Giya Kancheli |

Giya Kancheli

Un grand talent musical, qui occupe une place absolument originale à l'international. L. Nono

Un ascète au tempérament maximaliste, avec la retenue d'un Vésuve caché. R. Chchedrine

Un maître qui sait dire quelque chose de nouveau avec les moyens les plus simples qui ne peuvent être confondus avec rien, peut-être même unique. W.Loup

L'originalité de la musique de G. Kancheli, à qui sont dédiées les lignes ci-dessus, se conjugue à la plus grande ouverture de style avec sa sélectivité la plus stricte, le sol national à la portée universelle des idées artistiques, la vie turbulente des émotions à la sublimité de leur expression, la simplicité avec la profondeur et l'accessibilité avec une nouveauté passionnante. Une telle combinaison ne semble paradoxale que dans le récit verbal, alors que la formation même de la musique de l'auteur géorgien est toujours organique, soudée par une intonation vive et chantante par nature. Il s'agit d'un reflet artistique intégral du monde moderne dans sa désharmonie complexe.

La biographie du compositeur n'est pas trop riche en événements extérieurs. Il a grandi à Tbilissi, dans la famille d'un médecin. Ici, il est diplômé de l'école de musique de sept ans, puis de la faculté de géologie de l'université, et seulement en 1963 – du conservatoire de la classe de composition de I. Tuski. Déjà dans ses années d'études, la musique de Kancheli était au centre de discussions critiques qui ne s'arrêtèrent que lorsque le compositeur reçut le prix d'État de l'URSS en 1976, puis s'enflammèrent avec une vigueur renouvelée. Certes, si au début on a reproché à Kancheli l'éclectisme, l'expression insuffisamment vivante de sa propre individualité et de son esprit national, puis plus tard, lorsque le style de l'auteur s'est complètement formé, on a commencé à parler d'auto-répétition. Pendant ce temps, même les premières œuvres du compositeur ont révélé «sa propre compréhension du temps musical et de l'espace musical» (R. Shchedrin), et par la suite il a suivi le chemin choisi avec une persévérance enviable, ne se permettant pas de s'arrêter ou de se reposer sur ce qu'il avait accompli . Dans chacune de ses œuvres suivantes, Kancheli, selon ses aveux, cherche à "se trouver au moins une marche vers le haut, pas vers le bas". C'est pourquoi il travaille lentement, passant plusieurs années à terminer une œuvre, et il continue généralement à éditer le manuscrit même après la création, jusqu'à la publication ou l'enregistrement sur un disque.

Mais parmi les quelques œuvres de Kancheli, on ne trouve pas d'œuvres expérimentales ou passagères, encore moins d'échecs. Un éminent musicologue géorgien, G. Ordzhonikidze, a comparé son travail à "l'escalade d'une montagne : de chaque hauteur, l'horizon est projeté plus loin, révélant des distances inédites et vous permettant de plonger dans les profondeurs de l'existence humaine". Parolier né, Kancheli s'élève de l'équilibre objectif de l'épopée à la tragédie, sans perdre la sincérité et l'immédiateté de l'intonation lyrique. Ses sept symphonies sont en quelque sorte sept vies revécues, sept chapitres d'une épopée sur l'éternelle lutte entre le bien et le mal, sur le difficile destin de la beauté. Chaque symphonie est un ensemble artistique complet. Images différentes, solutions dramatiques, et pourtant toutes les symphonies forment une sorte de macrocycle avec un prologue tragique (Première – 1967) et « Épilogue » (Septième – 1986), qui, selon l'auteur, résume une grande étape créative. Dans ce macrocycle, la Quatrième Symphonie (1975), qui a reçu le Prix d'État, est à la fois le premier point culminant et le signe avant-coureur d'un tournant. Ses deux prédécesseurs se sont inspirés de la poétique du folklore géorgien, principalement des chants religieux et rituels, redécouvert dans les années 60. La deuxième symphonie, sous-titrée «Chants» (1970), est la plus brillante des œuvres de Kancheli, affirmant l'harmonie de l'homme avec la nature et l'histoire, l'inviolabilité des préceptes spirituels du peuple. Le troisième (1973) est comme un temple élancé à la gloire des génies anonymes, créateurs de la polyphonie chorale géorgienne. La quatrième symphonie, dédiée à la mémoire de Michel-Ange, tout en préservant l'intégralité de l'attitude épique à travers la souffrance, le dramatise par des réflexions sur le destin de l'artiste. Titan, qui a brisé les carcans du temps et de l'espace dans son travail, mais s'est révélé humainement impuissant face à l'existence tragique. La Cinquième Symphonie (1978) est dédiée à la mémoire des parents du compositeur. Ici, peut-être pour la première fois à Kancheli, le thème du temps, inexorable et miséricordieux, mettant des limites aux aspirations et aux espoirs humains, est teinté d'une douleur profondément personnelle. Et bien que toutes les images de la symphonie – à la fois lugubres et désespérément protestataires – vont sombrer ou se désagréger sous l'assaut d'une force fatale inconnue, l'ensemble porte un sentiment de catharsis. C'est la douleur pleurée et vaincue. Après l'exécution de la symphonie au festival de musique soviétique de la ville française de Tours (juillet 1987), la presse l'a qualifiée de « peut-être l'œuvre contemporaine la plus intéressante à ce jour ». Dans la Sixième Symphonie (1979-81), l'image épique de l'éternité réapparaît, le souffle musical s'élargit, les contrastes s'amplifient. Cependant, cela n'adoucit pas, mais aiguise et généralise le conflit tragique. Le succès triomphal de la symphonie dans plusieurs festivals de musique internationaux réputés a été facilité par sa «portée conceptuelle super audacieuse et son impression émotionnelle touchante».

L'arrivée du célèbre symphoniste à l'Opéra de Tbilissi et la mise en scène de "Musique pour les vivants" ici en 1984 en ont surpris plus d'un. Cependant, pour le compositeur lui-même, il s'agissait d'une continuation naturelle d'une collaboration de longue date et fructueuse avec le chef d'orchestre J. Kakhidze, le premier interprète de toutes ses œuvres, et avec le directeur du Georgian Academic Drama Theatre nommé d'après. Ch. Rustaveli R. Sturua. Après avoir uni leurs efforts sur la scène de l'opéra, ces maîtres se sont également tournés vers un sujet important et urgent ici - le thème de la préservation de la vie sur terre, les trésors de la civilisation mondiale - et l'ont incarné sous une forme innovante, à grande échelle et émotionnellement excitante. « Music for the Living » est à juste titre reconnu comme un événement du théâtre musical soviétique.

Immédiatement après l'opéra, la deuxième œuvre anti-guerre de Kancheli est apparue - "Bright Sorrow" (1985) pour solistes, chœur d'enfants et grand orchestre symphonique sur des textes de G. Tabidze, IV Goethe, V. Shakespeare et A. Pouchkine. Comme « Music for the Living », cette œuvre est dédiée aux enfants – mais pas à ceux qui vivront après nous, mais aux victimes innocentes de la Seconde Guerre mondiale. Déjà reçu avec enthousiasme lors de la première à Leipzig (comme la Sixième Symphonie, elle a été écrite sur commande de l'orchestre Gewandhaus et de la maison d'édition Peters), Bright Sorrow est devenu l'une des pages les plus pénétrantes et sublimes de la musique soviétique des années 80.

La dernière des partitions achevées du compositeur – « Moured by the Wind » pour alto solo et grand orchestre symphonique (1988) – est dédiée à la mémoire de Givi Ordzhonikidze. Cette œuvre a été créée au Festival de Berlin-Ouest en 1989.

Au milieu des années 60. Kancheli entame une coopération avec de grands réalisateurs de théâtre dramatique et de cinéma. À ce jour, il a écrit la musique de plus de 40 films (principalement réalisés par E. Shengelaya, G. Danelia, L. Gogoberidze, R. Chkheidze) et près de 30 représentations, dont la grande majorité ont été mises en scène par R. Sturua. Cependant, le compositeur lui-même considère son travail au théâtre et au cinéma comme une simple partie de la créativité collective, qui n'a pas de signification indépendante. Par conséquent, aucune de ses chansons, musiques de théâtre ou de films, n'a été publiée ou enregistrée sur un disque.

N. Zeifas