Jean-Marie Leclair |
Musiciens Instrumentistes

Jean-Marie Leclair |

Jean-Marie Leclair

Date de naissance
10.05.1697
Date de décès
22.10.1764
Profession
compositeur, instrumentiste
Pays
France
Jean-Marie Leclair |

On peut encore trouver des sonates de l'éminent violoniste français de la première moitié du XXe siècle, Jean-Marie Leclerc, dans les programmes des violonistes de concert. Particulièrement connu est celui en ut mineur, qui porte le sous-titre «Remembrance».

Cependant, pour comprendre son rôle historique, il est nécessaire de connaître le milieu dans lequel s'est développé l'art violonistique de France. Plus longtemps que dans d'autres pays, le violon a été évalué ici comme un instrument plébéien et l'attitude à son égard était dédaigneuse. L'alto régnait dans la vie musicale noble et aristocratique. Son son doux et feutré répondait pleinement aux besoins des nobles jouant de la musique. Le violon servait plus tard aux fêtes nationales - bals et mascarades dans les maisons aristocratiques, le jouer était considéré comme humiliant. Jusqu'à la fin du 24e siècle, l'interprétation du violon solo de concert n'existait pas en France. Certes, au XVIe siècle, plusieurs violonistes issus du peuple et possédant un talent remarquable ont acquis une renommée. Il s'agit de Jacques Cordier, surnommé Bokan et de Louis Constantin, mais ils ne se sont pas produits en solistes. Bokan a donné des cours de danse à la cour, Constantin a travaillé dans l'ensemble de salle de bal de la cour, appelé «XNUMX Violons du roi».

Les violonistes ont souvent agi en tant que maîtres de danse. En 1664, paraît le livre du violoniste Dumanoir Le Mariage de la musique et de la danse ; l'auteur de l'une des écoles de violon de la première moitié du 1718e siècle (publié au XNUMX) Dupont se qualifie de «professeur de musique et de danse».

Le fait qu'initialement (depuis la fin du 1582e siècle) il ait été utilisé dans la musique de cour dans le soi-disant «Ensemble stable» témoigne du mépris pour le violon. L'ensemble (« chœur ») de l'écurie s'appelait la chapelle des instruments à vent, qui servait aux chasses royales, aux voyages, aux pique-niques. En 24, les instruments de violon ont été séparés de «l'Ensemble Stable» et le «Grand Ensemble de Violonistes» ou autrement «XNUMX Violons du Roi» a été formé à partir d'eux pour jouer dans des ballets, des bals, des mascarades et servir des repas royaux.

Le ballet a eu une grande importance dans le développement de l'art du violon français. Vie de cour luxuriante et colorée, ce genre de représentations théâtrales était particulièrement proche. Il est caractéristique que plus tard la danse soit devenue presque une caractéristique stylistique nationale de la musique française pour violon. Elégance, grâce, coups plastiques, grâce et élasticité des rythmes sont les qualités inhérentes à la musique violonistique française. Dans les ballets de cour, notamment J.-B. Lully, le violon a commencé à gagner la place de l'instrument soliste.

Tout le monde ne sait pas que le plus grand compositeur français du XVIe siècle, J.-B. Lully jouait superbement du violon. Par son travail, il a contribué à la reconnaissance de cet instrument en France. Il réalise la création à la cour du « Petit Ensemble » de violonistes (sur 16, puis 21 musiciens). En combinant les deux ensembles, il a reçu un orchestre impressionnant qui accompagnait les ballets d'apparat. Mais surtout, le violon s'est vu confier des numéros solistes dans ces ballets; dans Le Ballet des Muses (1866), Orphée est monté sur scène en jouant du violon. Il est prouvé que Lully a personnellement joué ce rôle.

Le niveau de compétence des violonistes français à l'époque de Lully peut être jugé par le fait que dans son orchestre, les interprètes ne possédaient l'instrument qu'en première position. Une anecdote a été conservée selon laquelle lorsqu'une note a été rencontrée dans des parties de violon à sur la quinte, qu'on pouvait « atteindre » en tendant le quatrième doigt sans quitter la première position, elle balayait l'orchestre : « attention – to !

Déjà au début du 1712e siècle (en 1715), l'un des musiciens français, le théoricien et violoniste Brossard, soutenait que dans les positions élevées le son du violon est forcé et désagréable ; "en un mot. ce n'est plus un violon. En XNUMX, lorsque les sonates en trio de Corelli sont arrivées en France, aucun des violonistes ne pouvait les jouer, car ils ne possédaient pas trois positions. "Le régent, le duc d'Orléans, grand amateur de musique, voulant les entendre, a été contraint de laisser trois chanteurs les chanter... et seulement quelques années plus tard, il y avait trois violonistes qui pouvaient les interpréter."

Au début du XXe siècle, l'art du violon de France commence à se développer rapidement et, dès les années 20, des écoles de violonistes s'étaient déjà formées, formant deux courants: le «français», qui a hérité des traditions nationales remontant à Lully, et le « italien », qui était sous la forte influence de Corelli. Une lutte acharnée éclate entre eux, match pour la future guerre des bouffons, ou les affrontements des « glukistes » et des « picchinistes ». Les Français ont toujours été expansifs dans leurs expériences musicales ; de plus, à cette époque, l'idéologie des encyclopédistes commençait à mûrir et des disputes passionnées étaient menées sur tout phénomène social, artistique, littéraire.

F. Rebel (1666-1747) et J. Duval (1663-1728) appartenaient aux violonistes lullistes, M. Maschiti (1664-1760) et J.-B. Sénaye (1687-1730). La tendance « française » a développé des principes particuliers. Il était caractérisé par la danse, la grâce, les coups courts et marqués. En revanche, les violonistes, influencés par l'art du violon italien, ont recherché la mélodie, une cantilène large et riche.

La force des différences entre les deux courants peut être jugée par le fait qu'en 1725, le célèbre claveciniste français François Couperin a publié une œuvre intitulée "L'Apothéose de Lully". Il « décrit » (chaque numéro est accompagné d'un texte explicatif) comment Apollon a offert à Lully sa place sur le Parnasse, comment il y rencontre Corelli et Apollo convainc tous deux que la perfection de la musique ne peut être atteinte qu'en combinant muses françaises et italiennes.

Un groupe des violonistes les plus talentueux a pris le chemin d'une telle association, parmi lesquels les frères Francoeur Louis (1692-1745) et François (1693-1737) et Jean-Marie Leclerc (1697-1764) se sont particulièrement distingués.

Ce dernier peut à juste titre être considéré comme le fondateur de l'école française de violon classique. Dans la créativité et l'interprétation, il a synthétisé de manière organique les courants les plus divers de cette époque, rendant le plus profond hommage aux traditions nationales françaises, les enrichissant de ces moyens d'expression conquis par les écoles italiennes de violon. Corelli-Vivaldi-Tartini. Le biographe de Leclerc, le savant français Lionel de la Laurencie, considère les années 1725-1750 comme l'époque de la première floraison de la culture française du violon, qui comptait déjà à cette époque de nombreux violonistes brillants. Parmi eux, il attribue la place centrale à Leclerc.

Leclerc est né à Lyon, dans la famille d'un maître artisan (de profession galon). Son père épousa la jeune Benoist-Ferrier le 8 janvier 1695 et eut huit enfants d'elle - cinq garçons et trois filles. L'aîné de cette progéniture était Jean-Marie. Il est né le 10 mai 1697.

Selon des sources anciennes, le jeune Jean-Marie a fait ses débuts artistiques à l'âge de 11 ans en tant que danseur à Rouen. En général, ce n'était pas surprenant, car de nombreux violonistes en France pratiquaient la danse. Cependant, sans renier ses activités dans ce domaine, Laurency exprime des doutes sur le fait que Leclerc soit vraiment allé à Rouen. Très probablement, il a étudié les deux arts dans sa ville natale, et même alors, apparemment, progressivement, puisqu'il s'attendait principalement à exercer le métier de son père. Laurency prouve qu'il y avait un autre danseur de Rouen qui portait le nom de Jean Leclerc.

A Lyon, le 9 novembre 1716, il épouse Marie-Rose Castagna, fille d'un marchand de spiritueux. Il avait alors un peu plus de dix-neuf ans. Déjà à cette époque, il était évidemment engagé non seulement dans le métier de galon, mais maîtrisait également le métier de musicien, puisqu'à partir de 1716, il figurait sur les listes des invités à l'Opéra de Lyon. Il a probablement reçu sa formation initiale de violon de son père, qui l'a initié non seulement à lui, mais à tous ses fils, à la musique. Les frères de Jean-Marie jouaient dans des orchestres lyonnais et son père était répertorié comme violoncelliste et professeur de danse.

L'épouse de Jean-Marie avait des parents en Italie, et peut-être par leur intermédiaire, Leclerc fut invité en 1722 à Turin en tant que premier danseur du ballet de la ville. Mais son séjour dans la capitale piémontaise fut de courte durée. Un an plus tard, il s'installe à Paris, où il publie le premier recueil de sonates pour violon avec basse numérisée, le dédiant à M. Bonnier, trésorier de l'État de la province du Languedoc. Bonnier s'est acheté le titre de baron de Mosson pour de l'argent, avait son propre hôtel à Paris, deux résidences de campagne - "Pas d'etrois" à Montpellier et le château de Mosson. Lors de la fermeture du théâtre à Turin, en lien avec la mort de la princesse de Piémont. Leclerc vécut deux mois chez ce mécène.

En 1726, il s'installe à nouveau à Turin. L'orchestre royal de la ville était dirigé par le célèbre élève de Corelli et le professeur de violon de première classe Somis. Leclerc a commencé à prendre des leçons de lui, faisant des progrès incroyables. En conséquence, déjà en 1728, il put se produire à Paris avec un brillant succès.

Pendant cette période, le fils de Bonnier récemment décédé commence à le fréquenter. Il loge Leclerc dans son hôtel de Sainte-Dominique. Leclerc lui dédie le deuxième recueil de sonates pour violon seul avec basse et 6 sonates pour 2 violons sans basse (Op. 3), publié en 1730. Leclerc joue souvent dans le Concerto Spirituel, renforçant sa renommée de soliste.

En 1733, il rejoint les musiciens de la cour, mais pas pour longtemps (jusqu'en 1737 environ). La raison de son départ est une drôle d'histoire qui s'est déroulée entre lui et son rival, l'exceptionnel violoniste Pierre Guignon. Chacun était tellement jaloux de la gloire de l'autre qu'il n'accepta pas de jouer la deuxième voix. Enfin, ils ont convenu de changer de place tous les mois. Guignon a donné à Leclair le début, mais lorsque le mois s'est écoulé et qu'il a dû passer au second violon, il a choisi de quitter le service.

En 1737, Leclerc se rend en Hollande, où il rencontre le plus grand violoniste de la première moitié du XXe siècle, élève de Corelli, Pietro Locatelli. Ce compositeur original et puissant a eu une grande influence sur Leclerc.

De Hollande, Leclerc retourna à Paris, où il resta jusqu'à sa mort.

De nombreuses éditions d'œuvres et de fréquentes représentations en concerts ont renforcé le bien-être du violoniste. En 1758, il achète une maison à étage avec jardin rue Carem-Prenant en banlieue parisienne. La maison était dans un coin tranquille de Paris. Leclerc y vivait seul, sans domestiques et sans sa femme, qui rendait le plus souvent visite à des amis du centre-ville. Le séjour de Leclerc dans un endroit aussi reculé inquiète ses admirateurs. Le duc de Grammont propose à plusieurs reprises de vivre avec lui, tandis que Leclerc préfère la solitude. Le 23 octobre 1764, au petit matin, un jardinier, du nom de Bourgeois, passant près de la maison, remarque une porte entrouverte. Presque simultanément, le jardinier de Leclerc, Jacques Peizan, s'approche et tous deux remarquent le chapeau et la perruque du musicien étendus sur le sol. Effrayés, ils ont appelé les voisins et sont entrés dans la maison. Le corps de Leclerc gisait dans le vestibule. Il a été poignardé dans le dos. Le tueur et les mobiles du crime sont restés non élucidés.

Les dossiers de police donnent une description détaillée des choses laissées par Leclerc. Parmi eux se trouvent une table de style antique garnie d'or, plusieurs chaises de jardin, deux coiffeuses, une commode marquetée, une autre petite commode, une tabatière favorite, une épinette, deux violons, etc. La valeur la plus importante était la bibliothèque. Leclerc était un homme instruit et cultivé. Sa bibliothèque comprenait 250 volumes et contenait les Métamorphoses d'Ovide, le Paradis perdu de Milton, des œuvres de Télémaque, Molière, Virgile.

Le seul portrait survivant de Leclerc est celui du peintre Alexis Loire. Il est conservé au cabinet des estampes de la Bibliothèque nationale de Paris. Leclerc est représenté à demi-visage, tenant à la main une page de papier à musique griffonnée. Il a un visage plein, une bouche charnue et des yeux vifs. Les contemporains prétendent qu'il avait un caractère simple, mais qu'il était une personne fière et réfléchie. Citant l'une des nécrologies, Lorancey cite les mots suivants : « Il se distinguait par la fière simplicité et le caractère brillant d'un génie. Il était sérieux et réfléchi et n'aimait pas le grand monde. Mélancolique et solitaire, il fuit sa femme et préfère vivre loin d'elle et de ses enfants.

Sa notoriété était exceptionnelle. À propos de ses œuvres, des poèmes ont été composés, des critiques enthousiastes ont été écrites. Leclerc était considéré comme un maître reconnu du genre sonate, le créateur du concerto pour violon français.

Ses sonates et concertos sont extrêmement intéressants sur le plan du style, véritable fixation vorace des intonations caractéristiques de la musique violonistique française, allemande et italienne. Chez Leclerc, certaines parties des concertos sonnent assez « bachiennes », bien que dans l'ensemble il soit loin d'un style polyphonique ; on trouve beaucoup de tournures d'intonation, empruntées à Corelli, Vivaldi, et dans les pathétiques « arias » et dans les pétillants rondos finaux, c'est un vrai Français ; Pas étonnant que les contemporains aient tant apprécié son travail précisément pour son caractère national. Des traditions nationales vient le « portrait », la représentation des différentes parties des sonates, dans laquelle elles ressemblent aux miniatures pour clavecin de Couperin. Synthétisant ces éléments très différents de melos, il les fusionne de telle sorte qu'il obtient un style monolithique exceptionnel.

Leclerc n'a écrit que des œuvres pour violon (à l'exception de l'opéra Scylla et Glaucus, 1746) – sonates pour violon avec basse (48), sonates en trio, concertos (12), sonates pour deux violons sans basse, etc.

En tant que violoniste, Leclerc maîtrisait parfaitement la technique de jeu de l'époque et était particulièrement célèbre pour l'exécution d'accords, de doubles notes et la pureté absolue de l'intonation. L'un des amis de Leclerc et fin connaisseur de la musique, Rosois, l'appelle "un génie profond qui transforme la mécanique même du jeu en art". Très souvent, le mot « savant » est utilisé en relation avec Leclerc, ce qui témoigne de l'intellectualisme bien connu de sa performance et de sa créativité et fait penser que beaucoup dans son art le rapprochait des encyclopédistes et traçait la voie vers le classicisme. « Son jeu était sage, mais il n'y avait aucune hésitation dans cette sagesse ; c'était le résultat d'un goût exceptionnel, et non d'un manque de courage ou de liberté.

Voici la critique d'un autre contemporain : « Leclerc fut le premier à joindre l'agréable à l'utile dans ses œuvres ; c'est un compositeur très érudit et il joue des doubles notes avec une perfection difficile à battre. Il a une liaison heureuse de l'archet avec les doigts (main gauche. – LR) et joue avec une pureté exceptionnelle : et si, peut-être, lui est-on parfois reproché d'avoir une certaine froideur dans sa manière de transmettre, alors cela vient d'un manque de tempérament, qui est généralement le maître absolu de presque toutes les personnes. Citant ces critiques, Lorancey souligne les qualités suivantes du jeu de Leclerc : « Un courage délibéré, une virtuosité incomparable, alliée à une correction parfaite ; peut-être un peu de sécheresse avec une certaine clarté et clarté. De plus – majesté, fermeté et tendresse retenue.

Leclerc était un excellent pédagogue. Parmi ses élèves figurent les violonistes les plus célèbres de France – L'Abbé-son, Dovergne et Burton.

Leclerc, avec Gavinier et Viotti, ont fait la gloire de l'art du violon français du XIXème siècle.

L.Raaben

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