Sergueï Vassilievitch Rachmaninov |

Sergei Rachmaninov

Et j'avais une terre natale; Il est merveilleux ! A. Pleshcheev (de G. Heine)

Rachmaninov a été créé à partir d'acier et d'or ; L'acier dans ses mains, l'or dans son cœur. I.Hoffmann

"Je suis un compositeur russe, et ma patrie a laissé sa marque sur mon caractère et mes opinions." Ces mots appartiennent à S. Rachmaninov, le grand compositeur, brillant pianiste et chef d'orchestre. Tous les événements les plus importants de la vie sociale et artistique russe se sont reflétés dans sa vie créative, laissant une marque indélébile. La formation et l'épanouissement de l'œuvre de Rachmaninov tombent dans les années 1890-1900, une époque où les processus les plus complexes se sont déroulés dans la culture russe, le pouls spirituel battait fébrilement et nerveusement. Le sentiment lyrique aigu de l'époque inhérent à Rachmaninov était invariablement associé à l'image de sa patrie bien-aimée, avec l'infinité de ses vastes étendues, la puissance et la violence des prouesses de ses forces élémentaires, la douce fragilité de la nature printanière en fleurs.

Le talent de Rachmaninov s'est manifesté tôt et brillamment, même si jusqu'à l'âge de douze ans, il n'a pas montré beaucoup de zèle pour les cours de musique systématiques. Il a commencé à apprendre à jouer du piano à l'âge de 4 ans, en 1882, il a été admis au Conservatoire de Saint-Pétersbourg, où, laissé à lui-même, il a à peu près déconné, et en 1885, il a été transféré au Conservatoire de Moscou. Ici, Rachmaninov a étudié le piano avec N. Zverev, puis A. Siloti ; dans les matières théoriques et la composition – avec S. Taneyev et A. Arensky. Vivant dans une pension avec Zverev (1885-89), il a traversé une école de discipline du travail dure mais très raisonnable, qui l'a transformé d'une personne désespérée paresseuse et méchante en une personne exceptionnellement recueillie et volontaire. "Le meilleur qui soit en moi, je lui dois", - ainsi Rachmaninov a dit plus tard à propos de Zverev. Au conservatoire, Rachmaninov a été fortement influencé par la personnalité de P. Tchaïkovski, qui, à son tour, a suivi le développement de son Seryozha préféré et, après avoir obtenu son diplôme du conservatoire, a aidé à mettre en scène l'opéra Aleko au Théâtre Bolchoï, sachant de son propre triste expérience à quel point il est difficile pour un musicien novice de tracer sa propre voie.

Rachmaninov est diplômé du Conservatoire de piano (1891) et de composition (1892) avec une grande médaille d'or. A cette époque, il était déjà l'auteur de plusieurs compositions, dont le célèbre Prélude en ut dièse mineur, la romance "Dans le silence de la nuit secrète", le Premier concerto pour piano, l'opéra "Aleko", écrit en tant qu'œuvre de fin d'études. en seulement 17 jours ! Les Pièces Fantastiques qui suivirent, op. 3 (1892), Trio élégiaque « À la mémoire d'un grand artiste » (1893), Suite pour deux pianos (1893), Moments de musique op. 16 (1896), romans, œuvres symphoniques – « La Falaise » (1893), Caprice sur des thèmes gitans (1894) – confirment l'opinion de Rachmaninov comme un talent fort, profond et original. Les images et les ambiances caractéristiques de Rachmaninov apparaissent dans ces œuvres dans un large éventail - de la douleur tragique du «Moment musical» en si mineur à l'apothéose hymnique de la romance «Spring Waters», de la dure pression spontanée-volontaire du « Moment musical » en mi mineur à la plus fine aquarelle de la romance « Ile ».

La vie durant ces années était difficile. Décisif et puissant dans la performance et la créativité, Rachmaninov était par nature une personne vulnérable, éprouvant souvent des doutes sur lui-même. Interféré avec des difficultés matérielles, des désordres mondains, errant dans des coins étranges. Et même s'il était soutenu par des personnes proches de lui, principalement la famille Satin, il se sentait seul. Le choc violent provoqué par l'échec de sa Première Symphonie, jouée à Saint-Pétersbourg en mars 1897, entraîne une crise de création. Pendant plusieurs années, Rachmaninov n'a rien composé, mais son activité d'interprète en tant que pianiste s'est intensifiée et il a fait ses débuts comme chef d'orchestre à l'Opéra privé de Moscou (1897). Au cours de ces années, il rencontre L. Tolstoï, A. Tchekhov, artistes du Théâtre d'Art, noue une amitié avec Fiodor Chaliapine, que Rachmaninov considérait comme l'une des «expériences artistiques les plus puissantes, profondes et subtiles». En 1899, Rachmaninov se produit pour la première fois à l'étranger (à Londres) et en 1900, il visite l'Italie, où apparaissent des esquisses du futur opéra Francesca da Rimini. Un événement joyeux a été la mise en scène de l'opéra Aleko à Saint-Pétersbourg à l'occasion du 100e anniversaire d'A. Pouchkine avec Chaliapine comme Aleko. Ainsi, un tournant interne se prépare peu à peu, et au début des années 1900. il y a eu un retour à la créativité. Le nouveau siècle a commencé avec le deuxième concerto pour piano, qui a sonné comme une puissante alarme. Les contemporains ont entendu en lui la voix du Temps avec sa tension, son explosivité et son sens des changements imminents. Maintenant, le genre du concert devient le premier, c'est en lui que les idées principales sont incarnées avec la plus grande complétude et inclusion. Une nouvelle étape commence dans la vie de Rachmaninov.

La reconnaissance générale en Russie et à l'étranger reçoit son activité de pianiste et de chef d'orchestre. 2 ans (1904-06) Rachmaninov a travaillé comme chef d'orchestre au Théâtre Bolchoï, laissant dans son histoire le souvenir des merveilleuses productions d'opéras russes. En 1907, il participe aux Concerts Historiques Russes organisés par S. Diaghilev à Paris, en 1909 il se produit pour la première fois en Amérique, où il joue son Troisième Concerto pour Piano sous la direction de G. Mahler. L'activité de concert intensive dans les villes de Russie et à l'étranger s'est combinée avec une créativité non moins intense, et dans la musique de cette décennie (dans la cantate "Printemps" - 1902, dans les préludes op. 23, dans les finales de la Deuxième Symphonie et le Troisième Concerto) il y a beaucoup d'enthousiasme et d'enthousiasme ardent. Et dans des compositions telles que les romans «Lilas», «C'est bon ici», dans les préludes en ré majeur et sol majeur, «la musique des forces chantantes de la nature» sonnait avec une pénétration étonnante.

Mais dans les mêmes années, d'autres états d'âme se font également sentir. De tristes pensées sur la patrie et son destin futur, des réflexions philosophiques sur la vie et la mort donnent lieu à des images tragiques de la Première Sonate pour piano, inspirée du Faust de Goethe, du poème symphonique «L'île des morts» d'après le tableau de l'artiste suisse A. Böcklin (1909), nombreuses pages du Troisième Concerto, romances op. 26. Les changements internes sont devenus particulièrement notables après 1910. Si dans le troisième concerto la tragédie est finalement surmontée et le concerto se termine par une apothéose jubilatoire, alors dans les œuvres qui l'ont suivi, il s'approfondit continuellement, donnant vie à des images agressives et hostiles, sombres, humeurs dépressives. Le langage musical se complexifie, le large souffle mélodique si caractéristique de Rachmaninov disparaît. Tels sont le poème vocal-symphonique « The Bells » (sur la rue E. Poe, traduit par K. Balmont – 1913) ; romans op. 34 (1912) et op. 38 (1916); Etudes-peintures op. 39 (1917). Cependant, c'est à cette époque que Rachmaninov crée des œuvres pleines de haute signification éthique, qui deviennent la personnification de la beauté spirituelle durable, le point culminant de la mélodie de Rachmaninov - "Vocalise" et "All-Night Vigil" pour chœur a cappella (1915). « Depuis l'enfance, je suis fasciné par les magnifiques mélodies d'Oktoikh. J'ai toujours senti qu'il fallait un style spécial, spécial pour leur traitement choral, et, me semble-t-il, je l'ai trouvé dans les Vêpres. Je ne peux pas m'empêcher d'avouer. que sa création par le Chœur synodal de Moscou m'a procuré une heure de plaisir des plus heureux », se souvient Rachmaninov.

Le 24 décembre 1917, Rachmaninov et sa famille ont quitté la Russie pour toujours. Pendant plus d'un quart de siècle, il a vécu dans un pays étranger, aux États-Unis, et cette période a été la plupart du temps pleine d'une activité de concert épuisante, soumise aux lois cruelles du business de la musique. Rachmaninov a utilisé une partie importante de ses honoraires pour apporter un soutien matériel à ses compatriotes à l'étranger et en Russie. Ainsi, toute la collection pour la représentation d'avril 1922 a été transférée au profit des affamés en Russie et, à l'automne 1941, Rakhmaninov a envoyé plus de quatre mille dollars au fonds d'aide de l'Armée rouge.

À l'étranger, Rachmaninov vit isolé, limitant son cercle d'amis aux immigrants de Russie. Une exception n'a été faite que pour la famille de F. Steinway, le chef de l'entreprise de pianos, avec qui Rachmaninov entretenait des relations amicales.

Les premières années de son séjour à l'étranger, Rachmaninov n'a pas laissé l'idée de la perte d'inspiration créatrice. « Après avoir quitté la Russie, j'ai perdu l'envie de composer. Ayant perdu ma patrie, je me suis perdu. Seulement 8 ans après son départ à l'étranger, Rachmaninov revient à la créativité, crée le Quatrième Concerto pour piano (1926), Trois mélodies russes pour chœur et orchestre (1926), Variations sur un thème de Corelli pour piano (1931), Rhapsodie sur un thème de Paganini (1934), Troisième symphonie (1936), « Danses symphoniques » (1940). Ces travaux sont la dernière, la plus haute montée de Rachmaninov. Un sentiment lugubre de perte irréparable, un désir ardent pour la Russie donne naissance à un art d'une puissance tragique énorme, atteignant son apogée dans les Danses symphoniques. Et dans la brillante Troisième Symphonie, Rachmaninov incarne pour la dernière fois le thème central de son œuvre : l'image de la Patrie. La pensée intense et sévèrement concentrée de l'artiste l'évoque du fond des siècles, il surgit comme un souvenir infiniment cher. Dans un entrelacement complexe de thèmes divers, d'épisodes, une large perspective émerge, une épopée dramatique du destin de la Patrie est recréée, se terminant par une affirmation de la vie victorieuse. Ainsi, à travers toutes les œuvres de Rachmaninov, il porte l'inviolabilité de ses principes éthiques, sa haute spiritualité, sa fidélité et son amour inéluctable pour la Patrie, dont la personnification était son art.

O. Averyanova

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Caractéristiques de la créativité

Sergueï Vassilievitch Rachmaninov est, avec Scriabine, l'une des figures centrales de la musique russe des années 1900. Le travail de ces deux compositeurs a particulièrement attiré l'attention des contemporains, ils en ont discuté avec véhémence, de vives discussions imprimées ont commencé autour de leurs œuvres individuelles. Malgré toute la dissemblance de l'apparence individuelle et de la structure figurative de la musique de Rachmaninov et de Scriabine, leurs noms apparaissaient souvent côte à côte dans ces disputes et étaient comparés les uns aux autres. Il y avait des raisons purement externes à une telle comparaison: tous deux étaient des élèves du Conservatoire de Moscou, qui en sont diplômés presque simultanément et ont étudié avec les mêmes professeurs, tous deux se sont immédiatement démarqués parmi leurs pairs par la force et l'éclat de leur talent, recevant une reconnaissance non seulement en tant que compositeurs de grand talent, mais aussi en tant que pianistes exceptionnels.

Mais il y avait aussi beaucoup de choses qui les séparaient et les plaçaient parfois sur des flancs différents de la vie musicale. L'innovateur audacieux Scriabine, qui a ouvert de nouveaux mondes musicaux, s'oppose à Rachmaninov en tant qu'artiste à la pensée plus traditionnelle qui fonde son travail sur les bases solides du patrimoine classique national. "G. Rachmaninov, écrivait l'un des critiques, est le pilier autour duquel se groupent tous les champions du vrai sens, tous ceux qui chérissent les fondations posées par Moussorgski, Borodine, Rimski-Korsakov et Tchaïkovski.

Cependant, malgré toute la différence dans les positions de Rachmaninov et de Scriabine dans leur réalité musicale contemporaine, ils ont été réunis non seulement par les conditions générales de l'éducation et de la croissance d'une personnalité créative dans leur jeunesse, mais aussi par des traits communs plus profonds. . "Un talent rebelle et agité" - c'est ainsi que Rakhmaninov était autrefois caractérisé dans la presse. C'est cette impulsivité inquiète, l'excitation du ton émotionnel, caractéristique de l'œuvre des deux compositeurs, qui la rendait particulièrement chère et proche de larges cercles de la société russe au début du XIXe siècle, avec leurs attentes, aspirations et espoirs anxieux .

"Scriabine et Rachmaninov sont les deux 'maîtres des pensées musicales' du monde musical russe moderne <...> Maintenant, ils partagent l'hégémonie entre eux dans le monde musical", a admis LL Sabaneev, l'un des apologistes les plus zélés du premier et adversaire et détracteur tout aussi têtu du second. Un autre critique, plus modéré dans ses jugements, écrivait dans un article consacré à une description comparée des trois plus éminents représentants de l'école musicale de Moscou, Taneyev, Rachmaninov et Scriabine : le ton de la vie moderne, fiévreusement intense. Les deux sont les meilleurs espoirs de la Russie moderne.

Pendant longtemps, la vision de Rachmaninov comme l'un des plus proches héritiers et successeurs de Tchaïkovski a dominé. L'influence de l'auteur de La reine de pique a sans aucun doute joué un rôle important dans la formation et le développement de son œuvre, ce qui est tout à fait naturel pour un diplômé du Conservatoire de Moscou, élève de AS Arensky et SI Taneyev. Dans le même temps, il perçoit également certaines des caractéristiques de l'école de compositeurs de « Pétersbourg » : le lyrisme exalté de Tchaïkovski se conjugue chez Rachmaninov à la rude grandeur épique de Borodine, la pénétration profonde de Moussorgski dans le système de pensée musicale russe antique et la perception poétique de la nature native de Rimsky-Korsakov. Cependant, tout ce qui a été appris des professeurs et des prédécesseurs a été profondément repensé par le compositeur, obéissant à sa forte volonté créative et acquérant un nouveau caractère individuel complètement indépendant. Le style profondément original de Rachmaninov a une grande intégrité interne et une grande organicité.

Si nous cherchons des parallèles avec lui dans la culture artistique russe du début du siècle, c'est avant tout la ligne Tchekhov-Bunin dans la littérature, les paysages lyriques de Levitan, Nesterov, Ostroukhov dans la peinture. Ces parallèles ont été notés à plusieurs reprises par divers auteurs et sont devenus presque stéréotypés. On sait avec quel amour et quel respect ardent Rakhmaninov a traité l'œuvre et la personnalité de Tchekhov. Déjà dans les dernières années de sa vie, lisant les lettres de l'écrivain, il regrettait de ne pas l'avoir rencontré de plus près en son temps. Le compositeur a été associé à Bunin pendant de nombreuses années par une sympathie mutuelle et des vues artistiques communes. Ils ont été réunis et liés par un amour passionné pour leur nature russe natale, pour les signes d'une vie simple qui laisse déjà dans le voisinage immédiat d'une personne au monde qui l'entoure, l'attitude poétique du monde, colorée par une profonde lyrisme pénétrant, soif de libération spirituelle et de délivrance des entraves qui contraignent la liberté de la personne humaine.

La source d'inspiration de Rachmaninov était une variété d'impulsions émanant de la vie réelle, de la beauté de la nature, des images de la littérature et de la peinture. « … Je trouve, dit-il, que les idées musicales naissent en moi avec plus de facilité sous l'influence de certaines impressions extra-musicales. Mais en même temps, Rachmaninov s'est efforcé non pas tant de refléter directement certains phénomènes de la réalité au moyen de la musique, de «peindre en sons», mais d'exprimer sa réaction émotionnelle, ses sentiments et ses expériences survenant sous l'influence de divers impressions reçues en externe. En ce sens, on peut parler de lui comme l'un des représentants les plus frappants et les plus typiques du réalisme poétique des années 900, dont la tendance principale a été formulée avec succès par VG Korolenko : « Nous ne nous contentons pas de refléter les phénomènes tels qu'ils sont et de faire pas créer une illusion sur un monde fantasque inexistant. Nous créons ou manifestons une nouvelle relation de l'esprit humain au monde environnant qui naît en nous.

L'un des traits les plus caractéristiques de la musique de Rachmaninov, qui attire d'abord l'attention lorsqu'on s'y familiarise, est la mélodie la plus expressive. Parmi ses contemporains, il se distingue par sa capacité à créer des mélodies larges et longues d'une grande respiration, alliant la beauté et la plasticité du dessin à une expression lumineuse et intense. Le mélodisme, la mélodie est la principale qualité du style de Rachmaninov, qui détermine en grande partie la nature de la pensée harmonique du compositeur et la texture de ses œuvres, saturées, en règle générale, de voix indépendantes, soit se déplaçant au premier plan, soit disparaissant dans un dense dense tissu sonore.

Rachmaninov a créé son propre type de mélodie très spécial, basé sur une combinaison des techniques caractéristiques de Tchaïkovski - un développement mélodique dynamique intensif avec la méthode des transformations variantes, effectué plus en douceur et plus calmement. Après un décollage rapide ou une longue ascension intense vers le sommet, la mélodie, pour ainsi dire, se fige au niveau atteint, revenant invariablement à un son chanté longtemps, ou lentement, avec des rebords en flèche, revient à sa hauteur d'origine. La relation inverse est également possible, lorsqu'un séjour plus ou moins long dans une zone limitée de haute altitude est soudainement interrompu par le déroulement de la mélodie pendant un large intervalle, introduisant une nuance d'expression lyrique aiguë.

Dans une telle interpénétration de la dynamique et de la statique, LA Mazel voit un des traits les plus caractéristiques de la mélodie de Rachmaninov. Un autre chercheur attache un sens plus général au rapport de ces principes dans l'œuvre de Rachmaninov, pointant l'alternance de moments de « freinage » et de « percée » sous-jacente à nombre de ses œuvres. (VP Bobrovsky exprime une idée similaire, notant que "le miracle de l'individualité de Rachmaninov réside dans l'unique unité organique de deux tendances opposées et leur synthèse inhérente à lui seul" - une aspiration active et une tendance à "s'attarder longtemps sur ce qui a été atteint. »). Un penchant pour le lyrisme contemplatif, une immersion prolongée dans un état d'esprit, comme si le compositeur voulait arrêter le temps fuyant, il conjuguait à une immense énergie débordante vers l'extérieur, une soif d'affirmation de soi active. D'où la force et la netteté des contrastes de sa musique. Il cherchait à amener chaque sentiment, chaque état d'esprit à l'extrême degré d'expression.

Dans les mélodies lyriques au déroulement libre de Rachmaninov, avec leur souffle long et ininterrompu, on entend souvent quelque chose qui s'apparente à l'ampleur «incontournable» de la chanson folklorique persistante russe. En même temps, cependant, le lien entre la créativité de Rachmaninov et l'écriture de chansons folkloriques était de nature très indirecte. Ce n'est que dans de rares cas isolés que le compositeur a eu recours à de véritables airs folkloriques; il ne s'est pas efforcé d'obtenir une similitude directe de ses propres mélodies avec les mélodies folkloriques. «Chez Rachmaninov», note à juste titre l'auteur d'un ouvrage spécial sur sa mélodie, «apparaît rarement directement un lien avec certains genres d'art populaire. Plus précisément, le genre semble souvent se dissoudre dans le "sentiment" général du folk et n'est pas, comme c'était le cas avec ses prédécesseurs, le début de la cimentation de tout le processus de formation et de devenir une image musicale. À plusieurs reprises, l'attention a été attirée sur ces caractéristiques de la mélodie de Rachmaninov, qui la rapprochent de la chanson folklorique russe, telles que la douceur du mouvement avec une prédominance de mouvements par étapes, le diatonisme, une abondance de virages phrygiens, etc. Profondément et organiquement assimilé par le compositeur, ces traits deviennent une propriété inaliénable du style de son auteur individuel, acquérant une coloration expressive spéciale qui lui est propre.

L'envers de ce style, aussi irrésistiblement impressionnant que la richesse mélodique de la musique de Rachmaninov, est un rythme inhabituellement énergique, impérieusement conquérant et en même temps souple, parfois fantasque. Tant les contemporains du compositeur que les chercheurs ultérieurs ont beaucoup écrit sur ce rythme propre à Rachmaninov, qui attire involontairement l'attention de l'auditeur. C'est souvent le rythme qui détermine le ton principal de la musique. AV Ossovsky notait en 1904 à propos du dernier mouvement de la Deuxième Suite pour deux pianos que Rachmaninov y « n'avait pas peur d'approfondir l'intérêt rythmique de la forme de Tarentelle pour une âme agitée et assombrie, non étrangère aux attaques d'une sorte de démonisme à fois."

Le rythme apparaît chez Rachmaninov comme porteur d'un principe volitif efficace qui dynamise le tissu musical et introduit un « flot de sentiments » lyrique dans le courant dominant d'un ensemble harmonieux architectoniquement complet. BV Asafiev, comparant le rôle du principe rythmique dans les œuvres de Rachmaninov et de Tchaïkovski, a écrit: «Cependant, dans ce dernier, la nature fondamentale de sa symphonie« agitée »s'est manifestée avec une force particulière dans la collision dramatique des thèmes eux-mêmes. Dans la musique de Rachmaninov, le très passionné dans son intégrité créatrice, l'union de l'entrepôt lyrique-contemplatif du sentiment avec l'entrepôt organisationnel volontaire du «je» du compositeur-interprète s'avère être cette «sphère individuelle» de la contemplation personnelle, qui était contrôlée par le rythme au sens du facteur volitionnel… ». Le schéma rythmique de Rachmaninov est toujours très clairement dessiné, que le rythme soit simple, égal, comme les battements lourds et mesurés d'une grosse cloche, ou complexe, finement fleuri. Favoris du compositeur, en particulier dans les œuvres des années 1910, l'ostinato rythmique donne au rythme une signification non seulement formative, mais aussi thématique dans certains cas.

Dans le domaine de l'harmonie, Rachmaninov n'est pas allé au-delà du système classique majeur-mineur sous la forme qu'il a acquise dans l'œuvre des compositeurs romantiques européens, Tchaïkovski et des représentants du Mighty Handful. Sa musique est toujours définie et stable sur le plan tonal, mais en utilisant les moyens de l'harmonie tonale classique-romantique, il s'est caractérisé par certains traits caractéristiques par lesquels il n'est pas difficile d'établir la paternité de l'une ou l'autre composition. Parmi ces caractéristiques individuelles particulières du langage harmonique de Rachmaninov figurent, par exemple, la lenteur bien connue du mouvement fonctionnel, la tendance à rester longtemps dans une seule tonalité et parfois l'affaiblissement de la gravité. L'attention est attirée sur l'abondance de formations multi-tert complexes, de rangées d'accords non décimaux et non décimaux, ayant souvent une signification plus colorée, phonique que fonctionnelle. La connexion de ce type d'harmonies complexes s'effectue principalement à l'aide de la connexion mélodique. La prédominance de l'élément chant mélodique dans la musique de Rachmaninov détermine le haut degré de saturation polyphonique de son tissu sonore : des complexes harmoniques individuels surgissent constamment du fait du libre mouvement de voix « chantantes » plus ou moins indépendantes.

Il y a un tour harmonique préféré de Rachmaninov, qu'il a utilisé si souvent, en particulier dans les compositions de la première période, qu'il a même reçu le nom «l'harmonie de Rachmaninov». Ce chiffre d'affaires est basé sur un accord de septième introductif réduit d'un mineur harmonique, généralement utilisé sous la forme d'un terzkvartakkord avec le remplacement du II degré III et la résolution en une triade tonique en troisième position mélodique.

Le passage à une quarte réduite qui survient dans ce cas dans la voix mélodique évoque un sentiment poignant et lugubre.

Comme l'une des caractéristiques remarquables de la musique de Rachmaninov, un certain nombre de chercheurs et d'observateurs ont noté sa coloration mineure prédominante. Ses quatre concertos pour piano, ses trois symphonies, ses deux sonates pour piano, la plupart des études-photos et de nombreuses autres compositions ont été écrites en mineur. Même majeur acquiert souvent une coloration mineure en raison d'altérations décroissantes, de déviations tonales et de l'utilisation généralisée d'étapes latérales mineures. Mais peu de compositeurs ont atteint une telle variété de nuances et de degrés de concentration expressive dans l'utilisation de la tonalité mineure. La remarque de LE Gakkel que dans les études-peintures op. 39 « étant donné la gamme la plus large de couleurs mineures de l'être, les nuances mineures du sentiment de vie » peut être étendue à une partie significative de l'ensemble de l'œuvre de Rachmaninov. Des critiques comme Sabaneev, qui nourrissaient une hostilité préconçue envers Rachmaninov, l'appelaient "un pleurnichard intelligent", dont la musique reflète "l'impuissance tragique d'un homme dépourvu de volonté". Pendant ce temps, le mineur "sombre" dense de Rachmaninov sonne souvent courageux, protestant et plein d'une énorme tension volontaire. Et si des notes lugubres sont captées par l'oreille, alors c'est la «noble douleur» de l'artiste patriote, ce «gémissement étouffé sur la terre natale», qui a été entendu par M. Gorky dans certaines des œuvres de Bunin. Comme cet écrivain proche de lui par l'esprit, Rachmaninov, selon les mots de Gorki, « pensait la Russie dans son ensemble », regrettait ses pertes et s'inquiétait du sort de l'avenir.

L'image créative de Rachmaninov dans ses principales caractéristiques est restée intégrale et stable tout au long du parcours d'un demi-siècle du compositeur, sans connaître de fractures ni de changements brusques. Principes esthétiques et stylistiques, appris dans sa jeunesse, il fut fidèle jusqu'aux dernières années de sa vie. Néanmoins, on peut observer une certaine évolution dans son travail, qui se manifeste non seulement par la montée en compétence, l'enrichissement de la palette sonore, mais affecte aussi partiellement la structure figurative et expressive de la musique. Sur ce chemin, trois grandes périodes, bien qu'inégales tant par leur durée que par leur degré de productivité, se dessinent clairement. Ils sont délimités les uns des autres par des césure temporaires plus ou moins longues, des bandes de doute, de réflexion et d'hésitation, alors qu'aucune œuvre achevée ne sortait de la plume du compositeur. La première période, qui tombe sur les années 90 du XNUMXe siècle, peut être qualifiée de période de développement créatif et de maturation du talent, qui a affirmé son chemin en surmontant les influences naturelles à un âge précoce. Les œuvres de cette période ne sont souvent pas encore assez indépendantes, imparfaites dans la forme et la texture. (Certaines d'entre elles (Premier concerto pour piano, Trio élégiaque, pièces pour piano : Mélodie, Sérénade, Humoresque) ont ensuite été révisées par le compositeur et leur texture s'est enrichie et développée.), bien que dans un certain nombre de leurs pages (les meilleurs moments de l'opéra de jeunesse "Aleko", le Trio élégiaque à la mémoire de PI Tchaïkovski, le célèbre prélude en ut dièse mineur, certains moments musicaux et romans), l'individualité du compositeur a déjà été révélé avec suffisamment de certitude.

Une pause inattendue intervient en 1897, après l'exécution infructueuse de la Première Symphonie de Rachmaninov, œuvre dans laquelle le compositeur investit beaucoup de travail et d'énergie spirituelle, qui fut incomprise par la plupart des musiciens et presque unanimement condamnée dans les pages de la presse, voire ridiculisée. par certains critiques. L'échec de la symphonie a provoqué un profond traumatisme mental chez Rachmaninov ; selon ses propres aveux ultérieurs, il "ressemblait à un homme qui a eu un accident vasculaire cérébral et qui pendant longtemps a perdu la tête et les mains". Les trois années suivantes furent des années de silence créatif presque complet, mais en même temps de réflexions concentrées, une réévaluation critique de tout ce qui avait été fait auparavant. Le résultat de cet intense travail interne du compositeur sur lui-même fut un élan créatif inhabituellement intense et lumineux au début du nouveau siècle.

Au cours des trois ou quatre premières années du 23e siècle, Rakhmaninov a créé un certain nombre d'œuvres de genres variés, remarquables par leur profonde poésie, leur fraîcheur et leur immédiateté d'inspiration, dans lesquelles la richesse de l'imagination créatrice et l'originalité de «l'écriture» de l'auteur sont combinés avec un savoir-faire de haute finition. Parmi eux figurent le deuxième concerto pour piano, la deuxième suite pour deux pianos, la sonate pour violoncelle et piano, la cantate "Le printemps", les dix préludes op. XNUMX, l'opéra «Francesca da Rimini», quelques-uns des meilleurs exemples des paroles vocales de Rachmaninov («Lilas», «Extrait de A. Musset»), Cette série d'œuvres a établi la position de Rachmaninov comme l'un des compositeurs russes les plus importants et les plus intéressants de notre temps, lui apportant une large reconnaissance dans les cercles de l'intelligentsia artistique et parmi les masses d'auditeurs.

Une période relativement courte de 1901 à 1917 a été la plus fructueuse de son travail: au cours de cette décennie et demie, la plupart des œuvres matures et indépendantes de style de Rachmaninov ont été écrites, qui sont devenues une partie intégrante des classiques musicaux nationaux. Presque chaque année apportait de nouveaux opus, dont l'apparition devenait un événement marquant de la vie musicale. Avec l'activité créatrice incessante de Rachmaninov, son œuvre n'est pas restée inchangée durant cette période : au tournant des deux premières décennies, des symptômes d'un virage brassicole y sont perceptibles. Sans perdre ses qualités "génériques" générales, il devient plus sévère dans le ton, les ambiances inquiétantes s'intensifient, tandis que l'effusion directe du sentiment lyrique semble ralentir, les couleurs transparentes claires apparaissent moins souvent sur la palette sonore du compositeur, la couleur globale de la musique s'assombrit et s'épaissit. Ces changements sont perceptibles dans la deuxième série de préludes pour piano, op. 32, deux cycles d'études-peintures, et surtout de grandes compositions aussi monumentales que « Les cloches » et « Veille nocturne », qui posent des questions profondes et fondamentales sur l'existence humaine et le but de la vie d'une personne.

L'évolution vécue par Rachmaninov n'a pas échappé à ses contemporains. L'un des critiques écrit à propos des Cloches : « Rakhmaninov semble avoir commencé à chercher de nouvelles ambiances, une nouvelle manière d'exprimer sa pensée… On sent ici renaître le nouveau style de Rachmaninov, qui n'a rien de commun avec le style de Tchaïkovski. ”

Après 1917, une nouvelle pause dans l'œuvre de Rachmaninov s'amorce, cette fois beaucoup plus longue que la précédente. Ce n'est qu'après une décennie entière que le compositeur revient à la composition musicale, après avoir arrangé trois chansons folkloriques russes pour chœur et orchestre et achevé le quatrième concerto pour piano, commencé à la veille de la Première Guerre mondiale. Au cours des années 30, il n'en écrivit (à l'exception de quelques transcriptions de concert pour piano) que quatre, pourtant significatives quant à l'idée d'œuvres majeures.

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Dans un environnement de recherches complexes, souvent contradictoires, une lutte acharnée et intense de directions, une rupture des formes habituelles de conscience artistique qui ont caractérisé le développement de l'art musical dans la première moitié du XXe siècle, Rachmaninov est resté fidèle au grand classique traditions de la musique russe de Glinka à Borodine, Moussorgski, Tchaïkovski, Rimski-Korsakov et leurs plus proches étudiants et disciples directs de Taneyev, Glazunov. Mais il ne s'est pas limité au rôle de gardien de ces traditions, mais les a perçues de manière active et créative, affirmant leur pouvoir vivant et inépuisable, leur capacité de développement et d'enrichissement ultérieurs. Artiste sensible et impressionnable, Rachmaninov, malgré son adhésion aux préceptes des classiques, n'est pas resté sourd aux appels de la modernité. Dans son attitude face aux nouvelles tendances stylistiques du XVIe siècle, il y a eu un moment non seulement de confrontation, mais aussi d'une certaine interaction.

Sur une période d'un demi-siècle, l'œuvre de Rachmaninov a connu une évolution significative, et les œuvres non seulement des années 1930, mais aussi des années 1910 diffèrent sensiblement tant par leur structure figurative que par leur langage, moyens d'expression musicale du début, pas encore des opus totalement indépendants de la fin du précédent. des siècles. Dans certains d'entre eux, le compositeur entre en contact avec l'impressionnisme, le symbolisme, le néoclassicisme, bien que d'une manière profondément particulière, il perçoive individuellement les éléments de ces tendances. Avec tous les changements et tournants, l'image créative de Rachmaninov est restée intérieurement très intégrale, conservant ces caractéristiques fondamentales et déterminantes que sa musique doit sa popularité auprès du plus large éventail d'auditeurs : lyrisme passionné et captivant, véracité et sincérité de l'expression, vision poétique du monde. .

Yu. Allez

chef d'orchestre Rachmaninov

Rachmaninov est entré dans l'histoire non seulement en tant que compositeur et pianiste, mais aussi en tant que chef d'orchestre exceptionnel de notre temps, bien que ce côté de son activité n'ait pas été si long et intense.

Rachmaninov fait ses débuts comme chef d'orchestre à l'automne 1897 à l'Opéra privé Mamontov de Moscou. Avant cela, il n'avait pas à diriger un orchestre et à étudier la direction, mais le brillant talent du musicien a aidé Rachmaninov à apprendre rapidement les secrets de la maîtrise. Qu'il suffise de rappeler qu'il réussit à peine à achever la première répétition : il ne savait pas que les chanteurs devaient indiquer les introductions ; et quelques jours plus tard, Rachmaninov avait déjà parfaitement rempli son rôle en dirigeant l'opéra Samson et Dalila de Saint-Saëns.

"L'année de mon séjour à l'opéra Mamontov a été d'une grande importance pour moi", écrit-il. "J'y ai acquis une véritable technique de chef d'orchestre, qui m'a par la suite énormément servi." Au cours de la saison de travail en tant que deuxième chef d'orchestre du théâtre, Rachmaninov a dirigé vingt-cinq représentations de neuf opéras: «Samson et Delilah», «Mermaid», «Carmen», «Orpheus» de Gluck, «Rogneda» de Serov, « Mignon" de Tom, "Askold's Grave", "La force ennemie", "May night". La presse note immédiatement la clarté du style de son chef, le naturel, l'absence de posture, un sens du rythme de fer transmis aux interprètes, un goût délicat et un merveilleux sens des couleurs orchestrales. Avec l'acquisition de l'expérience, ces caractéristiques de Rachmaninov en tant que musicien ont commencé à se manifester au maximum, complétées par la confiance et l'autorité dans le travail avec les solistes, le chœur et l'orchestre.

Au cours des années suivantes, Rachmaninov, occupé par la composition et l'activité pianistique, ne dirige qu'occasionnellement. L'apogée de son talent de chef d'orchestre tombe sur la période 1904-1915. Depuis deux saisons, il travaille au Théâtre du Bolchoï, où son interprétation d'opéras russes connaît un succès particulier. Les événements historiques de la vie du théâtre sont appelés par les critiques la représentation anniversaire d'Ivan Susanin, qu'il a dirigée en l'honneur du centenaire de la naissance de Glinka, et la Semaine de Tchaïkovski, au cours de laquelle Rachmaninov a dirigé La Dame de pique, Eugène Onegin, Oprichnik et ballets.

Plus tard, Rachmaninov a dirigé la représentation de La Dame de pique à Saint-Pétersbourg ; les critiques ont convenu que c'était lui qui avait le premier compris et transmis au public tout le sens tragique de l'opéra. Parmi les succès créatifs de Rachmaninov au Théâtre Bolchoï figurent également sa production de Pan Voevoda de Rimsky-Korsakov et ses propres opéras The Miserly Knight et Francesca da Rimini.

Sur la scène symphonique, Rachmaninov dès les premiers concerts s'est révélé être un maître complet à grande échelle. L'épithète « brillant » accompagnait certainement les critiques de ses performances en tant que chef d'orchestre. Le plus souvent, Rachmaninov est apparu à la tribune du chef d'orchestre lors de concerts de la Société philharmonique de Moscou, ainsi qu'avec les orchestres Siloti et Koussevitzky. En 1907-1913, il dirigea beaucoup à l'étranger – dans les villes de France, de Hollande, des États-Unis, d'Angleterre, d'Allemagne.

Le répertoire de Rachmaninov en tant que chef d'orchestre était inhabituellement multiforme au cours de ces années. Il a pu pénétrer dans les styles et les caractères les plus divers de l'œuvre. Naturellement, la musique russe était la plus proche de lui. Il fait revivre sur scène la Symphonie Bogatyr de Borodine, presque oubliée à cette époque, contribue à la popularité des miniatures de Lyadov, qu'il interprète avec un brio exceptionnel. Son interprétation de la musique de Tchaïkovski (en particulier les 4e et 5e symphonies) a été marquée par une signification et une profondeur extraordinaires ; dans les œuvres de Rimsky-Korsakov, il a pu déployer la gamme de couleurs la plus brillante pour le public, et dans les symphonies de Borodine et Glazunov, il a captivé le public avec une ampleur épique et une intégrité dramatique de l'interprétation.

L'un des sommets de l'art de la direction de Rachmaninov était l'interprétation de la symphonie en sol mineur de Mozart. Le critique Wolfing a écrit : « Que signifient de nombreuses symphonies écrites et imprimées avant l'interprétation par Rachmaninov de la symphonie g-moll de Mozart ! … Le génie artistique russe transforma et montra pour la deuxième fois la nature artistique de l'auteur de cette symphonie. On peut parler non seulement du Mozart de Pouchkine, mais aussi du Mozart de Rachmaninov… »

Parallèlement, on trouve beaucoup de musique romantique dans les programmes de Rachmaninov – par exemple, la Symphonie Fantastique de Berlioz, les symphonies de Mendelssohn et de Franck, l'Ouverture d'Oberon de Weber et des fragments d'opéras de Wagner, le poème de Liszt et la Suite Lyrique de Grieg… Et à côté – une magnifique performance d'auteurs modernes – poèmes symphoniques de R. Strauss, œuvres des impressionnistes : Debussy, Ravel, Roger-Ducasse… Et bien sûr, Rachmaninov était un interprète inégalé de ses propres compositions symphoniques. Le célèbre musicologue soviétique V. Yakovlev, qui a entendu Rachmaninov plus d'une fois, se souvient: «Non seulement le public et les critiques, les membres d'orchestre expérimentés, les professeurs, les artistes ont reconnu son leadership comme le point culminant de cet art… Ses méthodes de travail étaient réduit non pas tant à un spectacle qu'à des remarques séparées, des explications mesquines, souvent il chantait ou sous une forme ou une autre expliquait ce qu'il avait envisagé auparavant. Tous ceux qui assistaient à ses concerts se souviennent de ces gestes larges et caractéristiques de toute la main, ne venant pas seulement du pinceau ; parfois ses gestes étaient jugés excessifs par les membres de l'orchestre, mais ils lui étaient familiers et compris par eux. Il n'y avait aucune artifice dans les mouvements, les poses, aucun effet, aucun dessin à la main. Il y avait une passion sans bornes, précédée par la réflexion, l'analyse, la compréhension et la compréhension du style de l'interprète.

Ajoutons que le chef d'orchestre Rachmaninov était aussi un joueur d'ensemble inégalé ; les solistes de ses concerts étaient des artistes tels que Taneyev, Scriabine, Siloti, Hoffmann, Casals, et dans les opéras Chaliapine, Nezhdanova, Sobinov …

Après 1913, Rachmaninov refuse d'interpréter des œuvres d'autres auteurs et ne dirige que ses propres compositions. Ce n'est qu'en 1915 qu'il déroge à cette règle en dirigeant un concert à la mémoire de Scriabine. Cependant, même plus tard, sa réputation de chef d'orchestre était exceptionnellement élevée dans le monde entier. Qu'il suffise de dire qu'immédiatement après son arrivée aux États-Unis en 1918, on lui propose la direction des plus grands orchestres du pays – à Boston et à Cincinnati. Mais à cette époque, il ne peut plus consacrer de temps à la direction d'orchestre, contraint de mener une intense activité de concert en tant que pianiste.

Ce n'est qu'à l'automne 1939, lorsqu'un cycle de concerts d'œuvres de Rachmaninov fut organisé à New York, que le compositeur accepta d'en diriger un. L'Orchestre de Philadelphie a ensuite interprété la Troisième Symphonie et les Cloches. Il a répété le même programme en 1941 à Chicago, et un an plus tard a dirigé la représentation de "Isle of the Dead" et "Symphonic Dances" à Egan Arbor. Le critique O. Daune a écrit: «Rakhmaninov a prouvé qu'il avait la même compétence et le même contrôle sur la performance, la musicalité et le pouvoir créatif, dirigeant l'orchestre, qu'il montre en jouant du piano. Le caractère et le style de son jeu, ainsi que sa direction, frappent avec calme et confiance. C'est la même absence totale d'ostentation, le même sens de la dignité et d'une sobriété évidente, la même force admirable et impérieuse. Les enregistrements de L'Ile des Morts, de Vocalise et de la Troisième Symphonie réalisés à cette époque nous ont conservé des témoignages de l'art de diriger du brillant musicien russe.

L. Grigoriev, J. Platek