Le célèbre compositeur Robert Schumann a marqué l'histoire non seulement par la forme de ses œuvres. L'une de ses principales œuvres était le Code, appelé Règles pour les musiciens. Plusieurs générations d'enseignants ont tenté de transmettre certaines pensées à leurs élèves de la manière la plus intelligible possible. Mais, hélas, cela ne fonctionne pas toujours. En fin de compte, tout ce qui est ingénieux a déjà été fait avant nous par les classiques.
L'œuvre Règles de vie pour les musiciens a été écrite en 1850. Plus de 150 ans se sont écoulés, mais elles sont toujours d'actualité. La tâche principale de ces conseils est le développement diversifié de l'étudiant, la couverture maximale de tous les aspects de l'activité musicale. Le manuel sera utile aussi bien aux diplômés professionnels des conservatoires qu'aux amateurs.
Comment utiliser correctement les règles pour les musiciens
Bien sûr, il ne suffit pas de lire les règles des jeunes musiciens. Il est nécessaire de développer l'habitude de les faire régulièrement. Comme il y en a trop, vous pouvez en prendre un ou deux et les utiliser dans votre jeu. Vous pouvez commencer dans n'importe quel ordre. L'un d'entre eux vous plaît le plus et vous devez le prendre comme base. La cohérence est importante dans chaque travail. Comme indiqué dans les voûtes elles-mêmes, vous devez mener le travail jusqu'au bout. Par conséquent, vous ne pouvez pas vous arrêter à mi-chemin et abandonner l'exécution des points si un guitariste novice a des difficultés.
Alors quelles sont les règles des musiciens laissées aux descendants de Schumann ? Faisons connaissance avec chacun d'eux plus en détail.
Liste des règles pour les musiciens
L'audition doit être développée dès le plus jeune âge. Il y a des dizaines de sons différents autour du petit homme - le chant des oiseaux, le bruit de la pluie. Vous devez essayer de trouver des timbres différents dans chacun d'eux.
Des gammes et des exercices techniques sont joués pour développer les compétences. Cependant, vous ne devez pas simplement les jouer jusqu'à ce que vous soyez bleu au visage, mais vous devez effectuer d'autres tâches. Sur un "jeu" d'échelles, vous n'irez pas loin.
Le soi-disant «clavier silencieux» est totalement inadapté à la formation de la musicalité.
Le jeu rythmique est la base de tout musicien en herbe. Beaucoup de « pros » jouent de manière si inégale qu'ils ne veulent pas écouter.
L'harmonie est la base de tout musicien. Vous devez vous y familiariser le plus tôt possible.
Peur des termes musicaux ? Non, n'ont pas entendu. Si vous voyez un mot inconnu, essayez de vous familiariser avec sa signification et ne le sautez pas.
Il ne faut pas frapper inconsidérément sur les cordes - il est préférable d'observer immédiatement les accents et les désignations conçus par l'auteur. Et aussi jouer votre travail jusqu'au bout.
Ne pas suivre le rythme (et le mal interpréter) est l'une des principales erreurs.
Ne sous-estimez pas les pièces faciles – elles deviennent la base pour exécuter des pièces plus difficiles. Vous devez toujours les jouer avec légèreté et caractère.
L'instrument doit être bien accordé. Au fait, cela s'applique également à la voix humaine !
Il faut mémoriser le jeu non seulement avec les doigts. Il faut aussi pouvoir jouer dans sa tête. De plus, non seulement la ligne mélodique sonne, mais aussi la base harmonique.
Même si vous n'avez pas une voix suffisamment développée, vous devez chanter avec l'instrument. Cela développera votre oreille.
Il mérite d'être développé à tel point qu'il est possible de présenter une œuvre sans l'écouter, mais uniquement en la voyant sur une feuille de musique.
N'ayez pas peur de ceux qui vous écoutent. Soit dit en passant, ce sont d'excellentes règles pour les musiciens, car souvent les interprètes novices s'égarent, attendant la réaction du public ou d'un membre du comité de sélection.
Il est préférable d'imaginer que vous écoutez un vrai maître qui saura apprécier le talent.
Si vous devez jouer un morceau inconnu d'une feuille, regardez toujours son «squelette» avec vos yeux. Vous devez couvrir un formulaire qui vous donnera une idée de tous les fragments dans votre tête.
Si ce qu'on appelle "mangé", alors il vaut mieux arrêter les cours pour aujourd'hui. Il vaut mieux commencer demain avec une envie d'apprendre, que de jouer dur avec un visage insipide. Mais n'abusez pas de cette règle !
Certains conseils aux musiciens sont encore dépassés. Ou du moins devenir controversé. Par exemple, ne pas jouer de musique commerciale à la mode (par exemple, uniquement dans le but de gagner de l'argent). Il vaut mieux consacrer du temps aux classiques éprouvés.
De façon inattendue, mais les règles de vie des musiciens recoupent une hygiène de vie saine. Mangez des aliments légers et sains, car la nourriture pour l'âme (musique) a beaucoup à voir avec l'alimentation physique.
La technique et les passages vont de la quantité à la qualité. Mais seulement là où ils sont vraiment nécessaires.
Ne contribuez pas à la diffusion de la musique « obscène ». Le conseil en découle :
Essayez d'exclure les scories musicales de votre «régime».
N'ajoutez pas une brillante performance technique à l'intention de l'auteur. Encore faut-il que l'auditeur se souvienne avant tout de l'idée de l'œuvre.
Ne changez pas le jeu pour vous-même. N'inventez pas de décorations et de mélismatiques inutiles qui contredisent l'auteur.
Lors du choix d'un répertoire, il est préférable de consulter des collègues et des enseignants plus expérimentés. Cette expérience n'est peut-être pas toujours positive, mais le plus souvent, elle vous fera gagner du temps.
La connaissance des œuvres des maîtres doit être effectuée dans l'ordre chronologique, mais essayez de couvrir les étapes les plus importantes de leur parcours créatif.
Vous ne devriez pas être imprégné du succès éphémère des virtuoses sans âme - les "techniciens".
La popularité de la musique est une chose à venir. Par conséquent, vous ne devriez pas essayer d'attraper les tendances actuelles et d'être à la mode pour les cheveux gris.
Des performances régulières en public ajoutent de l'expérience. Mais vous n'êtes pas obligé de jouer ce dont vous avez honte.
Profitez-en pour jouer en ensemble – duo, quatuor, accompagnement au chanteur. Lorsqu'un musicien joue en tandem, il commence à comprendre la forme, la logique, apprend à s'ajuster au fur et à mesure.
Il ne faut pas traiter avec dédain les musiciens « insignifiants » de l'orchestre, ensemble. Chaque participant apporte un rôle important.
Aimer son instrument, c'est bien. Mais n'oubliez pas l'existence des autres.
Lorsque vous êtes mature en tant que musicien, concentrez-vous sur l'apprentissage des partitions. Tout interprète puise ses connaissances dans une feuille de musique.
Le "HTK" de Bach est une excellente base pour un musicien en pleine croissance. Jouez-y et vous serez heureux.
Apprenez de vos camarades.
Le camping avec une collection de poésie est un excellent choix !
Les chanteurs peuvent fournir des connaissances utiles. Mais soyez prudent lorsque vous choisissez leurs conseils.
Presque toutes les œuvres et "puces" ont été inventées avant vous. Par conséquent, ne soyez pas trop fier du don du compositeur, mais considérez-le comme un message d'en haut. Et bien sûr, transmettez-le à l'auditeur.
Le meilleur « remède » pour la vanité gonflée émergente est d'écouter des œuvres classiques de maîtres reconnus.
Anton Thibaut et sa Pureté des Muses. Les arts sont votre futur livre de référence.
Encore une fois, des règles obsolètes pour les musiciens, mais par souci d'exhaustivité, nous les donnerons. Révérence pour la musique d'orgue, en particulier les performances d'église. Vous devriez essayer d'utiliser l'opportunité de jouer de cet instrument.
L'orgue est un excellent instrument pour pratiquer la clarté de la production sonore.
Chanter dans un chœur de voix moyennes développera votre professionnalisme. Les lignes de basse et de soprano sont généralement clairement audibles et distinctes. Suivre le même alto demande une oreille développée.
La musicalité, c'est à la fois la capacité d'improviser et de finir de jouer une phrase, même si on l'oublie.
Le développement de la musicalité en soi est l'une des tâches principales. Cela peut être réalisé non seulement par de nombreuses heures d'affinage technique des compétences, mais par la participation à des ensembles.
Appréciez le son d'une voix chantante, recherchez des couleurs qui vous sont inconnues.
La musique folklorique est un véritable réservoir de connaissances.
La pratique de la lecture des anciennes clés est essentielle.
Une excellente façon d'entraîner votre mémoire musicale est d'écouter attentivement d'autres instruments et de jouer la mélodie que vous venez d'entendre dans votre tête.
La musique d'opéra est non seulement belle, mais aussi utile.
Le vieux qui a fait ses preuves est bon. Mais ne négligez pas les travaux neufs. Par exemple, ils écrivent maintenant d'excellentes mélodies à la guitare.
Certaines œuvres ne sont pas « épuisées » la première fois. Par conséquent, si vous n'aimez pas le jeu, ne vous précipitez pas pour l'oublier. Peut-être que ça lui plaira avec le temps.
Il faut essayer de rejoindre le grand art.
La mélodie n'est pas toute la musique. Les véritables œuvres ne consistent pas seulement en un rythme et une mélodie simples. Harmonie, dynamique, forme ne sont que quelques-uns des composants.
Composer ses propres petits airs est un signe de bon progrès.
La vraie musique vient des profondeurs de l'âme. Seul cela peut captiver l'auditeur.
L'errance juvénile dans les nuages est bonne à certains moments. Mais vous ne devriez pas rester dans ce royaume pour toujours, assurez-vous de maîtriser la notation musicale.
La direction d'orchestre est une autre voie utile. Avec lui, vous pouvez apprendre à jouer avec un métronome.
Cela vaut la peine d'étudier d'autres sciences que la musique.
Pour l'art, presque toutes les mêmes normes morales feront l'affaire.
Patience et travail acharné - vous voyez l'idée.
Ne gaspillez pas votre talent.
L'enthousiasme est le principal moteur du progrès artistique.
Vous ne devez pas immédiatement donner la priorité aux gains grâce à la performance de la musique. Vous devez d'abord l'apprendre, et le reste suivra progressivement.
Sans étudier la forme, il est impossible de bien comprendre le contenu des œuvres.
Tout le monde ne comprendra pas un brillant musicien. Très probablement, seulement le même collègue.
La voltige est une représentation mentale d'une œuvre sous la forme de sa partition.
Il n'y a pas de limite à la perfection de vos compétences.
Conclusion
Beaucoup de ces conseils sont destinés aux musiciens universitaires. Cela est dû à l'époque à laquelle ils ont été écrits. Mais vous pouvez obtenir de nombreuses informations utiles pour un musicien novice moderne et même pour un professionnel accompli.
