Vladimir Vladimirovitch Sofronitsky |
Vladimir Sofronitski
Vladimir Vladimirovich Sofronitsky est une figure unique à sa manière. Si, par exemple, l'interprète «X» est facile à comparer avec l'interprète «Y», pour trouver quelque chose de proche, lié, les ramenant à un dénominateur commun, alors il est presque impossible de comparer Sofronitsky avec l'un de ses collègues. En tant qu'artiste, il est unique en son genre et ne peut être comparé.
En revanche, on trouve facilement des analogies qui relient son art au monde de la poésie, de la littérature et de la peinture. Même du vivant du pianiste, ses créations d'interprétation ont été associées aux poèmes de Blok, aux toiles de Vroubel, aux livres de Dostoïevski et de Green. Il est curieux que quelque chose de semblable se soit produit à un moment donné avec la musique de Debussy. Et il n'a pas pu trouver d'analogues satisfaisants dans les cercles de ses collègues compositeurs; parallèlement, la critique des musiciens contemporains retrouvait facilement ces analogies chez les poètes (Baudelaire, Verlaine, Mallarmé), les dramaturges (Maeterlinck), les peintres (Monet, Denis, Sisley et autres).
- Musique pour piano dans la boutique en ligne Ozon →
Se démarquer dans l'art de ses frères de l'atelier de création, à distance de ceux qui se ressemblent par le visage, est le privilège d'artistes vraiment exceptionnels. Sofronitsky appartenait sans aucun doute à de tels artistes.
Sa biographie n'était pas riche en événements extérieurs remarquables ; il n'y avait pas de surprises particulières, pas d'accidents qui changeaient soudainement et brusquement le destin. Quand on regarde le chronographe de sa vie, une chose saute aux yeux : des concerts, des concerts, des concerts… Il est né à Saint-Pétersbourg, dans une famille intelligente. Son père était physicien; dans le pedigree, vous pouvez trouver les noms de scientifiques, poètes, artistes, musiciens. Presque toutes les biographies de Sofronitsky disent que son arrière-arrière-grand-père maternel était un portraitiste exceptionnel de la fin du XXe - début du XXe siècle Vladimir Lukich Borovikovsky.
Dès l'âge de 5 ans, le garçon est attiré par le monde des sons, par le piano. Comme tous les enfants vraiment doués, il aimait fantasmer au clavier, jouer quelque chose qui lui était propre, capter des mélodies entendues au hasard. Il a montré très tôt une oreille fine, une mémoire musicale tenace. Les proches ne doutaient pas qu'il fallait l'enseigner sérieusement et le plus tôt possible.
Dès l'âge de six ans, Vova Sofronitsky (sa famille vit à Varsovie à l'époque) commence à prendre des cours de piano auprès d'Anna Vasilievna Lebedeva-Getsevich. Un élève de NG Rubinshtein, Lebedeva-Getsevich, comme on dit, était un musicien sérieux et compétent. Dans ses études, la mesure et l'ordre de fer régnaient ; tout était conforme aux dernières recommandations méthodologiques ; les devoirs et les instructions étaient soigneusement consignés dans les journaux des étudiants, leur mise en œuvre était strictement contrôlée. "Le travail de chaque doigt, de chaque muscle n'a pas échappé à son attention, et elle a constamment cherché à éliminer toute irrégularité nuisible" (Sofronitsky VN Des mémoires // Souvenirs de Sofronitsky. – M., 1970. P. 217)– écrit dans ses mémoires Vladimir Nikolayevich Sofronitsky, le père du pianiste. Apparemment, les leçons avec Lebedeva-Getsevich ont bien servi son fils. Le garçon a évolué rapidement dans ses études, était attaché à son professeur et l'a ensuite rappelée plus d'une fois avec un mot reconnaissant.
… Le temps passait. Sur les conseils de Glazunov, à l'automne 1910, Sofronitsky passa sous la direction d'un éminent spécialiste de Varsovie, professeur au Conservatoire Alexandre Konstantinovitch Mikhalovsky. A cette époque, il s'intéresse de plus en plus à la vie musicale qui l'entoure. Il assiste à des soirées de piano, entend Rachmaninov, le jeune Igumnov et le célèbre pianiste Vsevolod Buyukli, qui étaient en tournée dans la ville. Excellent interprète des œuvres de Scriabine, Buyukli a eu une forte influence sur le jeune Sofronitsky – lorsqu'il était dans la maison de ses parents, il s'asseyait souvent au piano, volontiers et jouait beaucoup.
Plusieurs années passées avec Mikhalovsky ont eu le meilleur effet sur le développement de Safronitsky en tant qu'artiste. Michalovsky lui-même était un pianiste exceptionnel ; admirateur passionné de Chopin, il se produit assez souvent sur la scène de Varsovie avec ses pièces. Sofronitsky a étudié non seulement avec un musicien expérimenté, un professeur efficace, il a appris concertiste, un homme qui connaissait bien la scène et ses lois. C'était ce qui comptait et qui était important. Lebedeva-Getsevich lui a apporté des avantages incontestables à son époque: comme on dit, elle a "mis la main", a jeté les bases de l'excellence professionnelle. Près de Mikhalovsky, Sofronitsky a d'abord ressenti l'arôme excitant de la scène de concert, capté son charme unique, qu'il a toujours aimé.
En 1914, la famille Sofronitsky est retournée à Saint-Pétersbourg. Le pianiste de 13 ans entre au conservatoire du célèbre maître de pédagogie du piano Leonid Vladimirovich Nikolaev. (Outre Sofronitsky, ses étudiants à plusieurs reprises comprenaient M. Yudina, D. Chostakovitch, P. Serebryakov, N. Perelman, V. Razumovskaya, S. Savshinsky et d'autres musiciens bien connus.) Sofronitsky avait toujours la chance d'avoir des professeurs. Avec toute la différence de caractères et de tempéraments (Nikolaev était sobre, équilibré, invariablement logique, et Vova était passionné et accro), des contacts créatifs avec le professeur ont enrichi son élève de bien des façons.
Il est intéressant de noter que Nikolaev, pas trop extravagant dans ses affections, s'est rapidement pris d'affection pour le jeune Sofronitsky. On raconte qu'il s'adressait souvent à des amis et connaissances : "Venez écouter un garçon merveilleux... Il me semble que c'est un talent exceptionnel, et il joue déjà bien." (Conservatoire de Leningrad dans les Mémoires. – L., 1962. S. 273.).
De temps en temps, Sofronitsky participe à des concerts d'étudiants et à des événements caritatifs. Ils le remarquent, ils parlent avec plus d'insistance et plus haut de son grand et charmant talent. Déjà non seulement Nikolaev, mais aussi les musiciens les plus clairvoyants de Petrograd – et derrière eux certains critiques – lui prédisent un avenir artistique glorieux.
… Le conservatoire est terminé (1921), la vie de concertiste professionnel commence. Le nom de Sofronitsky se retrouve de plus en plus souvent sur les affiches de sa ville natale ; le public moscovite, traditionnellement strict et exigeant, apprend à le connaître et lui réserve un accueil chaleureux ; on l'entend à Odessa, Saratov, Tiflis, Bakou, Tachkent. Peu à peu, ils l'apprennent un peu partout en URSS, où la musique sérieuse est vénérée ; il est mis sur un pied d'égalité avec les interprètes les plus célèbres de l'époque.
(Une touche curieuse: Sofronitsky n'a jamais participé à des concours de musique et, de son propre aveu, ne les aimait pas. La gloire n'a pas été gagnée par lui lors de concours, pas en combat singulier quelque part et avec quelqu'un; il le doit surtout au capricieux jeu de hasard, qui, il arrive que l'un soit élevé de quelques marches, l'autre injustement relégué à l'ombre. , prouvant son droit à l'activité de concert.)
En 1928, Sofronitsky est allé à l'étranger. Avec succès sont ses tournées à Varsovie, Paris. Environ un an et demi, il vit dans la capitale de la France. Rencontre des poètes, des artistes, des musiciens, se familiarise avec l'art d'Arthur Rubinstein, Gieseking, Horowitz, Paderewski, Landowska; demande conseil à un brillant maître et expert en piano, Nikolai Karlovich Medtner. Paris avec sa culture séculaire, ses musées, ses vernissages, le plus riche trésor d'architecture donne au jeune artiste beaucoup d'impressions vives, rend sa vision artistique du monde encore plus nette et plus nette.
Après s'être séparé de la France, Sofronitsky retourne dans son pays natal. Et encore des voyages, des tournées, des scènes philharmoniques grandes et méconnues. Bientôt, il commence à enseigner (il est invité par le Conservatoire de Leningrad). La pédagogie n'était pas destinée à devenir sa passion, sa vocation, l'œuvre de sa vie – comme, disons, pour Igumnov, Goldenweiser, Neuhaus ou son professeur Nikolaev. Et pourtant, par la volonté des circonstances, il était lié à elle jusqu'à la fin de ses jours, il y a sacrifié beaucoup de temps, d'énergie et de force.
Et puis viennent l'automne et l'hiver 1941, une période d'épreuves incroyablement difficiles pour les habitants de Leningrad et pour Sofronitsky, restés dans la ville assiégée. Une fois, le 12 décembre, dans les jours les plus cauchemardesques du blocus, son concert a eu lieu – un concert inhabituel, à jamais gravé dans sa mémoire et celle de bien d'autres. Il a joué au Théâtre Pouchkine (anciennement Alexandrinsky) pour les personnes qui ont défendu son Leningrad. "Il faisait trois degrés sous zéro dans la salle Alexandrinka", a déclaré plus tard Sofronitsky. « Les auditeurs, les défenseurs de la ville, étaient assis en manteaux de fourrure. J'ai joué avec des gants aux bouts de doigts découpés… Mais comme ils m'ont écouté, comme j'ai joué ! Comme ces souvenirs sont précieux… J'ai senti que les auditeurs me comprenaient, que j'avais trouvé le chemin de leur cœur… » (Adzhemov KX Inoubliable. – M., 1972. S. 119.).
Sofronitsky passe les deux dernières décennies de sa vie à Moscou. A cette époque, il est souvent malade, parfois il n'apparaît pas en public pendant des mois. Plus ils attendent ses concerts avec impatience ; chacun d'eux devient un événement artistique. Peut-être même un mot concert pas le meilleur en ce qui concerne les performances ultérieures de Sofronitsky.
Ces performances à une époque étaient appelées différemment: «hypnose musicale», «nirvana poétique», «liturgie spirituelle». En effet, Sofronitsky ne s'est pas contenté d'interpréter (enfin, excellemment interprété) tel ou tel programme indiqué sur l'affiche du concert. Tout en jouant de la musique, il semblait se confesser aux gens ; Il a avoué avec la plus grande franchise, sincérité et, ce qui est très important, un dévouement émotionnel. A propos d'une des chansons de Schubert - Liszt, il a mentionné: "J'ai envie de pleurer quand je joue ce truc." Une autre fois, après avoir présenté au public une interprétation vraiment inspirée de la sonate en si bémol mineur de Chopin, il a avoué, étant entré dans la salle artistique : « Si vous vous inquiétez comme ça, alors je ne la jouerai pas plus de cent fois. .” Revivez vraiment la musique jouée so, comme il l'a expérimenté au piano, a été donné à quelques-uns. Le public a vu et compris cela; c'est ici que réside l'indice de l'impact inhabituellement fort, «magnétique», comme beaucoup l'ont assuré, de l'artiste sur le public. De ses soirées, c'était qu'ils sortaient en silence, dans un état d'approfondissement concentré, comme au contact d'un secret. (Heinrich Gustovovich Neuhaus, qui connaissait bien Sofronitsky, a dit un jour que "le cachet de quelque chose d'extraordinaire, parfois presque surnaturel, mystérieux, inexplicable et puissamment attirant à lui-même repose toujours sur son jeu...")
Oui, et les pianistes eux-mêmes hier, les rencontres avec le public ont aussi parfois eu lieu à leur façon. Sofronitsky aimait les petites pièces douillettes, « son » public. Dans les dernières années de sa vie, il joua le plus volontiers dans la Petite Salle du Conservatoire de Moscou, dans la Maison des Savants et – avec la plus grande sincérité – dans la Maison-Musée d'AN Scriabine, le compositeur qu'il idolâtra presque depuis toujours. jeune âge.
Il est à noter que dans la pièce de Sofronitsky, il n'y a jamais eu de cliché (un cliché de jeu déprimant et ennuyeux qui dévalorise parfois les interprétations de maîtres notoires); gabarit interprétatif, dureté de la forme, venant d'un entraînement super-fort, du programme « fait » scrupuleux, de la répétition fréquente des mêmes pièces sur différentes scènes. Un pochoir dans l'interprétation musicale, une pensée pétrifiée, étaient pour lui les choses les plus odieuses. "C'est très mauvais, dit-il, quand, après les premières mesures prises par un pianiste dans un concerto, on imagine déjà ce qui va se passer ensuite." Bien sûr, Sofronitsky a étudié ses programmes pendant longtemps et avec soin. Et lui, malgré toute l'infinité de son répertoire, a eu l'occasion de répéter dans des concerts précédemment joués. Mais - une chose incroyable! – il n'y a jamais eu de tampon, il n'y a pas eu de sentiment de « mémorisation » de ce qu'ils ont dit depuis la scène. Car il était créateur au vrai et haut sens du terme. « … Est-ce que Sofronitsky exécuteur? VE Meyerhold s'est exclamé à un moment donné. « Qui tournerait la langue pour dire cela ? (Prononcer le mot exécuteur, Meyerhold, comme vous pouvez le deviner, signifiait interprète; ne voulait pas dire musical performant, et la comédie musicale diligence.) En effet : peut-on nommer un contemporain et collègue d'un pianiste, chez qui l'intensité et la fréquence de la pulsation créatrice, l'intensité du rayonnement créateur se feraient sentir plus que chez lui ?
Sofronitsky toujours créée sur la scène du concert. Dans l'interprétation musicale, comme au théâtre, il est possible de présenter au public le résultat final d'une œuvre bien exécutée à l'avance (comme, par exemple, le célèbre pianiste italien Arturo Benedetti Michelangeli) ; on peut au contraire sculpter une image artistique sur place, devant le public : « ici, aujourd'hui, maintenant », comme le voulait Stanislavski. Pour Sofronitsky, ce dernier était la loi. Les visiteurs de ses concerts n'ont pas eu le «jour d'ouverture», mais une sorte d'atelier de création. En règle générale, la chance d'hier en tant qu'interprète ne convenait pas au musicien qui travaillait dans cet atelier - donc c'était déjà… Il y a un type d'artiste qui, pour avancer, a constamment besoin de rejeter quelque chose, de laisser quelque chose. On dit que Picasso a fait environ 150 croquis préliminaires pour ses célèbres panneaux "Guerre" et "Paix" et n'en a utilisé aucun dans la dernière version finale de l'œuvre, bien que bon nombre de ces croquis et croquis, selon un témoin oculaire compétent comptes, étaient excellents. Picasso ne pouvait organiquement pas répéter, dupliquer, faire des copies. Il devait chercher et créer chaque minute ; parfois jeter ce qui a été trouvé précédemment ; maintes et maintes fois pour résoudre le problème. Décidez autrement que, disons, hier ou avant-hier. Sinon, la créativité elle-même en tant que processus perdrait son charme, son plaisir spirituel et sa saveur spécifique pour lui. Quelque chose de similaire s'est produit avec Sofronitsky. Il pouvait jouer deux fois de suite la même chose (comme cela lui arrivait dans sa jeunesse, sur l'un des clavirabends, lorsqu'il demandait au public l'autorisation de répéter l'impromptu de Chopin, ce qui ne le satisfaisait pas en tant qu'interprète) – la seconde » version » est nécessairement quelque chose de différent de la première. Sofronitsky aurait dû répéter après Mahler le chef d'orchestre : "C'est incroyablement ennuyeux pour moi de mener une œuvre sur un chemin battu." En fait, il s'est exprimé plus d'une fois de cette manière, bien qu'en des termes différents. Dans une conversation avec l'un de ses proches, il a en quelque sorte lâché: "Je joue toujours différemment, toujours différemment."
Ces « inégaux » et « différents » apportaient un charme unique à son jeu. Il a toujours deviné quelque chose à partir de l'improvisation, de la recherche créative momentanée ; plus tôt, on disait déjà que Sofronitsky était monté sur scène engendrent – ne pas recréer. Dans les conversations, il a assuré - plus d'une fois et avec tout son droit - qu'en tant qu'interprète, il a toujours un "plan solide" dans la tête : "avant le concert, je sais jouer jusqu'à la dernière pause. ” Mais ensuite il a ajouté :
« Une autre chose est pendant un concert. Cela peut être le même qu'à la maison, ou cela peut être complètement différent. Comme à la maison - similaires – Il n'avait pas…
Il y avait là-dedans des avantages (énormes) et des inconvénients (vraisemblablement inévitables). Nul besoin de prouver que l'improvisation est une qualité aussi précieuse que rare dans la pratique actuelle des interprètes de musique. Improviser, céder à l'intuition, interpréter sur scène une œuvre minutieusement et longuement étudiée, sortir des sentiers battus au moment le plus crucial, seul un artiste à l'imagination riche, à l'audace et à l'imagination créatrice ardente peut le faire. Seul « mais » : on ne peut pas, subordonnant le jeu « à la loi du moment, à la loi de cette minute, à un état d'esprit donné, à une expérience donnée… » – et c'est dans ces expressions que GG Neuhaus décrivait La manière scénique de Sofronitsky - il est impossible, apparemment, d'être toujours le même heureux dans leurs trouvailles. Pour être honnête, Sofronitsky n'appartenait pas à des pianistes égaux. La stabilité ne faisait pas partie de ses vertus de concertiste. Des aperçus poétiques d'une puissance extraordinaire alternaient avec lui, il arrivait, avec des moments d'apathie, de transe psychologique, de démagnétisation interne. Les réussites artistiques les plus éclatantes, non, non, oui, entrecoupées d'échecs insultants, d'ascensions triomphales - avec des pannes inattendues et malheureuses, d'apogées créatives - avec des "plateaux" qui le bouleversent profondément et sincèrement...
Les proches de l'artiste savaient qu'il n'était jamais possible de prédire avec au moins une certaine certitude si sa prochaine performance serait réussie ou non. Comme c'est souvent le cas des natures nerveuses, fragiles, facilement vulnérables (un jour il a dit de lui : « Je vis sans peau »), Sofronitsky était loin d'être toujours capable de se ressaisir avant un concert, de concentrer sa volonté, de surmonter un spasme de l'anxiété, retrouvez la tranquillité d'esprit. L'histoire de son élève IV Nikonovich est révélatrice en ce sens: «Le soir, une heure avant le concert, à sa demande, je l'appelais souvent en taxi. Le chemin de la maison à la salle de concert était généralement très difficile… Il était interdit de parler de musique, du concert à venir, bien sûr, de choses prosaïques étrangères, de poser toutes sortes de questions. Il était interdit d'être trop exalté ou silencieux, de détourner l'attention de l'atmosphère d'avant-concert ou, à l'inverse, de focaliser l'attention sur celle-ci. Sa nervosité, son magnétisme intérieur, son impressionnabilité anxieuse, son conflit avec les autres ont atteint leur paroxysme dans ces moments. (Nikonovich IV Souvenirs de VV Sofronitsky // Souvenirs de Sofronitsky. S. 292.).
L'excitation qui tourmentait presque tous les musiciens de concert épuisait Sofronitsky presque plus que les autres. La surcharge émotionnelle était parfois si grande que tous les premiers numéros du programme, et même toute la première partie de la soirée, passaient, comme il le disait lui-même, « sous le piano ». Ce n'est que peu à peu, difficilement, qu'est venue l'émancipation intérieure. Et puis l'essentiel est venu. Les fameuses « passes » de Sofronitsky ont commencé. La chose pour laquelle les foules sont allées aux concerts du pianiste a commencé : le saint des saints de la musique a été révélé aux gens.
La nervosité, l'électrification psychologique de l'art de Sofronitsky ont été ressenties par presque chacun de ses auditeurs. Les plus perspicaces, cependant, ont deviné autre chose dans cet art – ses connotations tragiques. C'est ce qui le distinguait des musiciens qui semblaient proches de lui dans leurs aspirations poétiques, l'entrepôt d'une nature créative, le romantisme de la vision du monde, tels que Cortot, Neuhaus, Arthur Rubinstein ; mis à part, une place à part dans le cercle des contemporains. La critique musicale, qui analysait le jeu de Sofronitsky, n'avait vraiment d'autre choix que de se tourner vers la recherche de parallèles et d'analogies avec la littérature et la peinture : vers les mondes artistiques confus, anxieux, aux couleurs crépusculaires de Blok, Dostoïevski, Vroubel.
Les gens qui se tenaient à côté de Sofronitsky écrivent sur son désir éternel pour les bords dramatiquement aiguisés de l'être. "Même dans les moments de l'animation la plus joyeuse", se souvient AV Sofronitsky, le fils d'un pianiste, "une ride tragique ne quittait pas son visage, il n'était jamais possible d'attraper une expression de satisfaction complète sur lui." Maria Yudina a parlé de son « apparence souffrante », « agitation vitale… ». Inutile de dire que les collisions spirituelles et psychologiques complexes de Sofronitsky, homme et artiste, ont affecté son jeu, lui ont donné une empreinte toute particulière. Parfois, ce jeu devenait presque saignant dans son expression. Parfois, les gens pleuraient aux concerts du pianiste.
Il s'agit maintenant principalement des dernières années de la vie de Sofronitsky. Dans sa jeunesse, son art était à bien des égards différent. La critique a écrit sur les «exaltations», sur le «pathos romantique» du jeune musicien, sur ses «états extatiques», sur «la générosité des sentiments, le lyrisme pénétrant», etc. Ainsi joua-t-il les opus pour piano de Scriabine, et la musique de Liszt (dont la sonate en si mineur, avec laquelle il sort diplômé du conservatoire) ; dans la même veine émotionnelle et psychologique, il a interprété les œuvres de Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Brahms, Debussy, Tchaïkovski, Rachmaninov, Medtner, Prokofiev, Chostakovitch et d'autres compositeurs. Ici, probablement, il faudrait stipuler spécifiquement que tout ce que Sofronitsky a joué ne peut être répertorié - il a gardé des centaines d'œuvres dans sa mémoire et dans ses doigts, pourrait annoncer (ce qu'il a d'ailleurs fait) plus d'une douzaine de concerts programmes, sans répéter dans aucun d'entre eux : son répertoire était vraiment illimité.
Au fil du temps, les révélations émotionnelles du pianiste deviennent plus restreintes, l'affectation cède la place à la profondeur et à la capacité des expériences, déjà évoquées, et pas mal. L'image de feu Sofronitsky, un artiste qui a survécu à la guerre, au terrible hiver de Léningrad de quarante et un ans, à la perte d'êtres chers, se cristallise dans ses contours. jouer probablement socomment il a joué dans ses années de déclin, il n'était possible de laisser derrière lui sa Le chemin de la vie. Il y a eu un cas où il a dit sans ambages à ce sujet à une étudiante qui essayait de représenter quelque chose au piano dans l'esprit de son professeur. Il est peu probable que les personnes qui ont fréquenté les groupes de claviers du pianiste dans les années XNUMX et XNUMX n'oublient jamais son interprétation de la fantaisie en ut mineur de Mozart, des mélodies de Schubert-Liszt, de "Apassionata" de Beethoven, du Poème tragique et des dernières sonates de Scriabine, des pièces de Chopin, des Fa- dièse- sonate mineure, « Kreisleriana » et d'autres œuvres de Schumann. La fière majesté, presque monumentale, des constructions sonores de Sofronitsky ne sera pas oubliée ; relief sculptural et renflement des détails pianistiques, lignes, contours; "deklamato" extrêmement expressif et effrayant. Et encore une chose: la lapidarité de plus en plus manifeste du style d'exécution. « Il a commencé à tout jouer de manière beaucoup plus simple et plus stricte qu'auparavant », notent des musiciens qui connaissaient parfaitement sa manière, « mais cette simplicité, ce laconisme et ce sage détachement m'ont choqué comme jamais auparavant. Il n'a donné que l'essence la plus nue, comme un certain concentré ultime, un caillot de sentiment, de pensée, de volonté… ayant acquis la plus haute liberté dans des formes inhabituellement avares, comprimées, d'une intensité restreinte. (Nikonovich IV Memories of VV Sofronitsky // Ed. citée)
Sofronitsky lui-même considérait la période des années cinquante comme la plus intéressante et la plus significative de sa biographie artistique. Très probablement, c'était ainsi. L'art du coucher du soleil d'autres artistes est parfois peint dans des tons tout à fait spéciaux, uniques dans leur expressivité - les tons de la vie et de «l'automne doré» créatif; ces tons qui ressemblent à un reflet sont rejetés par l'illumination spirituelle, l'approfondissement en soi, le psychologisme condensé. Avec une émotion indescriptible, on écoute les derniers opus de Beethoven, on regarde les visages lugubres des vieillards de Rembrandt, capturés par lui peu avant sa mort, et on lit les derniers actes du Faust de Goethe, de la Résurrection de Tolstoï ou des Frères Karamazov de Dostoïevski. Il incombait à la génération d'auditeurs soviétiques d'après-guerre d'entrer en contact avec les véritables chefs-d'œuvre des arts musicaux et du spectacle - les chefs-d'œuvre de Sofronitsky. Leur créateur est toujours dans le cœur de milliers de personnes, se souvenant avec gratitude et amour de son art merveilleux.
G.Tsypine
