Éducation musicale |

Le processus de maîtrise des connaissances, des compétences et des capacités nécessaires à l'activité musicale, ainsi que la totalité des connaissances et des compétences et capacités connexes obtenues à la suite de la formation. Sous M. o. comprennent souvent le système même d'organisation des muses. apprentissage. Le principal moyen d'obtenir M. o. – préparation sous la direction d'un enseignant, le plus souvent au compte. institution. Un rôle important peut être joué par l'auto-éducation, ainsi que l'assimilation des connaissances et des compétences dans le processus de prof. pratiquer la musique ou participer à des activités amateurs. Faire de la musique. Distinguer M. environ. général, qui fournit des connaissances, des compétences et des capacités dans la mesure où cela est nécessaire pour les activités amateurs ou seulement pour la perception de la musique, et M. o. spécial, préparation pour le prof. travail (composer, interpréter, scientifique, pédagogique). M. o. peut être primaire (inférieur), moyen et supérieur, une coupe dans presque tous les pays est spéciale. personnage. Didactique générale. le principe de l'éducation nourricière est également directement lié à M. o. et se reflète dans son contenu, ses méthodes et ses formes d'organisation. Général et spécial M. o. suggère une unité organique de l'éducation musicale et de la musique. éducation: non seulement un professeur de musique est une formation générale. écoles, enseignant aux enfants et leur donnant une éducation musicale générale, les éduque au moyen de la musique et conduit à sa compréhension, mais l'enseignant prof. écoles de musique de tout niveau, introduisant l'avenir de la musique. figure à des connaissances et compétences particulières, forme en même temps sa personnalité – vision du monde, idéaux esthétiques et éthiques, volonté et caractère.

M. o. – la catégorie d'historique, et dans une société de classe – historique de classe. Objectifs, contenu, niveau, méthodes et organisation. Les formulaires de M. environ. déterminé par l'évolution tout au long de l'histoire des muses. culture, relations sociales, nat. spécificité, le rôle de la musique. art-va dans la vie de cette société, muz.-esthétique. vues, style de musique. créativité, formes de musique existantes. activités, fonctions exercées par les musiciens, dominante pédagogique générale. idées et le niveau de développement des muses. la pédagogie. Le personnage de M. environ. également en raison de l'âge de l'élève, de ses capacités, du type de musique. activités auxquelles ils le préparent, et bien d'autres. autre musique. L'enseignement d'un enfant est construit différemment de celui d'un adulte, et jouer, disons, du violon est différent de jouer du piano. En même temps, il est généralement reconnu dans la musique de pointe moderne. La pédagogie (pour toutes les différences incalculables dans ses formes et ses méthodes) repose sur deux principes : général M. o. ne peut et ne doit pas être remplacé par un spécial (dans lequel l'accent est souvent mis sur l'enseignement des compétences techniques, la maîtrise des informations musicales et théoriques, etc.); musique générale. l'éducation et la formation est cette base obligatoire sur laquelle il faut construire spécialement. M. o.

Aux premiers stades du développement de la société humaine, lorsqu'il n'y avait pas de fonction particulière pour un musicien et que tous les membres du collectif tribal eux-mêmes créaient une magie de production primitive. actions de glace et les exécutaient eux-mêmes, muses. les compétences, apparemment, n'étaient pas spécifiquement enseignées et elles ont été adoptées par les plus jeunes parmi les aînés. Dans le futur, musique et magie. les fonctions ont été prises en charge par les chamans et les chefs tribaux, jetant ainsi les bases de la séparation dans les temps ultérieurs de syncrétique. arts profession, dans laquelle le musicien était en même temps. danseur et parolier. Lorsque l'art. culture, même dans les conditions de la société pré-classe, a atteint un niveau relativement élevé, il y avait un besoin spécial. apprentissage. Ceci, en particulier, est attesté par les faits relatifs aux sociétés. la vie des Indiens du Nord. L'Amérique avant sa colonisation par les Européens : chez les indigènes du Nord. Amérique, il y avait des frais pour enseigner de nouvelles chansons (de la voix); les anciens habitants du Mexique avaient une éducation musicale. institutions pour l'enseignement des chants et des danses, et les anciens Péruviens enseignaient la récitation mélodieuse de l'épique. légendes. Environ au moment où, dans les civilisations du monde antique, le culte rituel, le palais, l'armée ont commencé à être clairement divisés. et musique de grenade et une fois formé déc. types de musiciens se tenant à différents niveaux sociaux (musiciens du temple dirigés par un prêtre-chanteur ; musiciens du palais louant la divinité-monarque ; militaires. des musiciens à vent et à percussion, parfois de grades militaires relativement élevés ; enfin, les musiciens, souvent errants, chantaient et jouaient pendant les couchettes. festivités et fêtes de famille), contiennent les premières informations éparses sur M. sur. Les plus anciens d'entre eux appartiennent à l'Égypte, où à la fin de la période de l'Ancien Empire (c. 2500 avant JC. e.) adv. les chanteurs ont suivi une formation spéciale, et plus tard, pendant la période de la XIIe dynastie de l'Empire du Milieu (2000-1785), les prêtres, à en juger par les images survivantes, ont agi en tant que professeurs qui ont appris à chanter avec l'accompagnement de la cithare, des applaudissements et de l'estampage . On suppose que Memphis a été pendant longtemps le centre des écoles dans lesquelles la musique culte et profane était étudiée. Dans la Chine ancienne aux XIe-IIIe siècles. AVANT JC. e. sous l'ère Zhou. environ., to-roe envoyé spécial. département du palais sous la tutelle de l'empereur, a joué un rôle de premier plan dans la vie de la société et comprenait ch. arr. que les garçons apprenaient à chanter, à jouer des instruments et à danser. La Grèce a été l'un des premiers pays où l'on a attaché une si grande importance au socio-politique. côté de la musique, son « ethos » et où les muses. la formation poursuit ouvertement le politico-éthique. éduquer. objectifs. Il est généralement admis que les origines du grec M. sur. ont été fondés sur l'île de Crète, où les garçons des classes libres ont appris à chanter, instr. la musique et la gymnastique, considérées comme une sorte d'unité. À 7 po. AVANT JC. e. une autre île grecque, Lesbos, était un « conservatoire continu ». Ici, dirigée par Terpander, qui a perfectionné le kithara, une école de kitfareds a été formée et les fondations de l'art du prof. kyfaristiques, c'est-à-dire la capacité de prononcer récitativement le texte, de chanter et d'accompagner. L'art des aeds (chanteurs-narrateurs), qui faisaient partie de l'atelier des artisans de la Grèce antique et étaient les gardiens de certaines traditions orales, s'est transmis de génération en génération. M. sur. L'aeda consistait dans le fait que le professeur (souvent le père) enseignait au garçon à jouer de la cithare, la récitation mélodique mesurée et les règles de la poésie. versification et lui transmet un certain nombre de chansons composées par le maître lui-même ou qui lui sont parvenues par tradition. A Sparte, avec son mode de vie et son état paramilitaire. surveiller le progrès de l'éducation, chorale. le chant était considéré comme un aspect nécessaire de l'éducation des jeunes hommes, qui devaient périodiquement se produire dans des sociétés et des festivités. A Athènes, dans le processus de la soi-disant. l'éducation musicale, les garçons ont étudié entre autres. les matières et la musique, et l'enseignement était étroitement lié à l'assimilation des meilleurs exemples de grec. littérature et didactique. poésie. Habituellement, jusqu'à l'âge de 14 ans, les garçons jouaient de la cithare dans des écoles privées payantes et maîtrisaient l'art de la citharistique. Un monocorde a été utilisé pour affiner les intervalles et les hauteurs. grande influence sur la musique. la formation en Grèce a été rendue par la musique et l'esthétique. et les vues pédagogiques de Platon et d'Aristote. Platon croyait que « l'éducation musicale » est accessible à tous les jeunes et qu'il ne devrait pas et ne peut pas y avoir de question de musicalité ou de non-musicalité de l'élève. Informations sur M sur. dans Dr. Rome est très rare. T. parce que Rome est devenue politique. centre au IIe siècle. AVANT JC. e., à l'apogée de l'hellénistique. civilisation, puis la musique romaine. culture et, apparemment, le Roman M. sur. développé sous l'influence bien connue de l'hellénisme. La musique, cependant, a souvent été considérée comme scientifique. discipline, en dehors de ses liens directs avec la vie, et cela ne pouvait qu'affecter l'apprentissage. Joyeux anniversaire côtés, m. sur.

Le côté éthique de l'éducation musicale, qui était à l'avant-garde des Grecs de l'Antiquité, a reçu beaucoup moins d'attention pendant l'Empire romain.

Dans les années de la musique médiévale ancienne et classique. la culture a été créée par des personnalités qui se situaient à différents niveaux de la hiérarchie sociale : musiciens-théoriciens et musiciens-praticiens (chantres et instrumentistes, principalement organistes) associés à la musique d'église et de culte, trouveurs, troubadours et minnesingers, adv. musiciens, bardes-narrateurs, montagnes. instrumentistes à vent, vagabonds et goliards, spielmans et ménestrels, etc. Ces formations diverses, souvent antagonistes, de musiciens professionnels (ainsi que de nobles musiciens amateurs, selon leurs muses. préparation, parfois pas inférieur aux professionnels) maîtrisé les connaissances et les compétences de différentes manières: certains - en chant. écoles (chap. arr. dans les monastères et les cathédrales), et à partir du XIIIe siècle. et dans des bottes hautes en fourrure, d'autres – dans des conditions de muses. boutique formation et dans la pratique directement. transmission des traditions du maître aux élèves. Dans les monastères, qui au début du Moyen Âge étaient des foyers d'enseignement gréco-romain, ils étudiaient, en même temps que le grec. et lat. langues et arithmétique, musique. Choristes monastiques, et un peu plus tard, cathédrales. les écoles étaient les foyers prof. M. o., et la plupart des muses éminentes sont sorties des murs de ces écoles. chiffres de cette époque. L'un des chanteurs les plus importants. écoles était la « Schola Cantorum » à la cour pontificale de Rome (fondation env. 600, réorganisé en 1484), qui a servi de modèle pour la comptabilité. établissements similaires. tapez dans les villes de Zap. Europe (beaucoup d'entre eux ont atteint un haut niveau, notamment les écoles de Soissons et de Metz). Méthodes d'enseignement du chœur. le chant reposait sur l'assimilation des chants à l'oreille. L'enseignant utilisait les méthodes de la chironomie: le mouvement de la voix de haut en bas était indiqué par des mouvements conditionnels de la main et des doigts. Pour maîtriser l'information théorique existait spécial. Trois. manuels écrits à la main, généralement sous la forme de dialogues entre un enseignant et un élève (par exemple, livre. « Dialogue de musica » – « Dialogues sur la musique », attribué à O. von Saint Maur); ils étaient souvent appris par cœur. Pour plus de clarté, des figures et des tableaux ont été utilisés. Comme dans l'Antiquité, le monocorde servait à expliquer les intervalles entre les sons. Méthodes musicales. l'éducation a subi quelques changements après la réforme de Guido d'Arezzo (XIe siècle), qui a formé la base de la modernité. écriture musicale; il a introduit une portée à quatre lignes, la désignation des lettres des touches, ainsi que des noms syllabiques. étapes de la frette à six étapes. A partir du 10e s. focus sur les écoles monastiques ch. arr. dans la pratique du chant rituel et se désintéressent de la musique et de la science. l'éducation. Bien qu'ils continuent d'occuper une position de leader dans l'église de la musique pendant de nombreuses années à venir. Lumières, progressivement initiative dans le domaine du développement des muses. cultures, en particulier o., va aux écoles cathédrales. Ici, une tendance toujours croissante (surtout au XIIe siècle) se dessine à combiner musicalité et théorie. l'éducation avec la pratique, l'interprétation et la composition. L'une des principales institutions pédagogiques de ce type était l'école de la cathédrale Notre-Dame (Paris), qui a servi de prototype aux futurs metris. Chez un cheval. 12 po à Paris, une "corporation universitaire" de maîtres et d'étudiants est née, qui a jeté les bases de l'Université de Paris (main. 1215). Dans ce document, à la faculté d'art, avec le développement de la musique d'église. la vie quotidienne est étudiée dans le cadre des « sept arts libres » et de la musique. Conformément aux vues communes dans ces années en Europe, la plus grande attention a été accordée à la science et à la théorie. côté, considéré dans l'esprit du rationalisme théologique abstrait. Parallèlement, les membres de la corporation universitaire, parfois non seulement musiciens théoriciens, mais aussi praticiens (interprètes et compositeurs), sont en contact étroit avec la musique de tous les jours. Cela a également affecté la musique. apprentissage. Aux 12-14 siècles. hautes bottes de fourrure, dans lesquelles la musique a été étudiée. science, est née dans d'autres villes d'Europe occidentale: à Cambridge (1129), Oxford (1163), Prague (1348), Cracovie (1364), Vienne (1365), Heidelberg (1386). Dans certains d'entre eux, musico-théorique. des tests étaient exigés pour les diplômes de licence et de maîtrise. Le plus grand enseignant-musicien universitaire de cette époque était I. Muris, dont la connaissance des œuvres pendant de nombreuses années a été considérée comme obligatoire en Europe. un-tah Pour le Moyen Âge. M. sur. était aussi caractéristique : une musique sérieuse, en aucun cas amateur. formation, qui a souvent reçu la jeunesse chevaleresque, dans les écoles des monastères et catholique. temples, dans les cours, ainsi que dans le processus de connaissance lors de voyages et de campagnes avec des muses étrangères. des cultures; formation pratique des instrumentistes (ch. arr. trompettistes, trombonistes et altistes) dans des conditions qui s'étaient développées au XIIIe siècle. les corporations artisanales de musiciens, où la nature et la durée du travail avec les futurs interprètes étaient déterminées par des règles d'atelier spéciales élaborées au fil des décennies; formation de musiciens professionnels instrumentistes et organistes de cathédrale (les méthodes de ces derniers se généralisent au XVe siècle.

A la Renaissance, les principales muses. des personnalités s'opposent à la scolastique en solfège et en musique. apprentissage, voir le sens des cours de musique dans la pratique. faire de la musique (en composant de la musique et en jouant), tentent d'harmoniser la théorie et la pratique dans l'assimilation des muses. connaissances et l'acquisition de compétences qu'ils recherchent dans la musique elle-même et dans la musique. apprendre la capacité de combiner l'esthétique. et début éthique (principe emprunté à l'esthétique antique). À propos de cette ligne générale de muses. La pédagogie se traduit également par l'orientation pratique d'un certain nombre d'uch. livres publiés en con. 15 – mendier. XVIe siècles (en plus du traité Pauman mentionné), – les œuvres des Français. scientifique N. Vollik (conjointement avec son professeur M. Schanpecher), allemand - I. Kohleus, qui a résisté à plusieurs éditions, suisse - G. Glarean, etc.

Le développement de M. sur. Le système de notation musicale relativement précis et en même temps flexible, qui s'est formé à la Renaissance, et le début de la notation musicale y ont contribué. Musique réformée. écriture et publication imprimée de musique. les disques et les livres avec des exemples musicaux ont créé les conditions préalables qui ont grandement facilité les muses. l'enseignement et la transmission de la musique. expérience de génération en génération. Efforts musicaux. la pédagogie visait la formation d'un nouveau type de musicien, acquérant progressivement une position de leader dans la musique. culture, – un musicien pratique instruit, qui s'est amélioré dans la chorale dès l'enfance. chanter, jouer de l'orgue, etc. instruments à glace (en constante augmentation, surtout depuis le XVIe siècle, la valeur de l'instr. la musique a affecté l'apprentissage), en musique. théorie et art-ve pour composer de la musique et to-ry plus tard continué à s'engager dans une variété de prof. activité de glace. Spécialisation étroite dans le moderne. la compréhension, en règle générale, ne l'était pas: un musicien devait nécessairement pouvoir passer d'un type d'activité à un autre, et le métier de composer de la musique et de l'improvisation dans les années où la composition n'était pas indépendante. profession, tout le monde recevant M. sur. La formation d'un nouveau type de musicien au profil large a conduit à l'émergence d'écoles de musique. compétence, en même temps ces écoles elles-mêmes dirigées par des moyens. des personnalités de la glace ont contribué à la formation de musiciens professionnels. Ces écoles individuelles, hébergées à différentes périodes historiques et dans différents pays, sont différentes. formes d'organisation, généralement créées dans les grands centres, où il y avait des conditions de formation et de pratique. activités des jeunes musiciens. Dans certaines écoles, l'accent était mis sur l'encyclopédie. l'éducation des théoriciens de la musique et la pratique de l'écriture, dans d'autres (surtout au XVIIIe siècle) - sur les arts de la scène (chez les chanteurs, par exemple, et dans la formation de compétences virtuoses). Parmi les musiciens éminents qui ont fondé ces écoles figurent un certain nombre de noms de G. Dufaï, X. Isaka, Orlando Lasso, A. Willard et J. Tsarlino (XVe-XVIe siècles) à J. B. Martini, F. E. Baha, N. Porpora et J. Tartini (XVIIIe siècle). Les écoles de musique. professionnalisme se sont créés en lien étroit avec l'un ou l'autre nat. culture de la glace, cependant, l'impact de ces nationales. écoles de pédagogie musicale dr. pays était très importante. Assez souvent l'activité, par exemple, niderl. les professeurs passaient en Allemagne, l'allemand – en France, et le français., Niderl. ou ça. de jeunes musiciens ont complété M. sur. en Italie ou en Suisse, etc. sur. les réalisations des écoles individuelles sont devenues paneuropéennes. Chambre des communes. Organisation musicale. l'apprentissage se faisait sous diverses formes. L'un des plus importants (principalement en France et aux Pays-Bas) est metriza. Dans cette école de chanteur sous les temples catholiques systématiquement. enseigner la musique aux garçons (chant, jouer de l'orgue, théorie) et en même temps. les matières d'enseignement général ont été administrées dès le plus jeune âge. Désigne le nombre des plus grands maîtres polyphoniques des XVe-XVIIe siècles. a reçu M sur. in metriza, qui existait jusqu'aux Grands Français. révolution (seulement en France était alors env. 400 mètres). Des écoles de type similaire existaient également dans d'autres pays (par exemple, l'école de la cathédrale de Séville). En Italie, des orphelinats (conservatorio), où étaient emmenés des garçons (Naples) et des filles (Venise) doués pour la musique, au XVIe siècle. il y avait de la glace spéciale trois. établissements (voir Conservatoire). En plus des orphelinats « à tendance musicale » en Italie, d'autres ont été créés. écoles de musique. Maîtres exceptionnels enseignés dans certains conservatoires et écoles (A. Scarlatti, A. Vivaldi et autres). À 18 po. La renommée paneuropéenne a été appréciée par l'Académie philharmonique de Bologne (voir. Bologna Philharmonic Academy), un membre et véritable chef de l'essaim était J. B. Martini. Musique. l'entraînement s'est poursuivi dans des bottes hautes en fourrure; Cependant, dans différents pays, cela a été réalisé de différentes manières. Une tendance générale est caractéristique : l'enseignement de la musique aux XVe-XVIe siècles. progressivement libéré de la scolastique, et la musique commence à être étudiée non seulement comme une science, mais aussi comme un art. Ainsi, le professeur d'université G. Dans ses conférences et ses écrits, Glare-an considérait la musique à la fois comme une science et comme un art. pratique Au 17ème siècle, lorsque l'étude de la musique. théories dans la majeure partie de l'Europe. les bottes hautes en fourrure ont tendance à décliner (intérêt pour la musique et les sciences. les disciplines n'ont commencé à renaître qu'au milieu. 18ème siècle), en Angleterre les traditions de l'ancienne théorie musicale. l'apprentissage a été préservé. Cependant, le rôle de jouer de la musique dans les cercles humanistes et avec l'anglais. La cour était très importante, de sorte que les universités d'Oxford et de Cambridge ont cherché à former des professionnels et des amateurs qui non seulement connaissaient la théorie musicale, mais avaient également des compétences pratiques. compétences (en plus du chant, les élèves ont appris à jouer du luth, de la viole et du virginal). Dans certaines villes d'Allemagne, la musique. formation de l'université « artistique. f-tov » s'est déplacé vers des internats privés organisés au sein des facultés. Donc, à Cologne au début. 16 po il y avait quatre de ces sociétés, indépendantes les unes des autres, mais relevant d'un seul chef. Musique. la formation était également organisée dans des chapelles (dans des tribunaux séculiers ou spirituels), où les adv. Kapellmeister – souvent un musicien faisant autorité – enseignait la musique aux jeunes instrumentistes, futurs acteurs de la cour. ensembles, ainsi que des enfants de familles nobles. Obtention générale, et parfois spéciale. M. sur. également contribué à certaines organisations qui ne poursuivaient pas uch. objectifs, par ex. Communautés allemandes d'amateurs de maîtres de chant (meistersingers), dont les membres obéissent à des traditions strictement réglementées. règles et remise pour un nombre d'années spécial. essais, a progressivement gravi « l'échelle des titres » de « chanteur » à « parolier » et, enfin, à « maître ». Un genre de musique un peu différent. « fraternité » (chanter. et instr.) étaient également disponibles dans d'autres. Europe. des pays. Général M o., to-roe à partir du XVIe siècle environ. plus clairement séparé de la spéciale, a été réalisée dans différents types d'écoles secondaires Ch. arr. chantres en charge de l'église de l'école. la musique. À 17 po. dans les pays protestants (M. Luther et d'autres représentants de la Réforme attachaient une grande éthique. signifiant au large M. o.) les chantres, en plus d'enseigner les matières scolaires, enseignaient également le chant et dirigeaient la chorale de l'école, qui remplissait un certain nombre de fonctions dans l'église. et montagnes. la vie. Dans certaines écoles, les chantres ont également dirigé l'instr. cours, permettant de faire jouer de la musique aux enfants et adolescents qui, pour une raison ou une autre, ne savent pas chanter. Cependant, en règle générale, le chemin vers l'instrument passait ensuite par le chant. En relation avec la plus grande attention portée aux sciences naturelles et aux mathématiques, ainsi que l'influence du rationalisme, etc. facteurs au XVIIIe siècle. le sens et le volume de la musique. cours en lat. les écoles ont diminué (à quelques exceptions près, comme à la Thomasschule de Leipzig). Si les chantres des années précédentes recevaient une formation universitaire, possédaient de vastes connaissances dans le domaine des sciences humaines et portaient souvent le titre de bachelier ou de maître, alors dans le 2e jol. 18 po ils se sont transformés en professeurs de musique à l'école, dont la formation se limitait au séminaire des professeurs. Sur la musique. l'éducation a été sérieusement influencée par des penseurs exceptionnels - le tchèque J. A. Comenius (XVIIe siècle) et le Français J. G. Rousseau (XVIIIe siècle). Euh. les manuels, publiés aux XVIe-XVIIIe siècles, reflétaient l'état des muses. la pédagogie, a contribué au développement du général et du spécial. M. sur. et contribué à faire connaître aux musiciens d'un pays les réalisations musicales et pédagogiques d'un autre. Traités des XVIe et XVIIe siècles (Thomas de Santa Maria, 16 ; J. Diruta, 1 heure, 1593, avec un certain nombre de réimpressions ultérieures, 2 heures, 1609 ; Spiridion, 1670) ont été consacrés. ch. arr. jouer des instruments à clavier et la théorie de la composition musicale. Signifie le nombre des plus intéressants et a résisté à l'épreuve du temps uch. publications, comme si elles résumaient et consolidaient les réalisations d'instr., wok. et musico-théorique. l'éducation, a été publié au XVIIIe siècle : le livre de I. Mattheson « The Perfect Kapellmeister » (« Der vollkommene Capelmeister… », 1739), couvrant de manière exhaustive la musique. pratique de son temps, uch. manuels sur la basse générale et la théorie de la composition par F. À. Marpurga – « Traité sur la fugue » (« Abhandlung von der Fuge », TI 1-2, 1753-1754) ; « Guide de la basse générale et de la composition » (« Handbuch bey dem Generalbasse und Composition », Tl 1-3, 1755-58), œuvres de I. Й. Fuchs « Step to Parnassus » (« Gradus ad Parnassum… », 1725, in lat. lang., puis publié en allemand, italien, français. et anglais. lang.) et J. B. Martini « Exemple ou expérience pratique fondamentale du contrepoint » (« Esemplare o sia saggio fondamental pratico di contrappunto… », pt. 1-2, 1774-75); traités et écoles, dans lesquels DOS. l'accent est mis sur l'apprentissage de la musique. instruments, m. Saint-Lambert « Exécution au clavecin » (« Principes de Clavecin », 1702), P. Couperin "L'art de jouer du clavecin" ("L'art de toucher le Clavecin", 1717), P. E. Bach "Une expérience dans la manière correcte de jouer du clavier" ("Versuch über die wahre Art, das Ciavier zu spielen", Tl 1-2, 1753-62), I. ET. Quantz "Expérience dans la gestion du jeu de la flûte traversière" ("Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen", 1752, avec des réimpressions ultérieures. en allemand, français et plus yaz.), L. « L'expérience d'une solide école de violon » de Mozart (« Versuch einer gründlichen Violinschule », 1756, avec des réimpressions ultérieures) ; travail au wok. pédagogie p. F. Tosi "Discours sur les chanteurs anciens et nouveaux" ("Opinioni de'cantori antichi e moderni", 1723, traduit avec des ajouts à ce sujet. ouais. ET. F. Agricola, 1757, ainsi que sur d'autres. Europe. écrire.). À 18 po. une grande littérature musicale a été créée, dans laquelle les auteurs ont délibérément défini des tâches éducatives et pédagogiques - des écoles originales pour le violon, le violoncelle, l'alto, la harpe, la flûte, le basson, le hautbois, le clavier et le chant M. Correta (1730-82) à des chefs-d'œuvre tels que "Essercizi" (connues sous le nom de sonates) de D. Scarlatti, inventions et symphonies I.

Grand français. La révolution marque un tournant dans l'histoire de la culture musicale et, en particulier, chez M. sur. La création du Conservatoire de Paris est directement liée à cet événement. Env. 18 po M. sur. se forme sous l'influence de facteurs nouveaux et subit des êtres. changements, bien que certaines anciennes traditions pédagogiques et méthodes d'enseignement restent inchangées depuis des décennies. Démocratisation du théâtre musical. et conc. la vie, l'émergence de nouveaux théâtres lyriques, la création d'un nouvel orchestre. collectifs, instr. la musique et la virtuosité, le large développement de la musique à domicile et de toutes sortes de chanteurs. sociétés, un peu plus d'inquiétude dans le département. pays sur l'enseignement de la musique au lycée - tout cela nécessitait plus de muses. chiffres (interprètes et enseignants), ainsi que de se concentrer sur l'amélioration d'une spécialité étroite particulière. Fondamentalement, le plus significatif dans cette spécialisation était que la formation aux arts de la scène en tant qu'interprète et virtuose, ainsi qu'en tant qu'amateur, était séparée de la formation de composition et d'improvisation, et de la formation de musicien théoricien, quoique dans une moindre mesure. mesure, était séparée de la formation de compositeur. La spécialisation dans un domaine d'un genre ou d'un autre sera performante. art-va, ainsi que les exigences de virtuosité de l'interprète, to-rye ont présenté des muses. littérature, a conduit à la création d'un nouveau type de récit. indemnités – esquisses prévues Chap. arr. pour le développement de l'instr. technique (esquisses de M. Clément, I. Cramer, K. Cherny et autres. pour fp.; R Kreuzer, J. Mazasa, Sh. Bério et autres. pour violon, etc.). L'éducation musicale a également été affectée par l'augmentation constante et qualitativement modifiée par rapport au 18ème siècle. le rôle des diverses institutions éducatives – privées, municipales et étatiques. A la suite de celui de Paris, les uns après les autres, les conservatoires ou autres s'ouvrent. institutions (académies, écoles supérieures de musique, collèges) en pl. pays d'Europe. Ces euh. les institutions étaient très différentes non seulement en termes de qualifications pédagogiques. composition, mais aussi selon les tâches qui leur étaient confiées. Beaucoup d'entre eux ont enseigné aux professionnels et aux amateurs, aux enfants, aux adolescents et aux adultes, aux étudiants de différents niveaux de développement et de formation. L'objectif de la plupart des conservatoires était de jouer. des professeurs d'art-in, dans certains ryh, ont également été formés pour les écoles et les muses. éducation familiale. À 19 po. ourlet. les conservatoires, à l'exception du Parisien, n'ont joué aucun rôle significatif. rôle dans la formation des compositeurs. Les méthodes d'enseignement des musiciens au conservatoire étaient différentes. Ainsi, en France, contrairement à d'autres pays, dès le début 19 po. la base de la formation de musiciens de diverses spécialités (à tous les stades de la formation) était le cours de solfège et de dictée musicale. Une place importante dans ce pays était occupée par un système de concours. En 2ème mi-temps. 19 po dans la presse depuis de nombreuses années Pendant des années, il y a eu des disputes entre les partisans de l'enseignement conservatoire et leurs opposants, qui préféraient l'enseignement des musiciens en dehors de l'académie. établissements. Les critiques du système éducatif conservateur (parmi eux R. Wagner) croyait que la formation approfondie des musiciens professionnels entrave la formation de l'art. individualité des plus doués d'entre eux. Les défenseurs des conservatoires (au début des années 20. leurs arguments ont été résumés par G. Krechmar), d'accord avec un certain nombre de remarques privées de ses adversaires (qui ont écrit sur l'étude formelle-scolastique de la théorie musicale. disciplines et leur séparation de la pratique, l'étroitesse et l'unilatéralité du répertoire étudié, la perte dans d'autres cas par des personnes douées de force et de temps au cours d'une formation conjointe avec des étudiants médiocres), ont en même temps souligné l'importance décisive avantages de former des musiciens dans le domaine de l'enseignement. institutions: 1) la possibilité de combiner des cours dans la spécialité avec l'étude de complément. disciplines de glace (solfège, harmonie, analyse des formes, histoire de la musique, obligatoire pour tous les FP. etc.) et pratique. jouer de la musique dans un orchestre, un ensemble, une chorale et parfois un opéra ; 2) le rôle stimulant des exemples individuels frappants et de la compétition dans le processus d'étude en équipe; 3) une plus grande disponibilité de M. sur. pour un éventail relativement large de personnes. Comme précédemment, dans le développement de M. sur. Un rôle exceptionnellement important a été joué par les écoles d'excellence dirigées par de grands professeurs ou des musiciens créateurs (que ces écoles aient été créées dans les établissements ou à l'extérieur). Les pianistes peuvent être distingués (par exemple, M. Clémenti, K. Cherny, F. Chopin, F. Liste, A. F. Marmontel, L. Diemera, T. Leshetitsky, L. Godovsky et autres), violon (par exemple, A. Viotana, Y. Joachim, R. Kreutzer), chefs d'orchestre (R. Wagner, G. Malera) et d'autres. écoles. À 19 po. Les universités ont développé deux systèmes quelque peu différents de M. o., en termes de base conservés au 20e siècle. Dans certains pays (Allemagne, Autriche, Suisse, etc.), les bottes hautes en fourrure sont devenues des centres uniquement pour la théorie musicale. éducation; la pratique de la musique (choeurs d'étudiants), orchestres, ensembles) était ici de nature amateur, atteignant cependant parfois un niveau relativement élevé. Résumant la discussion sur M. sur. en hautes bottes de fourrure, G. Krechmar en 1903 a écrit que d'étudier à l'ONU-ceux pratiques. discipline serait aussi illogique que d'enseigner la grammaire élémentaire et le dessin à l'université, et que les candidats à l'université devraient être des musiciens pratiquement bien formés et ne réussir ici que la musicologie fondamentale. et esthéticienne générale. disciplines. Dans d'autres pays (d'abord en Grande-Bretagne, puis aux États-Unis, etc.), où la formation des musicologues s'est également déroulée en hautes bottes de fourrure, les étudiants côtoient les musicologues. disciplines maîtrisaient la musique.

Dans les pays capitalistes et en développement modernes, le système de M. environ., général et spécial, est très différent. Dans la plupart des pays, seules quelques musiques spéciales uch. les institutions sont financées par l'État, tandis que la plupart d'entre elles sont gérées par des particuliers et des sociétés. organisations; moyens. nombre d'écoles de muses n'ont pas de profil clair, et elles dispensent souvent des cours avec des professionnels et des amateurs, avec des enfants et des adultes ; frais de scolarité en pl. euh. institutions est relativement élevé, et seuls les fonds de bourses privés permettent de recevoir M. o. étudiants doués issus de familles à faible revenu.

Au Royaume-Uni, cours de musique dans l'enseignement général. les écoles des deux premiers niveaux (école maternelle et primaire) sont concentrées Ch. arr. sur le chant. Parallèlement, le développement de l'audition repose le plus souvent sur la méthode « tonic-sol-fa » de J. Curwen. Les chœurs des écoles unies interprètent souvent un répertoire assez complexe - des œuvres de Palestrina à l'op. R. Vaughan Williams. Dans les années 1970 à l'initiative de la famille Dolmech, qui promeut la mouche à bloc et organise sa production en Grande-Bretagne, puis dans d'autres pays d'Europe de l'Ouest. des pays; cet instrument accompagné de percussions mélodiques. les instruments (le quartier général de K. Orff) ont pris une place importante dans l'école de musique. apprentissage. Élèves de différents niveaux d'enseignement général. les écoles (y compris les écoles secondaires) peuvent, si elles le souhaitent, prendre des cours de piano auprès de professeurs particuliers. ou orc. outils. Les orchestres et ensembles scolaires sont composés de ces élèves. Dans un certain nombre de comtés, il existe des muses terrestres. écoles, dans de nombreuses villes de musique pour les jeunes privés. écoles (Junior Music-School). Les élèves de différents types d'écoles (ainsi que les enseignants privés) ont la possibilité de montrer leurs muses. compétences dans des organismes spécialisés (Certificat d'études générales, Conseil associé des Écoles royales de musique, etc.). Après cela, la question est décidée de poursuivre leurs études en musique. écoles de niveau supérieur (collèges musicaux, conservatoires, académies) ou en hautes bottes fourrées. Les écoles de musiciens les plus célèbres sont situées à Londres (King Academy of Music and Dramatic Arts, King College of Music, King College for Organists), à Manchester (King Manchester College of Music) et à Glasgow (King Scottish Academy of Music). Dans les grandes villes où il y a des bottes hautes en fourrure et des égéries. collèges, souvent un plan commun de leur travail est élaboré, visant non seulement à former des musicologues, mais aussi des musiciens en exercice, incl. enseignants. En Italie, l'enseignement général. les écoles prêtent peu d'attention à la musique. Ici, en plus du privé et de l'église. écoles de musique, il y a l'état. conservatoires et montagnes. lycées de musique (les programmes d'enseignement de ces derniers diffèrent peu de ceux des conservatoires). Pour être admis aux épreuves finales, les élèves des conservatoires tout au long du compte. doit réussir les examens des niveaux inférieur et supérieur. Pour les compositeurs, organistes, pianistes, violonistes et violoncellistes etc. le cursus dure 10 ans. Au Conservatoire "Santa Cecilia" (Rome), pour les compositeurs et instrumentistes diplômés de l'un des conservatoires, des cours ont été créés pour donner une musique supérieure. qualification. A Sienne, à l'Académie de Chidzhana (dirigée par une organisation publique internationale) se tiennent, comme dans beaucoup d'autres. plus haut uch. institutions d'autres pays européens, séminaires d'été pour améliorer les compétences des musiciens (les cours sont animés par des professeurs de différents pays).

En France, depuis 1946, la musique occupe une place croissante dans les programmes scolaires. programmes d'enseignement général. écoles. La formation se déroule selon un état unique. programme, dans lequel une grande attention est accordée au développement de l'audition et à la production de la voix. Dans la musique publique et privée. écoles, et aussi dans les conservatoires M. environ. reçu par les amateurs et les professionnels ; moyens. certains des élèves sont des enfants. Outre le Conservatoire de Paris, il existe également des établissements d'enseignement supérieur privés faisant autorité dans la capitale. établissements. Les plus importantes d'entre elles sont : « Ecole de Músique de classic religios » (fondée en 1853 par L. Niedermeyer), « Schola Cantorum » (fondée en 1894 par A. Gilman et V. d'Andy), « Ecole Normale de Músique » (fondée par L. Niedermeyer). en 1919 A. Cortot et A. Manzho). C'est caractéristique qu'en France, où dans l'organisation de la formation en particulier. musique Dans les écoles, le système de compétition joue un rôle important ; les professeurs de musique des lycées sont également sélectionnés pour le concours qui consiste à contrôler la musique. et les connaissances et compétences pédagogiques du candidat. La formation des professeurs de musique du plus haut niveau (pour les lycées de l'enseignement général) se déroule à Paris au Lycée. J. La Fontaine, où cours spéciaux en 3 ans.

En Allemagne, il n'y a pas de gestion centralisée des questions culturelles et, par conséquent, la formulation de l'éducation dans les États fédéraux est quelque peu particulière. Dans l'enseignement général, l'enseignement musical est obligatoire dans les écoles. Chorale, ainsi que des enfants et des lits superposés. les écoles de musique se fixent comme objectif de donner un M. o. général. Dans certaines de ces écoles, apprendre à jouer de la musique. instruments selon un programme spécial commence à l'âge de 4 ans. Pour les enfants surdoués au dép. les écoles d'enseignement général sont ouvertes à la musique. classes, et dans certaines villes établies spéciales. écoles de musique. Gor. et les écoles de musique privées sont réunies dans les sociétés FRG. organisation – l'Union des Allemands. les écoles de musique, to-ry depuis 1969 ont commencé à développer des programmes de formation pour toutes les muses. spécialités. Les tâches du prof. l'éducation est décidée par les conservatoires (en règle générale, les établissements d'enseignement musical secondaire), les écoles supérieures de musique. procès, musique. académies et un-you (les principaux musicologues de l'arrondissement étudient ici).

L. Barenboïm

Aux États-Unis d'origine M. environ. associé à l'émergence de nombreuses écoles de chanter au XVIIIe siècle qui se préparaient pour le chœur. chanter dans les églises et dans la religion. réunions ; les enseignants n'étaient généralement pas des musiciens professionnels, mais des prêtres qui utilisaient l'expérience de l'anglais. chant d'église. En 18, les premiers manuels pour de telles écoles sont apparus; leurs auteurs étaient le prêtre J. Tufts et T. Walter. avec des activités religieuses. la communauté des Frères moraves (la colonie de Bethléem, près de Philadelphie, 1721) est associée à la première expérience de M. o.

Au début 19 po. la pratique des cours particuliers commence à se développer. Dans les années 1830 am. éclaireur L. Mason a insisté sur l'introduction de l'obligation. cours de musique dans le programme scolaire. L'absence de muses supérieures. Trois. institutions et l'incapacité de s'améliorer à la maison en ont forcé beaucoup. amer. musiciens pour étudier en Europe (ch. arr. en France et en Allemagne). Plus tard à Oberlin (Ohio) a été fondée mus. collège (1835), au même endroit – le conservatoire (1865), en 1857 – Mus. Académie de Philadelphie, en 1862 – musique. pieds du Harvard College, en 1867 – Nouvelle-Angleterre. conservatoire à Boston, Mus. college de Chicago et le Conservatoire de Cincinnati, en 1868 – le Peabody Institute de Baltimore, en 1885 – Nat. conservatoire de New York, en 1886 – Amer. conservatoire de Chicago, en 1896 – musique. Faculté de l'Université de Columbia. Beaucoup de ces institutions muses ont été créées aux dépens des mécènes. En 1876, l'Association nationale des professeurs de musique (MTNA). Au décor de M. sur. une forte influence a été exercée par l'Européen traditionnel. système éducatif (le Conservatoire de Paris est devenu le prototype de nombreux conservatoires américains, ac. les manuels étaient principalement utilisés en allemand). Les immigrants des pays européens en con. 19 – mendier. 20 cc a donné une impulsion au développement d'Amer. effectuer. écoles, c'est-à-dire parce que beaucoup des musiciens virtuoses qui sont arrivés ont pris l'enseignement. travail (I. Vengerova, I. Lévin, E. Zimbalist et autres); de nouveaux comptes ont été créés. institutions. L'activité des Muses Juilliard était particulièrement importante. écoles de New York en 1926), l'Eastman School of Music de Rochester (1921), le Curtis Institute de Philadelphie (1924), le San Francisco Conservatory. Les muses ont commencé à gagner de plus en plus d'importance. f-vous aux bottes hautes en fourrure. Dans les années 1930, en relation avec la propagation du fascisme dans un certain nombre de pays européens, beaucoup ont émigré aux États-Unis. musiciens exceptionnels qui ont lié leurs activités avec l'Amer. un-tami (P. Hindemith - avec l'Université de Yale, A. Schoenberg – avec la Californie à Los Angeles, P. G. Lang – avec Columbia, etc.). Si auparavant les bottes à haute fourrure aux États-Unis se limitaient à la formation des enseignants (les interprètes et les compositeurs recevaient généralement une formation au conservatoire), au fil du temps, ils ont commencé à former du personnel créatif, ainsi que des musicologues pour mener des recherches musicales. De nouvelles tendances se sont développées dans les universités du Sud. Californie et Indiana, et dans les années 1950 et 60. sont devenus un phénomène typique pour la plupart des universités américaines. Dans les années 50 a commencé à ressentir une grave pénurie d'enseignants. cadres. À la suggestion de comp. N. La Fondation Dello Gioio Ford a créé le Projet du moderne. musique, selon Krom, les jeunes compositeurs devaient mener le processus de M. sur. dans les écoles, ce qui rendrait l'apprentissage plus créatif. nature. Dans les années 60-70. le principe d'expérimentation dans la mise en scène musicale. Trois. processus est devenu différent. trait de l'Amer. M. sur. Cela inclut l'utilisation de Z. Kodaya, K. Orfa, T. Suzuki, ainsi que des expériences avec des ordinateurs et des synthétiseurs sonores, la création d'un enseignement supérieur de jazz. établissements (Boston, etc.). Dans 70-s. musique préscolaire et primaire. l'éducation aux États-Unis est basée sur l'utilisation du principe de l'apprentissage-jeu, qui comprend le chant, la rythmique. exercices, familiarité avec la notation musicale, écoute de la musique. Au lycée (collège), les cours de musique comprennent généralement des instruments de jeu; chœur commun. ensembles, groupes de vent et de jazz, symphonie. orchestres. Mn. Les universités attirent des artistes hautement professionnels pour travailler. ensembles, ainsi que les compositeurs sous contrat d'un an ou plus. Trois.

Au Canada, M. o. a beaucoup en commun avec M. o. aux Etats-Unis. Parmi la musique spéciale uch. les plus grandes institutions sont l'Académie de musique de Québec (fondée en 1868), le Conservatoire canadien de Toronto (1870), le conservatoire de Montréal (1876), Toronto (1886) et Halifax (1887). Les meilleurs éducateurs se concentrent sur la musique. bottes à haute fourrure de Toronto, Montréal, etc. Beaucoup de bottes à haute fourrure ont un chœur. et ensembles de chambre, et certains – symphoniques. orchestres.

En Australie, des écoles de musique du type le plus simple ont été créées au 1er semestre. XIXe siècle Plus tard, il y eut des muses. collège d'Adélaïde (fondation en 19 ; transformé en conservatoire), musique. une école à Melbourne (plus tard le N. Melba Conservatory), un conservatoire à Sydney (fondé en 1883), dans le New South. Wells et autres. Au début. Musique du 1914e siècle créée. f-vous dans de hautes bottes de fourrure de Melbourne, Sydney, Adélaïde. De con. 20 dans les programmes de compte ont commencé à être introduits modernes. la musique, de nouveaux principes et méthodes d'enseignement ont commencé à être appliqués. Le rôle principal dans ce mouvement appartient aux Muses de Canberra. école, principale en 1960, selon le type d'Amer. Ecole Juilliard. Les étudiants d'été ont commencé à fonctionner. camps (depuis le milieu des années 1965; Melbourne, Adélaïde), dans lesquels des cours de musique ont eu lieu, des concerts ont eu lieu et des rencontres avec des musiciens de premier plan ont eu lieu. L'activité des Muses australiennes est d'une grande importance. commission d'examen procédant annuellement à des épreuves théoriques. sujets et instruments de jeu afin d'améliorer l'ensemble des muses. niveau. En 1960, l'Association des régions de Moscou a été créée.

Dans les pays de Lat. Amérique M. o. s'est développée à peu près de la même manière : à partir de la pratique privée et des muses primitives. écoles à l'organisation de la musique. collèges, conservatoires et muses. f-tov aux hautes bottes de fourrure, et au début européen a été copié. système et seulement dans les années 1950. ont commencé à émerger des formes nationales. Musiciens des pays de Lat. Les Américains qui étudiaient auparavant en Europe et aux États-Unis choisissent de plus en plus d'étudier dans leur propre pays. Les pays leaders dans le domaine de la déclaration M. environ. — Argentine, Brésil, Mexique.

En Argentine, le premier musical uch. institution (Académie de musique) a été ouverte en 1822 à Buenos Aires, à l'initiative de comp. A. Williams, un conservatoire a été créé ici (1893, plus tard également nommé d'après A. Williams). Plus tard à Buenos Aires – musique. centre de Lat. Amérique, deux autres conservatoires ont été fondés - le National nommé d'après CL Buchardo (1924) et le Municipal nommé d'après M. de Falla. Toute la musique R. des années 60-70 est née. euh. institutions de Cordoue (groupe expérimental de l'École des beaux-arts, 1966), École supérieure de musique de Mendoza, musique. va te faire foutre au catholique. universités de Buenos Aires et les universités de La Plata, Musique Supérieure. in-t à l'Université du Litoral à Rosario et autres. Un événement important a été la création de Lat.-Amer. centre de la musique supérieure. recherches à Ying-ceux T. Di Tellya (1965). L'activité d'Argent est d'une grande importance. Société des professeurs de musique (fondée en 1964).

Au Brésil, le premier musical uch. institution – Roi. conservatoire de Rio de Janeiro (1841, depuis 1937 – École nationale de musique). Une grande contribution au développement de M. about. a présenté Komi. E. Vila Lobos, qui a fondé plusieurs muses. écoles, ainsi que le Conservatoire national des chorales. chant (1942, principalement à des fins pédagogiques), puis Vraz. académie de musique. OL Fernandis (1945, Rio de Janeiro). Pour la musique la plus importante uch. Les institutions brésiliennes possèdent également Braz. le conservatoire de Rio de Janeiro (fondé en 1940), le Conservatoire d'art dramatique et de musique de Sao Paulo (fondé en 1909). Dans les années 1960, il y avait de nouvelles formes expérimentales de M. environ.: Svobodny mus. séminaire à l'Université de Bahia, Cours d'été à Teresopolis (près de Rio de Janeiro), Mus. Séminaire Pro Arte (Rio de Janeiro); musique organisée. écoles à Recife, Porto Alegre, Belo Horizonte, etc.

Au Mexique, les centres de M. o. sont mexicains. nat. conservatoire et musique. l'école un-ta à Mexico, ainsi que la musique. branche de l'Institut national des beaux-arts (Mexico), Conservatoire de Guadalajara, etc.

Pratiquement dans tous les pays Lat. L'Amérique a les plus grandes muses. euh. institutions (conservatoires ou musique. F-vous bottes hautes en fourrure), to-rye diffèrent principalement dans le niveau de mise en compte. processus, plutôt que des programmes et des méthodes d'enseignement.

D'ACCORD. ser. La pénétration européenne du XIXe siècle a commencé. formes M. o. vers les pays asiatiques et africains. Le concept eurocentrique, selon lequel la majorité des non-européens. civilisations reconnues comme sous-développées voire primitives, presque totalement niées nat. valeurs culturelles. Les missionnaires et ensuite le Christ. les organisations religieuses ont habitué les Africains au catholique. ou église protestante. en chantant. L'administration coloniale a implanté des écoles européennes. système éducatif, y compris et musicale. Plus tard, de nombreux musiciens doués des pays asiatiques et africains ont commencé à étudier en Grande-Bretagne (Trinity College, où de nombreux compositeurs d'Afrique de l'Ouest ont reçu leur formation), en France, en Allemagne et aux États-Unis. Chez eux, ils cultivaient l'Europe de l'Ouest. musique et principes pédagogiques. À la musique. l'alphabétisation et le professionnalisme en tant que tels sont devenus proches de l'Europe occidentale. la musique éduque. qualification. Tendances positives dans M. environ. lié, d'une part, à l'illumination. activités du département des musiciens européens de premier plan en Asie et en Afrique (par exemple, A. Schweitzer), d'autre part, avec les tentatives de personnalités nationales. cultures pour trouver un compromis acceptable entre l'Orient. et appli. systèmes (expériences de R. Tagore à Shantiniketon).

Le renouveau culturel dans la plupart des pays d'Asie et d'Afrique a suscité un profond intérêt pour les traditions. formes de poursuites nationales. Beaucoup de problèmes difficiles se sont posés : pour noter nar. la musique ou la cultiver dans la tradition orale, préserver le folklore tel quel ou le développer, utiliser l'Europe de l'Ouest. l'expérience ou ne pas l'appliquer. Un réseau d'égéries se dessine déjà dans de nombreux pays. institutions, des programmes de formation sont en cours d'élaboration et il existe des spécialistes qualifiés.

Au Japon, le processus de construction des muses. in-tov moderne. type a commencé plus tôt que dans d'autres pays d'Asie et d'Afrique - au début. 19ème siècle En 1879, le gouvernement japonais pour l'organisation de M. environ. Amer. a été invité dans les écoles du pays. musicien-éducateur LW Mason (il y a travaillé pendant trois ans; la pratique musicale scolaire au Japon a longtemps conservé le nom de «chansons de Mason»). De Ser. Les programmes scolaires des années 1970 sont élaborés et supervisés par le ministère de l'Éducation. Grande valeur chez les enfants M. environ. avait la méthode de T. Suzuki, associée au développement des capacités auditives par le violon. Jeux. Parmi les institutions supérieures du Japon se distinguent : un-you art à Tokyo (anciennement Academic School of Music) et Osaka, Mus. Académie Tentsokugakuan (depuis 1967), musique. École universitaire de Kiusu, Chiba, Toyo College.

En Inde, les centres M. environ. est devenue l'Académie de musique, de danse et de théâtre ("Sangeet Natak Academy", 1953) à Delhi avec des succursales dans de nombreuses autres. états du pays, musique. Collège "Carnatic" à Madras, Université de Gandharva à Bombay, Académie de Musique à Thiruvananthapuram, musique. universités à Mysore, Varanasi (Bénarès), Delhi, Patna, Calcutta, Madras et d'autres villes. Les meilleurs maîtres de l'ind. sont impliqués dans l'enseignement. musique - ustads qui agissaient auparavant de manière isolée et n'avaient pas les conditions nécessaires pour une systématique. l'enseignement aux jeunes (le jeu du sitar et du vin, l'art du ragi, l'improvisation, etc.). Les programmes de formation couvrent toute la variété des ind. musique, et reflètent également son lien avec d'autres arts (danse, théâtre). Zap. Les systèmes de M. environ. L'Inde n'a pas connu beaucoup de développement.

Moyens. le système de M. environ a subi des transformations. écoles primaires, secondaires et supérieures en langue arabe. des pays. Au Caire, en Égypte, un conservatoire a été créé en 1959 avec des cours théoriques et performatifs. f-tami ; Depuis 1971, l'Académie des esclaves fonctionne. musique (anciennement École de musique orientale, puis, depuis 1929, Institut de musique arabe), où l'on étudie la musique traditionnelle. musique et jeu sur nat. outils. Le développement de M. environ. dans les écoles ont contribué à l'éducation de la pédagogie. personnel (Institut pour la formation des professeurs de musique à Zamalek, Le Caire). En Irak, le centre de la musique était l'Académie des beaux-arts avec un département de musique (fondé en 1940, Bagdad), en Algérie - l'Institut national de musique, composé de trois départements (recherche, pédagogique et folklorique), etc. de ces établissements d'enseignement, des musiciens soviétiques.

En Iran, il existe un Conservatoire national et un Conservatoire d'Europe. musique, principal en 1918 à Téhéran, le Conservatoire de Tabriz (1956), ainsi que les départements de musique des universités de Téhéran et Chiraz. Un studio de musique pour enfants et jeunes a été créé à la radio et à la télévision iraniennes.

En Turquie, un M. o. concentrée dans les conservatoires d'Istanbul et d'Ankara.

Des processus complexes se produisent chez M. o. pays africains. Les premiers conservatoires du continent (à Cape Town, Johannesburg, l'East African Conservatory à Nairobi) fonctionnent depuis des décennies, mais ils étaient principalement destinés à des non-Africains. Après l'accession à l'indépendance dans la plupart des pays de l'Afrique M. le lac est activement pénétré. Il a reçu un développement particulier au Ghana, où la Faculté de musique et de théâtre a été créée à l'Université de Ligon, l'Institut pour l'étude de l'Afrique (la recherche musicale est à la base de ses activités), Nat. Académie de musique de Winneba, Institut africain de musique d'Accra, mus. ft Ying-ta à Cape Coast. Muses. Les collèges d'Akropong et d'Achimota en ont élevé plusieurs. générations de musiciens ghanéens.

La musique est d'une grande importance au Nigeria. les universités de Lagos, Ibadan et Ile-Ife, ainsi que les collèges de Zaria et Onich. Un niveau relativement élevé a été atteint par la production d'o. au Sénégal, au Mali (École nationale supérieure de musique de Conakry) et en Guinée, les départements de musique des universités de Makerere (Ouganda), Lusaka (Zambie), Dar es Salaam (Tanzanie) commencent à jouer un rôle de plus en plus important.

Dans les conservatoires, les pays africains sont étudiés principalement env. musique (disciplines théoriques et instruments de jeu) et sur la musique. f-tah un-tov une attention particulière est accordée à nat. musique, l'Institut pour l'étude de l'Afrique s'occupe du problème de la préservation et du développement du folklore du continent.

La mise en scène de M. o. devient de plus en plus important. au début. et les écoles secondaires (dans de nombreux pays, la musique est une matière obligatoire). La tâche la plus importante est la transmission des traditions. patrimoine, mais ses méthodes restent largement les mêmes qu'il y a des siècles.

Le problème de M. à propos de. – l'un des principaux dans la préservation et le développement des cultures anciennes d'Asie et d'Afrique, donc UNESCO, Intern. le Conseil de la musique, la Société internationale des professeurs de musique et d'autres y accordent une attention particulière.

Des programmes sont en cours d'élaboration qui tiennent compte des spécificités et du degré de développement de M. o. dans ce pays, de nouvelles méthodes d'enseignement, parfois expérimentales, sont utilisées (par exemple, selon les systèmes de Z. Kodaly et K. Orff), des conférences, des congrès et des séminaires sont organisés, une assistance consultative et des échanges de personnel sont effectués.

JK Mikhaïlov.

L'éducation musicale dans la période pré-révolutionnaire. La Russie et l'URSS. À propos de M. o. dans le Dr Peu d'informations ont été conservées en Russie. Dans la pédagogie qui s'est développée parmi le peuple, à côté des proverbes, des dictons, des contes de fées et des chansons, le syncrétisme a également joué un rôle important. (y compris la musique) art. actions, dans lesquelles se reflétait un mélange d'autres langues. et rituels chrétiens. À Nar. le milieu est né une sorte de bouffon – un « acteur » professionnel multilatéral, les compétences to-rogo ont été acquises dans le processus de formation familiale ou en atelier. De génération en génération, la musique poétique s'est également transmise. traditions des compositeurs de chants héroïques-glorifiants. L'enseignement systématique de la musique (plus précisément, le chant d'église) a eu lieu à la fois dans les écoles établies dans les églises et les monastères, où le clergé et les lettrés nécessaires à l'État ont été formés, et directement dans les chœurs des temples, qui n'étaient pas seulement des groupes interprètes, mais également des écoles de chant. . Les chanteurs d'église et les chanteurs ont été élevés dans de telles écoles (voir le chant de Znamenny).

Pendant la période d'isolement féodal des terres russes, les capitales des principautés spécifiques - Vladimir, Novgorod, Souzdal, Pskov, Polotsk, etc. – sont devenus les centres de l'église. poison. cultures et ont développé ici leurs chanteurs locaux. écoles qui s'appuyaient sur les principes généraux du chant znamenny, mais y introduisaient certaines particularités. Des informations sur l'un des plus anciens et des meilleurs chanteurs ont été conservées. écoles du 12ème siècle, établies par Andrey Bogolyubsky à Vladimir. Un peu plus tard, le rôle principal dans l'église. Novgorod a commencé à jouer du chant et à enseigner cet art, qui a conservé pendant de nombreuses années sa position de leader. Chanteur de Novgorod. L'école a préparé des figures marquantes de la musique. culture de l'époque – interprètes, compositeurs de musique, théoriciens et enseignants. Pendant la période d'organisation d'une Rus centralisée. state-va, dirigé par Moscou nat. chanteur. l'école a absorbé les réalisations de nombreuses écoles locales et surtout de Novgorod. Deux Novgorodiens – les frères S. et B. Rogovyh, l'activité to-rykh appartient au milieu. XVIe siècle, considérés comme les fondateurs de Moscou. écoles ecclésiastiques. en chantant. Savva Rogov jouissait d'une renommée particulière en tant qu'enseignante. Ses étudiants célèbres - Fedor Krestyanin (plus tard un professeur célèbre) et Ivan le Nez ont été pris par Ivan le Terrible comme courtisan. maîtres du chant à Moscou. Les traditions de l'école de Novgorod ont également été développées par le troisième étudiant illustre de Rogov - Stefan Golysh, musical et pédagogique. activité to-rogo a eu lieu dans l'Oural en possession des marchands Stroganov. Diffusion et développement du chant. la culture a été promue par le décret de la «cathédrale Stoglavy» (Moscou, 1551), qui obligeait les prêtres et les diacres à créer Moscou chez eux dans toutes les villes. Écoles russes pour apprendre aux enfants non seulement à lire et à écrire, mais aussi à « chanter des psautiers d'église ». La création de ces écoles était destinée à remplacer l'éducation des soi-disant. maîtres de l'alphabétisation (clercs et «gens du monde» qui étaient engagés avec les enfants du département lisant, écrivant, priant et chantant) et élargissent le réseau de uch. institutions qui existaient aux XIVe-XVe siècles. dans certaines villes Dr. Russie. Maîtres d'église. le chant, qui faisait partie de l'avènement. hora (créé en con. 15ème siècle), étaient souvent envoyés dans d'autres villes, monastères et églises pour élever le niveau du chœur. la performance. La théorie musicale la plus simple. les chanteurs servaient d'auxiliaires. alphabets (inclus dans décomp. collections des XVe-XVIIe siècles, voir Alphabet musical), dans lequel un bref ensemble et des esquisses de signes de la lettre crochet ont été donnés. Approbation du nouveau, de nombreux objectifs. façon choeur. chanter (cf. chant Partes) et le remplacement connexe de l'écriture znamenny par la notation 5-linéaire au 2e étage. 17 po révolutionné l'enseignement de la musique. Systématique. un ensemble de règles pour le chant partes est donné dans le traité de N. AP Diletsky "Music Grammar", destiné à la formation des chanteurs et des compositeurs. Contrairement aux fameux « alphabets », basés sur des données purement empiriques. principe, le travail de Diletsky se caractérise par rationaliste. l'orientation, le désir non seulement d'énoncer les règles, mais aussi de les expliquer. Un type spécial d'allocations de compte, qui jouissait d'une distribution bien connue en con. 17ème siècle, représentent le soi-disant. signes doubles, contenant une présentation parallèle des airs en notation znamenny et 5-linéaire. La « clé de compréhension » de Tikhon Makarievsky appartient à ce type. A cheval. 15ème siècle, quand à Moscou. Rus a commencé à inviter des musiciens étrangers, l'implication du russe a commencé. savoir dans instr.

Dans le sud-ouest de la Russie, qui faisait partie des 16-17 siècles. dans la structure de l'état-va polono-lituanien, la valeur connue dans la distribution de M. environ. avait des écoles dites fraternelles, établies religieuses et éducatives. organisations et a servi de fief russe, ukrainien. et biélorusse., la population contre le nat. l'oppression et la conversion au catholicisme. A la suite de l'école de Lvov (fondée en 1586), env. 20 écoles fraternelles. Dans ces avancés pour leur compte de temps. Les institutions (de nombreux principes pédagogiques de ces écoles ont ensuite été reflétés dans la «Grande Didactique» de Ya. A. Comenius) enseignaient le chant et les matières du quadrivium, qui comprenaient la musique. Sur la base de l'école fraternelle de Kyiv (fondée en 1632) et de l'école de la laure de Kiev-Pechersk (fondée en 1615) qui ont fusionné en 1631, la première école ukrainienne a été créée. établissement d'enseignement supérieur - le collège Kiev-Mohyla (depuis 1701 - l'académie), dans lequel, avec d'autres matières, la musique a également été étudiée. À Moscou, sur le modèle du Kyiv Collegium, en 1687, le slave-grec-lat a été ouvert. académie, où l'église a également été enseignée. le chant et les « sept arts libres ».

Au XVIIIe siècle sous l'influence des réformes de Pierre Ier, le to-rye a contribué à l'inclusion du pays dans le cours général du développement de l'Europe. civilisation, contenu et organisation de M. o. créatures endurées. changer. Libération de la culture musicale de la tutelle de l'église, réduction du rôle de la musique culte, production musicale laïque en pleine expansion (orchestres et chœurs militaires dans les rues et sur les places, danse et musique de table lors des "assemblées", représentations musicales et théâtrales , l'émergence de la fin de vie) et, enfin, l'envie croissante de faire de la musique amateur dans une société noble - tout cela a affecté le caractère de M. o. Il révèle plusieurs tendances : la plus importante est de commencer à acquérir de la musique. l'éducation profane, et pas seulement spirituelle. in-tah ; dans la vie diff. maîtres spirituels. les institutions pénètrent l'instr laïque. musique; M o., en particulier au 2ème étage. 18ème siècle, dirigé non seulement pour les besoins de la cour. et, en partie, l'église. vie quotidienne, mais aussi pour répondre aux besoins de sociétés beaucoup plus larges. cercles Le besoin de musiciens pratiquants et le besoin d'un Mo général tout au long du 18ème siècle. augmenté de plus en plus. Muses. l'éducation de la noblesse a été réalisée par Ch. arr. visiteurs chefs d'orchestre, violons solos d'orchestres et de claviers, parmi lesquels se trouvaient de grands maîtres. La formation des musiciens professionnels s'est déroulée le plus souvent dans des établissements d'enseignement, qui peuvent être conditionnellement divisés en deux types. Certains se fixent pour tâche de former des musiciens professionnels, ch. arr. orchestrateurs et chanteurs. Même au début du 18ème siècle à Moscou, puis à St. Saint-Pétersbourg, musiciens militaires libérés de l'étranger et servant à la cour. les orchestres ont appris à jouer du vent (cuivres et bois) et des percussions. instruments de jeunes, choisis parmi la composition de l'adv. choristes. En 1740, à l'Avent. chapelle (transférée à St. Saint-Pétersbourg en 1713), qui pendant plus de deux siècles a élevé des choristes qualifiés, une chorale. chefs d'orchestre, et dans le département cas et compositeurs (D. S. Bortnyansky, M. S. Berezovsky), ont été créés sous la direction de. chef d'orchestre Orchestre I. Les cours de Gyubner apprennent à jouer à l'orc. outils. Plus tôt, en 1738, une école de chant et d'instrumentation a été ouverte à Glukhov, en Ukraine. musique (jouer du violon, de la harpe et du bandura); ici à portée de main. un régent spécial a reçu l'initiale M. o. principalement le futur adv. choristes. Entre autres uch. établissements – St. Pétersbourg. théâtre. école (fondée en 1738, mais finalement formée en 1783), dans laquelle ils enseignaient non seulement les performances scéniques, mais aussi la musique. art-wu et musique. classes de l'Académie des Arts. ouvert dans les années 1760. et a existé pendant plusieurs décennies (chez les élèves – comp. B. I. Fomine). A propos de l'attention, qui a été accordée au 18ème siècle. organisations prof. M. o., témoigner aux gouvernements. décrets (non exécutés) sur la création de la musique d'Ekaterinoslav.

En compte. institutions d'un type différent, un aspect important de l'éducation de la noblesse, et dans une partie du raznochin, la jeunesse est la philologie générale. La première école laïque, au programme d'un essaim depuis les années 1730. comprenait des cours de musique systématiques, était le corps de cadets (alors la noblesse de terre). En raison de la nécessité pratique, bon nombre de ces institutions forment souvent des musiciens professionnels. A ces étudiants, des institutions devraient être attribuées à la musique. cours établis au 1er étage. XVIIIe siècle dans le gymnase de l'Académie des sciences, au 18e étage. XVIIIe siècle — à Moscou. un-thes (gymnases nobles et raznochinny et l'internat Noble à l'un-these), à ​​l'Institut Smolny pour Noble Maidens et le «département petit-bourgeois» avec lui, à Moscou. et Pétersbourg. éduquer. maisons, dans le gymnase de Kazan, subordonné à Moscou. un-tu, et dans un certain nombre de gymnases dans d'autres provinces. Cours de musique dans plusieurs de ces écoles. les établissements se dressaient à une grande hauteur (ils étaient dirigés par des musiciens éminents, souvent étrangers). Ainsi, les élèves de l'Institut Smolny (le système d'éducation musicale qui s'y était développé a ensuite été transféré dans d'autres établissements d'enseignement de classe noble du même type) ont été formés non seulement à l'interprétation (jouer de la harpe, du piano, du chant), mais également la théorie musicale et, dans certains cas, la composition. À l'avenir, certains des élèves des nobles pauvres ont commencé à se préparer à la musique et à la pédagogie. activités. En raison du fait que dans de nombreux domaines et montagnes de propriétaires. les maisons nobles ont organisé des chœurs de serfs, instr. (y compris les ensembles et orchestres de cors), ainsi que t-ry, il est devenu nécessaire de former des musiciens à partir de serfs. Il a été réalisé à la fois à domicile (musiciens étrangers, invités dans les domaines) et en particulier. des écoles de musique pour serfs, créées dans les villes. Apparemment, les premières écoles de ce type ont commencé à fonctionner dans les années 2. Ici, ils ont appris à chanter, à jouer de l'orc. et claviers, ainsi que la basse générale et la composition musicale. Parfois, afin de préparer le répertoire nécessaire, des musiciens serfs étaient envoyés dans de telles écoles par groupes entiers.

Dans les classes pédagogiques du dernier quart du XVIIIe siècle. (surtout après que la collection de chansons folkloriques de V. Trutovsky, 18-1776, et I. Prach, 95, soit épuisée), le russe a commencé à jouer un rôle de plus en plus important. nar. chant et danse (en version originale, arrangements et transcriptions). La distribution de M. environ. dans différentes couches de la société russe a créé le besoin de publier des pratiques. euh. allocations (première transférable). L'un des premiers manuels qui a joué un rôle important dans l'histoire du russe. M. o., était « l'école du clavier, ou indication brève et solide pour l'accord et la mélodie » de GS Lelein (1790-1773), qui s'appuyait sur la pratique du clavier, contenait des dispositions générales de la théorie de la composition et se distinguait par une -L'illumination connue. latitude. Au début. Des traductions du XIXe siècle d'autres musiques sont sorties. manuels (par exemple, L. Mozart - "L'école fondamentale du violon", 74; V. Manfredini - "Règles harmoniques et mélodiques pour l'enseignement de toute la musique", traduit par SA Degtyarev, 19), ainsi qu'une école domestique de piano. I. Pracha (1804).

Jusqu'aux années 60. XIXe siècle dans le système russe. prof. M. o. il n'y a pas eu de changements fondamentaux, bien que le besoin de musiciens de diverses spécialités ait augmenté et que des exigences toujours plus élevées aient été imposées à la qualité de leur formation. Dans les écoles de théâtre de St. À Saint-Pétersbourg et à Moscou, non seulement des acteurs dramatiques ont été formés, mais aussi des chanteurs et des membres d'orchestre pour les opéras, et au début. Des classes musicales "supérieures" du XIXe siècle ont été créées pour ceux qui ont particulièrement réussi. Ces euh. établissements, ainsi que Pridv. chanter la chapelle étaient les seuls gouvernements. in-tami, qui s'est donné pour mission de former des musiciens professionnels. M. o. élargi à la chapelle: en con. Des classes d'orcs des années 1830 ont été ouvertes. instruments, et un peu plus tard, les classes de fp. et essais. Au début. 2e quart du 19e siècle, les écoles de musique pour serfs ont perdu leur ancienne importance et ont progressivement cessé d'exister. rôle important dans la diffusion de la musique. cultures (en partie dans la formation de musiciens professionnels) étaient encore jouées par les niveaux moyen et supérieur. institutions, dans lesquelles il y avait des muses. cours, – gymnases, bottes hautes en fourrure (Moscou, St. Pétersbourg, Kazan, Kharkov), Mining in-t, Uch-sche jurisprudence, femmes fermées en vous. Dans ces instituts féminins, malgré un certain nombre de lacunes dans l'organisation de MO, un système d'éducation a été formé (qui comprenait la pratique de l'instrument, de la musique d'ensemble, du solfège, de l'harmonie et de la pratique pédagogique), qui est devenu plus tard la base de l'enseignement. plan des conservatoires et les professeurs des instituts féminins ont préparé des travaux sérieux sur les questions musicales. (ch. arr. fp.) pédagogie. Spécialiste. musique privée. il y avait très peu d'écoles (l'une d'elles a été ouverte par la DN Kashin en 1840 à Moscou), et la musique à domicile. la formation continue d'être très efficace. Des cours privés étaient donnés par des étrangers qui liaient leur destin au russe. culture musicale (I. Gesler, J. Champ, A. Hensel, L. Maurer, K. Schubert, A. Villuan), rus. compositeurs (A. L. Gourilev, A. E. Varlamov et autres), instrumentistes et compositeurs (A. O. Sikra, D. N. Kachine, N. Et. Afanasiev et autres), et dans les années 50 . le jeune A G. et n. G. Rubinstein et M. A. Balakirev. Les leçons à domicile se limitaient généralement à la pratique de jouer d'un instrument ou de chanter; musico-théorique. et historique de la musique. les étudiants n'ont généralement pas reçu d'éducation. Remplissez ces créatures. écart que dans une très faible mesure pourrait public. conférences, seigle arrangé avec con. années 1830 ch. arr. A Pétersbourg. Découlant dans ces années des plans pour l'organisation de spéciaux. musique euh. institutions ont témoigné d'un besoin urgent d'un M. o. L'un de ces plans appartenait au chef d'orchestre de Moscou. Grand trésorier F. Scholz, qui présenta en 1819 un projet d'établissement des Muses à Moscou. conservatoire. Le projet ne fut pas mis en œuvre, Scholz ne réussit qu'à obtenir en 1830, peu avant sa mort, l'autorisation d'organiser à son domicile un enseignement gratuit de basse générale et de composition. L'auteur d'un autre projet non réalisé était A. G. Rubinshtein, qui proposa en 1852 d'ouvrir à St. Saint-Pétersbourg à l'Académie des Arts des Muses.

Au début des années 1860, la culture de la glace russe «menaçait un fossé entre l'intelligentsia compositionnelle, s'efforçant de conquérir les sommets de l'art, et les auditeurs de l'environnement de la démocratie russe, aux goûts très hétéroclites» (B. À. Asafiev, « Ils étaient trois… », Sat. « Musique soviétique », vol. 2, 1944, p. 5-6). Seule une préparation poussée des patries pouvait aider la cause. interprètes, professeurs et compositeurs, to-rye serait en mesure d'élever encore le niveau de russe. la vie de glace non seulement à Moscou et à St. Pétersbourg, mais dans tout le pays. Durant cette période, l'activité d'A. G. Rubinstein et ses associés, qui ont entrepris de s'organiser sous les auspices de Rus. ice ob-va (ouvert en 1859) le premier russe. conservatoire. Cette activité se déroule dans des conditions difficiles : dans des heurts avec la frontière. réactionnaire. cercles et dans une atmosphère de débat houleux avec ceux qui craignaient « l'académisme sans nationalité » créé par le prof. Trois. institutions. Établi sous Rus. glace ob-ve en 1860 mus. cours (chant, piano, violon, violoncelle, théorie élémentaire, choeur. essai de chant et de pratique) a servi de base à la découverte en 1862 de St. Pétersbourg. conservatoire (jusqu'en 1866 il s'appelait Mus. professeur) dirigé par A. G. Rubinstein. La même année, en opposition au conservatoire M. A. Balakirev et G. Ya Lomakin fondée à St. Musique libre de Saint-Pétersbourg. école, dont l'une des tâches était de donner un M général. sur. (informations musicales théoriques élémentaires, capacité à chanter dans une chorale et à jouer dans un orchestre, etc.) pour les mélomanes. En 1866, également sur la base des muses précédemment organisées (en 1860). classes, le Moscou a été créé. conservatoire, dont le directeur fut l'initiateur de sa création, N. G. Rubinstein. Les deux conservatoires ont joué un rôle énorme dans le développement du russe. prof. M. sur. et ont gagné une reconnaissance mondiale principalement parce qu'ils ont été enseignés par des musiciens exceptionnels : à St. Pétersbourg - A. G. Rubinstein (parmi ses étudiants de la première graduation se trouvait P. ET. Tchaïkovski), F. O. Leshetitsky (depuis 1862), L. C. Auer (depuis 1868), N. A. Rimsky-Korsakov (depuis 1871), A. À. Lyadov (depuis 1878), F. M. Blumenfeld (depuis 1885), A. N. Esipova (depuis 1893), A. À. Glazounov (depuis 1899), L. À. Nikolaev (à partir de 1909) et d'autres ; à Moscou - N. G. Rubinstein, P. ET. Tchaïkovski (depuis 1866), S. ET. Taneev (depuis 1878), V. ET. Safonov (depuis 1885), A. N. Scriabine (depuis 1898), K. N. Igumnov (depuis 1899), A. B. Goldenweiser (depuis 1906), N. À. Mettner (depuis 1909) et d'autres. Au fil des décennies, la structure des conservatoires qui formaient des musiciens dans toutes les spécialités a changé, mais leurs caractéristiques suivantes sont restées constantes : la division en deux départements - le inférieur (les étudiants étaient acceptés même dans l'enfance) et le supérieur ; "cours scientifiques" (servaient à améliorer l'enseignement général. niveau étudiant); remise aux élèves ayant suivi le cursus complet du conservatoire et réussi la spéciale. examens finaux, diplôme d'« artiste libre » (jusque dans les années 1860. Ce titre n'a été reçu que par les diplômés de l'Académie des Arts). Les conservatoires ont contribué à la formation du russe. effectuer. et les écoles de compositeurs. C'est vrai, la patrie. vok. L'école s'est formée beaucoup plus tôt sous l'influence immédiate de M. ET. Glinka et A. C. Dargomyzhsky, qui a enseigné le département. élèves non seulement les principes généraux de la musique. performance, mais aussi le chanteur. compétence; l'un de ceux qui ont nourri les compositeurs de la nouvelle école russe était M. A. Balakirev, qui a formé de jeunes musiciens dans l'esprit des préceptes de Glinka. Une portée incomparablement plus large acquiert les activités des fondateurs de ces écoles qui se sont développées dans les conservatoires. Les fondateurs des deux plus grands russes. les écoles de compositeurs sont devenues : à St. Pétersbourg - N. A. Rimsky-Korsakov, à Moscou – P. ET. Tchaïkovski. En 2ème mi-temps. 19 et début 20 cc numéro de glace russe trois. les établissements se multiplient progressivement. Succursales locales Rus. glace environ-va muses ouvertes. école à Kiev (1863), Kazan (1864), Saratov (1865), et plus tard dans d'autres. villes du pays. Par la suite, les écoles de Saratov (1912), Kyiv et Odessa (1913) ont été réorganisées en conservatoire. En 1865, le chapitre est créé. direction Rus. ice about-va, à qui l'essaim a transmis "tous les devoirs et préoccupations concernant le développement de Mo en Russie". Le but de l'organisation de cette direction, qui était dirigée par l'un des membres de la famille royale, était de veiller à ce que le gouvernement, sans diriger officiellement les muses. Trois. institutions, ont eu la possibilité de contrôler leurs affaires et de s'immiscer dans leur travail à partir d'une position de caste de classe. En 1883, le Musical Drama Theatre a été ouvert au conservatoire npiB-ax. école près de Moscou. Philharmonique. environ-ve. En 1887A. G. Rubinstein avec le projet de musique universelle pour enfants. l'éducation, proposant d'introduire dans les classes inférieures tous les travaux manuels et les couchettes. école, gymnases classiques et réels, chœur obligatoire du corps de cadets. chant, solfège et solfège élémentaire. Ce projet utopique pour ces années n'a été réalisé que dans quelques zones privilégiées. établissements. Signifie rôle dans le développement du russe. M. sur. joué par de nombreux musiciens privés. écoles ouvertes en con. 19 – mendier. 20 cc à St. Pétersbourg (Musique-drame. cours E. AP Rapgofa, 1882; Muses. cours I. A. Glisser, 1886; Spécialiste. école fp. jeux et cours de pianistes-méthodologues S. F. Schlesinger, 1887), Moscou (musique. l'école B Yu Zograf-Plaksina, 1891; sœurs Evg. F., Elena F. Gnésins, 1895 ; À. A. Selivanova, 1903), Kyiv, Odessa, Kharkov, Rostov-sur-le-Don, Tbilissi, etc. villes. Conservatoires, uch-shcha et muses. les écoles pré-révolutionnaires en Russie existaient principalement en raison des frais de scolarité relativement élevés, et donc M. sur. seuls les enfants de parents aisés ou les élèves doués pris en charge par des mécènes ou, à titre exceptionnel, exemptés de frais de scolarité pouvaient en bénéficier. Pour s'attacher à la musique. culture de la population au sens large, musiciens progressistes con. 19 – mendier. 20 siècles, perpétuant en quelque sorte la tradition de la musique libre. écoles, ont commencé à créer uch. établissements (certains s'appelaient Nar. conservatoires), où il était possible de recevoir M. sur. gratuitement ou pour une somme modique. À St. À Saint-Pétersbourg, ces écoles comprenaient : Public Music. pédagogue de classe. le musée (bas. en 1881), qui a servi de base à la recherche dans le domaine de la musique pour enfants. la pédagogie; Musique gratuite pour enfants. les scolariser. Glinka, organisé en 1906 à l'initiative de M. A. Balakireva et S. M. Lyapunova ; Nom conservatoire, qui a été ouvert en 1906 par N. A. Rimski-Korsakov A. À. Lyadov A. À. Verzhbilovich et L. C. Auer (les diplômés ont reçu la qualification de Nar. professeurs de musique et de chant). L'une des institutions les plus efficaces et les plus autoritaires de ce type était Nar. conservatoire de Moscou en 1906), les musiciens les plus éminents ont participé à la création et aux activités de l'essaim - S. ET. Tanev, E. E. Lineva, B. L. Yavorsky, N.

Oct La révolution entraîne des changements radicaux dans l'organisation et la mise en scène de M. sur. Accompagnement et prise en charge financière des muses. Trois. institutions ont été prises en charge par l'État (décret du Conseil du Nar. Commissaires sur le transfert de tous les comptes. établissements à Vedepie Nar. du Commissariat à l'Instruction publique du 5 juillet 1918), ouvrant la voie à la large diffusion du général M. environ., offrant aux étudiants prof. Trois. établissements d'enseignement gratuit et bourses d'études. Cela a ouvert l'accès à l'éducation pour les jeunes travailleurs, incl. et des représentants de nationalités culturellement arriérées. Entre gouvernements. événements qui ont contribué à l'attrait pour la musique supérieure. école des ouvriers et des paysans, étaient l'organisation de la soi-disant. Arts unis. faculté ouvrière, le transfert de sa musique. département (créé en 1923) sous l'autorité de Moscou. conservatoire (1927) puis l'ouverture d'écoles ouvrières à Moscou. (1929) et Léningrad. (1931) conservatoires. Dans les toutes premières années post-révolutionnaires, les principes généraux qui ont servi de base à la restructuration de M. sur. La plus significative d'entre elles : 1) la proclamation de l'obligation de la musique universelle. éducation (décret des Muses. Département de Narkomiros sur l'enseignement du chant et de la musique dans une école de travail unifiée, au plus tard le 19 oct. 1918) et la reconnaissance de la grande importance du général M. sur. à la fois pour élever la culture du peuple et pour identifier les personnes musicalement capables adaptées au prof. leçons de musique; 2) une compréhension de la nécessité de former des musiciens qui auraient une spécialisation bien définie (interprétation, composition, enseignement, lumière, musicologie) et posséderaient en même temps un large éventail de connaissances dans leur spécialité, dans des sujets et des sociétés connexes. disciplines; 3) la prise de conscience du rôle énorme de la production. pratiques dans l'uch. institution et au-delà (cela a conduit à l'organisation de studios d'opéra dans les conservatoires; le premier d'entre eux a été ouvert en 1923 à Petrograd. conservatoire); 4) établissant une exigence qu'un musicien de toute profession puisse combiner son prof. Activités éducatives. Pour la formation du système des hiboux. M. sur. rôle particulièrement important a été joué par organisationnel et méthodique. recherches dans la période 1917-27. Crucial pour le développement ultérieur du prof. M. sur. étaient signés B. ET. Décret Lénine du Conseil du Peuple. Komissarov du 12 juillet 1918 sur la transition de Petrograd. et Mosk. conservatoires "sous la juridiction du Commissariat du peuple à l'éducation sur un pied d'égalité avec tous les établissements d'enseignement supérieur avec l'élimination de la dépendance à l'égard de la Société musicale russe", ainsi que les résolutions ultérieures de la même année, qui ont annoncé la province et la ville. Trois. établissements Rus. glace à propos de l'état va. À la fin de la première et au tout début de la deuxième décennie du XXe siècle. la musique à l'honneur. public – questions du général M. sur. et à cet égard, le travail est massivement éclairant. écoles ouvertes à Petrograd, Moscou, etc. villes. Les écoles avaient des noms différents : Nar. écoles de glace, éducation des écoles de musique, nar. conservatoire, enseignement des cours de musique générale folklorique, etc. Dans le travail de ces institutions qui pondaient méthodiquement. les bases des hiboux. général m. o., d'éminents musiciens ont participé : à Petrograd – B. À. Assafiev, M. H. Barinova, S. L. Ginzbourg, N. L. Grodzenskaïa, W. G. Karatygine, L. À. Nikolaïev, V. À. Sofronitsky et autres; à Moscou - A. À. Alexandrov, N. Ya Bryusova A. F. Gedeke, A. D. Kastalsky, W. N. Chatskaïa et autres. Au stade initial de développement des hiboux. M. sur. ses organisateurs ont dû faire face à un certain nombre de difficultés. Les racines de certains sont allées au pré-révolutionnaire. la formation à la pratique musicale, quand la formation des futurs professionnels et amateurs n'était pas différenciée, M. sur. n'était pas divisé en étapes en fonction de l'âge des élèves. la Dre les difficultés ont été causées par l'émergence, souvent spontanée (surtout en 1918-20), de nombreuses muses diverses. Trois. établissements de type spécial et général. Ils s'appelaient écoles, cours, ateliers, cercles, écoles techniques et même conservatoires et instituts, n'avaient pas de profil clair et ne pouvaient être attribués avec suffisamment de certitude à l'enseignement primaire, secondaire ou supérieur. institutions. Parallélisme dans le travail de ces comptes. institutions ont commencé à ralentir le développement de M. sur. La première tentative encore très imparfaite de créer un système harmonieux de M. sur. a été entreprise en 1919 dans les "Dispositions de base sur l'Université musicale d'État" (ce nom signifiait l'ensemble du réseau d'écoles spéciales). et le général M. sur. du primaire au avancé). Suivant la pensée d'A. À. Lunacharsky que l'ensemble du système d'enseignement général, de la maternelle à l'université, devrait être «une école, une échelle continue», les compilateurs des «Dispositions de base…» ont subdivisé le spécial. glace trois. institutions en trois niveaux en fonction du niveau de la musique. connaissances et compétences des élèves. Cependant, ils ne pouvaient ni diviser les tâches d'éducation, d'éducation et d'éveil, ni fixer les limites d'âge pour l'enseignement aux trois niveaux de «l'Université de musique». Poursuite des travaux sur la typification de la musique. Trois. institutions et la mise à jour de leurs programmes, auxquels ont participé les hiboux les plus en vue. musiciens associés aux activités de B. L. Yavorsky, qui à partir de 1921 a dirigé le Mus. Département de la Direction générale de l'enseignement professionnel. Pour la restructuration ultérieure M. sur. son rapport «Sur les principes de la construction de curricula et de programmes dans une école de musique professionnelle» (lu le 2 mai 1921) a eu un impact sérieux, dans lequel, en particulier, pour la première fois en musique. Pédagogie du 20e siècle, la thèse était défendue avec tant de persévérance : « l'élément de créativité devrait être inclus dans les programmes de tous les cours » suivis dans l'enseignement. institutions à différents niveaux. Vers 1922, une tendance caractéristique s'est dessinée, qui a continué à affecter les années suivantes - de plus en plus d'attention est accordée aux questions du prof. M. sur. et spéc. disciplines (jouer des instruments, chanter). L'organisation des premières muses secondaires spécialisées appartient aussi à cette époque. écoles – musique. écoles techniques, dans les années 30. rebaptisé école. Au 2ème étage. 20s une certaine structure s'est développée. o., conservé pendant plusieurs années : 1) initiale M. sur. sous la forme de deux types d'écoles - 4 ans 1er degré (pour les enfants), qui fonctionnaient en parallèle avec l'école du travail et étaient soit indépendantes. Trois. institutions, ou les premiers maillons des muses. écoles techniques, et cours de général M. sur. pour les adultes qui n'avaient que de la musique – éclairer. Tâches; 2) prof moyen. M. sur. – écoles techniques (spectacles et instructeurs-pédagogiques); 3) supérieur – conservatoire. Dans le cadre de la réforme environ. en 1926, le Centre a été organisé à Leningrad. école technique de glace, dans le travail de laquelle une nouvelle créativité s'est reflétée. tendances et recherches en musique. la pédagogie, qui a eu un impact sérieux sur le développement ultérieur des hiboux. M. sur. Parmi les professeurs de l'école technique, il y avait des Leningraders exceptionnels. les musiciens. Dans l'histoire du M supérieur. sur. une étape importante a été le document Nar. Commissariat à l'éducation, préparé sur la base des rapports des personnalités les plus éminentes de la culture musicale soviétique A. B. Goldenweiser, M. F. Gnésina, M. À. Ivanov-Boretski, L. À. Nikolaïeva A. À. Ossovsky et autres, – « Règlement sur les Conservatoires de Moscou et de Leningrad » (1925). Ce document a enfin légitimé l'appartenance des conservatoires au plus haut niveau de M. o., leur structure a été établie (scientifique-compositeur, interprète et instructeur-pédagogique. f-vous), le profil des diplômés et les modalités de formation ont été déterminés, l'institut des étudiants diplômés a été créé. Avec monsieur. Les musicologues des années 20 ont également commencé à être formés dans des conservatoires (auparavant, avant la révolution, il n'y avait pas d'institution qui formait de tels spécialistes). Cependant, le début de la musicologie supérieure. éducation dans le pays soviétique - 1920, quand à Petrograd, à l'Institut d'histoire de l'art, la Faculté d'histoire de la musique a été ouverte (elle a existé jusqu'en 1929 sous la forme de cours pour la formation de spécialistes en histoire de l'art). En 1927, la mise en ordre de la structure générale des hiboux. M. sur. a été en grande partie achevée, bien qu'elle ait subi des modifications ultérieures. Alors, muses de 4 ans. les écoles ont été converties en écoles de 7 ans (en 1933) et des écoles de musique ont été créées dans un certain nombre de conservatoires. écoles de dix ans, le système de faculté des conservatoires a été élargi (de ser. années 30), organisé par des animations musicales et pédagogiques. en-vous (le premier a été ouvert en 1944 Muz.-Pédagogique.

Kser. Système d'organisation des années 70 M. sur. en URSS il y a une trace. façon. Le niveau le plus bas est la musique pour enfants de 7 ans. écoles (8e année supplémentaire - pour ceux qui se préparent à entrer dans la musique. uch-sche), dont le but est de donner un M général. sur. et identifier les étudiants les plus capables qui veulent devenir spéciaux. M. sur. Les disciplines étudiées ici incluent : la pratique d'un instrument (f.p., à archet, à vent, folk), le solfège, la musique. diplôme et théorie, chœur. chant et ensembles. Au niveau le plus bas du général M. sur. il existe également des écoles du soir pour les adolescents et les jeunes. Au stade intermédiaire M. sur. inclure 4 ans uch. institutions: école de musique, dans laquelle ils forment des musiciens professionnels de qualification moyenne (instrumentistes, chanteurs, chefs de chœur, théoriciens) pour travailler dans des orchestres, des chœurs et enseigner la musique pour enfants. les écoles (les plus douées, après avoir obtenu leur diplôme de l'école, entrent au concours dans l'enseignement supérieur. établissements); musico-pédagogique. uch-scha, professeurs de musique diplômés de l'enseignement général. responsables d'écoles et de jardins d'enfants musicaux. Dans certains conservatoires et instituts, il y a des spéciaux pour les 11 ans. écoles de glace où les élèves préparent l'admission à la musique. les universités reçoivent un M inférieur et secondaire. sur. et en même temps. suivre un cours de formation générale. école secondaire. Le plus haut niveau M. sur. comprend : conservatoires, musico-pédagogiques. in-you et in-you art-in (avec la faculté de musique) ; leur durée de formation est de 5 ans. Ici, des spécialistes de la plus haute qualification sont formés - compositeurs, instrumentistes, chanteurs, symphonistes, opéra et chœurs. chefs d'orchestre, musicologues et directeurs de musique. t-ditch Les plus hauts niveaux sont aussi musicaux et pédagogiques. f-vous en pédagogique. in-tah ; les futurs professeurs de musique les plus qualifiés (méthodologues) y sont formés pour l'enseignement général. écoles et professeurs de musique et de pédagogie. disciplines pour la pédagogie. université Dans la plupart des écoles de musique et des universités, il existe des départements du soir et par correspondance, où les étudiants reçoivent un enseignement sans interrompre leur travail. Avec de nombreuses muses. universités et n.-et. des études de troisième cycle in-ta sont organisées (avec une formation de 3 ans à temps plein et de 4 ans dans des départements par correspondance), destinées à la préparation de scientifiques. les travailleurs et les enseignants des universités sur l'histoire et la théorie de la musique et du spectacle. procès, musique. esthétique, méthodes d'enseignement de la musique. disciplines. Formation de professeurs-compositeurs et de professeurs-interprètes pour la musique. établissements d'enseignement supérieur s'effectue dans le cadre d'un stage d'assistant organisé dans les principaux conservatoires et instituts (cycle d'études 2 à temps plein, cours par correspondance - 3 ans). La diffusion a reçu des cours pour la formation avancée des professeurs de musique. écoles, uch-shch et lycées aux muses moyennes et supérieures faisant autorité. Trois. établissements. Une grande attention est accordée à la mise en place de différents types de muses. écoles dans les républiques nationales. En RSFSR, en Biélorussie et en Ukraine, dans les républiques de la Baltique et de la Transcaucasie, ainsi que dans les RSS kazakhe, kirghize, tadjike, turkmène et ouzbèke, qui étaient dans la pré-révolutionnaire. zones arriérées du temps, a créé un vaste réseau de muses. Trois. institutions. En 1975, il y avait 5234 établissements de musique pour enfants en URSS. écoles, 231 musique. université, 10 université d'isk-v, 12 professeur de musique. école, 2 musique. école chorégraphique, 20 conservatoires, 8 instituts d'arts, 3 musicaux et pédagogiques. in-ta, 48 musique. F-TOV à pédagogique. in-tah. Réalisations M sur. en URSS sont également dues au fait que pédagogique. les travaux dans les universités de musique étaient et sont dirigés par les compositeurs, interprètes, musicologues et méthodologistes les plus éminents. Depuis 1920-s. dans les universités de glace hiboux a commencé un sérieux n.-et. et méthodologiste. travail, qui a conduit à une révision basée sur les dispositions du marxisme-léninisme, le contenu et les méthodes d'enseignement traditionnelles pour pré-révolutionnaire. conservatoire de solfège et d'histoire de la musique. articles, ainsi que la création de nouveaux comptes. disciplines. En particulier, des cours spéciaux d'histoire et de théorie de l'interprétation, ainsi que des méthodes d'enseignement pour jouer de différents instruments. La relation étroite de la pédagogie et scientifique. la recherche a contribué à la création de moyens. nombre de manuels et uch. avantages pour les disciplines de base incluses dans les régimes hiboux.

Dans d'autres pays socialistes où M. o. appartient à l'État, sa structure générale (la division des établissements d'enseignement musical en 3 niveaux - primaire, secondaire et supérieur) est en général similaire à celle adoptée en URSS (bien que dans certains de ces pays, les musicologues ne soient pas formés à l'enseignement musical. institutions, mais avec des bottes hautes en fourrure). En même temps dans chaque pays de l'organisation de M. environ. il y en a des spécifiques. caractéristiques dues aux particularités de son ressortissant. culture.

En Hongrie, où M. o. selon la même méthodologie. principes de B. Bartok et Z. Kodály, et où l'étude des hongrois occupe une place énorme à tous les niveaux. nar. musique et suivant un cours de solfège basé sur la solmisation relative, le schéma de construction de l'enseignement après 1966 est le suivant : 7 ans enseignement général. école avec préjugé musical (et avec apprentissage facultatif des instruments de musique) ou musique de 7 ans. une école dans laquelle les enfants étudient tout en suivant des cours d'enseignement général. école; la prochaine étape est un prof secondaire de 4 ans. une école (avec en annexe un gymnase d'enseignement général), et pour ceux qui n'ont pas l'intention de devenir musiciens, une école d'enseignement musical général en 5 ans ; Ecole Supérieure de Musique. les poursuivre en justice. F. Liszt (Budapest) avec un programme d'études de 5 ans, dans lequel les musiciens sont formés dans toutes les spécialités, incl. musicologues (le département de musicologie a été organisé en 1951) et professeurs de musique pour le début. écoles (dans un département spécial; études pendant 3 ans).

En Tchécoslovaquie, muses supérieures. et musico-pédagogique. euh. il y a des institutions à Prague, Brno et Bratislava ; il existe des conservatoires (établissements d'enseignement musical secondaire) et dans un certain nombre d'autres villes. Un rôle important dans la pédagogie musicale. la vie du pays et dans le développement des méthodes de musique. apprendre à jouer au Chesh. et slovaque. music about-va, réunissant des professeurs-musiciens de différentes spécialités.

En RDA, il existe des écoles supérieures de musique. procès à Berlin, Dresde, Leipzig et Weimar ; les écoles de Berlin et de Dresde incluent la musique spécialisée. école, conservatoire (établissement musical secondaire) et enseignement supérieur proprement dit. institution. À l'École supérieure de musique de Berlin jusqu'en 1963, la faculté ouvrière-paysanne a fonctionné.

En Pologne – 7 muses supérieures. euh. institutions – à Varsovie, Gdansk, Katowice, Cracovie, Lodz, Poznan et Wroclaw. Ils préparent des musiciens décomposés. métiers, y compris et ingénieurs du son (département spécial de l'École supérieure de musique de Varsovie). Spécialistes de l'histoire de la musique, de la musique. esthétique et ethnographie est en cours de préparation par l'Institut de musicologie de Varsovie.

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