Aleksandr Konstantinovich Glazunov |

Aleksandr Glazunov

Glazunov ha creato un mondo di felicità, divertimento, pace, volo, estasi, premura e molto altro ancora, sempre felice, sempre chiaro e profondo, sempre insolitamente nobile, alato... A. Lunacarsky

Un collega dei compositori di The Mighty Handful, un amico di A. Borodin, che ha completato a memoria le sue composizioni incompiute, e un insegnante che ha sostenuto il giovane D. Shostakovich negli anni della devastazione post-rivoluzionaria… Il destino di A. Glazunov incarnava visibilmente la continuità della musica russa e sovietica. Forte salute mentale, forza interiore contenuta e nobiltà immutabile: questi tratti della personalità del compositore hanno attirato a lui musicisti, ascoltatori e numerosi studenti che la pensano allo stesso modo. Formatasi in gioventù, determinarono la struttura di base del suo lavoro.

Lo sviluppo musicale di Glazunov fu rapido. Nato nella famiglia di un famoso editore di libri, il futuro compositore è cresciuto fin dall'infanzia in un'atmosfera di entusiasmo musicale, impressionando i suoi parenti con le sue straordinarie capacità: il miglior orecchio per la musica e la capacità di memorizzare istantaneamente nei dettagli la musica una volta ha sentito. Glazunov in seguito ricordò: “Suonavamo molto a casa nostra e ricordavo fermamente tutte le opere teatrali che venivano eseguite. Spesso di notte, svegliandomi, ripristinavo mentalmente nei minimi dettagli ciò che avevo sentito prima ..."I primi insegnanti del ragazzo furono i pianisti N. Kholodkova ed E. Elenkovsky. Un ruolo decisivo nella formazione del musicista è stato svolto dalle classi con i più grandi compositori della scuola di San Pietroburgo: M. Balakirev e N. Rimsky-Korsakov. La comunicazione con loro ha aiutato Glazunov a raggiungere sorprendentemente rapidamente la maturità creativa e presto è diventato un'amicizia di persone che la pensano allo stesso modo.

Il percorso del giovane compositore verso l'ascoltatore è iniziato con un trionfo. La prima sinfonia dell'autore sedicenne (presentata per la prima volta nel 1882) suscitò risposte entusiastiche da parte del pubblico e della stampa, e fu molto apprezzata dai suoi colleghi. Nello stesso anno ebbe luogo un incontro che influenzò ampiamente il destino di Glazunov. Alle prove della Prima Sinfonia, il giovane musicista ha incontrato M. Belyaev, un sincero conoscitore di musica, un importante commerciante di legname e filantropo, che ha fatto molto per sostenere i compositori russi. Da quel momento in poi, le strade di Glazunov e Belyaev si sono costantemente incrociate. Presto il giovane musicista divenne un habitué dei venerdì di Belyaev. Queste serate musicali settimanali hanno attratto negli anni '80 e '90. le migliori forze della musica russa. Insieme a Belyaev, Glazunov fece un lungo viaggio all'estero, conobbe i centri culturali di Germania, Svizzera, Francia, registrò melodie popolari in Spagna e Marocco (1884). Durante questo viaggio ebbe luogo un evento memorabile: Glazunov visitò F. Liszt a Weimar. Nello stesso luogo, al festival dedicato all'opera di Liszt, è stata eseguita con successo la prima sinfonia dell'autore russo.

Per molti anni Glazunov è stato associato ai figli dell'ingegno preferiti di Belyaev: una casa editrice musicale e concerti sinfonici russi. Dopo la morte del fondatore della compagnia (1904), Glazunov, insieme a Rimsky-Korsakov e A. Lyadov, divenne membro del Consiglio di fondazione per l'incoraggiamento di compositori e musicisti russi, creato sotto la volontà ea spese di Belyaev . In campo musicale e pubblico, Glazunov aveva una grande autorità. Il rispetto dei colleghi per la sua abilità ed esperienza si basava su una solida base: l'integrità, la completezza e l'onestà cristallina del musicista. Il compositore ha valutato il suo lavoro con particolare rigore, spesso provando dolorosi dubbi. Queste qualità hanno dato forza per il lavoro disinteressato sulle composizioni di un amico defunto: la musica di Borodin, che era già stata eseguita dall'autore, ma non è stata registrata a causa della sua morte improvvisa, è stata salvata grazie alla fenomenale memoria di Glazunov. Così, l'opera Prince Igor è stata completata (insieme a Rimsky-Korsakov), la 2a parte della Terza Sinfonia è stata restaurata dalla memoria e orchestrata.

Nel 1899 Glazunov divenne professore e nel dicembre 1905 capo del Conservatorio di San Pietroburgo, il più antico della Russia. L'elezione di Glazunov a direttore è stata preceduta da un periodo di prove. Numerosi incontri studenteschi hanno avanzato una richiesta di autonomia del conservatorio dall'Imperial Russian Musical Society. In questa situazione, che ha diviso gli insegnanti in due campi, Glazunov ha definito chiaramente la sua posizione, sostenendo gli studenti. Nel marzo 1905, quando Rimsky-Korsakov fu accusato di incitamento alla ribellione degli studenti e licenziato, Glazunov, insieme a Lyadov, si dimise da professori. Pochi giorni dopo, Glazunov diresse Kashchei the Immortal di Rimsky-Korsakov, messo in scena dagli studenti del Conservatorio. La performance, ricca di associazioni politiche d'attualità, si è conclusa con una manifestazione spontanea. Glazunov ha ricordato: "Ho poi rischiato di essere sfrattato da San Pietroburgo, ma comunque ho accettato". In risposta agli eventi rivoluzionari del 1905, un adattamento della canzone "Ehi, andiamo!" apparso. per coro e orchestra. Solo dopo che il conservatorio ottenne l'autonomia Glazunov tornò ad insegnare. Tornato ad essere il regista, ha approfondito tutti i dettagli del percorso educativo con la consueta accuratezza. E sebbene il compositore si sia lamentato nelle lettere: "Sono così sovraccarico di lavoro di conservatorio che non ho tempo per pensare a nulla, non appena alle preoccupazioni del giorno d'oggi", la comunicazione con gli studenti è diventata per lui un bisogno urgente. Anche i giovani sono stati attratti da Glazunov, sentendosi in lui un vero maestro e insegnante.

A poco a poco, i compiti educativi ed educativi divennero i principali per Glazunov, spingendo le idee del compositore. La sua opera pedagogica e socio-musicale si sviluppò particolarmente ampiamente durante gli anni della rivoluzione e della guerra civile. Il maestro era interessato a tutto: concorsi per artisti dilettanti, esibizioni di direttori d'orchestra, comunicazione con gli studenti, e garantire la normale vita di professori e studenti in condizioni di devastazione. Le attività di Glazunov ricevettero un riconoscimento universale: nel 1921 gli fu conferito il titolo di People's Artist.

La comunicazione con il conservatorio non è stata interrotta fino alla fine della vita del maestro. Gli ultimi anni (1928-36) l'anziano compositore trascorse all'estero. La malattia lo perseguitava, i tour lo stancavano. Ma Glazunov riportava invariabilmente i suoi pensieri alla Patria, ai suoi compagni d'armi, agli affari conservatori. Ha scritto a colleghi e amici: "Mi mancate tutti". Glazunov è morto a Parigi. Nel 1972, le sue ceneri furono trasportate a Leningrado e sepolte nell'Alexander Nevsky Lavra.

Il percorso di Glazunov nella musica copre circa mezzo secolo. Ha avuto alti e bassi. Lontano dalla sua terra natale, Glazunov non compose quasi nulla, ad eccezione di due concerti strumentali (per sassofono e violoncello) e due quartetti. L'ascesa principale del suo lavoro cade negli anni 80-90. 1900° secolo e primi anni 5. Nonostante i periodi di crisi creative, un numero crescente di affari musicali, sociali e pedagogici, durante questi anni Glazunov ha creato molte opere sinfoniche su larga scala (poesie, aperture, fantasie), tra cui "Stenka Razin", "Forest", "Sea", “Cremlino”, una suite sinfonica “Dal medioevo”. Allo stesso tempo, sono apparsi la maggior parte dei quartetti d'archi (2 su sette) e altre opere d'insieme. Ci sono anche concerti strumentali nell'eredità creativa di Glazunov (oltre a quelli citati - XNUMX concerti per pianoforte e un concerto per violino particolarmente popolare), romanzi, cori, cantate. Tuttavia, i principali successi del compositore sono legati alla musica sinfonica.

Nessuno dei compositori domestici della fine del XIX - inizio del XX secolo. non ha prestato la stessa attenzione al genere sinfonico di Glazunov: le sue 8 sinfonie formano un ciclo grandioso, che svetta tra le opere di altri generi come un'imponente catena montuosa sullo sfondo delle colline. Sviluppando l'interpretazione classica della sinfonia come ciclo in più parti, dando un'immagine generalizzata del mondo per mezzo della musica strumentale, Glazunov ha potuto realizzare il suo generoso dono melodico, la logica impeccabile nella costruzione di complesse strutture musicali sfaccettate. La dissomiglianza figurativa delle sinfonie di Glazunov tra di loro sottolinea solo la loro unità interiore, radicata nel persistente desiderio del compositore di unire 2 rami del sinfonismo russo che esistevano in parallelo: lirico-drammatico (P. Ciajkovskij) e pittorico-epico (compositori di The Mighty Handful ). Come risultato della sintesi di queste tradizioni, nasce un nuovo fenomeno: il sinfonismo lirico-epico di Glazunov, che attrae l'ascoltatore con la sua brillante sincerità e forza eroica. Melodiose effusioni liriche, pressioni drammatiche e succose scene di genere nelle sinfonie si bilanciano a vicenda, preservando il sapore ottimistico generale della musica. “Non c'è discordia nella musica di Glazunov. È un'incarnazione equilibrata di stati d'animo vitali e sensazioni riflesse nel suono…” (B. Asafiev). Nelle sinfonie di Glazunov si è colpiti dall'armonia e dalla chiarezza dell'architettura, dall'inesauribile inventiva nel lavorare con le tematiche e dalla generosa varietà della tavolozza orchestrale.

I balletti di Glazunov possono anche essere chiamati dipinti sinfonici estesi, in cui la coerenza della trama passa in secondo piano prima dei compiti di una vivida caratterizzazione musicale. Il più famoso è “Raymonda” (1897). La fantasia del compositore, che è stato a lungo affascinato dallo splendore delle leggende cavalleresche, ha dato origine ai dipinti multicolori ed eleganti: una festa in un castello medievale, danze capricciose ispano-arabe e ungheresi... L'incarnazione musicale dell'idea è estremamente monumentale e colorata . Particolarmente attraenti sono le scene di massa, in cui i segni del colore nazionale sono sottilmente veicolati. “Raymonda” ha avuto una lunga vita sia in teatro (a partire dalla prima produzione del celebre coreografo M. Petipa), sia sul palco del concerto (a forma di suite). Il segreto della sua popolarità sta nella nobile bellezza delle melodie, nell'esatta corrispondenza del ritmo musicale e del suono orchestrale alla plasticità della danza.

Nei seguenti balletti, Glazunov segue il percorso della compressione della performance. Così apparvero The Young Maid, or the Trial of Damis (1898) e The Four Seasons (1898), balletti in un atto anch'essi creati in collaborazione con Petipa. La trama è insignificante. Il primo è un elegante pastorale nello spirito di Watteau (pittore francese del XIX secolo), il secondo è un'allegoria sull'eternità della natura, incarnata in quattro dipinti musicali e coreografici: “Inverno”, “Primavera”, “Estate ”, “Autunno”. Il desiderio di brevità e l'enfatizzata decoratività dei balletti in un atto di Glazunov, l'appello dell'autore all'era del XIX secolo, colorato con un tocco di ironia: tutto ciò fa ricordare gli hobby degli artisti del mondo dell'arte.

La consonanza del tempo, il senso della prospettiva storica è inerente a Glazunov in tutti i generi. L'accuratezza logica e la razionalità della costruzione, l'uso attivo della polifonia: senza queste qualità è impossibile immaginare l'aspetto del sinfonista Glazunov. Le stesse caratteristiche in diverse varianti stilistiche divennero le caratteristiche più importanti della musica del XIX secolo. E sebbene Glazunov rimase in linea con le tradizioni classiche, molti dei suoi ritrovamenti prepararono gradualmente le scoperte artistiche del XIX secolo. V. Stasov ha chiamato Glazunov "Sansone russo". In effetti, solo un bogatyr può stabilire il legame inestricabile tra i classici russi e la musica sovietica emergente, come ha fatto Glazunov.

N. Zabolotnaja

Alexander Konstantinovich Glazunov (1865–1936), studente e fedele collega di NA Rimsky-Korsakov, occupa un posto eccezionale tra i rappresentanti della "nuova scuola musicale russa" e come un importante compositore, nel cui lavoro la ricchezza e la luminosità dei colori sono combinati con l'abilità più alta e perfetta e come un personaggio musicale e pubblico progressista che ha difeso fermamente gli interessi dell'arte russa. Insolitamente presto attirò l'attenzione della Prima Sinfonia (1882), sorprendente per la sua giovane età nella sua chiarezza e completezza, all'età di trent'anni stava guadagnando ampia fama e riconoscimento come autore di cinque meravigliose sinfonie, quattro quartetti e molti altri opere, segnate da ricchezza di concezione e maturità. la sua attuazione.

Dopo aver attirato l'attenzione del generoso filantropo MP Belyaev, l'aspirante compositore divenne presto un partecipante invariabile, e poi uno dei leader di tutte le sue imprese musicali, educative e di propaganda, dirigendo in larga misura le attività dei concerti sinfonici russi, in cui lui stesso ha spesso agito come direttore d'orchestra, così come la casa editrice Belyaev, esprimendo la loro pesante opinione in merito all'assegnazione dei Premi Glinkin ai compositori russi. L'insegnante e mentore di Glazunov, Rimsky-Korsakov, più spesso di altri, lo ha attratto per aiutarlo a svolgere lavori legati alla perpetuazione della memoria dei grandi compatrioti, mettendo in ordine e pubblicando il loro patrimonio creativo. Dopo la morte improvvisa di AP Borodin, i due hanno lavorato duramente per completare l'opera incompiuta Prince Igor, grazie alla quale questa brillante creazione ha potuto vedere la luce del giorno e trovare vita scenica. Nel 900, Rimsky-Korsakov, insieme a Glazunov, ha preparato una nuova edizione controllata dalla critica delle partiture sinfoniche di Glinka, A Life for the Tsar and Prince Kholmsky, che conserva ancora il suo significato. Dal 1899 Glazunov era professore al Conservatorio di San Pietroburgo e nel 1905 ne fu eletto all'unanimità il direttore, rimanendo in questo incarico per più di vent'anni.

Dopo la morte di Rimsky-Korsakov, Glazunov divenne l'erede riconosciuto e il continuatore delle tradizioni del suo grande maestro, prendendo posto nella vita musicale di Pietroburgo. La sua autorità personale e artistica era indiscutibile. Nel 1915, in occasione del cinquantesimo anniversario di Glazunov, VG Karatygin scrisse: “Chi tra i compositori russi viventi è il più popolare? Quale artigianato di prima classe è al di là del minimo dubbio? Su quale dei nostri contemporanei ha smesso da tempo di discutere, riconoscendo indiscutibilmente per la sua arte la serietà del contenuto artistico e la più alta scuola di tecnologia musicale? Solo il nome può essere nella mente di chi pone una tale domanda e sulle labbra di chi vuole rispondere. Questo nome è AK Glazunov.

In quel momento delle controversie più acute e della lotta di varie correnti, quando non solo il nuovo, ma anche molto, sembrerebbe, da tempo assimilato, entrato saldamente nella coscienza, provocava giudizi e valutazioni molto contraddittori, tale "indiscutibilità" sembrava insolito e persino eccezionale. Ha testimoniato un alto rispetto per la personalità del compositore, la sua eccellente abilità e gusto impeccabile, ma allo stesso tempo una certa neutralità di atteggiamento nei confronti del suo lavoro come qualcosa di già irrilevante, non tanto "al di sopra dei combattimenti", ma “lontano dai combattimenti”. La musica di Glazunov non affascinava, non suscitava amore e adorazione entusiastici, ma non conteneva caratteristiche nettamente inaccettabili per nessuna delle parti contendenti. Grazie alla sapiente chiarezza, armonia ed equilibrio con cui il compositore è riuscito a fondere insieme tendenze diverse, a volte opposte, la sua opera ha saputo conciliare “tradizionalisti” e “innovatori”.

Pochi anni prima della pubblicazione dell'articolo citato di Karatygin, un altro noto critico AV Ossovsky, nel tentativo di determinare il posto storico di Glazunov nella musica russa, lo attribuì al tipo di artisti-"finitori", in contrasto con i “rivoluzionari” nell'arte, scopritori di nuove strade: “I “rivoluzionari” mentali sono distrutti dall'arte obsoleta con una corrosiva acutezza di analisi, ma allo stesso tempo, nelle loro anime, c'è un'innumerevole scorta di forze creative per l'incarnazione di nuove idee, per la creazione di nuove forme artistiche, che esse prevedono, per così dire, nei misteriosi contorni dell'alba prima dell'alba <...> Ma ci sono altri tempi nell'arte, epoche di transizione, in contrasto con quelle prime che si potrebbero definire epoche decisive. Artisti, il cui destino storico risiede nella sintesi di idee e forme create nell'era delle esplosioni rivoluzionarie, chiamo il già citato nome di finalizzatori.

La dualità della posizione storica di Glazunov come artista del periodo di transizione è stata determinata, da un lato, dalla sua stretta connessione con il sistema generale di vedute, idee estetiche e norme dell'era precedente, e dall'altro, dalla maturazione nel suo lavoro di alcune nuove tendenze che si svilupparono pienamente già in un secondo momento. Ha iniziato la sua attività in un momento in cui non era ancora passata l '"età d'oro" della musica classica russa, rappresentata dai nomi di Glinka, Dargomyzhsky e dei loro immediati successori della generazione degli "anni Sessanta". Nel 1881 Rimsky-Korsakov, sotto la cui guida Glazunov apprese le basi della tecnica compositiva, compose The Snow Maiden, un'opera che segnò l'inizio dell'elevata maturità creativa del suo autore. Gli anni '80 e l'inizio degli anni '90 furono il periodo di massima prosperità anche per Čajkovskij. Allo stesso tempo, Balakirev, tornando alla creatività musicale dopo una grave crisi spirituale che ha subito, crea alcune delle sue migliori composizioni.

È del tutto naturale che un aspirante compositore, come era allora Glazunov, abbia preso forma sotto l'influenza dell'atmosfera musicale che lo circondava e non sia sfuggito all'influenza dei suoi insegnanti e compagni più anziani. Le sue prime opere portano un'impronta notevole di tendenze "kuchkiste". Allo stesso tempo, stanno già emergendo alcune nuove funzionalità. In una recensione dell'esecuzione della sua Prima Sinfonia in un concerto della Free Music School il 17 marzo 1882, diretta da Balakirev, Cui notò la chiarezza, la completezza e la sufficiente fiducia nell'incarnazione delle sue intenzioni da parte del sedicenne autore: “È completamente in grado di esprimere ciò che vuole, e socome vuole”. Successivamente, Asafiev ha attirato l'attenzione sulla costruttiva "predeterminazione, flusso incondizionato" della musica di Glazunov come una sorta di dato, inerente alla natura stessa del suo pensiero creativo: "È come se Glazunov non creasse musica, ma Ha creati, in modo che le trame più complesse dei suoni siano date da sole, e non trovate, sono semplicemente scritte ("per la memoria"), e non incarnate come risultato di una lotta con materiale vago inflessibile. Questa rigorosa regolarità logica del flusso del pensiero musicale non risentì della velocità e della facilità di composizione, che colpirono particolarmente il giovane Glazunov durante i primi due decenni della sua attività compositiva.

Sarebbe sbagliato concludere da ciò che il processo creativo di Glazunov è proceduto in modo completamente sconsiderato, senza alcun tipo di sforzo interno. L'acquisizione del volto del proprio autore è stata raggiunta da lui come risultato di un duro e duro lavoro per migliorare la tecnica del compositore e arricchire i mezzi di scrittura musicale. La conoscenza di Tchaikovsky e Taneyev ha aiutato a superare la monotonia delle tecniche notate da molti musicisti nei primi lavori di Glazunov. L'emotività aperta e il dramma esplosivo della musica di Čajkovskij rimasero estranei al Glazunov trattenuto, alquanto chiuso e inibito nelle sue rivelazioni spirituali. In un breve saggio di memorie, "La mia conoscenza con Tchaikovsky", scritto molto più tardi, Glazunov osserva: "Quanto a me, direi che le mie opinioni sull'arte divergevano da quelle di Tchaikovsky. Tuttavia, studiando i suoi lavori, ho visto in essi molte cose nuove e istruttive per noi giovani musicisti dell'epoca. Ho richiamato l'attenzione sul fatto che, essendo principalmente un paroliere sinfonico, Pyotr Ilic ha introdotto elementi dell'opera nella sinfonia. Ho iniziato a inchinarmi non tanto al materiale tematico delle sue creazioni, ma allo sviluppo ispirato dei pensieri, al temperamento e alla perfezione della trama in generale.

Il riavvicinamento con Taneyev e Laroche alla fine degli anni '80 contribuì all'interesse di Glazunov per la polifonia, indirizzandolo a studiare il lavoro degli antichi maestri del XIX-XNUMX° secolo. Più tardi, quando dovette insegnare una classe di polifonia al Conservatorio di San Pietroburgo, Glazunov cercò di instillare nei suoi studenti il ​​gusto per questa alta arte. Uno dei suoi allievi preferiti, MO Steinberg, ha scritto, ricordando gli anni del conservatorio: “Qui abbiamo conosciuto le opere dei grandi contrappuntisti delle scuole olandesi e italiane… Ricordo bene come AK Glazunov ammirasse l'impareggiabile bravura di Josquin, Orlando Lasso , Palestrina, Gabrieli, come ha contagiato noi, giovani pulcini, che eravamo ancora poco esperti in tutti questi trucchi, con entusiasmo.

Questi nuovi hobby hanno causato allarme e disapprovazione tra i mentori di Glazunov a San Pietroburgo, che appartenevano alla "nuova scuola russa". Rimsky-Korsakov nella "Cronaca" con attenzione e moderazione, ma abbastanza chiaramente, parla delle nuove tendenze nel circolo di Belyaev, legate al ristorante "seduto" di Glazunov e Lyadov con Tchaikovsky, che si trascinavano dopo la mezzanotte, sui più frequenti incontri con Laroche. “Nuovo tempo – nuovi uccelli, nuovi uccelli – nuovi canti”, osserva a questo proposito. Le sue dichiarazioni orali nella cerchia di amici e persone che la pensano allo stesso modo erano più franche e categoriche. Nelle note di VV Yastrebtsev, ci sono osservazioni sulla "fortissima influenza delle idee di Laroshev (Taneev?)" su Glazunov, su "Glazunov che era completamente impazzito", rimprovera di essere "sotto l'influenza di S. Taneyev (e forse Laroche) si è un po' raffreddato verso Ciajkovskij.

Tali accuse difficilmente possono essere considerate giuste. Il desiderio di Glazunov di espandere i suoi orizzonti musicali non era associato a una rinuncia alle sue precedenti simpatie e affetti: era causato da un desiderio del tutto naturale di andare oltre le "direttive" o visioni circolari strettamente definite, per superare l'inerzia di norme estetiche preconcette e criteri di valutazione. Glazunov ha difeso fermamente il suo diritto all'indipendenza e all'indipendenza di giudizio. Rivolgendosi a SN Kruglikov con una richiesta di riferire sull'esecuzione della sua Serenata per orchestra in un concerto della RMO di Mosca, ha scritto: “Per favore, scrivi dell'esibizione e dei risultati del mio soggiorno alla serata con Taneyev. Balakirev e Stasov mi rimproverano per questo, ma sono ostinatamente in disaccordo con loro e non sono d'accordo, anzi, lo considero una sorta di fanatismo da parte loro. In generale, in circoli così chiusi e "inaccessibili", come lo era il nostro cerchio, ci sono molte piccole mancanze e cazzi femminili.

Nel vero senso della parola, la conoscenza di Glazunov con Der Ring des Nibelungen di Wagner, interpretato da una compagnia d'opera tedesca che fece una tournée a San Pietroburgo nella primavera del 1889, fu una rivelazione. Questo evento lo ha costretto a cambiare radicalmente l'atteggiamento scettico preconcetto nei confronti di Wagner, che aveva precedentemente condiviso con i leader della "nuova scuola russa". La sfiducia e l'alienazione sono sostituite da una passione calda e appassionata. Glazunov, come ha ammesso in una lettera a Ciajkovskij, "credeva in Wagner". Colpito dalla “potenza originaria” del suono dell'orchestra di Wagner, egli, secondo le sue stesse parole, “perse il gusto per qualsiasi altra strumentazione”, senza dimenticare però di fare una riserva importante: “certo, per un po'. " Questa volta, la passione di Glazunov è stata condivisa dal suo insegnante Rimsky-Korsakov, che è caduto sotto l'influenza della lussuosa tavolozza sonora ricca di vari colori dell'autore di The Ring.

Il flusso di nuove impressioni che travolse il giovane compositore con un'individualità creativa ancora informe e fragile lo portava a volte in una certa confusione: ci voleva tempo per sperimentare e comprendere tutto questo interiormente, per trovare la sua strada tra l'abbondanza di diversi movimenti artistici, punti di vista e l'estetica che si è aperta davanti a lui. posizioni, Ciò causò quei momenti di esitazione e insicurezza, di cui scrisse nel 1890 a Stasov, che accolse con entusiasmo le sue prime esibizioni come compositore: “All'inizio tutto era facile per me. Ora, a poco a poco, il mio ingegno si è un po' affievolito, e vivo spesso dolorosi momenti di dubbio e di indecisione, fino a quando mi fermo davanti a qualcosa, e poi tutto va avanti come prima…”. Allo stesso tempo, in una lettera a Čajkovskij, Glazunov ha ammesso le difficoltà incontrate nell'attuazione delle sue idee creative a causa della "differenza nelle opinioni del vecchio e del nuovo".

Glazunov ha sentito il pericolo di seguire ciecamente e acriticamente i modelli "kuchkisti" del passato, che hanno portato nel lavoro di un compositore di talento inferiore a una ripetizione impersonale dell'epigono di ciò che era già stato superato e padroneggiato. “Tutto ciò che era nuovo e di talento negli anni '60 e '70”, scrisse a Kruglikov, “ora, per dirla duramente (anche troppo), è parodiato, e quindi i seguaci dell'ex talentuosa scuola di compositori russi fanno quest'ultimo un pessimo servizio”. Rimsky-Korsakov ha espresso giudizi simili in una forma ancora più aperta e decisa, paragonando lo stato della "nuova scuola russa" nei primi anni '90 con una "famiglia che si estingue" o un "giardino che appassisce". “… Vedo”, scrisse allo stesso destinatario a cui Glazunov si rivolse con le sue infelici riflessioni, “che nuova scuola russa o un gruppo potente muore, o si trasforma in qualcos'altro, del tutto indesiderabile.

Tutte queste valutazioni e riflessioni critiche si basavano sulla consapevolezza dell'esaurimento di una certa gamma di immagini e temi, sulla necessità di ricercare nuove idee e modalità di incarnazione artistica. Ma i mezzi per raggiungere questo obiettivo, l'insegnante e lo studente hanno cercato strade diverse. Convinto dell'alto scopo spirituale dell'arte, l'educatore democratico Rimsky-Korsakov si sforzò, prima di tutto, di padroneggiare nuovi compiti significativi, di scoprire nuovi aspetti nella vita delle persone e della personalità umana. Per il Glazunov ideologicamente più passivo, la cosa principale non lo era che, as, sono stati portati in primo piano i compiti di un progetto specificamente musicale. “I compiti letterari, le tendenze filosofiche, etiche o religiose, le idee pittoriche gli sono estranee”, scrisse Ossovsky, che conosceva bene il compositore, “e le porte del tempio della sua arte sono loro chiuse. AK Glazunov si preoccupa solo della musica e solo della propria poesia: la bellezza delle emozioni spirituali.

Se in questo giudizio c'è una quota di acutezza polemica intenzionale, associata all'antipatia che lo stesso Glazunov ha espresso più di una volta per spiegazioni verbali dettagliate delle intenzioni musicali, allora nel complesso la posizione del compositore è stata caratterizzata correttamente da Ossovsky. Avendo vissuto un periodo di ricerche e hobby contraddittori durante gli anni dell'autodeterminazione creativa, Glazunov nei suoi anni maturi arriva a un'arte intellettualizzata altamente generalizzata, non libera da inerzia accademica, ma impeccabilmente rigorosa nel gusto, chiara e internamente integra.

La musica di Glazunov è dominata da toni leggeri e maschili. Non è caratterizzato né dalla morbida sensibilità passiva caratteristica degli epigoni di Čajkovskij, né dal dramma profondo e forte dell'autore di Pathetique. Se a volte nelle sue opere compaiono lampi di appassionata eccitazione drammatica, poi svaniscono rapidamente, lasciando il posto a una contemplazione calma e armoniosa del mondo, e questa armonia si ottiene non combattendo e superando aspri conflitti spirituali, ma è, per così dire, , prestabilito. ("Questo è l'esatto opposto di Tchaikovsky!" Ossovsky osserva sull'Ottava sinfonia di Glazunov. "Il corso degli eventi", ci dice l'artista, "è predeterminato e tutto arriverà all'armonia del mondo").

Glazunov è solitamente attribuito agli artisti di tipo oggettivo, per i quali il personale non viene mai alla ribalta, espresso in una forma contenuta e smorzata. Di per sé, l'obiettività della visione artistica del mondo non esclude la sensazione di dinamismo dei processi vitali e un atteggiamento attivo ed efficace nei loro confronti. Ma a differenza, ad esempio, di Borodin, queste qualità non le troviamo nella personalità creativa di Glazunov. Nel flusso regolare e regolare del suo pensiero musicale, solo occasionalmente disturbato da manifestazioni di espressione lirica più intensa, a volte si avverte un'inibizione interiore. L'intenso sviluppo tematico è sostituito da una sorta di gioco di piccoli segmenti melodici, che sono soggetti a varie variazioni ritmiche e timbriche o si intrecciano contrappuntisticamente, costituendo un complesso e colorato ornamento di pizzo.

Il ruolo della polifonia come mezzo di sviluppo tematico e costruzione di una forma finita integrale in Glazunov è estremamente grande. Ne fa ampio uso le varie tecniche, fino ai tipi più complessi di contrappunto mobile verticalmente, essendo in questo un fedele allievo e seguace di Taneyev, con il quale può spesso competere in termini di abilità polifonica. Descrivendo Glazunov come "il grande contrappuntista russo, in piedi sul passaggio dal XNUMX al XNUMX secolo", Asafiev vede l'essenza della sua "visione del mondo musicale" nella sua inclinazione per la scrittura polifonica. L'alto grado di saturazione del tessuto musicale con la polifonia gli conferisce una particolare morbidezza di flusso, ma allo stesso tempo una certa viscosità e inattività. Come ha ricordato lo stesso Glazunov, quando gli è stato chiesto dei difetti del suo modo di scrivere, Čajkovskij ha risposto succintamente: "Alcune lunghezze e mancanza di pause". Il dettaglio opportunamente catturato da Čajkovskij acquista in questo contesto un importante significato fondamentale: la continua fluidità del tessuto musicale porta ad un indebolimento dei contrasti e ad oscurare i confini tra le varie costruzioni tematiche.

Una delle caratteristiche della musica di Glazunov, che a volte rende difficile da percepire, Karatygin considerava “la sua 'suggestività' relativamente bassa” o, come spiega il critico, “per usare il termine di Tolstoj, la limitata capacità di Glazunov di 'contagiare' l'ascoltatore con il accenti 'patetici' della sua arte”. Un sentimento lirico personale non è riversato nella musica di Glazunov in modo così violento e diretto come, ad esempio, in Tchaikovsky o Rachmaninoff. E allo stesso tempo, difficilmente si può essere d'accordo con Karatygin sul fatto che le emozioni dell'autore siano "sempre schiacciate da un enorme spessore di pura tecnica". La musica di Glazunov non è estranea al calore lirico e alla sincerità, rompendo l'armatura dei plessi polifonici più complessi e ingegnosi, ma i suoi testi conservano le caratteristiche di casta moderazione, chiarezza e pace contemplativa insite nell'intera immagine creativa del compositore. La sua melodia, priva di acuti accenti espressivi, si distingue per bellezza plastica e rotondità, uniformità e dispiegamento senza fretta.

La prima cosa che emerge ascoltando la musica di Glazunov è una sensazione di densità avvolgente, ricchezza e ricchezza sonora, e solo allora si manifesta la capacità di seguire lo sviluppo rigorosamente regolare di un complesso tessuto polifonico e tutte le variazioni varianti nei temi principali . Non l'ultimo ruolo in questo senso è svolto dal colorato linguaggio armonico e dalla ricca orchestra di Glazunov dal suono pieno. Il pensiero orchestrale-armonico del compositore, che si è formato sotto l'influenza sia dei suoi più stretti predecessori russi (principalmente Borodin e Rimsky-Korsakov), sia dell'autore di Der Ring des Nibelungen, ha anche alcune caratteristiche individuali. In una conversazione sulla sua "Guida alla strumentazione", Rimsky-Korsakov una volta ha osservato: "La mia orchestrazione è più trasparente e più figurativa di quella di Alexander Konstantinovich, ma d'altra parte, non ci sono quasi esempi di "tutti sinfonici brillanti, ” mentre Glazunov ha proprio questi e tali esempi strumentali. quanto vuoi, perché, in generale, la sua orchestrazione è più densa e brillante della mia.

L'orchestra di Glazunov non brilla e brilla, luccicante di vari colori, come quella di Korsakov: la sua particolare bellezza sta nell'uniformità e gradualità delle transizioni, creando l'impressione di un'oscillazione regolare di masse sonore grandi e compatte. Il compositore si è adoperato non tanto per la differenziazione e l'opposizione dei timbri strumentali, quanto per la loro fusione, pensando in grandi strati orchestrali, il cui confronto ricorda il cambio e l'alternanza dei registri quando si suona l'organo.

Con tutta la varietà di fonti stilistiche, il lavoro di Glazunov è un fenomeno abbastanza integrale e organico. Nonostante le sue caratteristiche intrinseche di un noto isolamento accademico e distacco dai problemi reali del suo tempo, è in grado di stupire con la sua forza interiore, il suo allegro ottimismo e la sua ricchezza di colori, per non parlare della grande abilità e attenta riflessione di tutti i particolari.

Il compositore non giunse immediatamente a questa unità e completezza di stile. Il decennio successivo alla Prima Sinfonia fu per lui un periodo di ricerca e di duro lavoro su se stesso, vagando tra vari compiti e obiettivi che lo attiravano senza un certo fermo sostegno, e talvolta evidenti delusioni e fallimenti. Solo intorno alla metà degli anni '90 è riuscito a superare le tentazioni e le tentazioni che lo hanno portato a hobby estremi unilaterali e ad intraprendere la strada ampia dell'attività creativa indipendente. Un periodo relativamente breve da dieci a dodici anni a cavallo tra il 1905 e il 1906 fu per Glazunov il periodo della massima fioritura creativa, quando furono create la maggior parte delle sue opere migliori, più mature e significative. Tra questi ci sono cinque sinfonie (dalla quarta all'ottava compresa), il quarto e il quinto quartetto, il concerto per violino, entrambe le sonate per pianoforte, tutti e tre i balletti e molti altri. Approssimativamente dopo il XNUMX-XNUMX, si verifica un notevole calo dell'attività creativa, che aumentò costantemente fino alla fine della vita del compositore. In parte, un così improvviso forte calo della produttività può essere spiegato da circostanze esterne e, soprattutto, dal grande e lungo lavoro educativo, organizzativo e amministrativo che è caduto sulle spalle di Glazunov in connessione con la sua elezione alla carica di direttore del Conservatorio di San Pietroburgo. Ma c'erano ragioni di ordine interno, radicate anzitutto in un netto rifiuto di quelle ultime tendenze che si affermarono con decisione e imperiosità nell'opera e nella vita musicale del primo Novecento, e in parte, forse, in alcuni motivi personali che hanno non è stato ancora del tutto chiarito. .

Sullo sfondo dello sviluppo dei processi artistici, le posizioni di Glazunov hanno acquisito un carattere sempre più accademico e protettivo. Quasi tutta la musica europea del periodo post-wagneriano fu da lui categoricamente respinta: nell'opera di Richard Strauss non trovò altro che “disgustosa cacofonia”, gli impressionisti francesi gli furono altrettanto estranei e antipatici. Dei compositori russi, Glazunov era in una certa misura in sintonia con Scriabin, che fu accolto calorosamente nella cerchia di Belyaev, ammirava la sua quarta Sonata, ma non poteva più accettare il Poema dell'estasi, che ebbe un effetto "deprimente" su di lui. Anche Rimsky-Korsakov è stato incolpato da Glazunov per il fatto che nei suoi scritti "in una certa misura ha reso omaggio al suo tempo". E assolutamente inaccettabile per Glazunov era tutto ciò che fecero i giovani Stravinsky e Prokofiev, per non parlare delle successive tendenze musicali degli anni '20.

Un tale atteggiamento verso tutto ciò che era nuovo doveva dare a Glazunov un sentimento di solitudine creativa, che non ha contribuito a creare un'atmosfera favorevole per il suo stesso lavoro di compositore. Infine, è possibile che dopo un certo numero di anni di così intenso "dono di sé" nell'opera di Glazunov, semplicemente non riuscisse a trovare nient'altro da dire senza cantare di nuovo se stesso. In queste condizioni, il lavoro al conservatorio ha potuto, in una certa misura, attenuare e appianare quella sensazione di vuoto, che non poteva che nascere a seguito di un così forte calo della produttività creativa. Comunque sia, dal 1905, nelle sue lettere, si sentono costantemente lamentele sulla difficoltà di comporre, la mancanza di nuovi pensieri, i "dubbi frequenti" e persino la riluttanza a scrivere musica.

In risposta a una lettera di Rimsky-Korsakov che non ci è pervenuta, apparentemente censurando il suo amato studente per la sua inazione creativa, Glazunov scrisse nel novembre 1905: Tu, mia amata persona, che invidio per la fortezza della forza, e, infine, Duro solo fino a 80 anni… Sento che con il passare degli anni divento sempre più inadatto a servire persone o idee. Questa amara confessione riflette le conseguenze della lunga malattia di Glazunov e di tutto ciò che ha vissuto in relazione agli eventi degli anni '60. Ma anche allora, quando l'acutezza di queste esperienze è diventata opaca, non ha sentito un urgente bisogno di creatività musicale. Come compositore, Glazunov si era pienamente espresso all'età di quarant'anni e tutto ciò che scrisse nei restanti trent'anni aggiunge poco a ciò che aveva creato in precedenza. In un rapporto su Glazunov, letto in 40, Ossovsky ha notato il "declino del potere creativo" del compositore dal 1905, ma in realtà questo declino arriva un decennio prima. L'elenco delle nuove composizioni originali di Glazunov dalla fine dell'Ottava Sinfonia (1949–1917) all'autunno del 1905 è limitato a una dozzina di partiture orchestrali, per lo più in forma ridotta. (Il lavoro sulla Nona Sinfonia, concepita già nel 1904, con lo stesso nome dell'Ottava, non andò oltre lo schizzo del primo movimento.)e musica per due spettacoli drammatici: "Il re degli ebrei" e "Masquerade". Due concerti per pianoforte, datati 1911 e 1917, sono l'implementazione di idee precedenti.

Dopo la Rivoluzione d'Ottobre, Glazunov rimase direttore del Conservatorio di Pietrogrado-Leningrado, prese parte attiva a vari eventi musicali ed educativi e continuò le sue esibizioni come direttore d'orchestra. Ma la sua discordia con le tendenze innovative nel campo della creatività musicale si approfondisce e assume forme sempre più acute. Le nuove tendenze hanno incontrato simpatia e sostegno da parte di una parte della cattedra del conservatorio, che ha cercato riforme nel processo educativo e rinnovamento del repertorio su cui sono stati educati i giovani studenti. A questo proposito sorsero controversie e disaccordi, a seguito dei quali la posizione di Glazunov, che custodiva fermamente la purezza e l'inviolabilità dei fondamenti tradizionali della scuola Rimsky-Korsakov, divenne sempre più difficile e spesso ambigua.

Fu questo uno dei motivi per cui, partito per Vienna nel 1928 come membro della giuria del Concorso Internazionale organizzato per il centenario della morte di Schubert, non fece più ritorno in patria. La separazione dall'ambiente familiare e dai vecchi amici Glazunov ha vissuto duramente. Nonostante l'atteggiamento rispettoso dei più grandi musicisti stranieri nei suoi confronti, il sentimento di solitudine personale e creativa non ha lasciato il compositore malato e non più giovane, costretto a condurre uno stile di vita frenetico e faticoso come direttore di tournée. All'estero, Glazunov ha scritto diverse opere, ma non gli hanno portato molta soddisfazione. Il suo stato d'animo negli ultimi anni della sua vita può essere caratterizzato dalle righe di una lettera a MO Steinberg datata 26 aprile 1929: “Come dice Poltava di Kochubey, avevo anche tre tesori: creatività, connessione con la mia istituzione preferita e concerto spettacoli. Qualcosa va storto con i primi e l'interesse per questi ultimi si sta raffreddando, forse in parte a causa della loro tardiva apparizione sulla stampa. Anche la mia autorità come musicista è diminuita in modo significativo... Rimane la speranza per il "colporterismo" (dal francese colporter - diffondere, distribuire. Glazunov significa le parole di Glinka, ha detto in una conversazione con Meyerbeer: "Non tendo a distribuire le mie composizioni") della musica mia e di qualcun altro, a cui ho mantenuto la mia forza e capacità lavorativa. Qui è dove ho messo fine a tutto ciò.

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Il lavoro di Glazunov è stato a lungo universalmente riconosciuto ed è diventato parte integrante del patrimonio musicale classico russo. Se le sue opere non scioccano l'ascoltatore, non toccano le profondità più intime della vita spirituale, allora sono in grado di offrire piacere estetico e gioia con il loro potere elementare e integrità interiore, combinati con saggia chiarezza di pensiero, armonia e completezza di incarnazione. Il compositore della band "di transizione", che si trova tra due epoche del brillante periodo di massimo splendore della musica russa, non era un innovatore, uno scopritore di nuove strade. Ma l'enorme, perfettissima abilità, con un brillante talento naturale, ricchezza e generosità di invenzione creativa, gli hanno permesso di realizzare molte opere di alto valore artistico, che ancora non hanno perso un vivo interesse per l'attualità. In qualità di insegnante e personaggio pubblico, Glazunov ha contribuito notevolmente allo sviluppo e al rafforzamento delle basi della cultura musicale russa. Tutto ciò determina la sua importanza come una delle figure centrali della cultura musicale russa all'inizio del XIX secolo.

Yu. Avanti