camera si distingue per cultura e gusto squisito. La tavolozza dei mezzi espressivi dell'artista è ricca: dalla mezza voce quasi eterea e la cantilena trasparente ai culmini espressivi. Nei registri del 1947-1952. L'originalità stilistica di ogni compositore è trasmessa in modo molto accurato. L'elegiaca raffinatezza dei romanzi di Glinka convive con la sincera semplicità dei romanzi di Gurilev (la famosa campana, presentata in questo disco, può servire da standard per l'esecuzione di musica da camera dell'era pre-Glinka). A Dargomyzhsky, a Orfenov piacevano particolarmente i romanzi "Cosa c'è nel mio nome per te" e "Sono morto di felicità", che interpretava come sottili schizzi psicologici. Nei romanzi di Rimsky-Korsakov, il cantante ha dato il via all'inizio emotivo con profondità intellettuale. Il monologo di Rachmaninov "Di notte nel mio giardino" suona espressivo e drammatico. Di grande interesse sono le registrazioni di romanzi di Taneyev e Tcherepnin, la cui musica si sente raramente nei concerti.

I testi romantici di Taneyev sono caratterizzati da stati d'animo e colori impressionistici. Il compositore è stato in grado di catturare nelle sue miniature sottili cambiamenti di sfumature nell'umore dell'eroe lirico. Pensieri e sentimenti sono completati dal suono dell'aria notturna primaverile o da un vortice leggermente monotono del ballo (come nella famosa storia d'amore basata sulle poesie di Y. Polonsky "Mask"). Riflettendo sull'arte da camera di Tcherepnin, l'accademico Boris Asafiev ha attirato l'attenzione sull'influenza della scuola Rimsky-Korsakov e dell'impressionismo francese ("gravitazione verso la cattura delle impressioni della natura, verso l'aria, verso la vivacità, verso le sfumature di luce e ombra") . Nei romanzi basati sulle poesie di Tyutchev, queste caratteristiche si distinguono nella squisita colorazione dell'armonia e della consistenza, nei dettagli fini, specialmente nella parte del pianoforte. Le registrazioni di romanzi russi realizzate da Orfenov insieme al pianista David Gaklin sono un eccellente esempio di musica da camera d'insieme.

Nel 1950, Anatoly Orfenov iniziò a insegnare al Gnessin Institute. Era un insegnante molto premuroso e comprensivo. Non ha mai imposto, non ha costretto a imitare, ma ogni volta ha proceduto dall'individualità e dalle capacità di ogni studente. Anche se nessuno di loro è diventato un grande cantante e non ha fatto carriera mondiale, ma quanti professori associati Orfenov sono stati in grado di correggere le voci - spesso gli sono state date voci senza speranza o che non sono state accolte nelle loro classi da altri insegnanti più ambiziosi . Tra i suoi studenti non c'erano solo tenori, ma anche bassi (il tenore Yuri Speransky, che ha lavorato in vari teatri dell'URSS, ora dirige il dipartimento di formazione operistica presso l'Accademia Gnessin). C'erano poche voci femminili, e tra loro c'era la figlia maggiore Lyudmila, che in seguito divenne solista del Coro del Teatro Bolshoi. L'autorità di Orfenov come insegnante alla fine divenne internazionale. La sua lunga attività di insegnamento all'estero (quasi dieci anni) è iniziata in Cina ed è proseguita presso i conservatori del Cairo e di Bratislava.

Nel 1963 ebbe luogo il primo ritorno al Teatro Bolshoi, dove Anatoly Ivanovich fu a capo della compagnia d'opera per 6 anni: erano gli anni in cui arrivò la Scala e il Bolshoi andò in tournée a Milano, quando le future star (Obraztsova, Atlantov , Nesterenko, Mazurok, Kasrashvili, Sinyavskaya, Piavko). Secondo i ricordi di molti artisti, non esisteva una compagnia così meravigliosa. Orfenov ha sempre saputo assumere la posizione di "mezzo d'oro" tra la direzione ei solisti, ha sostenuto paternamente i cantanti, soprattutto i giovani, con buoni consigli. A cavallo tra gli anni '60 e '70, il potere nel Teatro Bolshoi cambiò di nuovo e l'intera direzione, guidata da Chulaki e Anastasiev, se ne andò. Nel 1980, quando Anatoly Ivanovich tornò dalla Cecoslovacchia, fu subito chiamato Bolshoi. Nel 1985 si ritirò per malattia. Morto nel 1987. Fu sepolto nel cimitero di Vagankovsky.

Abbiamo la sua voce. C'erano diari, articoli e libri (tra cui "Il percorso creativo di Sobinov", nonché una raccolta di ritratti creativi di giovani solisti del Bolshoi "Gioventù, speranze, successi"). Rimangono caldi ricordi di contemporanei e amici, a testimonianza che Anatoly Orfenov era un uomo con Dio nell'anima.

Andrej Cripin