Igor Fiodorovitch Stravinski |

Igor Stravinski

… Je suis né au mauvais moment. De tempérament et d'inclination, comme Bach, bien qu'à une échelle différente, je devrais vivre dans l'obscurité et créer régulièrement pour le service établi et Dieu. J'ai survécu dans le monde dans lequel je suis né… J'ai survécu… malgré les marchandages des éditeurs, les festivals de musique, la publicité… I. Stravinski

… Stravinsky est un véritable compositeur russe … L'esprit russe est indestructible au cœur de ce talent vraiment grand et multiforme, né de la terre russe et qui lui est vitalement lié … D. Chostakovitch

La vie créatrice d'I. Stravinsky est une histoire vivante de la musique du 1959e siècle. Comme dans un miroir, il reflète les processus de développement de l'art contemporain, à la recherche curieuse de nouvelles voies. Stravinsky s'est forgé une réputation d'audacieux renverseur de la tradition. Dans sa musique surgissent une pluralité de styles, sans cesse entrecroisés et parfois difficiles à classer, ce qui a valu au compositeur le surnom « d'homme aux mille visages » de la part de ses contemporains. Il est comme le Magicien de son ballet « Petrouchka » : il déplace librement les genres, les formes, les styles sur sa scène de création, comme s'il les subordonnait aux règles de son propre jeu. Arguant que « la musique ne peut s'exprimer que par elle-même », Stravinsky s'est néanmoins efforcé de vivre « con Tempo » (c'est-à-dire avec le temps). Dans "Dialogues", publié en 63-1945, il évoque les bruits de la rue à Saint-Pétersbourg, les festivités de Maslenitsa sur le Champ de Mars, qui, selon lui, l'ont aidé à voir sa Petrouchka. Et le compositeur a parlé de la Symphonie en trois mouvements (XNUMX) comme d'une œuvre liée à des impressions concrètes de la guerre, aux souvenirs des atrocités des chemises brunes à Munich, dont il a lui-même failli être victime.

L'universalisme de Stravinsky est saisissant. Elle se manifeste dans l'étendue de la couverture des phénomènes de la culture musicale mondiale, dans la variété des recherches créatives, dans l'intensité de l'activité performative – pianistique et chef d'orchestre – qui a duré plus de 40 ans. L'ampleur de ses contacts personnels avec des personnes exceptionnelles est sans précédent. N. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, A. Glazunov, V. Stasov, S. Diaghilev, artistes du « Monde de l'Art », A. Matisse, P. Picasso, R. Rolland. T. Mann, A. Gide, C. Chaplin, K. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, P. Hindemith, M. de Falla, G. Faure, E. Satie, les compositeurs français du groupe des Six – ces sont les noms de certains d'entre eux. Tout au long de sa vie, Stravinsky a été au centre de l'attention du public, au carrefour des voies artistiques les plus importantes. La géographie de sa vie couvre de nombreux pays.

Stravinsky a passé son enfance à Saint-Pétersbourg, où, selon lui, "il était passionnant de vivre". Les parents ne cherchaient pas à lui confier le métier de musicien, mais toute la situation était propice à l'épanouissement musical. La maison sonnait constamment de la musique (le père du compositeur F. Stravinsky était un célèbre chanteur du Théâtre Mariinsky), il y avait une grande bibliothèque d'art et de musique. Dès son enfance, Stravinsky est fasciné par la musique russe. À l'âge de dix ans, il a la chance de voir P. Tchaïkovski, qu'il idolâtre, lui dédier bien des années plus tard l'opéra Mavra (1922) et le ballet Le Baiser de la fée (1928). Stravinsky a appelé M. Glinka "le héros de mon enfance". Il appréciait beaucoup M. Moussorgski, le considérait comme «le plus véridique» et affirmait que dans ses propres écrits, il y avait des influences de «Boris Godunov». Des relations amicales sont nées avec les membres du cercle Belyaevsky, en particulier avec Rimsky-Korsakov et Glazunov.

Les intérêts littéraires de Stravinsky se sont formés tôt. Le premier véritable événement pour lui a été le livre de L. Tolstoï «Enfance, adolescence, jeunesse», A. Pouchkine et F. Dostoïevski sont restés des idoles tout au long de sa vie.

Les cours de musique ont commencé à l'âge de 9 ans. C'étaient des cours de piano. Cependant, Stravinsky n'a commencé des études professionnelles sérieuses qu'après 1902, lorsque, en tant qu'étudiant à la faculté de droit de l'Université de Saint-Pétersbourg, il a commencé à étudier avec Rimsky-Korsakov. Parallèlement, il se lie avec S. Diaghilev, les artistes du "Monde de l'Art", assistent aux "Soirées de la Musique Moderne", concerts de musique nouvelle, arrangés par A. Siloti. Tout cela a servi d'impulsion à une maturation artistique rapide. Les premières expériences de composition de Stravinsky – la Sonate pour piano (1904), la Suite vocale et symphonique du Faune et la Bergère (1906), la Symphonie en mi bémol majeur (1907), le Scherzo fantastique et Feu d'artifice pour orchestre (1908) sont marquées par l'influence de l'école Rimsky-Korsakov et des impressionnistes français. Pourtant, à partir du moment où les ballets L'Oiseau de feu (1910), Petrouchka (1911), Le Sacre du printemps (1913), commandés par Diaghilev pour les Saisons russes, ont été montés à Paris, il y a eu un essor créatif colossal dans la genre que Stravinsky dans Il affectionna particulièrement plus tard car, selon ses mots, le ballet est "la seule forme d'art théâtral qui met les tâches de la beauté et rien de plus comme pierre angulaire".

La triade de ballets ouvre la première – « russe » – période de créativité, nommée ainsi non pas pour le lieu de résidence (depuis 1910, Stravinsky a longtemps vécu à l'étranger, et en 1914 s'est installé en Suisse), mais grâce aux particularités de pensée musicale apparue à cette époque, profondément essentiellement nationale. Stravinsky s'est tourné vers le folklore russe, dont les différentes couches se réfractaient de manière très particulière dans la musique de chacun des ballets. L'oiseau de feu impressionne par sa générosité exubérante de couleurs orchestrales, ses contrastes éclatants de paroles poétiques de rondes et de danses enflammées. Dans "Petrushka", appelée par A. Benois "ballet mule", mélodies citadines, populaires au début du siècle, sonore, l'image bigarrée bruyante des festivités du mardi gras prend vie, à laquelle s'oppose la figure solitaire de la souffrance Pétrouchka. L'ancien rite païen du sacrifice déterminait le contenu de la « source sacrée », qui incarnait l'impulsion élémentaire pour le renouveau printanier, les puissantes forces de destruction et de création. Le compositeur, plongeant dans les profondeurs de l'archaïsme folklorique, renouvelle si radicalement le langage musical et les images que le ballet fait l'effet d'une bombe qui explose sur ses contemporains. « Phare géant du XXe siècle » l'appelait le compositeur italien A. Casella.

Au cours de ces années, Stravinsky a composé de manière intensive, travaillant souvent sur plusieurs œuvres qui étaient à la fois complètement différentes dans leur caractère et leur style. Ce sont, par exemple, les scènes chorégraphiques russes Les Noces (1914-23), qui font en quelque sorte écho au Sacre du printemps, et l'opéra délicieusement lyrique Le Rossignol (1914). Le Conte du renard, du coq, du chat et du mouton, qui renoue avec les traditions du théâtre bouffon (1917), côtoie L'Histoire d'un soldat (1918), où les mélos russes commencent déjà à se neutraliser, tombant dans la sphère du constructivisme et des éléments jazz.

En 1920, Stravinsky s'installe en France et en 1934, il prend la nationalité française. Ce fut une période d'activité créatrice et scénique extrêmement riche. Pour la jeune génération de compositeurs français, Stravinsky est devenu la plus haute autorité, le « maître de la musique ». Cependant, l'échec de sa candidature à l'Académie française des Beaux-Arts (1936), les liens commerciaux toujours plus étroits avec les États-Unis, où il donna deux concerts avec succès, et donna en 1939 un cours d'esthétique à l'Université de Harvard - tout cela l'a incité à déménager au début de la seconde guerre mondiale en Amérique. Il s'installe à Hollywood (Californie) et en 1945 accepte la citoyenneté américaine.

Le début de la période « parisienne » de Stravinsky coïncide avec un tournant marqué vers le néoclassicisme, même si, dans l'ensemble, l'image d'ensemble de son œuvre est plutôt hétéroclite. À partir du ballet Pulcinella (1920) sur la musique de G. Pergolesi, il crée toute une série d'œuvres de style néoclassique : les ballets Apollo Musagete (1928), Playing Cards (1936), Orpheus (1947) ; l'opéra-oratorio Oedipus Rex (1927); le mélodrame Perséphone (1938); l'opéra The Rake's Progress (1951); Octuor pour vents (1923), Symphonie de psaumes (1930), Concerto pour violon et orchestre (1931) et autres. Le néoclassicisme de Stravinsky a un caractère universel. Le compositeur modélise divers styles musicaux de l'époque de JB Lully, JS Bach, KV Gluck, visant à établir "la domination de l'ordre sur le chaos". Ceci est caractéristique de Stravinsky, qui s'est toujours distingué par sa recherche d'une stricte discipline rationnelle de la créativité, qui ne permettait pas les débordements émotionnels. Oui, et le processus même de composition musicale que Stravinsky a effectué non pas sur un coup de tête, mais "quotidiennement, régulièrement, comme une personne avec l'heure officielle".

Ce sont ces qualités qui ont déterminé la particularité de la prochaine étape de l'évolution créative. Dans les années 50-60. le compositeur plonge dans la musique de l'ère pré-Bach, se tourne vers des intrigues bibliques et cultes, et commence à partir de 1953 à appliquer une technique de composition dodécaphonique rigoureusement constructive. Hymne sacré en l'honneur de l'apôtre Marc (1955), ballet Agon (1957), Monument du 400e anniversaire de Gesualdo di Venosa pour orchestre (1960), cantate-allégorie Le Déluge dans l'esprit des mystères anglais du 1962e siècle. (1966), Requiem («Chants pour les morts», XNUMX) - ce sont les œuvres les plus importantes de cette époque.

Le style de Stravinsky y devient de plus en plus ascétique, neutre de manière constructive, bien que le compositeur lui-même parle de la préservation des origines nationales dans son œuvre : « J'ai parlé russe toute ma vie, j'ai un style russe. Peut-être que dans ma musique ce n'est pas immédiatement visible, mais c'est inhérent, c'est dans sa nature cachée. L'une des dernières compositions de Stravinsky était un canon sur le thème de la chanson russe «Not the Pine at the Gates Swayed», qui a été utilisée plus tôt dans la finale du ballet «Firebird».

Ainsi, complétant sa vie et son parcours créatif, le compositeur est revenu aux origines, à une musique qui personnifiait le lointain passé russe, dont le désir était toujours présent quelque part au fond du cœur, perçant parfois dans les déclarations, et surtout intensifié après La visite de Stravinsky en Union soviétique à l'automne 1962. C'est alors qu'il a prononcé les mots significatifs : « Une personne a un lieu de naissance, une patrie - et le lieu de naissance est le facteur principal de sa vie.

O. Averyanova

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