Herman Galynine |
Herman Galynine
Je suis heureux et fier qu'Herman m'ait bien traité, car j'ai eu la chance de le connaître et de voir fleurir son grand talent. Extrait d'une lettre de D. Chostakovitch
L'œuvre de G. Galynine est l'une des pages les plus brillantes de la musique soviétique d'après-guerre. L'héritage laissé par lui est peu nombreux, les principales œuvres appartiennent au domaine des genres choral, concerto-symphonique et instrument de chambre: l'oratorio "La fille et la mort" (1950-63), 2 concertos pour piano et orchestre ( 1946, 1965), "Epic Poem" pour orchestre symphonique (1950), Suite pour orchestre à cordes (1949), 2 quatuors à cordes (1947, 1956), Trio avec piano (1948), Suite pour piano (1945).
Il est facile de voir que la plupart des œuvres ont été écrites au cours des cinq années 1945-50. C'est le temps que le destin tragique a donné à Galynin pour une créativité à part entière. En fait, tous les éléments les plus importants de son héritage ont été créés pendant ses années d'études. Malgré toute sa singularité, l'histoire de la vie de Galynine est caractéristique d'un nouvel intellectuel soviétique, originaire du peuple, qui a réussi à rejoindre les sommets de la culture mondiale.
Orphelin ayant perdu ses parents très tôt (son père était ouvrier à Tula), à l'âge de 12 ans, Galynine se retrouve dans un orphelinat, qui remplace sa famille. Déjà à cette époque, les capacités artistiques exceptionnelles du garçon se manifestaient: il dessinait bien, était un participant indispensable aux représentations théâtrales, mais il était surtout attiré par la musique - il maîtrisait tous les instruments de l'orchestre d'instruments folkloriques de l'orphelinat, le folk transcrit chansons pour lui. Née dans cette atmosphère bienveillante, la première œuvre du jeune compositeur – «Marche» pour piano est devenue une sorte de laissez-passer pour l'école de musique du Conservatoire de Moscou. Après avoir étudié pendant un an au département préparatoire, en 1938, Galynine a été inscrit au cours principal.
Dans l'environnement hautement professionnel de l'école, où il a communiqué avec des musiciens exceptionnels - I. Sposobin (harmonie) et G. Litinsky (composition), le talent de Galynin a commencé à se développer avec une force et une rapidité incroyables - ce n'est pas pour rien que ses camarades ont considéré lui la principale autorité artistique. Toujours avide de tout ce qui est nouveau, intéressant, extraordinaire, attirant invariablement camarades et collègues, pendant ses années d'école, Galynine aimait particulièrement le piano et la musique de théâtre. Et si les sonates pour piano et les préludes reflétaient l'excitation juvénile, l'ouverture et la subtilité des sentiments du jeune compositeur, alors la musique de l'intermède de M. Cervantes «La grotte de Salamanque» est un penchant pour la caractérisation pointue, l'incarnation de la joie de vivre .
Ce qui a été trouvé au début du chemin a été poursuivi dans les travaux ultérieurs de Galynin - principalement dans les concertos pour piano et dans la musique de la comédie de J. Fletcher The Taming of the Tamer (1944). Déjà dans ses années d'école, tout le monde était émerveillé par le style de jeu original «Galynin» au piano, d'autant plus surprenant qu'il n'a jamais étudié systématiquement l'art pianistique. "Sous ses doigts, tout est devenu grand, pesant, visible… Le pianiste-interprète et le créateur ici, pour ainsi dire, ont fusionné en un seul tout", se souvient A. Kholminov, condisciple de Galynine.
En 1941, un étudiant de première année du Conservatoire de Moscou, Galynine, s'est porté volontaire pour le front, mais même ici, il ne s'est pas séparé de la musique - il a dirigé des activités d'art amateur, composé des chansons, des marches et des chœurs. Ce n'est qu'après 3 ans qu'il est retourné dans la classe de composition de N. Myaskovsky, puis - en raison de sa maladie - il a été transféré dans la classe de D. Chostakovitch, qui a déjà remarqué le talent d'un nouvel étudiant.
Les années de conservatoire - l'époque de la formation de Galynine en tant que personne et musicien, son talent entre dans son apogée. Les meilleures compositions de cette période – le Premier Concerto pour piano, le Premier Quatuor à cordes, le Trio avec piano, la Suite pour cordes – attirent immédiatement l'attention des auditeurs et des critiques. Les années d'études sont couronnées par deux œuvres majeures du compositeur - l'oratorio "La fille et la mort" (d'après M. Gorki) et l'orchestre "Poème épique", qui est rapidement devenu très répertoire et a reçu le prix d'État en 2.
Mais une grave maladie guette déjà Galynine et ne lui permet pas de révéler pleinement son talent. Les années suivantes de sa vie, il combattit courageusement la maladie, essayant de donner chaque minute arrachée d'elle à sa musique préférée. C'est ainsi que sont nés le Deuxième Quatuor, le Deuxième Concerto pour piano, le Concerto grosso pour piano seul, l'Aria pour violon et orchestre à cordes, les premières sonates pour piano et l'oratorio "La fille et la mort" dont l'interprétation est devenue un événement dans la vie musicale des années 60.
Galynine était un artiste véritablement russe, avec une vision profonde, pointue et moderne du monde. Comme dans sa personnalité, les œuvres du compositeur captivent par leur plénitude remarquable, leur santé mentale, tout en elles est façonné grand, convexe, significatif. La musique de Galynine est tendue dans la pensée, une nette inclination vers les énoncés épiques et pittoresques y est mise en valeur par un humour juteux et des paroles douces et retenues. La nature nationale de la créativité est également indiquée par le mélodisme des chansons, un chant large, un système spécial «maladroit» d'harmonie et d'orchestration, qui remonte aux «irrégularités» de Moussorgski. Dès les premiers pas du parcours de composition de Galynine, sa musique est devenue un phénomène notable de la culture musicale soviétique, "parce que", selon E. Svetlanov, "une rencontre avec la musique de Galynine est toujours une rencontre avec la beauté qui enrichit une personne, comme tout vraiment belle dans l'art ».
G. Jdanova
