François Couperin |
Compositeurs

François Couperin |

François Couperin

Date de naissance
10.11.1668
Date de décès
11.09.1733
Profession
compositeur
Pays
France

Couperin. "Les Barricades mystérieuses" (John Williams)

Tout au long du XIXème siècle une remarquable école de musique pour clavecin se développe en France (J. Chambonière, L. Couperin et ses frères, J. d'Anglebert, et autres). Transmises de génération en génération, les traditions de la culture scénique et de la technique de composition ont atteint leur apogée dans l'œuvre de F. Couperin, que ses contemporains ont commencé à qualifier de grand.

Couperin est issu d'une famille de longue tradition musicale. Le service d'organiste à la cathédrale Saint-Gervais, hérité de son père, Charles Couperin, compositeur et interprète bien connu en France, François s'associe à un service à la cour royale. L'accomplissement de tâches nombreuses et variées (composer de la musique pour les services religieux et les concerts de cour, se produire en tant que soliste et accompagnateur, etc.) a rempli la vie du compositeur jusqu'à la limite. Couperin donnait également des cours aux membres de la famille royale : « … Depuis vingt ans j'ai l'honneur d'être auprès du roi et d'instruire presque simultanément son altesse le Dauphin, le duc de Bourgogne et six princes et princesses de la maison royale… » À la fin des années 1720. Couperin écrit ses dernières pièces pour clavecin. Une grave maladie l'oblige à abandonner son activité créatrice, à cesser de servir à la cour et à l'église. Le poste de chambriste passa à sa fille, Marguerite Antoinette.

La base du patrimoine créatif de Couperin sont des œuvres pour clavecin – plus de 250 pièces publiées dans quatre recueils (1713, 1717, 1722, 1730). Fort de l'expérience de ses prédécesseurs et de ses contemporains plus âgés, Couperin a créé un style de clavecin original, caractérisé par la subtilité et l'élégance de l'écriture, le raffinement des formes miniatures (rondo ou variations), et l'abondance de décors ornementaux (mélismes) qui correspondent à la nature de la sonorité du clavecin. Ce style exquis en filigrane est à bien des égards lié au style rococo de l'art français du XVIe siècle. L'impeccabilité française du goût, le sens des proportions, un jeu doux de couleurs et de sonorités dominent la musique de Couperin, excluant l'expression exacerbée, les manifestations fortes et ouvertes d'émotions. "Je préfère ce qui m'émeut à ce qui m'étonne." Couperin relie ses pièces en rangées (ordre) - des chaînes libres de diverses miniatures. La plupart des pièces ont des titres programmatiques qui reflètent la richesse de l'imaginaire du compositeur, l'orientation figurative spécifique de sa pensée. Ce sont des portraits féminins (« Touchless », « Naughty », « Sister Monica »), des scènes pastorales, idylliques, des paysages (« Reeds », « Lilies in the Making »), des pièces qui caractérisent des états lyriques (« Regrets », « Tender Angoisse »), masques de théâtre (« Satires », « Arlequin », « Trucs de magiciens »), etc. Dans la préface du premier recueil de pièces, Couperin écrit : « Quand j'écrivais des pièces, j'avais toujours un certain sujet en tête. – diverses circonstances me l'ont suggéré. Par conséquent, les titres correspondent aux idées que j'avais en composant. En trouvant sa propre touche individuelle pour chaque miniature, Couperin crée un nombre infini d'options pour la texture du clavecin - un tissu détaillé, aéré et ajouré.

L'instrument, très limité dans ses possibilités expressives, devient souple, sensible, coloré à la manière de Couperin.

Une généralisation de la riche expérience du compositeur et interprète, maître qui connaît à fond les possibilités de son instrument, est le traité de Couperin L'Art de jouer du clavecin (1761), ainsi que les préfaces de l'auteur aux recueils de pièces de clavecin.

Le compositeur s'intéresse surtout aux spécificités de l'instrument ; il clarifie les techniques d'exécution caractéristiques (surtout lorsqu'il joue sur deux claviers), décrypte de nombreuses décorations. « Le clavecin lui-même est un instrument brillant, idéal dans sa tessiture, mais comme le clavecin ne peut ni augmenter ni diminuer la puissance du son, je serai toujours reconnaissant à ceux qui, grâce à leur art et à leur goût infiniment parfaits, sauront rendre expressif. C'est ce à quoi aspiraient mes prédécesseurs, sans parler de l'excellente composition de leurs pièces. J'ai essayé de parfaire leurs découvertes.

L'œuvre instrumentale de chambre de Couperin est d'un grand intérêt. Deux cycles de concerts « Concertos royaux » (4) et « Nouveaux concertos » (10, 1714-15), écrits pour un petit ensemble (sextuor), ont été exécutés dans des concerts de musique de chambre de cour. Les sonates en trio de Couperin (1724-26) s'inspirent des sonates en trio d'A. Corelli. Couperin a dédié la sonate en trio "Parnassus, ou l'Apothéose de Corelli" à son compositeur préféré. Des noms caractéristiques et même des intrigues entières prolongées – toujours pleines d'esprit, originales – se retrouvent également dans les ensembles de chambre de Couperin. Ainsi, le programme de la sonate en trio « Apothéose de Lully » reflétait le débat alors à la mode sur les avantages de la musique française et italienne.

Le sérieux et la hauteur des pensées caractérisent la musique sacrée de Couperin – messes pour orgue (1690), motets, 3 messes pré-Pâques (1715).

Déjà du vivant de Couperin, ses œuvres étaient largement connues hors de France. Les plus grands compositeurs ont trouvé en eux des exemples d'un style de clavecin clair et classiquement poli. Ainsi, J. Brahms a nommé JS Bach, GF Haendel et D. Scarlatti parmi les élèves de Couperin. Des liens avec le style de clavecin du maître français se retrouvent dans les œuvres pour piano de J. Haydn, WA ​​Mozart et du jeune L. Beethoven. Les traditions de Couperin sur une base figurative et intonative complètement différente ont été ravivées au tournant des XNUMXe-XNUMXe siècles. dans les œuvres des compositeurs français C. Debussy et M. Ravel (par exemple, dans la suite de Ravel "Le Tombeau de Couperin".)

I. Okhalova

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