Robert Schuman |

Robert Schumann

Éclairer les profondeurs du cœur humain, telle est la vocation de l'artiste. R. Schumann

P. Tchaïkovski croyait que les générations futures appelleraient le XNUMXe siècle. La période de Schumann dans l'histoire de la musique. Et en effet, la musique de Schumann a capturé l'essentiel de l'art de son temps - son contenu était les "processus mystérieusement profonds de la vie spirituelle" de l'homme, son but - la pénétration dans les "profondeurs du cœur humain".

R. Schumann est né dans la ville provinciale saxonne de Zwickau, dans la famille de l'éditeur et libraire August Schumann, décédé tôt (1826), mais a réussi à transmettre à son fils une attitude respectueuse envers l'art et l'a encouragé à étudier la musique. avec l'organiste local I. Kuntsch. Dès son plus jeune âge, Schumann aimait improviser au piano, à l'âge de 13 ans il écrivit un Psaume pour chœur et orchestre, mais pas moins que la musique l'attira vers la littérature, dans l'étude de laquelle il fit de grands progrès durant ses années à le gymnase. Le jeune homme aux penchants romantiques ne s'intéressait pas du tout à la jurisprudence, qu'il étudia aux universités de Leipzig et de Heidelberg (1828-30).

Les cours avec le célèbre professeur de piano F. Wieck, assister à des concerts à Leipzig, la connaissance des œuvres de F. Schubert ont contribué à la décision de se consacrer à la musique. Ayant du mal à surmonter la résistance de ses proches, Schumann a commencé des cours intensifs de piano, mais une maladie de la main droite (due à un entraînement mécanique des doigts) a mis fin à sa carrière de pianiste. Avec d'autant plus d'enthousiasme, Schumann se consacre à la composition musicale, prend des cours de composition auprès de G. Dorn, étudie l'œuvre de JS Bach et de L. Beethoven. Déjà les premières œuvres pour piano publiées (Variations sur un thème d'Abegg, « Papillons », 1830-31) montraient l'indépendance du jeune auteur.

Dès 1834, Schumann devient rédacteur puis éditeur du Nouveau Journal Musical, qui vise à lutter contre les œuvres superficielles des compositeurs virtuoses qui inondent alors la scène du concert, d'imitation artisanale des classiques, pour un art nouveau et profond. , illuminé par une inspiration poétique . Dans ses articles, écrits sous une forme artistique originale – souvent sous forme de scènes, de dialogues, d'aphorismes, etc. – Schumann présente au lecteur l'idéal de l'art véritable, qu'il retrouve dans les œuvres de F. Schubert et F. Mendelssohn. , F. Chopin et G Berlioz, dans la musique des classiques viennois, dans le jeu de N. Paganini et de la jeune pianiste Clara Wieck, la fille de son professeur. Schumann a réussi à rassembler autour de lui des personnes partageant les mêmes idées qui sont apparues sur les pages du magazine sous le nom de Davidsbündlers - membres de la "David Brotherhood" ("Davidsbund"), une sorte d'union spirituelle de véritables musiciens. Schumann lui-même signait souvent ses critiques avec les noms des Davidsbündlers fictifs Florestan et Eusebius. Florestan est sujet aux violentes péripéties du fantasme, aux paradoxes, les jugements du rêveur Eusèbe sont plus doux. Dans la suite de pièces caractéristiques "Carnaval" (1834-35), Schumann crée des portraits musicaux des Davidsbündler - Chopin, Paganini, Clara (sous le nom de Chiarina), Eusebius, Florestan.

La plus haute tension de force spirituelle et les plus hauts sommets du génie créatif ("Fantastic Pieces", "Dances of the Davidsbündlers", Fantasia in C major, "Kreisleriana", "Novelettes", "Humoresque", "Viennese Carnival") ont amené Schumann la seconde moitié des années 30. , qui est passée sous le signe de la lutte pour le droit de s'unir à Clara Wieck (F. Wieck a par tous les moyens empêché ce mariage). Dans un effort pour trouver une arène plus large pour ses activités musicales et journalistiques, Schumann passe la saison 1838-39. à Vienne, mais l'administration Metternich et la censure ont empêché la publication de la revue. À Vienne, Schumann découvre le manuscrit de la « grande » Symphonie en ut majeur de Schubert, l'un des sommets du symphonisme romantique.

1840 – l'année de l'union tant attendue avec Clara – devient pour Schumann l'année des chansons. Une extraordinaire sensibilité à la poésie, une profonde connaissance du travail des contemporains ont contribué à la réalisation dans de nombreux cycles de mélodies et chansons individuelles d'une véritable union avec la poésie, l'exacte incarnation en musique de l'intonation poétique individuelle de G. Heine ("Cercle de Chansons" op. 24, "L'amour du poète"), I. Eichendorff ("Cercle de chansons", op. 39), A. Chamisso ("L'amour et la vie d'une femme"), R. Burns, F. Rückert, J. Byron, GX Andersen et autres. Et par la suite, le domaine de la créativité vocale a continué à se développer de merveilleuses œuvres ("Six Poèmes de N. Lenau" et Requiem - 1850, "Chants de "Wilhelm Meister" de IV Goethe" - 1849, etc.).

La vie et l'oeuvre de Schumann dans les années 40-50. s'écoule dans une alternance de hauts et de bas, largement associée à des accès de maladie mentale, dont les premiers signes apparaissent dès 1833. Des poussées d'énergie créatrice marquent le début des années 40, la fin de la période de Dresde (les Schumann vivent à la capitale de la Saxe en 1845-50. ), coïncidant avec les événements révolutionnaires en Europe, et le début de la vie à Düsseldorf (1850). Schumann compose beaucoup, enseigne au Conservatoire de Leipzig, ouvert en 1843, et à partir de la même année commence à se produire en tant que chef d'orchestre. A Dresde et Düsseldorf, il dirige également la chorale, se consacrant à ce travail avec enthousiasme. Parmi les quelques tournées faites avec Clara, la plus longue et la plus impressionnante fut un voyage en Russie (1844). Depuis les années 60-70. La musique de Schumann est très vite devenue partie intégrante de la culture musicale russe. Elle était aimée de M. Balakirev et M. Moussorgski, A. Borodine et surtout Tchaïkovski, qui considérait Schumann comme le compositeur moderne le plus remarquable. A. Rubinstein était un brillant interprète des œuvres pour piano de Schumann.

Créativité des années 40-50. marquée par un élargissement significatif de l'éventail des genres. Schumann écrit des symphonies (Première – « Printemps », 1841, Seconde, 1845-46 ; Troisième – « Rhin », 1850 ; Quatrième, 1841-1ère édition, 1851 – 2ème édition), ensembles de chambre (quatuor à 3 cordes – 1842, 3 trios , quatuor et quintette avec piano, ensembles avec la participation de la clarinette – dont « Fabulous Narratives » pour clarinette, alto et piano, 2 sonates pour violon et piano, etc.) ; concertos pour piano (1841-45), violoncelle (1850), violon (1853) ; programment des ouvertures de concert (« La Fiancée de Messine » selon Schiller, 1851 ; « Hermann et Dorothée » selon Goethe et « Jules César » selon Shakespeare – 1851), démontrant la maîtrise du maniement des formes classiques. Le Concerto pour piano et la Quatrième Symphonie se distinguent par leur audace dans leur renouvellement, le Quintette en mi bémol majeur par l'exceptionnelle harmonie d'incarnation et l'inspiration des pensées musicales. L'un des points culminants de l'ensemble de l'œuvre du compositeur fut la musique du poème dramatique de Byron "Manfred" (1848) - l'étape la plus importante dans le développement du symphonisme romantique sur le chemin de Beethoven à Liszt, Tchaïkovski, Brahms. Schumann ne trahit pas non plus son piano bien-aimé (Scènes forestières, 1848-49 et autres pièces) – c'est son son qui confère à ses ensembles de chambre et à ses paroles vocales une expressivité particulière. La recherche du compositeur dans le domaine de la musique vocale et dramatique fut inlassable (l'oratorio « Paradise and Peri » de T. Moore – 1843 ; Scènes du « Faust » de Goethe, 1844-53 ; ballades pour solistes, chœur et orchestre ; œuvres des genres sacrés, etc.). La mise en scène à Leipzig de l'unique opéra Genoveva (1847-48) de Schumann basé sur F. Gobbel et L. Tieck, similaire dans son intrigue aux opéras romantiques « chevaleresques » allemands de KM Weber et R. Wagner, ne lui apporta pas le succès.

Le grand événement des dernières années de la vie de Schumann fut sa rencontre avec Brahms, alors âgé de vingt ans. L'article « New Ways », dans lequel Schumann prédisait un grand avenir à son héritier spirituel (il traitait toujours les jeunes compositeurs avec une sensibilité extraordinaire), compléta son activité publiciste. En février 1854, une grave crise de maladie conduit à une tentative de suicide. Après avoir passé 2 ans dans un hôpital (Endenich, près de Bonn), Schumann décède. La plupart des manuscrits et documents sont conservés dans sa Maison-Musée de Zwickau (Allemagne), où se tiennent régulièrement des concours de pianistes, vocalistes et ensembles de chambre portant le nom du compositeur.

L'œuvre de Schumann a marqué le stade de maturité du romantisme musical avec son attention accrue à l'incarnation des processus psychologiques complexes de la vie humaine. Les cycles pour piano et voix de Schumann, de nombreuses œuvres symphoniques instrumentales de chambre ont ouvert un nouveau monde artistique, de nouvelles formes d'expression musicale. La musique de Schumann peut être imaginée comme une série de moments musicaux étonnamment vastes, capturant les états mentaux changeants et très finement différenciés d'une personne. Il peut également s'agir de portraits musicaux, capturant avec précision à la fois le caractère extérieur et l'essence intérieure de la représentation.

Schumann a donné des titres programmatiques à plusieurs de ses œuvres, conçues pour exciter l'imagination de l'auditeur et de l'interprète. Son travail est très étroitement lié à la littérature – avec les travaux de Jean Paul (JP Richter), TA Hoffmann, G. Heine et d'autres. Les miniatures de Schumann peuvent être comparées à des poèmes lyriques, des pièces plus détaillées - avec des poèmes, des histoires romantiques, où différentes histoires s'entremêlent parfois bizarrement, le réel devient fantastique, des digressions lyriques surgissent, etc. créatures. Dans ce cycle de pièces de fantaisie pour piano, ainsi que dans le cycle vocal sur les poèmes de Heine « L'Amour d'un poète », surgit l'image d'un artiste romantique, un vrai poète, capable de se sentir infiniment tranchant, « fort, fougueux et tendre », contraint parfois de cacher sa véritable essence sous un masque d'ironie et de bouffonnerie, pour ensuite la révéler encore plus sincèrement et cordialement ou plonger dans une profonde réflexion… Le Manfred de Byron est doté par Schumann d'une acuité et d'une force de sentiment, la folie d'un impulsion rebelle, à l'image de laquelle il y a aussi des traits philosophiques et tragiques. Des images animées lyriques de la nature, des rêves fantastiques, des légendes et des légendes anciennes, des images d'enfance ("Children's Scenes" - 1838; piano (1848) et vocal (1849) "Albums for Youth") complètent l'univers artistique du grand musicien, " un poète par excellence », comme l'appelait V. Stasov.

E. Tsaréva

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Les mots de Schuman « éclairer les profondeurs du cœur humain – c'est le but de l'artiste » – un chemin direct vers la connaissance de son art. Peu de gens peuvent se comparer à Schumann dans la pénétration avec laquelle il transmet les nuances les plus fines de la vie de l'âme humaine avec des sons. Le monde des sentiments est une source intarissable de ses images musicales et poétiques.

Non moins remarquable est une autre déclaration de Schumann : « Il ne faut pas trop plonger en soi, alors qu'il est facile de perdre un regard aiguisé sur le monde qui l'entoure. Et Schumann a suivi son propre conseil. A vingt ans, il entreprend la lutte contre l'inertie et le philistinisme. (philistine est un mot allemand collectif qui personnifie un commerçant, une personne avec des vues philistines rétrogrades sur la vie, la politique, l'art) dans l'art. Un esprit combatif, rebelle et passionné, imprègne ses œuvres musicales et ses articles critiques audacieux et audacieux, qui ouvrent la voie à de nouveaux phénomènes artistiques progressifs.

L'irréconciliable avec la routine, la vulgarité que Schumann a portée toute sa vie. Mais la maladie, qui s'aggravait chaque année, aggravait la nervosité et la sensibilité romantique de sa nature, entravait souvent l'enthousiasme et l'énergie avec lesquels il se consacrait aux activités musicales et sociales. La complexité de la situation socio-politique idéologique en Allemagne à cette époque a également eu un effet. Néanmoins, dans les conditions d'une structure d'État réactionnaire semi-féodale, Schumann a réussi à préserver la pureté des idéaux moraux, à se maintenir constamment en lui-même et à susciter chez les autres une ardeur créatrice.

« Rien de réel n'est créé dans l'art sans enthousiasme », ces mots merveilleux du compositeur révèlent l'essence de ses aspirations créatives. Artiste sensible et profondément pensant, il n'a pu s'empêcher de répondre à l'appel du temps, de succomber à l'influence inspirante de l'ère des révolutions et des guerres de libération nationale qui ont secoué l'Europe dans la première moitié du XXe siècle.

L'insolite romantique des images et des compositions musicales, la passion que Schumann apportait à toutes ses activités, troublaient la paix endormie des philistins allemands. Ce n'est pas un hasard si le travail de Schumann a été étouffé par la presse et n'a pas trouvé de reconnaissance dans son pays natal pendant longtemps. Le chemin de vie de Schumann a été difficile. Dès le début, la lutte pour le droit de devenir musicien a déterminé l'atmosphère tendue et parfois nerveuse de sa vie. L'effondrement des rêves était parfois remplacé par une réalisation soudaine d'espoirs, des moments de joie aiguë - une dépression profonde. Tout cela s'est imprimé dans les pages frémissantes de la musique de Schumann.

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Aux contemporains de Schumann, son œuvre semblait mystérieuse et inaccessible. Un langage musical particulier, de nouvelles images, de nouvelles formes – tout cela demandait une écoute et une tension trop profondes, inhabituelles pour le public des salles de concert.

L'expérience de Liszt, qui tenta de promouvoir la musique de Schumann, se termina plutôt tristement. Dans une lettre au biographe de Schumann, Liszt écrit : « Plusieurs fois, j'ai eu un tel échec avec les pièces de Schumann, tant dans les maisons privées que dans les concerts publics, que j'ai perdu le courage de les mettre sur mes affiches.

Mais même parmi les musiciens, l'art de Schumann s'est fait difficilement comprendre. Sans parler de Mendelssohn, à qui l'esprit rebelle de Schumann était profondément étranger, le même Liszt - l'un des artistes les plus perspicaces et les plus sensibles - n'accepta Schumann que partiellement, s'accordant des libertés telles que l'interprétation de "Carnaval" avec des coupures.

Ce n'est qu'à partir des années 50 que la musique de Schumann a commencé à s'enraciner dans la vie musicale et concertiste, à acquérir des cercles toujours plus larges d'adhérents et d'admirateurs. Parmi les premières personnes qui ont noté sa vraie valeur figuraient des musiciens russes de premier plan. Anton Grigoryevich Rubinshtein a joué Schumann beaucoup et volontiers, et c'est précisément avec l'interprétation de «Carnival» et «Symphonic Etudes» qu'il a fait une énorme impression sur le public.

L'amour pour Schumann a été témoigné à plusieurs reprises par Tchaïkovski et les dirigeants de la Mighty Handful. Tchaïkovski a parlé de Schumann de manière particulièrement pénétrante, notant la modernité passionnante de l'œuvre de Schumann, la nouveauté du contenu, la nouveauté de la pensée musicale du compositeur. « La musique de Schumann », écrivait Tchaïkovski, « organiquement adjacente à l'œuvre de Beethoven et en même temps s'en séparant nettement, nous ouvre tout un monde de nouvelles formes musicales, touche des cordes que ses grands prédécesseurs n'ont pas encore touchées. On y trouve un écho de ces mystérieux processus spirituels de notre vie spirituelle, ces doutes, ces désespoirs et ces élans vers l'idéal qui submergent le cœur de l'homme moderne.

Schumann appartient à la deuxième génération de musiciens romantiques qui ont remplacé Weber, Schubert. Schumann est parti à bien des égards de feu Schubert, de cette ligne de son travail, dans laquelle les éléments lyriques-dramatiques et psychologiques ont joué un rôle décisif.

Le principal thème créatif de Schumann est le monde des états internes d'une personne, sa vie psychologique. Il y a des traits dans l'apparence du héros de Schumann qui ressemblent à ceux de Schubert, il y a aussi beaucoup de nouveautés, inhérentes à un artiste d'une autre génération, avec un système de pensées et de sentiments compliqué et contradictoire. Des images artistiques et poétiques de Schumann, plus fragiles et raffinées, naissent dans l'esprit, percevant avec acuité les contradictions toujours croissantes de l'époque. C'est cette acuité accrue de réaction aux phénomènes de la vie qui a créé une tension et une force extraordinaires de «l'impact de l'ardeur des sentiments de Schumann» (Asafiev). Aucun des contemporains d'Europe occidentale de Schumann, à l'exception de Chopin, n'a une telle passion et une variété de nuances émotionnelles.

Dans la nature nerveusement réceptive de Schumann, le sentiment d'un écart entre une personnalité pensante, profondément sensible et les conditions réelles de la réalité environnante, vécue par les principaux artistes de l'époque, est exacerbé à l'extrême. Il cherche à combler l'incomplétude de l'existence par son propre fantasme, à opposer une vie disgracieuse à un monde idéal, royaume du rêve et de la fiction poétique. En fin de compte, cela a conduit au fait que la multiplicité des phénomènes de la vie a commencé à se réduire aux limites de la sphère personnelle, la vie intérieure. L'approfondissement de soi, la concentration sur ses sentiments, ses expériences ont renforcé la croissance du principe psychologique dans l'œuvre de Schumann.

La nature, la vie quotidienne, tout le monde objectif, pour ainsi dire, dépendent de l'état donné de l'artiste, sont colorés dans les tons de son humeur personnelle. La nature dans l'œuvre de Schumann n'existe pas en dehors de ses expériences ; il reflète toujours ses propres émotions, prend une couleur qui leur correspond. On peut en dire autant des images fabuleuses-fantastiques. Dans l'œuvre de Schumann, en comparaison avec l'œuvre de Weber ou de Mendelssohn, le lien avec le fabuleux généré par les idées populaires s'affaiblit sensiblement. Le fantasme de Schumann est plutôt un fantasme de ses propres visions, parfois bizarres et capricieuses, provoquées par le jeu de l'imagination artistique.

Le renforcement de la subjectivité et des motifs psychologiques, le caractère souvent autobiographique de la créativité, n'enlève rien à la valeur universelle exceptionnelle de la musique de Schumann, car ces phénomènes sont profondément typiques de l'époque de Schumann. Belinsky a remarquablement parlé de la signification du principe subjectif dans l'art : « Dans un grand talent, l'excès d'un élément subjectif intérieur est un signe d'humanité. N'ayez pas peur de cette direction : elle ne vous trompera pas, elle ne vous trompera pas. Le grand poète, parlant de lui-même, de son я, parle du général – de l'humanité, parce que dans sa nature réside tout ce dont l'humanité vit. Et donc, dans sa tristesse, dans son âme, chacun reconnaît la sienne et voit en lui non seulement poèteMais partsson frère en humanité. Le reconnaissant comme un être incomparablement supérieur à lui-même, chacun reconnaît en même temps sa parenté avec lui.

Parallèlement à l'approfondissement du monde intérieur dans l'œuvre de Schumann, un autre processus tout aussi important a lieu : la portée du contenu vital de la musique s'élargit. La vie elle-même, alimentant l'œuvre du compositeur des phénomènes les plus divers, y introduit des éléments de publicisme, de caractérisation pointue et de concret. Pour la première fois dans la musique instrumentale, des portraits, des croquis, des scènes si précises dans leur caractéristique apparaissent. Ainsi, la réalité vivante envahit parfois avec audace et insolite les pages lyriques de la musique de Schumann. Schumann lui-même admet qu'il « excite tout ce qui se passe dans le monde – la politique, la littérature, les gens ; Je pense à tout cela à ma manière, et puis tout demande à sortir, à chercher une expression dans la musique.

L'interaction incessante de l'externe et de l'interne sature la musique de Schumann d'un contraste saisissant. Mais son héros lui-même est assez contradictoire. Après tout, Schumann a doté sa propre nature de personnages différents de Florestan et d'Eusebius.

La rébellion, la tension des recherches, l'insatisfaction à l'égard de la vie provoquent des transitions rapides d'états émotionnels - du désespoir orageux à l'inspiration et à l'enthousiasme actif - ou sont remplacées par une réflexion calme, une rêverie douce.

Naturellement, ce monde tissé de contradictions et de contrastes nécessitait des moyens et des formes particulières pour sa mise en œuvre. Schumann l'a révélé le plus organiquement et le plus directement dans ses œuvres pour piano et pour voix. Il y trouva des formes qui lui permettaient de se livrer librement au jeu fantaisiste de la fantaisie, non contraint par les schémas donnés de formes déjà établies. Mais dans les œuvres largement conçues, dans les symphonies, par exemple, l'improvisation lyrique contredit parfois le concept même de genre symphonique avec son exigence inhérente au développement logique et cohérent d'une idée. D'autre part, dans l'ouverture en un mouvement de Manfred, la proximité de certains traits du héros de Byron avec le monde intérieur du compositeur l'a inspiré à créer une œuvre dramatique profondément personnelle et passionnée. L'académicien Asafiev caractérise le « Manfred » de Schumann comme « un monologue tragique d'une « fière personnalité » désabusée et socialement perdue.

De nombreuses pages de musique d'une beauté indescriptible contiennent les compositions de chambre de Schumann. C'est particulièrement vrai du quintette avec piano avec l'intensité passionnée de son premier mouvement, les images lyrico-tragiques du second et les derniers mouvements brillamment festifs.

La nouveauté de la pensée de Schumann s'exprimait dans le langage musical – original et original. Mélodie, harmonie, rythme semblent obéir au moindre mouvement d'images bizarres, à la variabilité des humeurs. Le rythme devient inhabituellement souple et élastique, conférant au tissu musical des œuvres un caractère particulièrement aigu. Une « écoute » approfondie des « processus mystérieux de la vie spirituelle » suscite une attention particulière à l'harmonie. Ce n'est pas pour rien que l'un des aphorismes des Davidsbündler dit : "En musique, comme aux échecs, la reine (la mélodie) est de la plus haute importance, mais le roi (l'harmonie) décide de la question".

Tout ce qui est caractéristique, purement « schumannien », s'incarne avec la plus grande clarté dans sa musique pour piano. La nouveauté du langage musical de Schumann trouve sa continuation et son développement dans ses textes vocaux.

V. Galatskaïa

L'œuvre de Schumann est l'un des sommets de l'art musical mondial du XXIe siècle.

Les tendances esthétiques avancées de la culture allemande de la période des années 20 et 40 ont trouvé une expression vivante dans sa musique. Les contradictions inhérentes à l'œuvre de Schumann reflètent les contradictions complexes de la vie sociale de son temps.

L'art de Schumann est imprégné de cet esprit agité et rebelle qui le rapproche de Byron, Heine, Hugo, Berlioz, Wagner et d'autres artistes romantiques exceptionnels.

Oh laissez-moi saigner Mais donnez-moi de l'espace bientôt. J'ai peur d'étouffer ici Dans le maudit monde des marchands… Non, mieux vaut le vil vice Vol, violence, vol, Que la morale comptable Et la vertu des visages bien nourris. Hé nuage, emmène-moi Emmène-le avec toi dans un long voyage En Laponie, ou en Afrique, Ou au moins à Stettin – quelque part ! — (Traduit par V. Levik)

Heine a écrit sur la tragédie d'un contemporain pensant. Sous ces vers Schumann pouvait souscrire. Dans sa musique passionnée et agitée, la protestation d'une personnalité insatisfaite et agitée se fait invariablement entendre. L'œuvre de Schumann était un défi lancé au « monde des commerçants » détesté, son conservatisme stupide et son étroitesse d'esprit autosatisfaite. Attisée par l'esprit de contestation, la musique de Schumann exprime objectivement les aspirations et aspirations des meilleurs.

Penseur aux opinions politiques avancées, sympathisant avec les mouvements révolutionnaires, personnage public majeur, propagandiste passionné de la finalité éthique de l'art, Schumann a fustigé avec colère le vide spirituel, le renfermé petit-bourgeois de la vie artistique moderne. Ses sympathies musicales allaient du côté de Beethoven, Schubert, Bach, dont l'art lui servait de plus haute mesure artistique. Dans son travail, il a cherché à s'appuyer sur les traditions folkloriques nationales, sur les genres démocratiques courants dans la vie allemande.

Avec sa passion inhérente, Schumann a appelé à un renouvellement du contenu éthique de la musique, sa structure figurative-émotionnelle.

Mais le thème de la révolte reçut de lui une sorte d'interprétation lyrique et psychologique. Contrairement à Heine, Hugo, Berlioz et quelques autres artistes romantiques, le pathos civique n'est pas très caractéristique de lui. Schumann est grand d'une autre manière. La meilleure partie de son héritage varié est la « confession du fils de l'âge ». Ce thème a inquiété de nombreux contemporains exceptionnels de Schumann et a été incarné dans Manfred de Byron, Le Voyage d'hiver de Müller-Schubert et la Symphonie fantastique de Berlioz. Le riche monde intérieur de l'artiste en tant que reflet des phénomènes complexes de la vie réelle est le contenu principal de l'art de Schumann. Ici, le compositeur atteint une grande profondeur idéologique et une grande puissance d'expression. Schumann a été le premier à refléter en musique un si large éventail d'expériences de son pair, la variété de leurs nuances, les transitions les plus subtiles des états mentaux. Le drame de l'époque, sa complexité et son incohérence ont reçu une réfraction particulière dans les images psychologiques de la musique de Schumann.

En même temps, l'œuvre du compositeur est empreinte non seulement d'un élan rebelle, mais aussi d'une rêverie poétique. Créant des images autobiographiques de Florestan et d'Eusebius dans ses œuvres littéraires et musicales, Schumann y incarnait essentiellement deux formes extrêmes d'expression d'un désaccord romantique avec la réalité. Dans le poème ci-dessus de Heine, on peut reconnaître les héros de Schumann - le protestant ironique Florestan (il préfère le vol de «la morale comptable des visages bien nourris») et le rêveur Eusèbe (avec un nuage emporté vers des pays inconnus). Le thème du rêve romantique parcourt comme un fil rouge toute son œuvre. Il y a quelque chose de profondément significatif dans le fait que Schumann a associé l'une de ses œuvres les plus aimées et les plus significatives sur le plan artistique à l'image du Kapellmeister Kreisler d'Hoffmann. Des impulsions orageuses à une beauté inaccessible rapprochent Schumann de ce musicien impulsif et déséquilibré.

Mais, contrairement à son prototype littéraire, Schumann ne « s'élève » pas tant au-dessus de la réalité qu'il ne la poétise. Il a su voir son essence poétique sous la carapace quotidienne de la vie, il a su sélectionner le beau dans les impressions de la vie réelle. Schumann apporte à la musique des sonorités nouvelles, festives et pétillantes, en leur donnant de nombreuses nuances colorées.

En termes de nouveauté des thèmes et des images artistiques, en termes de subtilité psychologique et de véracité, la musique de Schumann est un phénomène qui a considérablement élargi les frontières de l'art musical du XVIe siècle.

L'œuvre de Schumann, en particulier les œuvres pour piano et les paroles vocales, a eu un impact énorme sur la musique de la seconde moitié du XXe siècle. Les pièces pour piano et symphonies de Brahms, de nombreuses œuvres vocales et instrumentales de Grieg, les œuvres de Wolf, Frank et de nombreux autres compositeurs remontent à la musique de Schumann. Les compositeurs russes ont hautement apprécié le talent de Schumann. Son influence s'est reflétée dans l'œuvre de Balakirev, Borodine, Cui et surtout Tchaïkovski, qui non seulement dans la chambre, mais aussi dans la sphère symphonique, ont développé et généralisé bon nombre des traits caractéristiques de l'esthétique de Schumann.

« On peut affirmer avec certitude, écrivait PI Tchaïkovski, que la musique de la seconde moitié du siècle actuel constituera une période de l'histoire future de l'art, que les générations futures appelleront celle de Schumann. La musique de Schumann, organiquement adjacente à l'œuvre de Beethoven et en même temps nettement séparée de celle-ci, ouvre tout un monde de nouvelles formes musicales, touche des cordes que ses grands prédécesseurs n'ont pas encore touchées. On y trouve un écho de ces… processus profonds de notre vie spirituelle, ces doutes, ces désespoirs et ces élans vers l'idéal qui submergent le cœur de l'homme moderne.

V. Konen

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