Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov |
Compositeurs

Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov |

Nikolaï Rimski-Korsakov

Date de naissance
18.03.1844
Date de décès
21.06.1908
Profession
compositeur

Ni son talent, ni son énergie, ni sa bienveillance sans bornes envers ses élèves et camarades, ne se sont jamais affaiblis. La vie glorieuse et l'activité profondément nationale d'une telle personne devraient être notre fierté et notre joie. … que peut-on signaler dans toute l'histoire de la musique de si hautes personnalités, de si grands artistes et de personnes aussi extraordinaires que Rimski-Korsakov ? V. Stassov

Près de 10 ans après l'ouverture du premier conservatoire russe à Saint-Pétersbourg, à l'automne 1871, un nouveau professeur de composition et d'orchestration fait son apparition dans ses murs. Malgré sa jeunesse – il était dans sa vingt-huitième année – il s'était déjà fait connaître comme auteur de compositions originales pour orchestre : Ouvertures sur des thèmes russes, Fantaisies sur des thèmes de chansons folkloriques serbes, tableau symphonique basé sur l'épopée russe » Sadko » et une suite sur l'intrigue d'un conte oriental « Antar ». De plus, de nombreuses romances ont été écrites et le travail sur l'opéra historique La Pucelle de Pskov battait son plein. Personne n'aurait pu imaginer (et encore moins le directeur du conservatoire, qui a invité N. Rimsky-Korsakov) qu'il deviendrait un compositeur sans presque aucune formation musicale.

Rimski-Korsakov est né dans une famille éloignée des intérêts artistiques. Les parents, selon la tradition familiale, ont préparé le garçon au service dans la marine (l'oncle et le frère aîné étaient des marins). Bien que les capacités musicales se soient révélées très tôt, il n'y avait personne pour étudier sérieusement dans une petite ville de province. Les cours de piano étaient donnés par une voisine, puis une gouvernante familière et une élève de cette gouvernante. Les impressions musicales ont été complétées par des chansons folkloriques interprétées par une mère et un oncle amateurs et des chants de culte au monastère de Tikhvin.

A Saint-Pétersbourg, où Rimsky-Korsakov est venu s'enrôler dans le corps naval, il fréquente l'opéra et les concerts, reconnaît Ivan Susanin et Glinka's Ruslan et Lyudmila, les symphonies de Beethoven. À Saint-Pétersbourg, il a enfin un vrai professeur - un excellent pianiste et musicien instruit F. Canille. Il conseilla à l'étudiant doué de composer lui-même de la musique, le présenta à M. Balakirev, autour duquel se regroupèrent de jeunes compositeurs - M. Moussorgski, C. Cui, plus tard A. Borodine les rejoignit (le cercle de Balakirev est entré dans l'histoire sous le nom de "Mighty Handful ”).

Aucun des «Kuchkistes» n'a suivi un cours de formation musicale spéciale. Le système par lequel Balakirev les a préparés à une activité créative indépendante était le suivant: il a immédiatement proposé un sujet responsable, puis, sous sa direction, lors de discussions communes, parallèlement à l'étude des œuvres de grands compositeurs, toutes les difficultés qui se sont posées en cours de composition ont été résolus.

Rimsky-Korsakov, 3 ans, a été conseillé par Balakirev de commencer par une symphonie. Entre-temps, le jeune compositeur, diplômé de la Marine, devait s'embarquer pour un voyage autour du monde. Il est revenu aux amis de la musique et de l'art seulement après XNUMX ans. Le talent de génie a aidé Rimsky-Korsakov à maîtriser rapidement la forme musicale, l'orchestration aux couleurs vives et les techniques de composition, en contournant les fondations de l'école. Ayant créé des partitions symphoniques complexes et travaillé sur un opéra, le compositeur ne connaissait pas les bases mêmes de la science musicale et n'était pas familier avec la terminologie nécessaire. Et du coup une proposition d'enseigner au conservatoire ! .. "Si j'apprenais ne serait-ce qu'un peu, si j'en savais ne serait-ce qu'un peu plus que ce que je savais vraiment, alors il serait clair pour moi que je ne peux pas et n'ai pas le droit d'accepter la proposition, le fait est que devenir professeur serait à la fois stupide et sans scrupules de ma part », se souvient Rimsky-Korsakov. Mais pas de malhonnêteté, mais la plus haute responsabilité, a-t-il montré, commençant à apprendre les bases mêmes qu'il était censé enseigner.

Les vues esthétiques et la vision du monde de Rimsky-Korsakov ont été formées dans les années 1860. sous l'influence du "Mighty Handful" et de son idéologue V. Stasov. Dans le même temps, la base nationale, l'orientation démocratique, les principaux thèmes et images de son travail ont été déterminés. Au cours de la décennie suivante, les activités de Rimski-Korsakov sont multiformes : il enseigne au conservatoire, perfectionne sa propre technique de composition (écrit des canons, des fugues), occupe le poste d'inspecteur des fanfares du département naval (1873-84) et dirige des symphonies concerts, remplace le directeur de l'École libre de musique Balakirev et prépare pour la publication (avec Balakirev et Lyadov) les partitions des deux opéras de Glinka, enregistre et harmonise des chansons folkloriques (le premier recueil a été publié en 1876, le second en 1882).

Un appel au folklore musical russe, ainsi qu'une étude détaillée des partitions d'opéra de Glinka en cours de préparation pour leur publication, ont aidé le compositeur à surmonter le caractère spéculatif de certaines de ses compositions, qui est né à la suite d'études intensives en technique de composition. Deux opéras écrits après La Pucelle de Pskov (1872) - May Night (1879) et The Snow Maiden (1881) - incarnaient l'amour de Rimsky-Korsakov pour les rituels folkloriques et la chanson folklorique ainsi que sa vision panthéiste du monde.

Créativité du compositeur des années 80. représenté principalement par des œuvres symphoniques : « Le Conte » (1880), Sinfonietta (1885) et Concerto pour piano (1883), ainsi que les célèbres « Capriccio espagnol » (1887) et « Shéhérazade » (1888). Parallèlement, Rimsky-Korsakov travaille au Chœur de la Cour. Mais il consacre l'essentiel de son temps et de son énergie à préparer la représentation et la publication des opéras de ses défunts amis – la Khovanchtchina de Moussorgski et le Prince Igor de Borodine. Il est probable que ce travail intense sur les partitions d'opéra a conduit au fait que le propre travail de Rimsky-Korsakov s'est développé au cours de ces années dans la sphère symphonique.

Le compositeur ne revint à l'opéra qu'en 1889, après avoir créé l'enchanteur Mlada (1889-90). Depuis le milieu des années 90. l'un après l'autre est suivi par La Nuit avant Noël (1895), Sadko (1896), le prologue de La Pucelle de Pskov - le Boyar Vera Sheloga en un acte et La Fiancée du Tsar (tous deux de 1898). Dans les années 1900, The Tale of Tsar Saltan (1900), Servilia (1901), Pan Governor (1903), The Tale of the Invisible City of Kitezh (1904) et The Golden Cockerel (1907) sont créés.

Tout au long de sa vie créative, le compositeur s'est également tourné vers les paroles vocales. Dans 79 de ses romans, la poésie d'A. Pouchkine, M. Lermontov, AK Tolstoï, L. May, A. Fet et des auteurs étrangers J. Byron et G. Heine sont présentés.

Le contenu de l'œuvre de Rimsky-Korsakov est varié: il a également révélé le thème folklorique («La femme de Pskov», «La légende de la ville invisible de Kitezh»), la sphère des paroles («La fiancée du tsar», « Servilia") et le drame quotidien ("Pan Voyevoda"), reflétaient les images de l'Orient ("Antar", "Scheherazade"), incarnaient les traits d'autres cultures musicales ("Serbian Fantasy", "Spanish Capriccio", etc.) . Mais plus caractéristiques de Rimsky-Korsakov sont la fantaisie, le fabuleux, les liens divers avec l'art populaire.

Le compositeur a créé toute une galerie d'images féminines uniques dans leur charme, pures et doucement lyriques - à la fois réelles et fantastiques (Pannochka dans "May Night", Snegurochka, Martha dans "The Tsar's Bride", Fevronia dans "The Tale of the Invisible City de Kitezh »), images de chanteurs folkloriques (Lel dans « The Snow Maiden », Nezhata dans « Sadko »).

Formé dans les années 1860. le compositeur est resté fidèle aux idéaux sociaux progressistes toute sa vie. A la veille de la première révolution russe de 1905 et dans la période de réaction qui la suivit, Rimski-Korsakov écrivit les opéras Kashchei l'Immortelle (1902) et Le Coq d'or, qui furent perçus comme une dénonciation de l'immobilisme politique qui régnait en Russie.

Le parcours créatif du compositeur a duré plus de 40 ans. En y entrant comme successeur des traditions de Glinka, lui et au XXe siècle. représente adéquatement l'art russe dans la culture musicale mondiale. Les activités créatives et musicales publiques de Rimski-Korsakov sont multiples : compositeur et chef d'orchestre, auteur d'ouvrages théoriques et de critiques, éditeur d'œuvres de Dargomyjski, Moussorgski et Borodine, il a eu une forte influence sur le développement de la musique russe.

En 37 ans d'enseignement au conservatoire, il a enseigné à plus de 200 compositeurs : A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky, S. Prokofiev et autres. Le développement des thèmes orientaux de Rimsky-Korsakov ("Antar", "Scheherazade", "Golden Cockerel") a été d'une importance inestimable pour le développement des cultures musicales nationales de Transcaucasie et d'Asie centrale, et de divers paysages marins ("Sadko", "Sheherazade », « Le Conte du tsar Saltan », le cycle de romans « Au bord de la mer », etc.) a beaucoup déterminé la peinture sonore en plein air du Français C. Debussy et de l'Italien O. Respighi.

E. Gordeeva


L'œuvre de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov est un phénomène unique dans l'histoire de la culture musicale russe. Le point n'est pas seulement dans l'énorme signification artistique, le volume colossal, la polyvalence rare de son œuvre, mais aussi dans le fait que l'œuvre du compositeur couvre presque entièrement une période très dynamique de l'histoire russe - de la réforme paysanne à la période entre les révolutions. L'une des premières œuvres du jeune musicien fut l'instrumentation de L'invité de pierre de Dargomyzhsky, la dernière œuvre majeure du maître, Le Coq d'or, remonte à 1906-1907 : l'opéra fut composé simultanément avec le Poème d'extase de Scriabine, la Deuxième Symphonie de Rachmaninov ; seulement quatre ans séparent la création du Coq d'or (1909) de la création du Sacre du printemps de Stravinsky, deux des débuts de Prokofiev en tant que compositeur.

Ainsi, l'œuvre de Rimsky-Korsakov, purement chronologique, constitue en quelque sorte le noyau de la musique classique russe, reliant le lien entre l'ère de Glinka-Dargomyzhsky et le XVIe siècle. Synthétisant les réalisations de l'école de Saint-Pétersbourg de Glinka à Lyadov et Glazunov, absorbant beaucoup de l'expérience des Moscovites - Tchaïkovski, Taneyev, compositeurs qui se sont produits au tournant des XXe et XXe siècles, elle a toujours été ouverte aux nouvelles tendances artistiques, domestique et étranger.

Un caractère global et systématisant est inhérent à toute direction de l'œuvre de Rimsky-Korsakov - compositeur, enseignant, théoricien, chef d'orchestre, éditeur. Son activité vitale dans son ensemble est un monde complexe, que j'aimerais appeler le «cosmos Rimsky-Korsakov». Le but de cette activité est de recueillir, de focaliser les principaux traits de la conscience musicale nationale et, plus largement, artistique, et in fine de recréer une image intégrale de la vision du monde russe (bien sûr, dans sa réfraction personnelle, « korsakovienne »). Ce rassemblement est inextricablement lié à l'évolution personnelle de l'auteur, tout comme le processus d'enseignement, d'éducation - non seulement des étudiants directs, mais de tout l'environnement musical - avec l'auto-éducation, l'auto-éducation.

AN Rimsky-Korsakov, le fils du compositeur, parlant de la variété sans cesse renouvelée des tâches résolues par Rimsky-Korsakov, a décrit avec succès la vie de l'artiste comme un «entrelacement de fils semblable à une bouffée». Lui, réfléchissant à ce qui a poussé le brillant musicien à consacrer une part déraisonnablement importante de son temps et de son énergie à des types de travail éducatif « parallèles », a souligné « une conscience claire de son devoir envers la musique et les musiciens russes ». "Service« - le mot clé dans la vie de Rimsky-Korsakov, tout comme « confession » – dans la vie de Moussorgski.

On pense que la musique russe de la seconde moitié du 1860e siècle tend manifestement à assimiler les acquis des autres arts qui lui sont contemporains, notamment la littérature : d'où la préférence pour les genres « verbaux » (de la romance, la chanson à l'opéra, la couronne des aspirations créatives de tous les compositeurs de la génération XNUMX), et en instrumental - un large développement du principe de programmation. Cependant, il devient de plus en plus évident que l'image du monde créée par la musique classique russe n'est pas du tout identique à celles de la littérature, de la peinture ou de l'architecture. Les caractéristiques de la croissance de l'école de compositeurs russes sont liées à la fois aux spécificités de la musique en tant que forme d'art et à la position particulière de la musique dans la culture nationale du XVIe siècle, avec ses tâches particulières dans la compréhension de la vie.

La situation historique et culturelle de la Russie prédisposait un fossé colossal entre ceux qui, selon Glinka, « créent la musique » et ceux qui voulaient « l'arranger ». La rupture fut profonde, tragiquement irréversible, et ses conséquences se font encore sentir aujourd'hui. Mais, d'un autre côté, l'expérience auditive cumulative à plusieurs niveaux du peuple russe contenait des possibilités inépuisables pour le mouvement et la croissance de l'art. C'est peut-être en musique que la "découverte de la Russie" s'est exprimée avec la plus grande force, puisque la base de sa langue - l'intonation - est la manifestation la plus organique de l'individu humain et ethnique, une expression concentrée de l'expérience spirituelle du peuple. La «structure multiple» de l'environnement d'intonation nationale en Russie au milieu du siècle avant-dernier est l'une des conditions préalables à l'innovation de l'école de musique professionnelle russe. Le rassemblement en un seul foyer de tendances multidirectionnelles - toutes proportions gardées, des racines païennes proto-slaves aux dernières idées du romantisme musical d'Europe occidentale, en passant par les techniques musicales les plus avancées - est un trait caractéristique de la musique russe de la seconde moitié du XNUMXème siècle. Pendant cette période, il quitte enfin le pouvoir des fonctions appliquées et devient une vision du monde dans les sons.

Parlant souvent des années soixante de Moussorgski, Balakirev, Borodine, on semble oublier que Rimski-Korsakov appartient à la même époque. En attendant, il est difficile de trouver un artiste plus fidèle aux idéaux les plus élevés et les plus purs de son temps.

Ceux qui ont connu Rimsky-Korsakov plus tard – dans les années 80, 90, 1900 – ne se sont jamais lassés d'être surpris de la dureté avec laquelle il s'est prosaïquement et son travail. D'où les jugements fréquents sur la "sécheresse" de sa nature, son "académisme", son "rationalisme", etc. En fait, c'est typique des années soixante, combiné avec l'évitement d'un pathos excessif par rapport à sa propre personnalité, caractéristique de un artiste russe. L'un des élèves de Rimsky-Korsakov, MF Gnesin, a exprimé l'idée que l'artiste, en lutte constante avec lui-même et avec son entourage, avec les goûts de son époque, semblait parfois se durcir, devenant dans certaines de ses déclarations encore plus bas que lui-même. Cela doit être gardé à l'esprit lors de l'interprétation des déclarations du compositeur. Apparemment, la remarque d'un autre élève de Rimsky-Korsakov, AV Ossovsky, mérite encore plus d'attention: la sévérité, la captivité de l'introspection, la maîtrise de soi, qui accompagnaient invariablement le chemin de l'artiste, étaient telles qu'une personne de moindre talent pouvait tout simplement ne supporte pas ces "pauses", ces expériences qu'il ne cesse de se lancer : l'auteur de La Pucelle de Pskov, comme un écolier, s'assied à des problèmes en harmonie, l'auteur de La Fille des neiges ne manque pas une seule représentation d'opéras de Wagner , l'auteur de Sadko écrit Mozart et Salieri, le professeur l'académicien crée Kashchei, etc. Et cela aussi est venu de Rimsky-Korsakov non seulement de la nature, mais aussi de l'époque.

Son activité sociale était toujours très élevée et son activité se distinguait par un désintéressement complet et un dévouement sans partage à l'idée du devoir public. Mais, contrairement à Moussorgski, Rimski-Korsakov n'est pas un « populiste » au sens spécifique et historique du terme. Dans le problème du peuple, il a toujours, à partir de La Pucelle de Pskov et du poème Sadko, vu moins l'historique et le social que l'indivisible et l'éternel. Par rapport aux documents de Tchaïkovski ou Moussorgski dans les lettres de Rimski-Korsakov, dans sa Chronique il y a peu de déclarations d'amour pour le peuple et pour la Russie, mais en tant qu'artiste il avait un sens colossal de la dignité nationale, et dans le messianisme de L'art russe, en particulier la musique, il n'était pas moins confiant que Moussorgski.

Tous les koutchkistes étaient caractérisés par une caractéristique des années soixante comme une curiosité sans fin pour les phénomènes de la vie, une inquiétude éternelle de la pensée. Chez Rimsky-Korsakov, elle s'est concentrée dans une large mesure sur la nature, comprise comme l'unité des éléments et de l'homme, et sur l'art comme la plus haute incarnation de cette unité. Comme Moussorgski et Borodine, il s'est constamment efforcé d'acquérir une connaissance «positive», «positive» du monde. Dans son désir d'étudier à fond tous les domaines de la science musicale, il partait de la position – à laquelle (comme Moussorgski) il croyait très fermement, parfois jusqu'à la naïveté – qu'il y a dans l'art des lois (normes) tout aussi objectives , universel comme en science. pas seulement les préférences gustatives.

En conséquence, l'activité esthétique et théorique de Rimsky-Korsakov a embrassé presque tous les domaines de la connaissance de la musique et s'est développée en un système complet. Ses composantes sont : la doctrine de l'harmonie, la doctrine de l'instrumentation (à la fois sous forme de grands ouvrages théoriques), l'esthétique et la forme (notes des années 1890, articles critiques), le folklore (recueils d'arrangements de chants folkloriques et exemples de compréhension créative des motifs folkloriques dans les compositions), enseignement sur le mode (un grand ouvrage théorique sur les modes anciens a été détruit par l'auteur, mais une version abrégée en a survécu, ainsi que des exemples d'interprétation des modes anciens dans les arrangements de chants d'église), polyphonie (considérations exprimées dans des lettres, dans des conversations avec Yastrebtsev, etc., ainsi que des exemples créatifs), éducation musicale et organisation de la vie musicale (articles, mais principalement activités éducatives et pédagogiques). Dans tous ces domaines, Rimsky-Korsakov a exprimé des idées audacieuses, dont la nouveauté est souvent occultée par une forme de présentation stricte et concise.

"Le créateur du Pskovityanka et du Coq d'or n'était pas un rétrograde. C'était un innovateur, mais qui s'efforçait d'atteindre l'exhaustivité classique et la proportionnalité des éléments musicaux »(Zuckerman VA). Selon Rimsky-Korsakov, tout ce qui est nouveau est possible dans n'importe quel domaine sous les conditions d'un lien génétique avec le passé, de la logique, de la conditionnalité sémantique et de l'organisation architectonique. Telle est sa doctrine de la fonctionnalité de l'harmonie, dans laquelle les fonctions logiques peuvent être représentées par des consonances de structures diverses ; telle est sa doctrine de l'instrumentation, qui s'ouvre sur la phrase : « Il n'y a pas de mauvaises sonorités dans l'orchestre ». Le système d'éducation musicale qu'il propose est exceptionnellement progressif, dans lequel le mode d'apprentissage est principalement associé à la nature du don de l'élève et à la disponibilité de certaines méthodes de création musicale en direct.

L'épigraphe de son livre sur le professeur MF Gnesin reprend la phrase de la lettre de Rimsky-Korsakov à sa mère: "Regarde les étoiles, mais ne regarde pas et ne tombe pas." Cette phrase apparemment aléatoire d'un jeune cadet du corps naval caractérise remarquablement la position de Rimsky-Korsakov en tant qu'artiste du futur. Peut-être la parabole évangélique de deux messagers correspond-elle à sa personnalité, dont l'un a immédiatement dit "j'irai" - et n'est pas allé, et l'autre a d'abord dit "je n'irai pas" - et est parti (Matt., XXI, 28- 31).

En effet, au cours de la carrière de Rimsky-Korsakov, il y a de nombreuses contradictions entre « paroles » et « actes ». Par exemple, personne n'a aussi férocement réprimandé le koutchkisme et ses défauts (il suffit de rappeler l'exclamation d'une lettre à Krutikov: «Oh, composite russeоry – souligne Stasov – ils doivent leur manque d'éducation à eux-mêmes ! ", Toute une série de déclarations offensantes dans la Chronique sur Moussorgski, sur Balakirev, etc.) - et personne n'a été aussi cohérent pour défendre, défendre les principes esthétiques de base du koutchkisme et toutes ses réalisations créatives: en 1907, quelques mois avant A sa mort, Rimsky-Korsakov s'est qualifié de "koutchkiste le plus convaincu". Peu de gens ont été aussi critiques à l'égard des « temps nouveaux » en général et des phénomènes fondamentalement nouveaux de la culture musicale au tournant du siècle et au début du 80e siècle – et en même temps ont répondu si profondément et pleinement aux exigences spirituelles des nouvelle ère («Kashchey», «Kitezh», «The Golden Cockerel» et d'autres dans les œuvres ultérieures du compositeur). Rimsky-Korsakov dans les années 90 - les débuts des années XNUMX parlaient parfois très durement de Tchaïkovski et de sa direction - et il a constamment appris de son antipode : l'œuvre de Rimsky-Korsakov, son activité pédagogique, sans aucun doute, était le lien principal entre Saint-Pétersbourg et Moscou écoles. La critique de Wagner et de ses réformes lyriques par Korsakov est encore plus dévastatrice, et pendant ce temps, parmi les musiciens russes, il a accepté le plus profondément les idées de Wagner et y a répondu de manière créative. Enfin, aucun des musiciens russes n'a autant souligné son agnosticisme religieux dans les mots, et peu ont réussi à créer des images aussi profondes de la foi populaire dans leur travail.

Les éléments dominants de la vision du monde artistique de Rimsky-Korsakov étaient le « sentiment universel » (sa propre expression) et le mythologisme largement compris de la pensée. Dans le chapitre de la Chronique consacré à The Snow Maiden, il a formulé son processus créatif comme suit : « J'ai écouté les voix de la nature, de l'art populaire et de la nature et j'ai pris ce qu'elles chantaient et suggéraient comme base de mon travail. L'attention de l'artiste était surtout concentrée sur les grands phénomènes du cosmos – le ciel, la mer, le soleil, les étoiles, et sur les grands phénomènes de la vie des gens – la naissance, l'amour, la mort. Cela correspond à toute la terminologie esthétique de Rimsky-Korsakov, en particulier son mot préféré – «contemplation“. Ses notes sur l'esthétique s'ouvrent sur l'affirmation de l'art comme une « sphère d'activité contemplative », où l'objet de la contemplation est «la vie de l'esprit humain et de la nature, exprimée dans leurs relations mutuelles“. Avec l'unité de l'esprit humain et de la nature, l'artiste affirme l'unité du contenu de tous les types d'art (en ce sens, son propre travail est certainement syncrétique, bien que sur des bases différentes de celles, par exemple, du travail de Moussorgski, qui a également soutenu que les arts ne diffèrent que par le matériel, mais pas par les tâches et les objectifs). Les propres mots de Rimski-Korsakov pourraient être mis comme devise pour toute l'œuvre de Rimski-Korsakov : « La représentation du beau est la représentation de la complexité infinie. En même temps, il n'était pas étranger au terme préféré du koutchkisme primitif - "vérité artistique", il ne protestait que contre la compréhension rétrécie et dogmatique de celui-ci.

Les caractéristiques de l'esthétique de Rimsky-Korsakov ont conduit à l'écart entre son travail et les goûts du public. Par rapport à lui, il est tout aussi légitime de parler d'incompréhensibilité que par rapport à Moussorgski. Moussorgski, plus que Rimski-Korsakov, correspondait à son époque en termes de type de talent, de sens des intérêts (d'une manière générale, l'histoire du peuple et la psychologie de l'individu), mais la radicalité de ses décisions s'est avérée être au-delà de la capacité de ses contemporains. Chez Rimsky-Korsakov, le malentendu n'était pas si aigu, mais non moins profond.

Sa vie semblait être très heureuse : une famille merveilleuse, une excellente éducation, un voyage passionnant autour du monde, le brillant succès de ses premières compositions, une vie personnelle exceptionnellement réussie, l'opportunité de se consacrer entièrement à la musique, ensuite le respect et la joie universels. de voir grandir des étudiants talentueux autour de lui. Néanmoins, à partir du deuxième opéra et jusqu'à la fin des années 90, Rimsky-Korsakov a été constamment confronté à une incompréhension à la fois de «son» et «d'eux». Les Kuchkistes le considéraient comme un compositeur non opéra, peu compétent en dramaturgie et en écriture vocale. Pendant longtemps, il y avait une opinion sur le manque de mélodie originale en lui. Rimsky-Korsakov était reconnu pour son talent, notamment dans le domaine de l'orchestre, mais rien de plus. Ce malentendu prolongé était, en fait, la principale raison de la grave crise vécue par le compositeur dans la période qui a suivi la mort de Borodine et l'effondrement final de la Mighty Handful en tant que direction créative. Et ce n'est qu'à partir de la fin des années 90 que l'art de Rimsky-Korsakov est devenu de plus en plus en phase avec l'époque et a rencontré la reconnaissance et la compréhension de la nouvelle intelligentsia russe.

Ce processus de maîtrise des idées de l'artiste par la conscience publique a été interrompu par les événements ultérieurs de l'histoire de la Russie. Pendant des décennies, l'art de Rimsky-Korsakov a été interprété (et incarné, si l'on parle des réalisations scéniques de ses opéras) de manière très simpliste. La chose la plus précieuse en elle – la philosophie de l'unité de l'homme et du cosmos, l'idée d'adorer la beauté et le mystère du monde est restée enfouie sous les catégories faussement interprétées de « nationalité » et de « réalisme ». Le destin de l'héritage de Rimsky-Korsakov en ce sens n'est bien sûr pas unique : par exemple, les opéras de Moussorgski ont subi des déformations encore plus importantes. Cependant, si ces derniers temps il y a eu des disputes autour de la figure et de l'œuvre de Moussorgski, l'héritage de Rimski-Korsakov a été dans un oubli honorable ces dernières décennies. Il était reconnu pour tous les mérites d'un ordre académique, mais il semblait échapper à la conscience publique. La musique de Rimsky-Korsakov est rarement jouée ; dans les cas où ses opéras entrent en scène, la plupart des dramatisations – purement décoratives, feuillues ou populaires-fabuleuses – témoignent d'une incompréhension décisive des idées du compositeur.

Il est significatif que s'il existe une énorme littérature moderne sur Moussorgski dans toutes les principales langues européennes, les ouvrages sérieux sur Rimski-Korsakov sont très peu nombreux. Outre les anciens livres de I. Markevich, R. Hoffmann, N. Giles van der Pals, des biographies populaires, ainsi que plusieurs articles intéressants de musicologues américains et anglais sur des problèmes particuliers de l'œuvre du compositeur, on ne peut citer qu'un certain nombre des travaux du principal spécialiste occidental de Rimski-Korsakov, Gérald Abraham. Le résultat de ses nombreuses années d'études fut, semble-t-il, un article sur le compositeur pour la nouvelle édition du Grove's Encyclopedic Dictionary (1980). Ses principales dispositions sont les suivantes : en tant que compositeur d'opéra, Rimsky-Korsakov souffrait d'un manque total de sens dramatique, d'une incapacité à créer des personnages ; au lieu de drames musicaux, il a écrit de délicieux contes de fées musicaux et scéniques; au lieu de personnages, de charmantes poupées fantastiques y agissent; ses œuvres symphoniques ne sont que des « mosaïques très colorées », alors qu'il ne maîtrise pas du tout l'écriture vocale.

Dans sa monographie sur Glinka, OE Levasheva note le même phénomène d'incompréhension par rapport à la musique de Glinka, classiquement harmonieuse, recueillie et pleine d'une noble retenue, très éloignée des idées primitives sur « l'exotisme russe » et semblant « pas assez nationale » aux critiques étrangers. . La pensée domestique sur la musique, à quelques exceptions près, non seulement ne combat pas un tel point de vue sur Rimski-Korsakov – assez répandu aussi en Russie – mais l'aggrave souvent, soulignant l'académisme imaginaire de Rimski-Korsakov et cultivant une fausse opposition à l'innovation de Moussorgski.

Peut-être que le temps de la reconnaissance mondiale de l'art de Rimsky-Korsakov est encore à venir, et l'ère viendra où les œuvres de l'artiste, qui ont créé une image intégrale et complète du monde arrangée selon les lois de la rationalité, de l'harmonie et de la beauté , trouveront le leur, le Bayreuth russe, dont rêvaient les contemporains de Rimsky-Korsakov à la veille de 1917.

M. Rakhmanova

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