Sergueï Sergueïevitch Prokofiev |
Sergei Prokofiev
L'avantage (ou, si l'on veut, l'inconvénient) cardinal de ma vie a toujours été la recherche d'un langage musical original, mon propre. Je déteste l'imitation, je déteste les clichés...
Vous pouvez rester aussi longtemps que vous le souhaitez à l'étranger, mais vous devez certainement retourner de temps en temps dans votre pays d'origine pour le véritable esprit russe. S.Prokofiev
Les années d'enfance du futur compositeur se sont passées dans une famille de musiciens. Sa mère était une bonne pianiste et le garçon, s'endormant, entendait souvent les sons des sonates de L. Beethoven venant de loin, plusieurs pièces plus loin. Quand Seryozha avait 5 ans, il a composé sa première pièce pour piano. En 1902, S. Taneyev se familiarise avec les expériences de composition de ses enfants et, sur ses conseils, des cours de composition commencent avec R. Gliere. En 1904-14, Prokofiev étudie au Conservatoire de Saint-Pétersbourg avec N. Rimsky-Korsakov (instrumentation), J. Vitols (forme musicale), A. Lyadov (composition), A. Esipova (piano).
Lors de l'examen final, Prokofiev a brillamment interprété son premier concerto, pour lequel il a reçu le prix. A. Rubinstein. Le jeune compositeur absorbe avec impatience les nouvelles tendances musicales et trouve rapidement sa propre voie en tant que musicien innovant. S'exprimant en tant que pianiste, Prokofiev a souvent inclus ses propres œuvres dans ses programmes, ce qui a provoqué une vive réaction du public.
En 1918, Prokofiev partit pour les États-Unis, entamant une série de voyages à l'étranger – France, Allemagne, Angleterre, Italie, Espagne. Pour conquérir le public mondial, il donne beaucoup de concerts, écrit des œuvres majeures – les opéras L'Amour des trois oranges (1919), L'Ange de feu (1927) ; les ballets Steel Leap (1925, inspiré des événements révolutionnaires en Russie), Le fils prodigue (1928), Sur le Dniepr (1930) ; musique instrumentale.
Au début de 1927 et à la fin de 1929, Prokofiev se produit avec un grand succès en Union soviétique. En 1927, ses concerts ont lieu à Moscou, Leningrad, Kharkov, Kyiv et Odessa. « L'accueil que m'a réservé Moscou est hors du commun. … La réception à Leningrad s'est avérée encore plus chaude qu'à Moscou », écrit le compositeur dans son Autobiographie. Fin 1932, Prokofiev décide de retourner dans son pays natal.
Depuis le milieu des années 30. La créativité de Prokofiev atteint ses sommets. Il crée l'un de ses chefs-d'œuvre – le ballet « Roméo et Juliette » d'après W. Shakespeare (1936) ; l'opéra lyrique-comique Fiançailles dans un monastère (La Duègne, d'après R. Sheridan – 1940) ; les cantates « Alexander Nevsky » (1939) et « Toast » (1939) ; un conte de fées symphonique sur son propre texte « Pierre et le loup » avec instruments-personnages (1936) ; Sixième Sonate pour piano (1940); cycle de pièces pour piano “Children's Music” (1935).
Dans les années 30-40. La musique de Prokofiev est interprétée par les meilleurs musiciens soviétiques : N. Golovanov, E. Gilels, B. Sofronitsky, S. Richter, D. Oistrakh. La plus haute réalisation de la chorégraphie soviétique était l'image de Juliette, créée par G. Ulanova. À l'été 1941, dans une datcha près de Moscou, Prokofiev peignait une commande du théâtre d'opéra et de ballet de Leningrad. SM Kirov ballet-conte "Cendrillon". La nouvelle du déclenchement de la guerre avec l'Allemagne fasciste et les événements tragiques qui s'ensuivirent provoquèrent un nouvel élan créatif chez le compositeur. Il crée un grandiose opéra épique héroïque-patriotique "Guerre et Paix" basé sur le roman de L. Tolstoï (1943) et travaille avec le réalisateur S. Eisenstein sur le film historique "Ivan le Terrible" (1942). Des images troublantes, des reflets d'événements militaires et, en même temps, une volonté et une énergie indomptable caractérisent la musique de la Septième Sonate pour piano (1942). Une confiance majestueuse est capturée dans la Cinquième Symphonie (1944), dans laquelle le compositeur, selon ses mots, voulait « chanter un homme libre et heureux, sa force puissante, sa noblesse, sa pureté spirituelle ».
Dans l'après-guerre, malgré une grave maladie, Prokofiev crée de nombreuses œuvres significatives : les Sixième (1947) et Septième (1952) symphonies, la Neuvième Sonate pour piano (1947), une nouvelle édition de l'opéra Guerre et Paix (1952) , la Sonate pour violoncelle (1949) et le Concerto symphonique pour violoncelle et orchestre (1952). Fin des années 40-début des années 50. ont été éclipsés par des campagnes bruyantes contre la direction «formaliste anti-nationale» de l'art soviétique, la persécution de nombre de ses meilleurs représentants. Prokofiev s'est avéré être l'un des principaux formalistes de la musique. La diffamation publique de sa musique en 1948 a encore aggravé la santé du compositeur.
Prokofiev a passé les dernières années de sa vie dans une datcha du village de Nikolina Gora au milieu de la nature russe qu'il aimait, il a continué à composer en continu, violant les interdictions des médecins. Les circonstances difficiles de la vie ont également affecté la créativité. Outre les véritables chefs-d'œuvre, parmi les œuvres de ces dernières années, il y a des œuvres d'une "conception simpliste" - l'ouverture "Rencontre de la Volga avec le Don" (1951), l'oratorio "En garde du monde" (1950), le suite « Winter Bonfire » (1950), quelques pages du ballet « Conte d'une fleur de pierre » (1950), Septième Symphonie. Prokofiev est mort le même jour que Staline, et les adieux au grand compositeur russe lors de son dernier voyage ont été obscurcis par l'excitation populaire à l'occasion des funérailles du grand chef des peuples.
Le style de Prokofiev, dont l'œuvre couvre 4 décennies et demie du mouvementé XNUMXe siècle, a connu une très grande évolution. Prokofiev a ouvert la voie à la nouvelle musique de notre siècle, avec d'autres innovateurs du début du siècle – C. Debussy. B. Bartok, A. Scriabin, I. Stravinsky, compositeurs de l'école de Novovensk. Il est entré dans l'art comme un renversement audacieux des canons délabrés de l'art romantique tardif avec sa sophistication exquise. Développant d'une manière singulière les traditions de M. Moussorgski, A. Borodine, Prokofiev a apporté à la musique une énergie débridée, l'assaut, le dynamisme, la fraîcheur des forces primordiales, perçues comme de la « barbarie » (« Obsession » et Toccata pour piano, « Sarcasmes » ; symphonique « Suite scythe » d'après le ballet « Ala et Lolly » ; premier et deuxième concertos pour piano). La musique de Prokofiev fait écho aux innovations d'autres musiciens, poètes, peintres, ouvriers de théâtre russes. "Sergey Sergeevich joue sur les nerfs les plus tendres de Vladimir Vladimirovitch", a déclaré V. Mayakovsky à propos d'une des performances de Prokofiev. La figuration mordante et juteuse du village russe à travers le prisme d'une esthétique exquise est caractéristique du ballet «Le conte du bouffon qui a trompé sept bouffons» (basé sur les contes de fées de la collection d'A. Afanasyev). Lyrisme relativement rare à cette époque ; chez Prokofiev, il est dépourvu de sensualité et de sensibilité – il est timide, doux, délicat (« Fugace », « Contes d'une vieille grand-mère » pour piano).
Luminosité, panaché, expression accrue sont typiques du style étranger des quinze années. Il s'agit de l'opéra «Love for Three Oranges», éclaboussant de joie, d'enthousiasme, basé sur le conte de fées de K. Gozzi («une coupe de champagne», selon A. Lunacharsky); le splendide Troisième Concerto avec sa vigoureuse pression motrice, mis en valeur par la merveilleuse mélodie de tuyau du début de la 1re partie, le lyrisme pénétrant d'une des variations de la 2e partie (1917-21) ; la tension des émotions fortes dans «The Fiery Angel» (basé sur le roman de V. Bryusov); la puissance héroïque et la portée de la Deuxième Symphonie (1924) ; Urbanisme « cubiste » de « Steel lope » ; introspection lyrique de « Pensées » (1934) et « Les choses en elles-mêmes » (1928) pour piano. Période de style années 30-40. marqué par la sage retenue inhérente à la maturité, combinée à la profondeur et au sol national des concepts artistiques. Le compositeur s'efforce d'atteindre des idées et des thèmes humains universels, généralisant des images de l'histoire, des personnages musicaux brillants, réalistes et concrets. Cette ligne de créativité s'est particulièrement approfondie dans les années 40. en relation avec les épreuves qui ont frappé le peuple soviétique pendant les années de guerre. La révélation des valeurs de l'esprit humain, les généralisations artistiques profondes deviennent la principale aspiration de Prokofiev : « Je suis de la conviction que le compositeur, comme le poète, le sculpteur, le peintre, est appelé à servir l'homme et le peuple. Il devrait chanter la vie humaine et conduire une personne vers un avenir meilleur. Tel est, de mon point de vue, le code inébranlable de l'art.
Prokofiev a laissé un immense héritage créatif – 8 opéras ; 7 ballets; 7 symphonies; 9 sonates pour piano; 5 concertos pour piano (dont le Quatrième est pour une main gauche) ; 2 violons, 2 concertos pour violoncelle (Deuxième – Concert symphonique); 6 cantates; oratorio; 2 suites vocales et symphoniques ; de nombreuses pièces pour piano; pièces pour orchestre (dont ouverture russe, chant symphonique, hymne à la fin de la guerre, 2 valses Pouchkine) ; œuvres de chambre (Ouverture sur des thèmes juifs pour clarinette, piano et quatuor à cordes ; Quintette pour hautbois, clarinette, violon, alto et contrebasse ; 2 quatuors à cordes ; 2 sonates pour violon et piano ; Sonate pour violoncelle et piano ; plusieurs compositions vocales pour les mots A. Akhmatova, K. Balmont, A. Pouchkine, N. Agnivtsev et autres).
Créativité Prokofiev a reçu une reconnaissance mondiale. La valeur durable de sa musique réside dans sa générosité et sa gentillesse, dans son engagement envers de nobles idées humanistes, dans la richesse de l'expression artistique de ses œuvres.
Y.Kholopov
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