Jules Massenet |

Jules Massenet

Massenet. Élégie (F. Chaliapine / 1931)

Jamais M. Massenet n'a montré aussi bien que dans « Werther » les qualités enchanteresses du talent qui a fait de lui un historien musical de l'âme féminine. C.Debussy

Oh comment nauséeux Massenet !!! Et ce qui est le plus ennuyeux, c'est que dans ce nausée Je ressens quelque chose qui me concerne. P. Tchaïkovski

Debussy m'a surpris en défendant cette confection (Manon de Massenet). I. Stravinski

Chaque musicien français a un peu de Massenet dans son cœur, tout comme chaque Italien a un peu de Verdi et de Puccini. F. Poulenc

Opinions divergentes des contemporains ! Elles contiennent non seulement une lutte de goûts et d'aspirations, mais aussi l'ambiguïté de l'œuvre de J. Massenet. Le principal atout de sa musique réside dans les mélodies, que, selon le compositeur A. Bruno, « vous reconnaîtrez entre mille ». Le plus souvent, ils sont étroitement liés au mot, d'où leur extraordinaire souplesse et expressivité. La ligne entre mélodie et récitatif est presque imperceptible, et donc les scènes d'opéra de Massenet ne sont pas divisées en numéros fermés et en épisodes de "service" les reliant, comme c'était le cas avec ses prédécesseurs - Ch. Gounod, A. Thomas, F. Halevi. Les exigences d'action transversale, de réalisme musical étaient les exigences réelles de l'époque. Massenet les a incarnés de manière très française, ressuscitant à bien des égards des traditions remontant à JB Lully. Cependant, la récitation de Massenet ne repose pas sur la récitation solennelle et un peu pompeuse d'acteurs tragiques, mais sur le discours naïf et quotidien d'un simple homme. C'est la principale force et l'originalité des paroles de Massenet, c'est aussi la raison de ses échecs lorsqu'il se tourne vers la tragédie de type classique (« Le Sid » selon P. Corneille). Parolier né, chanteur des mouvements intimes de l'âme, capable de donner une poésie particulière aux images féminines, il reprend souvent les intrigues tragiques et pompeuses du « grand » opéra. Le théâtre de l'Opéra Comique ne lui suffit pas, il doit aussi régner au Grand Opéra, pour lequel il fait des efforts presque meyerbeeriens. Ainsi, lors d'un concert de la musique de divers compositeurs, Massenet, secrètement de ses collègues, ajoute une grande fanfare à sa partition et, assourdissant le public, s'avère être le héros du jour. Massenet anticipe certaines des réalisations de C. Debussy et M. Ravel (style récitatif à l'opéra, surlignage d'accords, stylisation de la musique française ancienne), mais, travaillant en parallèle avec eux, reste toujours dans l'esthétique du XVIe siècle.

La carrière musicale de Massenet débute avec son admission au conservatoire à l'âge de dix ans. Bientôt la famille s'installe à Chambéry, mais Jules ne peut se passer de Paris et fugue deux fois. Seule la deuxième tentative réussit, mais le garçon de quatorze ans connaît toute la vie mouvementée de la bohème artistique décrite dans Scènes… d'A. Murger (qu'il connaît personnellement, ainsi que les prototypes de Schoenard et Musetta). Après avoir surmonté des années de pauvreté, grâce à un travail acharné, Massenet obtient le Grand Prix de Rome, qui lui donne droit à un voyage de quatre ans en Italie. De l'étranger, il revient en 1866 avec deux francs en poche et avec une élève de piano, qui devient alors sa femme. La biographie de Massenet est une chaîne continue de succès toujours croissants. En 1867, son premier opéra, The Great Aunt, est mis en scène, un an plus tard, il obtient un éditeur permanent et ses suites orchestrales sont un succès. Et puis Massenet crée des œuvres de plus en plus mûres et significatives : les opéras Don Cesar de Bazan (1872), Le Roi de Lahore (1877), l'oratorio-opéra Marie-Madeleine (1873), musique pour les Erinyes de C. Leconte de Lily (1873) avec la célèbre « Élégie », dont la mélodie apparaît dès 1866 comme l'une des Dix pièces pour piano – la première œuvre publiée de Massenet. En 1878, Massenet devient professeur au Conservatoire de Paris et est élu membre de l'Institut de France. Il est au centre de l'attention du public, jouit de l'amour du public, est connu pour sa courtoisie et son esprit éternels. Le summum de l'œuvre de Massenet est les opéras Manon (1883) et Werther (1886), et à ce jour, ils sonnent sur les scènes de nombreux théâtres à travers le monde. Jusqu'à la fin de sa vie, le compositeur ne ralentit pas son activité créatrice : sans se donner de repos ni à ses auditeurs, il écrit opéra après opéra. La compétence grandit, mais les temps changent et son style reste inchangé. Le don créatif diminue sensiblement, surtout au cours de la dernière décennie, bien que Massenet jouisse toujours du respect, de l'honneur et de toutes les bénédictions du monde. Durant ces années, les opéras Thaïs (1894) avec la célèbre Méditation, Le Jongleur de Notre-Dame (1902) et Don Quichotte (1910, d'après J. Lorrain), créés spécialement pour F. Chaliapine, sont écrits.

Massenet est superficiel, considéré comme son ennemi de toujours et son rival K. Saint-Saëns, « mais peu importe ». « … L'art a besoin d'artistes en tous genres … Il avait du charme, la capacité de charmer et un tempérament nerveux quoique superficiel … En théorie, je n'aime pas ce genre de musique … Mais comment résister quand on entend Manon aux pieds de Grieux dans la sacristie de Saint-Sulpice ? Comment ne pas être saisi jusqu'au plus profond de l'âme par ces sanglots d'amour ? Comment penser et analyser si vous êtes touché ?

E. Chemise

Fils d'un propriétaire de mine de fer, Massenet reçoit ses premières leçons de musique de sa mère ; au Conservatoire de Paris, il étudie avec Savard, Lauren, Bazin, Reber et Thomas. En 1863, il reçoit le prix de Rome. S'étant consacré à divers genres, il travaille également avec assiduité dans le domaine théâtral. En 1878, après le succès du Roi de Lahore, il est nommé professeur de composition au conservatoire, poste qu'il occupe jusqu'en 1896, date à laquelle, ayant acquis une renommée mondiale, il quitte tous les postes, dont celui de directeur de l'Institut de France.

« Massenet s'est pleinement réalisé, et celui qui, voulant le piquer, parlait en secret de lui comme d'un élève de l'auteur-compositeur à la mode Paul Delmay, a lancé une plaisanterie de mauvais goût. Massenet, au contraire, a été beaucoup imité, c'est vrai... ses harmonies sont comme des étreintes, et ses mélodies sont comme des cous recourbés... Il semble que Massenet ait été victime de ses beaux auditeurs, dont les éventails ont longtemps flotté avec enthousiasme à son performances… J'avoue que je ne comprends pas pourquoi il vaut mieux aimer les vieilles dames, amatrices de Wagner et les femmes cosmopolites, que les demoiselles parfumées qui ne jouent pas très bien du piano. Ces affirmations de Debussy, ironiquement mises à part, sont une bonne indication de l'œuvre de Massenet et de sa signification pour la culture française.

A la création de Manon, d'autres compositeurs avaient déjà défini le caractère de l'opéra français tout au long du siècle. Prenons Faust de Gounod (1859), Les Troyens inachevés de Berlioz (1863), La Femme Africaine de Meyerbeer (1865), Mignon de Thomas (1866), Carmen de Bizet (1875), Samson et Dalila de Saint-Saëns (1877), « Les Contes d'Hoffmann » d'Offenbach (1881), « Lakme » de Delibes (1883). Outre la production d'opéras, les œuvres les plus significatives de César Franck, écrites entre 1880 et 1886, qui ont joué un rôle si important dans la création d'une atmosphère sensuelle et mystique dans la musique de la fin du siècle, méritent d'être mentionnées. Parallèlement, Lalo étudie attentivement le folklore et Debussy, qui reçoit le prix de Rome en 1884, est proche de la formation définitive de son style.

Comme pour les autres formes d'art, l'impressionnisme dans la peinture a déjà perdu son utilité et les artistes se sont tournés vers une représentation à la fois naturaliste et néoclassique, nouvelle et dramatique des formes, comme Cézanne. Degas et Renoir s'orientent plus résolument vers une représentation naturaliste du corps humain, tandis que Seurat expose en 1883 son tableau "Bain", dans lequel l'immobilité des personnages marque le tournant vers une nouvelle structure plastique, peut-être symboliste, mais toujours concrète et claire. . Le symbolisme commençait à peine à percer dans les premières œuvres de Gauguin. Le sens naturaliste (avec des traits de symbolisme sur fond social), au contraire, est très net à cette époque dans la littérature, notamment dans les romans de Zola (en 1880 paraît Nana, roman de la vie d'une courtisane). Autour de l'écrivain, se forme un groupe qui se tourne vers l'image d'une réalité plus disgracieuse ou du moins insolite pour la littérature : entre 1880 et 1881, Maupassant choisit une maison close comme décor de ses nouvelles du recueil « La Maison Tellier ».

Toutes ces idées, intentions et tendances se retrouvent facilement chez Manon, grâce à laquelle le compositeur a apporté sa contribution à l'art de l'opéra. Ce début tumultueux est suivi d'un long service à l'opéra, au cours duquel on ne trouve pas toujours le matériau adéquat pour révéler les mérites du compositeur et l'unité du concept créatif n'est pas toujours préservée. En conséquence, divers types de contradictions sont observés au niveau du style. En même temps, passant du vérisme à la décadence, d'un conte de fées à une histoire historique ou exotique avec une utilisation variée de parties vocales et d'un orchestre, Massenet n'a jamais déçu son public, ne serait-ce que grâce à une matière sonore parfaitement ciselée. Dans chacun de ses opéras, même s'ils n'ont pas réussi dans leur ensemble, il y a une page mémorable qui vit une vie indépendante en dehors du contexte général. Toutes ces circonstances ont assuré le grand succès de Massenet sur le marché discographique. En fin de compte, ses meilleurs exemples sont ceux dans lesquels le compositeur est fidèle à lui-même : lyrique et passionné, tendre et sensuel, transmettant son admiration aux parties des personnages principaux les plus en phase avec lui, les amants, dont les caractéristiques ne sont pas étrangères à la sophistication de solutions symphoniques, réalisées avec aisance et dénuées de contraintes d'écoliers.

G. Marchesi (traduit par E. Greceanii)

Auteur de vingt-cinq opéras, de trois ballets, de suites orchestrales populaires (Napolitaine, Alsacienne, Scènes Pittoresques) et de bien d'autres oeuvres dans tous les genres de l'art musical, Massenet fait partie de ces compositeurs dont la vie n'a pas connu d'épreuves sérieuses. Un grand talent, un haut niveau de compétence professionnelle et un flair artistique subtil l'ont aidé à atteindre la reconnaissance publique au début des années 70.

Il découvrit tôt ce qui convenait à sa personnalité; ayant choisi son thème, il n'a pas craint de se répéter ; Il écrivait facilement, sans hésitation, et dans l'intérêt du succès, il était prêt à faire un compromis créatif avec les goûts dominants du public bourgeois.

Jules Massenet est né le 12 mai 1842, enfant il entre au Conservatoire de Paris, dont il sort diplômé en 1863. Après être resté comme lauréat pendant trois ans en Italie, il revient en 1866 à Paris. Une recherche persistante de moyens de gloire commence. Massenet écrit à la fois des opéras et des suites pour orchestre. Mais son individualité se manifestait plus clairement dans les pièces vocales («Pastoral Poem», «Poem of Winter», «April Poem», «October Poem», «Love Poem», «Memories Poem»). Ces pièces ont été écrites sous l'influence de Schumann ; ils dessinent l'entrepôt caractéristique du style vocal ariose de Massenet.

En 1873, il gagne enfin la reconnaissance – d'abord avec la musique de la tragédie d'Eschyle « Erinnia » (traduite librement par Leconte de Lisle), puis – « drame sacré » « Marie-Madeleine », jouée en concert. Avec des mots sincères, Bizet a félicité Massenet pour son succès : « Notre nouvelle école n'a jamais rien créé de tel. Tu m'as rendu fiévreux, méchant ! Oh, toi, un musicien costaud… Merde, tu m'ennuies avec quelque chose ! ..». « Il faut faire attention à ce type », écrit Bizet à l'un de ses amis. "Regardez, il va nous brancher sur la ceinture."

Bizet prévoyait l'avenir: bientôt il a lui-même mis fin à une courte vie et Massenet, dans les décennies à venir, a pris une position de leader parmi les musiciens français contemporains. Les années 70 et 80 ont été les années les plus brillantes et fructueuses de son travail.

"Marie-Madeleine", qui ouvre cette période, est plus proche d'un opéra que d'un oratorio, et l'héroïne, pécheresse pénitente qui croyait au Christ, qui figurait dans la musique du compositeur comme une parisienne moderne, était peinte dans les mêmes couleurs comme la courtisane Manon. Dans ce travail, le cercle préféré d'images et de moyens d'expression de Massenet a été déterminé.

A partir de Dumas fils puis des Goncourt, une galerie de types féminins, gracieux et nerveux, impressionnables et fragiles, sensibles et impulsifs, s'est imposée dans la littérature française. Ce sont souvent de séduisantes pécheresses pénitentes, des « dames du demi-monde », rêvant du confort d'un foyer familial, d'un bonheur idyllique, mais brisées dans la lutte contre l'hypocrite réalité bourgeoise, obligées d'abandonner leurs rêves, d'un proche, d'un la vie … (C'est le contenu des romans et pièces de théâtre de Dumas fils : La Dame aux Camélias (roman – 1848, mise en scène théâtrale – 1852), Diane de Liz (1853), La Dame du Demi-Monde (1855) ; voir aussi le romans des frères Goncourt « René Mauprin » (1864), Daudet « Sapho » (1884) et autres.) Cependant, quels que soient les intrigues, les époques et les pays (réels ou fictifs), Massenet dépeint une femme de son milieu bourgeois, caractérise avec sensibilité son monde intérieur.

Les contemporains appelaient Massenet "le poète de l'âme féminine".

À la suite de Gounod, qui l'a beaucoup influencé, Massenet peut, à plus forte raison, être rangé parmi « l'école de la sensibilité nerveuse ». Mais contrairement au même Gounod, qui utilisait dans ses meilleures œuvres des couleurs plus riches et variées qui créaient un fond objectif pour la vie (surtout dans Faust), Massenet est plus raffiné, élégiaque, plus subjectif. Il est plus proche de l'image de la douceur féminine, de la grâce, de la grâce sensuelle. Conformément à cela, Massenet a développé un style ariose individuel, déclamatoire à la base, transmettant subtilement le contenu du texte, mais très mélodieux, et des «explosions» émotionnelles émergentes de manière inattendue se distinguent par des phrases de large respiration mélodique:

La partie orchestrale se distingue également par la subtilité de la finition. C'est souvent en elle que se développe le principe mélodique, qui contribue à l'unification de la partie vocale intermittente, délicate et fragile :

Une manière semblable sera bientôt typique des opéras des véristes italiens (Leoncavallo, Puccini) ; seules leurs explosions de sentiments sont plus capricieuses et passionnées. En France, cette interprétation de la partie vocale a été adoptée par de nombreux compositeurs de la fin du XXe et du début du XXe siècle.

Mais revenons aux années 70.

La reconnaissance inopinément gagnée a inspiré Massenet. Ses œuvres sont souvent jouées en concert (Scènes pittoresques, l'Ouverture de Phèdre, la Troisième Suite orchestrale, le Drame sacré Eve et autres), et le Grand Opéra met en scène l'opéra King Lagorsky (1877, de la vie indienne ; les conflits religieux servent de toile de fond ). Encore un grand succès : Massenet est couronné des lauriers d'un académicien – à trente-six ans, il devient membre de l'Institut de France et est bientôt invité comme professeur au conservatoire.

Cependant, dans «Le roi de Lagorsk», ainsi que plus tard écrit «Esclarmonde» (1889), il reste encore beaucoup de la routine du «grand opéra» - ce genre traditionnel du théâtre musical français qui a depuis longtemps épuisé ses possibilités artistiques. Massenet se retrouve pleinement dans ses meilleures œuvres – « Manon » (1881-1884) et « Werther » (1886, créée à Vienne en 1892).

Ainsi, à l'âge de quarante-cinq ans, Massenet atteint la renommée souhaitée. Mais, continuant à travailler avec la même intensité, au cours des vingt-cinq années suivantes de sa vie, il élargit non seulement ses horizons idéologiques et artistiques, mais appliqua les effets théâtraux et les moyens d'expression qu'il avait précédemment développés à diverses intrigues lyriques. Et malgré le fait que les premières de ces œuvres aient été meublées avec une pompe constante, la plupart d'entre elles sont à juste titre oubliées. Les quatre opéras suivants présentent néanmoins un intérêt incontestable : « Thaïs » (1894, on reprend l'intrigue du roman d'A. France), qui, par la subtilité du schéma mélodique, se rapproche de « Manon » ; "Navarreca" (1894) et "Sappho" (1897), reflétant des influences véristes (le dernier opéra a été écrit d'après le roman d'A. Daudet, l'intrigue proche de "La Dame aux camélias" de Dumas fils, et donc de " La Traviata » ; dans « Sappho » de nombreuses pages de musique passionnante et véridique) ; "Don Quichotte" (1910), où Chaliapine choque le public dans le rôle-titre.

Massenet est décédé le 13 août 1912.

Pendant dix-huit ans (1878-1896), il enseigne une classe de composition au Conservatoire de Paris, formant de nombreux élèves. Parmi eux se trouvaient les compositeurs Alfred Bruno, Gustave Charpentier, Florent Schmitt, Charles Kouklin, le classique de la musique roumaine, George Enescu, et d'autres qui se sont ensuite fait connaître en France. Mais même ceux qui n'ont pas étudié avec Massenet (par exemple, Debussy) ont été influencés par son style vocal nerveusement sensible, flexible dans l'expressivité, ariose-déclamatoire.

* * *

L'intégrité de l'expression lyrico-dramatique, la sincérité, la véracité dans la transmission des sentiments frémissants, tels sont les mérites des opéras de Massenet, qui se révèlent le plus clairement chez Werther et Manon. Cependant, le compositeur a souvent manqué de force masculine pour transmettre les passions de la vie, les situations dramatiques, le contenu conflictuel, puis une certaine sophistication, parfois une douceur de salon, a percé dans sa musique.

Ce sont là des signes symptomatiques de la crise du genre éphémère de l'« opéra lyrique » français, qui se dessine dès les années 60, et dans les années 70 absorbe intensément les nouvelles tendances progressistes issues de la littérature moderne, de la peinture, du théâtre. Néanmoins, déjà alors se sont révélés en lui les traits de la limitation, qui ont été mentionnés ci-dessus (dans l'essai consacré à Gounod).

Le génie de Bizet a dépassé les limites étroites de « l'opéra lyrique ». Dramatisant et élargissant le contenu de ses premières compositions musicales et théâtrales, reflétant plus fidèlement et profondément les contradictions de la réalité, il atteint les sommets du réalisme dans Carmen.

Mais la culture lyrique française n'est pas restée à ce niveau, car ses maîtres les plus éminents des dernières décennies du 60e siècle n'ont pas eu l'adhésion intransigeante de Bizet aux principes pour affirmer leurs idéaux artistiques. Depuis la fin des années 1877, en raison du renforcement des caractéristiques réactionnaires de la vision du monde, Gounod, après la création de Faust, Mireil et Roméo et Juliette, s'est écarté des traditions nationales progressistes. Saint-Saens, à son tour, n'a pas fait preuve de cohérence dans ses recherches créatives, était éclectique, et ce n'est que dans Samson et Delilah (1883) qu'il a obtenu un succès significatif, mais pas complet. Dans une certaine mesure, certaines réalisations dans le domaine de l'opéra étaient également unilatérales : Delibes (Lakme, 1880), Lalo (Roi de la Ville d'Is, 1886), Chabrier (Gwendoline, XNUMX). Toutes ces œuvres incarnent des intrigues différentes, mais dans leur interprétation musicale, les influences des opéras « grandioses » et « lyriques » se croisent à un degré ou à un autre.

Massenet s'est également essayé aux deux genres, et il a tenté en vain de mettre à jour le style obsolète du « grand opéra » avec des paroles directes, une intelligibilité des moyens d'expression. Il est surtout attiré par ce que Gounod fixe dans Faust, qui sert à Massenet de modèle artistique inaccessible.

Cependant, la vie sociale de la France après la Commune de Paris a proposé de nouvelles tâches aux compositeurs - il était nécessaire de révéler plus nettement les véritables conflits de la réalité. Bizet a réussi à les capturer à Carmen, mais Massenet a éludé cela. Il s'est enfermé dans le genre de l'opéra lyrique et a encore restreint son sujet. En tant qu'artiste majeur, l'auteur de Manon et Werther a bien sûr partiellement reflété dans ses œuvres les expériences et les pensées de ses contemporains. Cela a particulièrement affecté le développement de moyens d'expressivité pour un discours musical nerveusement sensible, plus conforme à l'esprit de la modernité; ses réalisations sont significatives tant dans la construction des scènes lyriques "à travers" de l'opéra que dans l'interprétation psychologique subtile de l'orchestre.

Dans les années 90, ce genre favori de Massenet s'est épuisé. L'influence du vérisme lyrique italien commence à se faire sentir (y compris dans l'œuvre de Massenet lui-même). De nos jours, les thèmes modernes s'affirment plus activement dans le théâtre musical français. Citons à cet égard les opéras d'Alfred Bruno (Le Rêve d'après le roman de Zola, 1891 ; Le Siège du Moulin d'après Maupassant, 1893, etc.), qui ne sont pas sans traits de naturalisme, et notamment l'opéra Louise de Charpentier. (1900), dans lequel, à bien des égards, une représentation réussie, bien que quelque peu vague, insuffisamment dramatique des images de la vie parisienne moderne.

La mise en scène de Pelléas et Mélisande de Claude Debussy en 1902 ouvre une nouvelle période dans la culture musicale et théâtrale française – l'impressionnisme devient le courant stylistique dominant.

M. Druskin

Compositions:

Opéras (total 25) A l'exception des opéras « Manon » et « Werther », seules les dates de créations sont indiquées entre parenthèses. "Grand-mère", livret d'Adeny et Granvallet (1867) "Ful King's Cup", livret de Galle et Blo (1867) "Don Cesar de Bazan", livret de d'Ennery, Dumanois et Chantepie (1872) "Roi de Lahore" , livret de Galle (1877) Herodias, livret de Millet, Gremont et Zamadini (1881) Manon, livret de Méliac et Gilles (1881-1884) « Werther », livret de Blo, Mille et Gartmann (1886, création — 1892) » Le Sid », livret de d'Ennery, Blo et Galle (1885) « Ésclarmonde », livret de Blo et Gremont (1889) Le Magicien, livret de Richpin (1891) « Thais », livret de Galle (1894) « Portrait de Manon », livret de Boyer (1894) « Navarreca », livret de Clarty et Ken (1894) Sappho, livret de Kena et Berneda (1897) Cendrillon, livret de Ken (1899) Griselda, livret de Sylvester et Moran (1901) » Le jongleur de Notre-Dame », livret de Len (1902) Cherub, livret de Croisset et Ken (1905) Ariana, livret de Mendes (1906) Teresa, livret de Clarty (1907) « Vakh » (1910) Don Quichotte, livret b y Ken (1910) Rome, livret de Ken (1912) « Amadis » (posthume) « Cleopatra », livret de Payen (posthume)

Autres œuvres musicales-théâtrales et cantates-oratorio Musique pour la tragédie d'Eschyle "Erinnia" (1873) "Marie-Madeleine", drame sacré Halle (1873) Eve, un drame sacré Halle (1875) Narcisse, idylle antique de Collin (1878) "La Vierge Immaculée", la légende sacrée de Grandmougins (1880) « Carillon », mime et légende de la danse (1892) « Terre Promise », oratorio (1900) Libellule, ballet (1904) « Espagne », ballet (1908)

Œuvres symphoniques Pompéi, suite pour orchestre (1866) Première suite pour orchestre (1867) « Scènes hongroises » (Deuxième suite pour orchestre) (1871) « Scènes pittoresques » (1871) Troisième suite pour orchestre (1873) Ouverture « Phèdre » (1874) » Scènes dramatiques selon Shakespeare » (1875) « Scènes napolitaines » (1882) « Scènes alsaciennes » (1882) « Scènes enchanteresses » (1883) et autres

En outre, il existe de nombreuses compositions différentes pour piano, environ 200 romances ("Intimate Songs", "Pastoral Poem", "Poem of Winter", "Poem of Love", "Poem of Memories" et autres), des œuvres pour instrument de chambre ensembles.

Écrits littéraires "Mes souvenirs" (1912)