Valentin Vassilievitch Silvestrov (Valentin Silvestrov) |

Valentin Sylvestrov

Seule la mélodie rend la musique éternelle…

Il semblerait probablement qu'à notre époque ces paroles seraient typiques d'un auteur-compositeur. Mais elles ont été prononcées par un musicien dont le nom a longtemps été qualifié d'avant-gardiste (au sens péjoratif), de subvertisseur, de destructeur. V. Silvestrov est au service de la musique depuis près de 30 ans et, probablement, à la suite du grand poète, il pourrait dire: "Dieu ne m'a pas fait le don de la cécité!" (M. Tsvetaeva). Car tout son parcours – à la fois dans la vie et dans la créativité – est dans un mouvement constant vers la compréhension de la vérité. Ascétique en apparence, apparemment fermé, voire insociable, Sylvestrov cherche en fait à se faire entendre et comprendre dans chacune de ses créations. Entendu – à la recherche d'une réponse aux questions éternelles de l'être, dans un effort pour pénétrer les secrets du Cosmos (en tant qu'habitat humain) et de l'homme (en tant que porteur du Cosmos en soi).

Le parcours de V. Silvestrov dans la musique est loin d'être simple, et parfois dramatique. Il a commencé à apprendre la musique à l'âge de 15 ans. En 1956, il est devenu étudiant à l'Institut de génie civil de Kyiv et, en 1958, il est entré au Conservatoire de Kyiv dans la classe de B. Lyatoshinsky.

Déjà au cours de ces années, la maîtrise cohérente de toutes sortes de styles, de techniques de composition, la formation de la sienne, qui est devenue plus tard une écriture absolument reconnaissable, a commencé. Déjà dans les premières compositions, presque tous les aspects de l'individualité du compositeur de Silvestrov sont déterminés, selon lesquels son travail se développera davantage.

Le début est une sorte de néoclassicisme, où l'essentiel n'est pas les formules et la stylisation, mais l'empathie, la compréhension de la pureté, de la lumière, de la spiritualité que la musique du haut baroque, du classicisme et du premier romantisme porte en elle ("Sonatine", "Classique Sonate » pour piano, plus tard « Musique à l'ancienne », etc.). Une grande attention dans ses premières compositions a été accordée aux nouveaux moyens techniques (dodécaphonie, aléatoire, pointillisme, sonoristique), à ​​l'utilisation de techniques d'interprétation inhabituelles sur des instruments traditionnels et à l'enregistrement graphique moderne. Les points de repère incluent Triad pour piano (1962), Mystery pour flûte alto et percussion (1964), Monody pour piano et orchestre (1965), Symphony No. 1966 (Eschatophony - 1971), Drama pour violon, violoncelle et piano avec ses événements, ses gestes (60). Dans aucune de ces œuvres et d'autres écrites dans les années 70 et au début des années 2, la technique n'est une fin en soi. Ce n'est qu'un moyen de créer des images extatiques et expressives. Ce n'est pas un hasard si dans les œuvres les plus avant-gardistes du point de vue technique, le lyrisme le plus sincère est également mis en évidence (dans le doux, «affaibli», selon les mots du compositeur lui-même, la musique à travers les parties sérielles de XNUMX la Première Symphonie), et des concepts philosophiques profonds sont nés qui conduiront à la plus haute manifestation de l'Esprit dans les Quatrième et Cinquième Symphonies. C'est là que surgit l'une des principales caractéristiques stylistiques de l'œuvre de Silvestrov - la méditative.

Le début d'un nouveau style – « simple, mélodique » – peut s'appeler « Méditation » pour violoncelle et orchestre de chambre (1972). De là commencent des réflexions constantes sur le temps, sur la personnalité, sur le Cosmos. Ils sont présents dans presque toutes les compositions ultérieures de Silvestrov (les symphonies Quatrième (1976) et Cinquième (1982), "Chansons tranquilles" (1977), Cantate pour chœur a cappella sur la station T. Shevchenko (1976), "Forest Music" G. Aigi (1978), "Simple Songs" (1981), Quatre chansons sur la station d'O. Mandelstam). Longue écoute du mouvement du temps, attention aux moindres détails, qui, sans cesse croissants, comme s'ils tombaient les uns sur les autres, créent une macroforme, emmènent la musique au-delà du son, la transformant en un seul ensemble spatio-temporel. La cadence sans fin est l'un des moyens de créer une musique "d'attente", lorsqu'une énorme tension intérieure est cachée dans la statique extérieurement monotone et ondulante. En ce sens, la Cinquième Symphonie peut être comparée aux œuvres d'Andrei Tarkovsky, où des plans extérieurement statiques créent une dynamique intérieure super tendue, éveillant l'esprit humain. Comme les bandes de Tarkovsky, la musique de Sylvestrov s'adresse à l'élite de l'humanité, si par élitisme on comprend vraiment le meilleur d'une personne - la capacité de ressentir profondément et de répondre à la douleur et à la souffrance d'une personne et de l'humanité.

Le spectre des genres de l'œuvre de Silvestrov est assez large. Il est constamment attiré par le mot, la plus haute poésie, qui exige la plus fine perspicacité du cœur pour sa recréation musicale adéquate : A. Pouchkine, M. Lermontov, F. Tyutchev, T. Shevchenko, E. Baratynsky, P. Shelley, J. Keats, O. Mandelstam. C'est dans les genres vocaux que le don de Sylvestrov le mélodiste s'est manifesté avec la plus grande force.

Une œuvre très inattendue occupe une place particulière dans l'œuvre du compositeur, dans laquelle semble pourtant se concentrer son credo créatif. Il s'agit de "Kitch Music" pour piano (1977). Dans l'annotation, l'auteur explique la signification du nom comme quelque chose de "faible, rejeté, infructueux" (c'est-à-dire proche de l'interprétation du dictionnaire du concept). Mais il réfute immédiatement cette explication, en lui donnant même une interprétation nostalgique : _Jouer sur un ton très doux, intime, comme si on touchait doucement la mémoire de l'auditeur, pour que la musique sonne à l'intérieur de la conscience, comme si la mémoire de l'auditeur elle-même chantait cette musique_. Et les mondes de Schumann et Chopin, Brahms et Mahler, les habitants immortels du Temps, que Valentin Silvestrov ressent si vivement, reviennent vraiment à la mémoire.

Le temps est sage. Tôt ou tard, il rend à chacun ce qu'il mérite. Il y avait beaucoup de choses dans la vie de Silvestrov: une incompréhension absolue des personnalités «quasi-culturelles», et un mépris total pour les maisons d'édition, et même l'expulsion de l'Union des compositeurs de l'URSS. Mais il y avait autre chose – la reconnaissance des interprètes et des auditeurs dans notre pays et à l'étranger. Silvestrov – lauréat du prix. S. Koussevitzky (États-Unis, 1967) et le Concours international pour jeunes compositeurs « Gaudeamus » (Pays-Bas, 1970). Intransigeance, honnêteté cristalline, sincérité et pureté, multipliées par un grand talent et une énorme culture intérieure - tout cela donne des raisons d'attendre des créations importantes et sages à l'avenir.

S. Filstein